Ojo a esto. El pasado mes de septiembre hablamos aquí de un peculiar proyecto protagonizado por Will Ferrell titulado ‘Casa de mi padre’ (tal cual, es el título original). Hoy os traigo el primer tráiler de la película, ya en fase de post-producción. Es el avance más raro que he visto en mucho tiempo. Y tiene algunos momentos muy divertidos, aunque una cosa es ver un vídeo de unos dos minutos y otra muy diferente ver una película de una hora y media. Ojalá merezca la pena.

Cabe señalar que ‘Casa de mi padre’ también está protagonizada por Gael García Bernal y Diego Luna, siendo la tercera película en la que éstos coinciden en la gran pantalla, después de ‘Y tu mamá también’ (2001) y ‘Rudo y cursi’ (2008). Génesis Rodríguez, Pedro Armendáriz Jr., Héctor Jiménez y Adrián Martínez completan el reparto de una comedia que parodia las populares telenovelas sudamericanas con grandes dramas, tragedias y romances. Como podéis ver, el estadounidense Ferrell interpreta al mexicano Armando Álvarez, un personaje que solo sabe hablar español, pero salvo algunas palabras, que hace necesarios los subtítulos, parece que se defiende bastante bien. El film ha sido dirigido por Matt Piedmont, que debuta en el cine, y por el momento no tiene fecha de estreno.

PD: Gracias a todos los lectores que nos han avisado.

Si se conjugan dos relatos acaecidos en distintas épocas suele ser para extraer un paralelismo en el que los hechos de uno resuenan en los del otro, aportándoles un nuevo significado, y viceversa. Al mismo tiempo o como otra opción, el recurso puede servir para demostrar que nada ha cambiado, a pesar del paso de los siglos, o que los cambios no han sido suficientes. ‘También la lluvia’, el último film de Icíar Bollaín, que cuenta con un guion del reconocido Paul Laverty, explota todas estas posibilidades.

Para llegar a extraer todos esos alcances, la película necesita plantear numerosos elementos que, cuando por fin se hayan conjugado, compondrán una poderosa historia que, más allá de las claras y logradas intenciones de protesta social, contendrá un profundo conflicto humano de gran interés. Con todo ello quiero decir que ‘También la lluvia’ tarda bastante en arrancar, pero que, cuando lo hace y, más adelante, en su tramo final, resulta muy efectiva emotivamente, sin por ello perder la capacidad crítica.

Esta mezcla de dos relatos, el del desembarco de Cristóbal Colón y el del equipo de rodaje que recrea el descubrimiento, además de propiciar ese resonar de significaciones, permite un estudio metalingüístico del estado del cine y de las complicaciones que surgen durante una filmación, que quizá no estaba entre las intenciones del guionista, pero que queda muy patente. Cualquiera que tenga ganas locas de dirigir una película o que sienta una enorme frustración por no haberlo hecho podrá curarse de sus anhelos con el visionado de ‘También la lluvia’.

Bollaín realiza aquí su película más ambiciosa, con un espléndido resultado, que se cuaja gracias a una acertada elección de los tonos de la fotografía y a una generosa dirección de producción. Si he criticado a otras películas de la directora una falta de fuerza narrativa o de cohesión de las historias, nada de eso puedo reprochar a ‘También la lluvia’. Al contar con un guion lleno de contenido, ni siquiera el flojo montaje que otras veces ha perjudicado sus narraciones puede echar el producto por tierra. El acompañamiento de la banda sonora de Alberto Iglesias completa una perfecta puesta en imágenes.

Diálogos y personajes

Laverty logra, asimismo, que los personajes sean potentes. Crea seres de marcada personalidad, muy diferenciados unos de otros y que encajarán perfectamente en el conflicto, cada con un punto de vista o una opinión sobre los hechos, de forma que el espectador cuenta con todas las perspectivas para obtener una conclusión propia y uno un discurso ya masticado.

