Hace una semanas se estrenaba en nuestro país sin hacer demasiado ruido ‘Más allá de la duda’, film realizado por el artesano, en otros tiempos estimable, Peter Hyams. Se trata de un remake de una película de Fritz Lang, sobre un acusado de asesinato con final sorpresa. No la he visto, ni creo que lo haga, ¿para qué si ya tenemos la versión de Lang? Y es que cuando una cosa está bien hecha, no es necesario volver a hacerla. Dudo mucho que Hyams haya aportado algo de interés a una trama cuya mayor fuerza residía en cuestionar el poder y el valor de la justicia.

Hablar de Fritz Lang es hacerlo sobre uno de los mejores directores de todos los tiempos. Uno de esos autores cuyas películas siguen hoy tan frescas como el primer día, a pesar de que el paso del tiempo suele acabar con todo. Su carrera se diferencia claramente en dos etapas, la muda y la sonora. En la primera, enteramente realizada en Alemania podemos encontrarnos con joyas del calibre de ‘Metrópolis’ (1927) o ‘Las tres luces’ (‘Der müde Tod, 1921), y en la sonora, casi en su totalidad americana, hayamos ‘Furia’ (‘Fury’, 1936), ‘Sólo se vive una vez’ (‘You Only Live Once’, 1937) o ‘Perversidad’ (‘Scarlett Street’, 1945), por citar sólo unas pocas. ‘Más allá de la duda’ (‘Beyond a Reasonable Doubt’, 1956) es la última película de su período americano antes de regresar a Alemania donde siguió haciendo cine.

La película narra la historia de dos hombres que planean derribar el sistema judicial, siempre lleno de fallos imperdonables. Para ello elegirán un reciente caso de asesinato, haciendo que uno de los dos aparezca como principal sospechoso al conducir todas las pruebas a él. Cuando se dicte sentencia (muy probablemente culpable), se presentarán las pruebas que demuestran su inocencia para que salga libre y de paso burlarse de un sistema que se cree perfecto. Una llamada a la conciencia pública sobre un modo de justicia que es capaz de encarcelar y condenar a muerte a un ciudadano inocente. A lo largo de la historia ha habido casos de hombre inocentes condenados, pero Lang va mucho más allá, le da la vuelta a la tortilla, proponiendo a través del excelente guión de Douglas Morrow, algo mucho más terrible.

En todo momento, Lang pone al espectador de su lado, haciéndole sabedor de todos los movimientos de los protagonistas, deseando que llegue el momento de demostrar que la justicia se equivoca con frecuencia, y hasta queremos llegar a ser partícipes del plan, pues todo está perfectamente cubierto y nada puede salir mal. Pero una pirueta final, inteligentemente insertada y nada forzada, logra que Lang pegue un puñetazo al espectador que hasta ese momento se lo tomaba todo como un juego. Dicho giro no sólo refuerza la idea de que cualquiera con un mínimo de pruebas es susceptible de ser encañonado por el peso de la ley, sino que además, cualquier culpable de un horrendo crimen puede salirse con la suya. Y es ahí donde Lang presenta absolutamente todas sus cartas. El destino de un hombre en manos de la ley tiene que ser algo más que un trozo de papel firmado, hay muchas más cosas que la culpabilidad o la inocencia, no todo es blanco o negro, es la amplia gama de grises en la que la justicia tiene que mirar con lupa, y no tomarse nada a la ligera. Lang consigue todo esto con un sólo plano: el del indulto. Un papel que representa la libertad, una libertad que un hombre ha intentado forjarse a base de mentiras, de trucos y dobles sentidos, los mismos que utiliza la ley para hacerse cumplir.

‘Más allá de la duda’ (sin duda un excelente título) es una muestra más del poderío narrativo de Fritz Lang, y de cómo éste se tomaba las historias que narraba con pasión, pero sobre todo navega alrededor del tema más presente en la filmografía del genial director: la justicia. Y es que desde sus cintas de cine mudo (donde ese tema se nota con menos presencia), hasta el presente film, pasando cómo no, por ‘M’, ‘El hombre atrapado’ (‘Man Hunt’, 1941) o los films citados anteriormente, Lang parecía obsesionado con este tema, remarcando además un elemento que se hace aún mayor en la etapa final de su filmografía americana: la mezquindad humana. Los personajes de ‘Más allá de la duda’ están acabados, y no hay nada en la mirada del director que haga pensar que todavía tiene fe en el hombre como en algunas de sus primeras películas. No hay duda de que el personaje central es el más mezquino de todos, pero los secundarios no se salvan de la quema, ninguno. Su importante amigo está cegado por dejar en ridículo a la justicia, su prometida (Joan Fontaine en su línea) tiene que hacer lo contrario a lo que su corazón le dicta, el amigo de ésta se aprovecha de ella, el juez es una marioneta al servicio de una ley difícil de administrar, y así podríamos seguir con los demás. El hombre es un ser imperfecto que ha creado la ley, cuya imperfección es retratada a través de la mezquindad del ser humano.

‘Más allá de la duda’ es una magnífica película, pero hay algo que le impide ser una obra maestra (término que podría utilizarse varias veces en la filmografía de Fritz Lang): Dana Andrews. Actor bastante limitado, tuvo la suerte de ser dirigido por excelentes directores que supieron aprovechar como pocos su inexpresividad. Pero esta vez Lang es incapaz de lograr que Andrews esté a la altura de lo que narra, y es que su personaje, que es el que lleva todo el peso de la función, es demasiado poderoso para ser interpretado de una forma tan plana y poco intensa, sobre todo teniendo en cuenta que el cine de Lang es intenso hasta la médula.

Lo que sí es una pena es que esta película no esté editada en DVD en nuestro país, y no parece que vaya a estarlo en un futuro próximo. Eso sí, el remake de Hyams adornará muchas de las estanterías de los videoclubs o grandes tiendas de origen francés (e inglés) para que el pobre consumidor se haga con ella sin saber que existe esta joya. Recomendación para las futura edición del film moderno (en caso de nadie tenga el valor de editar el film de 1956): un segundo disco con la versión de Lang, ya veréis como vendéis más.

Hace un par de meses, hablábamos aquí de películas de Sci-Fi, intentado recopilar los mejores títulos al respecto. Surgió la eterna discusión (en el sentido positivo de la palabra) de las diferencias entre Sci-Fi y fantasía, que evidentemente no son lo mismo. Ahora, me permito el lujo de jugar de nuevo a realizar una de esas listas que tanto nos gustan a todos, aunque luego no valgan para nada.

Aún a sabiendas de que películas de fantasía que merezcan realmente la pena, hay pocas en el cine, me ha sido bastante difícil elegir las diez finalistas. He dejado fuera aquellas que pueden significar una mezcla de géneros, como por ejemplo, films de la Hammer (sobre todo algunos firmados por Terence Fisher), o incluso las de Indiana Jones, en las que hay elementos fantásticos. No obstante, para completar el listado, ya estáis vosotros con vuestra aportaciones.

Damas y caballeros, bienvenidos a un mundo de fantasía. Pasen y disfruten:

• ‘Los nibelungos’ (‘Die Nibelungen: Siegfried’ – ‘Die Nibelungen: Kriemhilds Rache’, Firtz Lang, 1924)

Cualquier película de Fritz Lang tiene un interés por pequeño que sea, pero ésta en concreto son palabras mayores. Inspirada en leyendas noruegas, y en una leyenda teutona, ‘Das Nibelungenlied’, una producción muy ambiciosa para la época en la que fue rodada, y que Lang llevó a buen puerto a pesar de los inconvenientes. Estrenada en dos partes, permanece como uno de las muestras más grandes de lo que es el séptimo arte, así, sin paliativos. Inolvidables sus decorados, su ambientación y el expresionismo de Lang.

• ‘King Kong’ (Merian C. Cooper y Ernest B. Shoedsack, 1933)

Sin lugar a dudas, la mejor versión del famoso gorila. Una aproximación al mito de la bella y la bestia, servido con suma inteligencia. Además de proponer un espectáculo de primera clase, consigue una de las atmósferas más irreales jamás vistas. Impagables todos los momentos en los que sale Kong, y por supuesto Fay Wray. Fue objeto de varia secuelas, y de remakes. En ellos Jessica Lange, e incluso Linda Hamilton, intentan hacernos olvidar a Wray. Naomie Watts prácticamente lo consigue en la risible versión de Peter Jackson.

• ‘La bella y la bestia’ (‘La Belle et la Bête’, Jean Cocteau, 1946)

El inmortal cuento infantil tuvo muchas versiones, siendo la más famosa la realizada por Disney allá por 1992, y que sin duda es magistral. Pero el film de Cocteau va mucho más allá del cuento en sí. Conservando todo el espíritu del mismo, es un viaje onírico sin retorno en el que cobran una importancia vital los decorados y el maquillaje, los cuales sirvieron de inspiración en años venideros.

• ‘El fantasma y la Sra. Muir’ (‘The Ghost and Mrs. Muir’, Joseph L. Mankiewicz, 1947)

Hablando de atmósferas irreales u oníricas, el film del gran Mankiewicz es una muestra excelente. Esta historia de amor atemporal queda como un canto a la fantasía, y como uno de los mejores trabajos de su polifacético director. Un relación imposible, en términos reales, entre una viuda y el fantasma de un viejo marinero, que alcanza cotas insuperables, mezclando con estilo, humor y drama. Impresionante su parte final.

• ‘Jennie’ (‘Portrait of Jennie’, William Dieterle, 1948)

Dalí decía que era la única película que merecía la pena. Lo cierto es que es una de las pocas que poseen un extraño poder de fascinación, al que es absolutamente imposible no rendirse. Es una historia de amor entre un hombre normal y corriente, pintor de profesión, y una chica, cuya existencia se pone en duda durante toda la proyección. Los actores están todos increíbles, incluida la horrorosa Jennifer Jones, que tuvo el papel principal por razones más que evidentes (señora de O. Selznick). La mejor película del injustamente olvidado William Dieterle.

• ‘El imperio contraataca’ (‘The Empire Strikes Back’, Irvin Kershner, 1980)

Con el tiempo se convirtió en la mejor de toda la saga galáctica, creada por el visionario George Lucas. Esta vez dejó tareas de dirección en el eficaz artesano Kershner, y los resultados a la vista están. Una lección de cómo debe ser una secuela en condiciones, ampliando el universo de la primera entrega, con la introducción de nuevos personajes, y terminado el perfil de los ya existentes. Una completa gozada de principio a fin, y con un clímax final que no hace falta que señale.

• ‘Excalibur’ (John Boorman, 1981)

Muchas versiones se han realizado sobre el mito del Rey Arturo, pero ésta es indudablemente la mejor. Boorman filma su mejor trabajo, toda un proeza vista desde cualquier punto. Los actores, todos excelentes; el uso de los exteriores, increíble; la banda sonora, inolvidable. Se acentúa el lado mágico de la historia, y se mezcla con un realismo inusitado. Atención a una imponente Helen Mirren en sus años mozos.

• ‘Lady Halcón’ (‘Ladyhawke’, Richard Donner, 1985)

Para el que esto suscribe, se trata de la mejor película de Richard Donner, director capaz de lo mejor y también de lo peor. Aventuras de capa y espada, dotadas de elementos fantásticos en la historia de amor central. Casi sin efectos visuales se logra hacer creíble algo increíble. Extraordinaria compenetración entre los tres actores principales, Matthew Broderick, Rutger Hauer y una preciosa Michelle Pfeiffer. Hasta pega bien la anacrónica música de Andrew Powell (The Alan Parsons Project).

• ‘Legend’ (Ridley Scott, 1985)

Una película totalmente incomprendida en su época, y en la de ahora y en las venideras. Una pena, porque se trata de un cuento, con una evidente carga de inocencia (como todos los cuentos) y onírica, deudora directa del film de Cocteau antes comentado. Son muchas sus virtudes, pero es imposible no acordarse de un inmenso Tim Curry dando vida a un ser temible; o de la portentosa banda sonora de Jerry Goldsmith (sustituido por Tangerine Dream cuando el film se editó en vídeo); o el trabajo de Rob Bottin en el maquillaje, en el que por cierto se inspiró Peter Jackson para su famosa trilogía. Fue recortada en media hora en el momento de su estreno, estando disponible la versión íntegra en dvd en los USA. Tenía que ser la película que lanzara la carrera de Tom Cruise, pero debido a su fracaso éste tuvo que esperar a que el hermano de Ridley Scott hiciese la infumable ‘Top Gun’.