La elección de cada intérprete para cada papel es idónea. Los dos protagonistas son Gael García Bernal, como el director de cine, amable y de apariencia débil, pero al mismo tiempo, tozudo y aferrado a su proyecto, y Luis Tosar, en el papel de un productor que en apariencia piensa solo en «la pela», pero que sufrirá una profunda evolución psicológica. Ambos están impecables en sus roles. Karra Elejalde es el que, en un principio parece menos integrado en su personaje o en la historia, pero según va avanzando el film, da la sensación de que fuese entrando en calor y en el último tramo resulta igual de poderoso que los demás actores.

El descubrimiento es Carlos Aduviri, el conflictivo indígena, que pondrá todo patas arriba y obligará a unos acomodados europeos a replantearse el mundo en el que viven. ‘También la lluvia’ cuenta, también, con grandes secundarios, como Raúl Arévalo y Carlos Santos —ambos en la fotografía siguiente— o Cassandra Ciangherotti.

Al igual que ocurría en la magnífica ‘Vania en la calle 42’, se produce un efecto de ensayo general con los diálogos que los actores prueban para el rodaje de la película sobre Cristóbal Colón. A pesar de que las declaman sin el vestuario, o ya con los trajes, pero sin meterse por completo en el papel, las frases suenan a reales gracias a ese paralelismo del que hablaba en el primer párrafo: esos diálogos servirían para 1492, pero también para el tiempo presente.

En definitiva, ‘También la lluvia’ es una gran cinta, por la que espero que Icíar Bollaín obtenga una nominación a los Oscar. Sin embargo, me da la impresión de que casi todo el mérito debe achacarse a un guion que conjuga muy bien una crítica social nada velada —la explotación que hacían Colón y sus hombres no es tan diferente a la que ejerce el productor con los sueldos de los extras—, unas intenciones de denuncia —con respecto a la privatización del agua— y los conflictos humanos y personales que, queramos o no, son en realidad lo que suele engancharnos a las películas. Grandes personajes, muy bien interpretados por sus actores, se incluyen en una realización muy competente que sitúa a ‘También la lluvia’ como una de las mejores películas, si no la mejor, de su directora.

Mi puntuación:

“Dos personas andan en dirección opuesta al mismo tiempo. Y luego toman la misma decisión al mismo tiempo. Luego la corrigen, y la corrigen, y la corrigen…Básicamente, en un mundo matemático, estos dos tipos seguirán así para siempre. El cerebro es la cosa más compleja del universo. Y está justo detrás de la nariz…¡Fascinante!”

-Stéphane (Gael García Bernal)

El francés Michel Gondry siempre será recordado, bien lo sabe él, por filmar una de las películas más portentosas, no solamente norteamericanas, de la primera década del siglo XXI, la excepcional, en muchos sentidos, ‘Olvídate de mí’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, 2004), cuya historia escribió en colaboración, pero cuyo guión firmó en solitario el inclasificable Charlie Kaufman. Conseguida esa hazaña, Gondry parece dispuesto a alcanzar otra, que muy pocos directores han logrado en la historia del cine: una forma de representación que le pertenezca sólo a él. Que parta de los hallazgos y de la energía arrolladora de aquella obra maestra, y que suponga una mirada única y definitiva sobre los temas que le obsesionan. De tal forma que su siguiente película, ‘La ciencia del sueño’ (‘The Science of Sleep’, 2006), la escribió en solitario, reincidiendo en algunos de los temas de su anterior ficción, e indagando en otros que sólo habían sido insinuados. Este esfuerzo le honra y le convierte en un cineasta valiente, pero no todo lo que intenta le sale bien.

‘La ciencia del sueño’ es, como ‘Olvídate de mí’, una fantasía sobre una pareja condenada al fracaso, de tintes oníricos y casi fantasmagóricos, que sustituye las tinieblas de Nueva York por las oscuridades de París, y con la que Gondry se muestra más surrealista y más libre que nunca, por mucho que esa libertad derive en una anarquía en la que los aciertos y los desaciertos conviven casi en cada secuencia, en cada idea y en cada personaje. Pese a todo ello, es imposible no valorar este filme como una apuesta entrañable, muy divertida, inspiradora e ingeniosa, gracias a la cual Gondry se confirma como uno de los investigadores más lúcidos de la inasible y resbaladiza materia de los sueños, materia que impregna hasta los momentos más sobrios de este proyecto, y que muchos otros directores se han jactado de comprender y de poder representar, cuando creo que en el fondo les interesan más otras cosas. El bueno de Gondry sólo está, en esta película, interesado en su ciencia.