• ‘Eduardo manostijeras’ (‘Edward Scissorhands’,1990)

La obra cumbre de Tim Burton, que sorprendió en el momento de su estreno, ya que nadie se esperaba una película de estas características. Un cuento de hadas total y absoluto, con todos los ingredientes de los cuentos. Historia de amor, castillo, villano, maldición, científico, etc. Todo ello bajo la batuta de un director que sabía perfectamente lo que hacía. Inolvidable la aparición de Vincent Price, y la banda sonora de Danny Elfman.

‘Alien Quadrilogy’

Ya habían editado la famosa saga de Sci-Fi, pero ahora lo hacen en uno de esos estuches metálicos tan chulos, y que me consta que suben las ventas de una forma sorprendente. Increíble, le cambian el envoltorio y venden todavía más. Lo peor de esta edición es que viene pelada de extras, y ni siquiera han incluido los montajes del director, que en algún caso, como el de David Fincher, mejoran considerablemente lo ya visto. Hay que anotar que Fincher nada tuvo que ver en ese nuevo remontaje, pero aún así, es preferible a la desastrosa versión estrenada en cines. Recordemos simplemente por recordar, que la saga está formada por ‘Alien’ de Ridley Scott (obra maestra insuperable), ‘Aliens. El regreso’ (magistral aportación de James Cameron), ‘Alien 3’ (a Fincher no le dejaron hacer nada, y el resultado fue pésimo) y ‘Alien Resurección’ (con el europeo Jean Pierre Jeunet al mando, mejoró algo las cosas, pero no dejó huella).

‘88 minutos’

Director: Jon Avnet

Intérpretes: Al Pacino, Alicia Witt, Leelee Sobieski, Amy Brenneman y William Forsythe

En otros tiempos Jon Avent fue un director de lo más interesante, sobre todo gracias a films como ‘Tomates verdes fritos’ o ‘The War’. Con el paso de los años se fue convirtiendo en un realizador de lo más endeble, sin garra ni espíritu. Esta película, protagonizada por un sobrado Al Pacino, es una buena muestra de ello. Ahora nos llega en formato digital, con una edición en la que además podremos ver un making of.

Críticas en Blogdecine:

• ‘88 minutos’, típico psicothriller
• 88 minutos de soberano aburrimiento

‘La boda de mi novia’

Director: Paul Weiland

Intérpretes: Patrick Dempsey, Kadeem Hardison, Michelle Monaghan, Kevin McKidd, Chris Messina, Whitney Cummings y Busy Philipps

Sinopsis: Para Tom (Patrick Dempsey), la vida es maravillosa: Es sexy, triunfador, tiene éxito con las mujeres y sabe que siempre podrá confiar en su mejor amiga, la encantadora Hannah (Michelle Monaghan). Todo va bien hasta que Hannah se va seis semanas a Escocia por trabajo. Tom se da cuenta de que su vida está vacía sin ella y decide pedirle matrimonio cuando regrese de su viaje. El problema es que Hannah vuelve prometida y le pide a Tom que sea su “dama de honor”.

No me interesó cuando pasó por las salas, mucho menos ahora. Dvd con extras, como comentarios del director, making of y escenas eliminadas-

Crítica en Blogdecine:

• ‘La boda de mi novia’, plúmbeo casamiento nada original

‘Dead Space. Perdición’

Director: Chuck Patton

Sinopsis: Para la tripulación del USG Ishimura así es como el horror comienza: En una profunda excavación en un remoto planeta, una antigua reliquia religiosa, a la que se considera la prueba de la existencia de Dios, es desenterrada y llevada a bordo donde es adorada por unos y despreciada por otros. Pero cuando el profano artefacto libera a una raza alienígena que había permanecido dormida durante largo tiempo, el momentáneo Paraíso se transforma en el vivo Infierno. El caos es inmediato y la carnicería incontrolable. Una invasión nunca antes presenciada por la humanidad y se va a llevar a cabo para destruir la Tierra.

Película precedida de un cómic, y culminada con un videojuego. Los aficionados a la franquicia pueden informar más de lo que servidor es capaz de interesarse.

‘Quo Vadis’ + ‘Julio César’

Directores: Mervin LeRoy y Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: Marlon Brando, John Guielgud, James Mason, Louis Clahern, Robert Taylor, Deborah Kerr, Patricia Laffan y Finlay Currie

¿Qué decir a estas alturas de estas dos míticas películas? Personalmente prefiero el film dirigido por Mankiewicz, una magistral recreación del asesinato de Julio Cesar con un imponente Brando como Marco Antonio. Una puesta en escena de lo más sobria y elegante, y unos diálogos que quitan el hipo, rondan la perfección. El film dirigido por LeRoy siempre me pareció un poco sobrevalorado, aunque estimable; y la belleza de Deborah Kerr es algo que siempre hay que experimentar. Ambas películas pueden adquirirse por separado, y también en un pack conjuntas, una edición para coleccionistas que recoge las ediciones especiales de ambos films.

Buster Keaton Collection

Una espléndida edición que reúne siete films protagonizados (y en algún caso dirigidos) por el genial Buster Keaton, nombre totalmente imprescindible en la evolución del séptimo arte. Las películas en cuestión son: ‘El maquinista de la general’, ‘La casa eléctrica’, ‘El aeronauta’, ‘La barca’, ‘El Guerrero’, ‘Las relaciones con mi mujer’, ‘El rostropálido’ y ‘El gran espectáculo’.

Una oportunidad única para hacerse a buen precio, la cosa no llega a los 25 euros), con una serie de películas pertenecientes a una época del cine de la que me considero un enamorado total: el silente. A veces pienso que me llegaría con no salir del mudo. Allí está prácticamente todo.

‘Dueños de la calle’

Director: David Ayer

Intérpretes: Keanu Reeves, Forest Whitaker, Hugh Laurie, Jay Mohr, Cedrid the Entertainer, Chris Evans, Terry Crews, Common y Naomie Harris

Por muchos ninguneada, por otros disfrutada, servidor (¿cuántas veces digo esta palabra a lo largo del día?) cree que se trata de un digno producto, algo desequilibrado, pero muy eficaz en intenciones. El dvd viene con varios extras, como comentarios del director, tomas falsas, alternativas, cuatro cortometrajes y un making of.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Dueños de la Calle’, GTA + lo de siempre
• ‘Dueños de la Calle’, todos somos malos
• Dueños de la calle y del aburrimiento

‘El último gran mago’

Directora: Gllian Armstrong

Intérpretes: Catherine Zeta-Jones, Timothy Spall, Guy Pearce, Aaron Brown, Martin Fisher, Jack Bailey, MacKay Crawford y James Fiddy

Sinopsis: Es 1926. En su gira mundial el Gran Houdini (Guy Pearce), el famoso mago, llega a Edimburgo entre los clamores del público. Harry Houdini sigue llorando la reciente muerte de su madre hasta el punto de que ha desarrollado una obsesión con la parapsicología. Está decidido a dar 10.000$ al médium que consiga pronunciar las últimas palabras que dijo su madre en su lecho de muerte. Su representante, el Sr Sugarman y Harry comienzan a entrevistar a potenciales parapsicólogos. Al ver a Benji y Mary (Catherine Zeta-Jones), Harry siente por fin que ha encontrado a una médium digna del gran desafío.

Crítica en Blogdecine:

• ‘El último gran mago’, el último gran intento fallido de hacer algo profundo

‘Horton’

Directores: Jimmy Hayward y Steve Martino

Sinopsis: Horton es un elefante alegre y juguetón que atiende al grito de ayuda de una mota de polvo que flota en el aire. Pronto descubrirá que, por increíble que parezca, dentro de dicha mota se encuentra el pueblo de Villaquién, una pequeña ciudad habitada por diminutos personajes metidos en grandes problemas. Horton deberá enfrentarse a los peligros de la selva para proteger a sus nuevos amigos.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Horton’, dos mundos para pasárselo pipa

‘House by the River’

Director: Fritz Lang

Intérpretes: Louis Hayward, Jane Wyatt, Lee Bowman, Dorothy Patrick, Ann Shoemaker, Jody Gilbert y Sarh Padden

Una película de Fritz Lang siempre tiene un interés, por pequeño que éste sea. Otro de esos directores sin los cuales el discurso del Cine no sería lo mismo. Films de suspense, no se encuentra entre lo mejor de Lang, pero es un disfrute. La película la edita la Fnac en su colección Filmotecafnac, en la cual ya han caído unas cuantas joyas. Entre los extras del dvd podemos encontrarnos con una entrevista a Pierre Risient.

Crítica en Blogdecine:

• ‘House by the River’, un Fritz Lang menor y poco conocido

Más información: Zonadvd

A las 21.30 horas del pasado miércoles, en el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid, tuvo lugar una proyección de la mítica película ‘Metrópolis’, del director Fritz Lang con guión de su esposa Thea Von Harbou. El film es de 1927 y es el único declarado patrimonio de la humanidad de la Unesco.

La banda sonora para la película, de Gottfried Huppertz, fue convenientemente reinterpretada para la proyección, que corrió a cargo de la Orquesta de Castilla y León, dirigida por Winfried Mitterer. Aplausos enormes para la orquesta, sorprendentes (al menos para mí) abucheos cuando el presentador pidió aplausos para el Ayuntamiento de Valladolid y para la Junta de Castilla y León, y sin más preámbulo, los componentes de la orquesta se sentaron, y tras unos rótulos previos indicando el contexto de la historia, comenzaron con la música.

No voy a explicar aquí ‘Metrópolis’, porque es una obra tan trascendental que se han escrito miles de páginas sobre ella. Sólo me quedo con momentos. La expresividad angustiada de Gustav Fröhlich, dando vida al héroe de turno, Freder. La solemnidad de su padre, Joh Fredersen, interpretado por Alfred Abel. La mirada de Brigitte Helm, y su histrionismo malévolo cuando da vida a su sosías robótico. La procesión cansada de los obreros en el cambio de turno. La amistad de Freder con Josafat. Los rascacielos en blanco y negro. El ritmo endiablado que jamás se estanca. Los tres o cuatro temas musicales centrales, que varían sus movimientos con una soltura extraordinaria.

Dividida en dos partes, la proyección de ‘Metrópolis’ supo arrancar sonrisas, tarareos de algunos de los temas, y hasta escalofríos de implicación en la historia. ‘Metrópolis’ es la distopía perfecta, una maravilla que sabe combinar la ambientación futurista más influyente de la historia del cine con temas que rebasan la política y la religión. Aborda, sin profundizar mucho (ni falta que hace) la inteligencia artificial, la conciencia de clase, el crecimiento de la población, la identidad y el libre pensamiento. Todo ello acompañado por una orquesta especialmente brillante, que en ningún momento decae y que aparece más inspirada cuando la película más lo requiere.

Quizás suene doloroso decirlo (por lo que conlleva), pero probablemente esta proyección de ‘Metrópolis’, con la Orquesta de Castilla y León, ha sido de largo la mejor experiencia que un servidor ha tenido en la Seminci, teniendo en cuenta que ya había visto la película cuatro o cinco veces. Ha tenido que llegar Fritz Lang para volver a enseñarnos el cine más puro, más sólido, más disfrutable. Inconmensurable.

En Blogdecine:

• Mi cobertura de la Seminci 08.

• ‘En el Punto de Mira’

Sale a la venta, en dos versiones diferentes, simple y especial (con estuche metálico), este prometedor thriller que resultó ser un completo desastre. Dirigida por Pete Travis y protagonizada por Dennis Quaid, Forest Whitaker, Matthew Fox, Ayelet Zurer, Saïd Taghmaoui, Edgar Ramirez, William Hurt, la película debía contar desde ocho puntos de vista diferentes un mismo hecho: el asesinato del presidente de los Estados Unidos en Salamanca. Personajes vacíos, trama absurda y persecuciones imposibles, lo que realmente hay en este aburrido espectáculo. Si a algo de vosotros os gustó y tenéis intención de comprarla, comentaros que la edición simple, además de contar con una portada horrorosa, trae sólo unos trailers y los audiocomentarios de Travis; la edición especial incorpora el estuche metálico y un disco más, en el que documentales, escenas eliminadas y una entrevista a Eduardo Noriega (sí, sólo a él).

• ‘1408’

Esta película de Mikael Håfström, basada en una obra de Stephen King, narra cómo un afamado escritor de novelas de terror, que sólo cree en aquello que ven sus ojos, ocupa la suite 1408 del Hotel Dolphin para volver a demostrar que no hay nada sobrenatural en este mundo, sin embargo… Sin embargo, lo que personalmente esperaba que fuera una terrorífica sesión de cine, se quedó en una flojita demostración de lo mal que quedan algunas cosas de este género cuando se muestran, en lugar de sólo sugerirlas. John Cusack muy bien, como siempre, y lo mejor de todo, el principio, justo hasta que entra el protagonista en la 1408. El DVD tiene trae los siguientes extras: trailer, entrevistas a los miembros del rodaje e imágenes del rodaje.

• ‘El Señor de la Guerra’

Dirigida por Franklin J. Schaffner (‘El Planeta de los Simios’, ‘Patton’) y protagonizada por Charlton Heston (‘Ben-Hur’, ‘Cuando el Destino nos Alcance’), la película nos sitúa en Normandía en el siglo XI, y nos presenta al caballero Chrysagon, que tras perder los terrenos familiares durante un ataque vikingo, es encargado por el duque de Normandía de defender una región costera inhóspita acosada por los frisones. Al parecer, el DVD viene sin extras (trae subtítulos en castellano, menos mal).

• ‘Nido de Víboras’

Anatole Litvak (‘El Cielo y Tú’) dirige a Olivia de Havilland, Celeste Holm, Mark Stevens, Leo Genn y Glenn Langan. La trama es la que sigue: Virginia es una joven mujer que se acaba de casar con Robert Cunningham. Como Virginia tiene un sentimiento de culpa por un hecho ocurrido hace años y su comportamiento es cada vez más imprevisible, Robert llega a la triste conclusión que necesita ayuda médica. Es internada en un hospital para recibir tratamiento, donde es escuchada con compasión por el psiquiatra Mark Kik, pero ha de enfrentarse con una enfermera rencorosa y pacientes altamente perturbados. Un día, la amenazan con encerrarla en el “nido de víboras”, una habitación para los casos más severos. El DVD no trae extras de ningún tipo, aunque avisa que la película es en blanco y negro (CUIDADORRR).

• ‘Myra Breckinridge’

Michael Sarne dirige a Mae West, John Huston, Raquel Welch y Farrah Fawcett, en una comedia cuyo argumento es el siguiente: Myron Breckinridge se va a Europa y se cambia de sexo. Luego, vuelve a Estados Unidos como Myra Breckinridge, una glamorosa y obstinada mujer, y se presenta en la casa de Buck Loner, el tío de Myron. Buck es un ex cowboy que trabaja ahora como empresario en una escuela de futuras estrellas del cine. Myra insiste en que es la viuda de Myron y le reclama la herencia de su difunto marido… Sin extras.

• ‘La Estrella Ausente’

Vincenzo, un ingeniero italiano cuya fundición ha pasado a manos de una empresa china, está muy preocupado porque les han vendido una máquina defectuosa que en su día causó la muerte de un trabajador; ahora que han descubierto la forma de repararla, Vincenzo toma un vuelo de inmediato para subsanar el problema. Al llegar a China conoce a Liu Hua, una joven intérprete; juntos emprenderán una odisea para llegar a la fábrica y reparar la máquina. Protagonizada por Sergio Castellitto y dirigida por Gianni Amelio, la película tuvo diferente acogida en Blogdecine, cuando se estrenó en España; mientras que a nuestra querida ex-compañera Teresa Morales le pareció una maravilla, a nuestro colega Alberto Abuín le resultó un film muy flojo. Yo aún no la he visto, así que no os puedo decir. El DVD viene pelado de extras, apenas un trailer.

• ‘Espíritu de Conquista’

Dos palabras: Fritz Lang. Con el legendario director al frente de este título, pocos seremos los que no nos sintamos interesados por adquirir el DVD. Desgraciadamente, la película viene sin extras de ningún tipo, algo a lo que en realidad ya estamos acostumbrados. Si fuera Peter Beg o Michael Bay, tendríamos ediciones de 4 discos, pero en fin… ¿Alguien ve tantos extras? ‘Espíritu de Conquista’ es un western protagonizada por Randolph Scott, Robert Young, Dean Jagger, Virginia Gilmore y el siempre magnífico John Carradine, cuyo argumento gira en torno a Edward Creighton, ingeniero en la compañía telegráfica Western Union, encargado de dirigir la instalación de una línea a través de los territorios del Oeste. Ayudado por su hermana, Sue, recluta a personal en los pueblos más cercanos, pero la región es peligrosa e infestada de indios…

• Alain Resnais

Por último, destacar que se ponen a la venta varias películas de este prestigioso director francés. En concreto las ediciones remasterizadas de ‘Muriel’, ‘Noche y Niebla’ y su ópera prima, la que le catapultó a la fama, ‘Hiroshima, Mon Amour’ (podéis leer una crítica de Alberto Abuín). Sin extras.

Vía | ZonaDVD

Justo entre las impresionantes ‘Un Hombre Atrapado’ y ‘Los Verdugos También Mueren’, Fritz Lang dedicó buena parte de su tiempo a preparar ‘Moontide’, la cual empezó a rodar, y de repente a los cuatro días de rodaje abandonó el proyecto. Fue sustituido por un especialista en sustituir a directores que abandonaban, o les hacían abandonar, los rodajes. Archie Mayo era su nombre, un artesano que hizo infinidad de películas en los años 30 y 40. Mayo llegó a tomar el relevo de directores tan grandes como John Ford, Robert Florey o Michael Curtiz, aunque por supuesto no fue conocido sólo por eso. Sin ser uno de los grandes, era un director bastante solvente. Suyas son, por ejemplo, ‘El Bosque Petrificado’ o ‘Una Noche en Casablanca’ (probablemente la mejor película protagonizada por los Hermanos Marx en su etapa de decadencia).

‘Moontide’ narra la historia de Bobo, un vividor borrachín y mujeriego que un día amanece en un pequeño puesto de venta de cebos. Convencido por el dueño se queda allí a trabajar, y sospechando que su última noche de borrachera ha sucedido algo trágico y no lo recuerda con claridad. Un hombre ha sido estrangulado, y Bobo podría haber cometido el crimen. Conocerá a una joven mujer a la que salva de querer suicidarse, enamorándose de ella, y suponiendo para Bobo un cambio en su vida, sentar la cabeza y ser alguien decente.

Lang levantó el proyecto, pero sólo rodó durante cuatro días, por lo que la mayor parte de lo filmado pertenece a Mayo. De todos modos, es muy difícil certificar con total seguridad cuáles fueron las secuencias que rodó Lang y cuáles Mayo. Todo queda a la imaginación del espectador, o mejor dicho a sus deseos, el que tal o cual secuencia le hubiera gustado que fuera dirigida por uno u otro director. Personalmente pienso que ciertas secuencias nocturnas, en las que se ve un tratamiento en la fotografía excelente, y sus dramáticas situaciones parecen sacadas de cualquier otro film de Lang: un personaje enfrentándose a su inevitable destino.

‘Moontide’ intentó ser un vehículo para que el conocido actor francés Jean Gabin tuviese su espacio en el cine estadounidense, pero la película fue un fracaso. Tuvo un intento más al año siguiente con ‘El Falsario’, film made in Usa dirigido por Julien Divivier, pero el resultado fue el mismo, por lo que Gabin terminó por volver a su patria querida en la que aún hoy es uno de los actores más admirados de todos los tiempos, admiración que, subrayo, se extendió a todas partes del mundo. Probablemente Gabin era un actor demasiado francés, demasiado europeo, como para cuajar en el todopoderoso starsystem de Hollywood, pero Charles Boyer también lo era, por poner un ejemplo de la misma época, y cuajó perfectamente. Gabin compone un personaje muy a su medida, un perdedor por naturaleza cuyos máximos sueños son estar agarrado a una botella y olvidarse de lo puñetero que puede ser el mundo. Como contrapunto, una preciosa Ida Lupino, como tabla de náufrago, la única cosa por la que nuestro protagonista es capaz de cambiar radicalmente su triste vida. Ambos actores se compenetran a la perfección. El personaje de Gabin está lleno de multitud de matices, y la Lupino puede que irrumpa en la acción un poco forzosamente, y luego tal vez no tenga motivos demasiado claros para permanecer en el relato más allá de enamorar al personaje central, pero más tarde está muy bien aprovechada.

En aquellos años, concretamente 1942, era normal ver en una película a dos o tres secundarios de los considerados inmortales. En ‘Moontide’ tenemos a un Thomas Mitchell dando vida a un personaje realmente despreciable cuya forma de ser queda muy clara desde el inicio del film, y el genial Claude Rains (el eterno secundario por excelencia, tanto que la única vez que hizo un papel protagonista, era invisible) al otro lado con un personaje bondadoso, en cierto modo un ángel de la guarda del personaje de Gabin.

‘Moontide’ queda como una magnífica película de lo mejor rodado por Mayo, a pesar de haber sustituido a un grande como Lang, que sólo trabajó los cuatro día mencionados y dejó un material que prácticamente nadie podía estropear. Aún así Mayo tuvo que filmarlo, logrando un film cuasi perfecto, bastante desconocido que por supuesto no está disponible en dvd, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer en caso de que os interese. Supone todo un bálsamo para los cansados de la actual oferta cinematográfica.

En Blogdecine | Fritz Lang, Jean Gabin, Ida Lupino

Aprovechando que pasado mañana se estrena entre nosotros ‘Mr. Brooks’, de las que pronto os hablaré, aprovecho para continuar con esta serie de posts personales, y que en la medida de lo posible intentaré publicar cada lunes (alguno que otro fallaré). Hoy le toca el turno a esos seres tan queridos en el mundo del celuloide como los psicópatas, en el sentido amplio de la palabra, y derivaciones de la misma. Como siempre, reduzco la cosa a diez. Para el resto ya estáis vosotros. Cuidado, el post está lleno de SPOILERS.

• Norman Bates, en ‘Psicosis’. Probablemente el más famoso de todos. Este chico tímido, recepcionista del motel más terrorífico de la historia, es un encanto de persona por esa timidez y rareza, bajo la que se oculta un oscuro secreto, sin lugar a dudas uno de los giros argumentales más sorprendentes de toda la historia del cine. Lamentablemente Perkins, mejor actor de lo que muchos decían, se vio encasillado para el resto de su vida por este personaje.

• Hans Beckert, en ‘M’. De apariencia más inofensiva que el anterior, su debilidad eran las niñas pequeñas, en esa obra maestra de Fritz Lang que no se estrenó en nuestro país hasta 1961. Impresionante estudio sobre la maldad humana y las leyes que la rigen, Lorre consiguió hacerse inmortal con este personaje, sin lugar a dudas uno de los más influyentes en el cine posterior.

• Harry Powell, en ‘La Noche del Cazador’. La única película dirigida por el gran Charles Laughton contenía uno de los psicópatas más fascinantes de todo el séptimo arte, verdadero ogro de un extraordinario cuento de hadas. Con apariencia de cura, aparentemente más fiable que cualquier otro mortal, es verdaderamente un enviado del Diablo y no de Dios, capaz de emitir uno de los gritos más inhumanos que se hayan escuchado jamás en una película.

• Profesor Warren, en ‘La Escalera de Caracol’. Una de las obras maestras del gran Robert Siodmak, contenía uno de esos personajes, hoy un tanto olvidados, capaz de provocar verdaderas pesadillas, a pesar de su normalidad. Lo único que vemos del asesino es un ojo siempre vigilante ante su propia víctima, hasta que al final descubrimos su identidad, y con ella su “adicción”.

• Robert Elliott, en ‘Vestida Para Matar’. En la obra maestra de Brian De Palma, con innumerables guiños a Hitchock, realizados con inteligencia, Michael Caine se corona con una de sus interpretaciones más arriesgadas, ese hombre/mujer capaz de cometer los asesinatos más sangrientos navaja en mano. Cada vez que se abre un ascensor sigo pensando que el doctor Elliott, con su peluca rubia puede aparecer de repente.

• Hannibal Lecter, en ‘El Silencio de los Corderos’. Nunca un psicópata fue tan inteligente, y además logró caer tan bien al público, evidentemente por la fantástica interpretación de Anthony Hopkins, quien repetiría personaje en la estupenda ‘Hannibal’ y en la pasable ‘El Dragón Rojo’. ¿Os apetece un sorbete de sesos?

• John Doe, en ‘Seven’. Otro cuya inteligencia traspasaba cualquier frontera. por supuesto un perfecto Kevin Spacey ayudaba a que semejante elemento ejerciera un enorme poder de fascinación y al mismo tiempo repulsión, sobre el espectador. La sobrevalorada película de Fincher (ojo, me parece muy buena, pero no una obra maestra) tenía uno de los finales más anticlimáticos y excelentes del reciente cine. Spacey se coronaría aquel año con otro personaje genial, pero que ocupará un lugar en otro post.

• Robert Rusk, en ‘Frenesí’. Este perfecto inglés se acostaba con un montón de mujeres, con la que luego sacaba su verdadera personalidad, un misógino de mucho cuidado al que le encantaba acabar con la vida de las pobres muchachas estrangulándolas. El televisivo Barry Foster se haría famoso en el cine por este papel en la penúltima y magnífica película de don Alfred.

• Max Cady, en ‘El Cabo del Terror’. Probablemente el más normal de todos, y no por ello menos terrorífico. Es más, esa normalidad aparente no era más que un refugio para un asesino en potencia, que con la excusa de la venganza por haber sido encarcelado, daba rienda suelta a sus habilidades para asesinar. Es una pena que Mitchum no hiciera más veces de malo de las que hizo, era simplemente genial.

• Max Cady, en ‘El Cabo del Miedo’. El inferior remake por parte de Scorsese de la genial película de J. Lee Thompson contenía una interpretación de don Robert De Niro a la altura de la de Mitchum, dándole otras connotaciones, sobre todo religiosas. Si algún día veo a un tipo en el cine fumando un enorme puro y riendo a carcajada limpia sin parar, no le pienso decir ni mu.

Evidentemente, ni son todos los que están ni están todos los que son, pero eso se arreglará con vuestros comentarios. Mostrad vuestro lado más psicópata.

‘La Venganza de Frank James’ (The Return of Frank James, 1940) es la continuación directa de ‘Tierra de Audaces’ realizada un año antes por Henry King. El gran Fritz Lang tuvo la oportunidad de filmar aquí su primer western adentrándose todavía más en la cultura norteamericana que tanto admiraba el famoso director, y sobre la que se permitió el lujo de hablar en sus películas de una forma directa, concisa y sin reservas. Este film, además es la primera película en color de Lang y el primer título en el que aparecía una de las más bellas y mejores actrices de todos los tiempos: Gene Tierney.

‘La Venganza de Frank James’, como su título bien indica, versa sobre los deseos de venganza por parte del hermano de Jesse James después de que éste fuera asesinado por el cobarde Robert Ford. Frank saldrá de su retiro para buscar justicia aplicándola como mejor sabe. Para ello tendrá ayuda de todos aquellos que simpatizaban con los hermanos James, y más concretamente de un muchacho con aires de grandeza, y una joven periodista, hija del dueño de uno de los periódicos más importantes del país, y que se sentirá fascinada por todo el mundo que rodea a Frank James.

El film es una continuación en toda regla, partiendo de la última escena que cerraba ‘Tierra de Audaces’, en la que un apuesto Tyrone Power daba vida al legendario Jesse James. Tanto es así que da la sensación de que ambas películas se rodaron seguidas cuando no fue así, y eso que no les separa ni un año, pero en aquella época un mismo actor o director eran capaces de rodar varios títulos en un solo año. No obstante enseguida vemos el cambio de director, gracias a la excelente puesta en escena de Lang, la cual puede verse un poco afectada por un guión que tal vez no esté a la altura de las circunstancias, una simple historia de venganza con pocas ramificaciones y sin demasiadas complicaciones, aunque en determinados momentos vemos la mano crítica de su director dotando con su propia personalidad alguno de los pasajes de la película.

Una vez más Lang nos habla de la justicia, de lo mal que puede acabar uno si se deja llevar por los deseos de venganza, casi siempre destructivos y de fatales consecuencias para todos. El director consigue reunir todo eso en un solo personaje, Frank James, la verdadera estrella de la función, que no sólo piensa en que se haga justicia, y para ello tenga que atracar bancos, sino en todo el que le rodea y si sus acciones pueden influirles en manera alguna. El personaje está interpretado por un soberbio, como casi siempre, Henry Fonda, quien aquí tiene oportunidad de lucirse todo lo que no pudo en el anterior film, en el que su personaje quedaba un poco desdibujado. Fonda está soberbio, impresionante, componiendo un rol lleno de matices que enriquece con simples gestos o miradas, o su forma de caminar.

A su lado, actuando por primera vez delante de una cámara, la maravillosa y única Gene Tierney, y que para un servidor supone la gran decepción de la película. Dejando a un lado que el papel es de lo más típico, por mucho que la vistan de periodista interesada en asuntos serios, no deja de ser la típica comparsa femenina, sin la más mínima fuerza, algo extraño en el cine de Lang, en el que hay verdaderas piezas maestras sobre el universo femenino. La Tierney está bastante sosa e inexpresiva, resultando su interpretación bastante floja, algo impensable en una actriz de ese talante. Menos mal que pronto llegarían los personajes inmortales que Tierney nos dejó y por los que algunos le rendimos amor eterno. Pero las cosas como son, y aquí no son demasiadas buenas en este punto verdaderamente crucial. Una pena.

Citar, como no, a dos secundarios como Jackie Cooper, el inolvidable compañero de Wallace Beery en alguna que otra inolvidable película, aquí a punto de ser un hombre, acompañando a Frank James en sus correrías; el actor está simplemente correcto, pero desprendiendo una enorme simpatía. Y como Robert Ford, el inolvidable John Carradine, haciendo gala de sus dotes para este tipo de personajes malvados, destacando por encima de todo la fanfarronería y la cobardía del personaje, dos características que Carradine borda como ninguno.

Una buena película que no se encuentra entre las grandes obras de Lang, aunque su sello queda bien impreso. Se acercaría dos veces más al género del western, en la menor ‘Espíritu de Conquista’ al año siguiente y en la laureada ‘Encubridora’, en los años 50. ‘La Venganza de Frank James’ no se encuentra editada en dvd en nuestro país, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer en caso de que os interese verla.

Pensaba que dividir mis películas favoritas a diez por década me supondría una tarea fácil, pero lo cierto es que me está resultando más difícil de lo que yo pensaba. Cuesta dejar fuera algunos títulos, pero es lo que hay. Dejamos la época del silencio, y nos adentramos en el recién inventado cine sonoro, aunque hay alguna excepción.

• ‘Freaks’. Probablemente la obra maestra de Tod Browning, uno de los grandes de aquellos años. Esta historia de amor, celos y ambición en un ambiente circense de lo más peculiar, sigue provocando fascinación hoy día, gracias al enorme poder visual que tenían las películas de su director.

• ‘Dejad Paso al Mañana’. La película con la que probablemente un servidor tira más de los cleenex. Dirigida por Leo McCarey, y hoy un tanto olvidada, es un melodrama con ningún resquicio para la esperanza y dificilísimo de aguantar, ya que a todo ser humano le tocará la fibra sensible por centrarse en la vejez, algo a lo que llegaremos todos. Con uno de los mejores finales jamás vistos en una película. Imperdonable que aún no esté editada en dvd.

• ‘Luces de la Ciudad’. En plena efervescencia del cine sonoro, Chaplin se marcó un tanto con un film mudo, cosechando un gran éxito y una de sus mejores películas. Inolvidable historia de amor, donde no falta espacio para el típico humor de uno de los mejores comediantes de todos los tiempos. Pocas películas producen el mismo efecto que ésta.

• ‘Sueño de Amor Eterno’. Este es el ridículo título que le pusieron en nuestro país a ‘Peter Ibbetson’, para mí la mejor película de Henry Hathaway, una historia de amor trágica con unos toques fantásticos increíbles. Otra imperdonablemente no editada en dvd.

• ‘Capitán Blood’. Una de las múltiples colaboraciones entre Errol Flynn y Michael Curtiz, y una de las mejores. Obra cumbre del cine de aventuras, imitada hasta la saciedad y nunca superada. El cine de piratas no sería lo mismo sin títulos como éste.

• ‘Vampyr’. Una genialidad asombrosa del mítico Carl T. Dreyer, y una de las pocas películas de toda la historia del cine que dan literalmente miedo. Con secuencias antológicas que influirían en el cine de género posterior, es otra de esas que aún no están editadas en dvd para desesperación de algunos.

• ‘Capitanes Intrépidos’. De Victor Fleming podría haber escogido también la inmortal ‘Lo Que el Viento se Llevó’, pero el film protagonizado por Spencer Tracy me cautivó desde pequeño, y siempre quise tener a alguien así a mi lado. Otra de esas que es mejor ver con unos cuantos cleenex al lado.

• ‘Beau Geste’. Una de las mejores películas de William A. Wellman, y un título más que no se encuentra en dvd. Otra obra maestra del cine de aventuras con unos personajes, sobre todo el principal, absolutamente maravillosos. Emotivo e inolvidable final.

• ‘Sólo se Vive una Vez’. Segundo film americano de Fritz Lang, y para un servidor uno de los mejores. La fatalidad y los perdedores una vez más en el cine de su director, con una clarísima denuncia al sistema judicial americano, y de una fuerza asombrosa. Otro final inolvidable más a la lista.

• ‘La Novia de Frankestein’. O la clara demostración de que el dicho “segundas partes nunca fueron buenas” es mentira. Inolvidables Boris Karloff y Elsa Lanchester como la nueva criatura, y un hito en el cine fantástico o de terror, que confirmaba la grandeza de James Whale.

Si os apetece, podéis contribuir con vuestras películas favoritas de la década de los 30. La próxima semana, los años 40.

Hace poco os hablaba de ‘La Bestia Humana’, adaptación del gran Jean Renoir de una novela de Émile Zola. Por segunda vez en su carrera, Fritz Lang realiza una segunda versión de un film firmado por el maestro francés, la primera fue ‘Perversidad’, revisitación de ‘La Golfa’. A pesar de que los dos films se parecen muchísimo, Lang se aparta totalmente del anterior, llevando la historia a su terreno, logrando una película típica de su director donde su particular universo hace acto de presencia de la mejor de las formas.

Un hombre que regresa de la Guerra de Corea a su puesto de trabajo en una empresa de ferrocarriles, se enamora de la mujer de su jefe, la cual oculta un terrible secreto junto con su marido, Obsesionado con ella, se dejará convencer por la misma para deshacerse de la parte molesta, el marido, y poder estar con ella sin ningún tipo de preocupación.

Mientras Renoir se centraba más en el personaje principal interpretado por Jean Gabin, Lang se centra en el matrimonio, concentrando en ellos toda la fuerza dramática de la historia, la cual toma una nueva dimensión en manos del genial director. Estamos ante un melodrama de altura, como los que tan bien solía hacer Hollywood, pero también estamos ante una cinta de cine negro, terreno en el que Lang sabía moverse bastante bien. No es casual que Glenn Ford y Gloria Grahame fueran los protagonistas de su anterior film, la imprescindible ‘Los Sobornados’, con la que obtuvo tan buenos resultados que pensaron que repetir no era mala idea. Y por mí que hubieran repetido las veces que hiciera falta, porque los resultados vuelven a ser sensacionales.

Glenn Ford estando bien en su personaje, está como en un plano secundario, decisión evidentemente acertada, ya que Lang prefiere turbarnos con el matrimonio que componen la Grahame y Broderick Crawford, una pareja imposible sobre la que nos faltan datos, pero poco a poco vamos comprendiendo su relación. Ella una mujer en apariencia fría, insensible y despreocupada de la vida, él un marido celoso, impulsivo y lleno de rencor y rabia contenida por no poder dar a su mujer lo que ella de verdad necesita. El director se ceba sobremanera en este personaje, genialmente interpretado por el actor, y que lleva hasta más allá del límite. A su lado, brilla con luz propia y cegadora, una Gloria Grahame sencillamente apasionante, llena de morbo y explotando muy bien su sex appeal. Lang interrelaciona a los tres personajes de forma magistral, logrando un mosaico de sentimientos encontrados verdaderamente incontrolable.

Y es que los deseos a los que hace referencia el título están impecablemente retratados en esta película, donde Lang una vez más realiza un estudio sobre el aspecto más oscuro del ser humano. Tres aspectos de una misma pasión, tres formas de enfocar nuestros deseos y de que éstos no nos controlen. Sentimientos entrelazados como las vías de ferrocarril cuando se llega a una estación en la que multitud de raíles convergen, y el camino a seguir no parece claro. Eso, y mucho más, deja patente Lang en su película.

Una película magistral, poderosa, como casi todos los films de su autor. Hasta hace poco estaba editada en dvd, pero fue descatalogada por la distribuidora. A ver si una día hay suerte y se deciden a sacar una edición mejorada, aunque supongo que para eso tendremos que rezar mucho.

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