Michel Gondry tiene cara, aunque ya roza la cincuentena, de eterno niño travieso. De juguetón, de imaginativo. Verle en Youtube armando el cubo de Rubik con sus propios pies, o incluso con su nariz, puede acercarnos más a su personalidad, quizá, que una entrevista profesional. Le interesan los juegos visuales arcaicos, tremendamente falsos, que gracias al cine alcanzan la categoría de cutrez imaginativa. ‘La ciencia del sueño’ no pretende ser una gran película, más bien pretende ser un enigmático y gozoso ensayo, lleno de ironía y de sentido del humor, acerca de las imágenes que nos asaltan mientras dormimos. Pero también le interesan los perdedores, los inmaduros, los solitarios. Lo eran, y de qué forma, Joel Barish y Clementine Kruczynski, y lo son incluso mucho más Stéphane y Stéphanie. Interpretados con gran coraje por Gael García Bernal y Charlotte Gainsbourgh, estos dos parisinos de adopción son como dos naves a la deriva que se encuentran de la manera más inverosímil posible y que inician una relación con fecha de caducidad.

De gente creativa y patética

La química entre ambos actores es estupenda, y es que Gondry dirige muy bien a los actores. Les controla y al mismo tiempo les brinda una gran improvisación, que resulta imprescindible en una historia tan encorsetada en la mirada de su director. Stéphane es un pringado, un tipo patético, al que engaña su propia madre para que vuelva a París, y se meta en un trabajo de mierda que odia con toda su alma. Dado su temperamento artístico y creativo, y su gran fantasía interior, carga de sentido interno todo aquello que le hiere, e ignora los motivos prácticos que deberían regir su vida. Gondry se siente como pez en el agua (nunca mejor dicho…) cuando narra las delirantes ensoñaciones de este personaje, incluso cuando con su televisión personal nos cuenta sus teorías acerca de los sueños. Los personajes que rodean a Stéphane son una panda de inadaptados, tanto o más que él, que conforman una fauna realmente inolvidable. Quizá se obsesiona por Stéphanie porque no tiene nada que ver con su vida.

¿Es de amor de lo que habla esta película? Quizá sea de la necesidad de amor, o de un espejismo de amor. Hay ternura y verdad en muchas de sus imágenes, acerca de la eterna dificultad del amor sin miedo, de la amistad sin fronteras, de los celos infantiles. Stéphane, en su ingenio y en su amor por el arte manual, parece un alter-ego del propio Gondry. Y el director vuelve a erigirse como un certero retratista de tensos desencuentros sexuales, de ambientes en los que se busca sensualidad y sólo se encuentra frustración y dolor. Las relaciones íntimas, por tanto, como el único soporte de una vida sin mucho sentido. Menos mal que Stéphane, por suerte para él, goza de una imaginación que es su única manera de conectar con los demás, concretamente con el sexo opuesto. Como un niño eterno, el protagonista sólo se siente cómodo, en la soledad de París, con aquello que le vincula a su infancia.

Existen momentos muy inspirados en esta fantasía, los únicos en los que el protagonista escapa de su patológica soledad y del curro espantoso en el que le ha metido su madre, cuyos compañeros son casi surrealistas. Por supuesto son momentos que comparte con Stéphanie, en los que ambos dejan volar su imaginación, y los sueños se hacen realidad, aunque sea por breves momentos que sólo existen en sus mentes. En esos mágicos momentos, Gondry se regodea en su gusto por la stop-motion, por la yuxtaposición de animación de objetos con planos imposibles. Pareciera que en cualquier momento el relato se va a volver definitivamente loco y abigarrado, creando mundos imposibles de cartón y hojalata, en el que la tecnología ha sido sustituida por lo artesanal. Sin embargo, el anunciado abandono de las leyes de lo real nunca llega a suceder, y la historia queda en un mero juego o capricho escenográfico. Es una pena, porque el operador Jean-Louis Bompoint logra aunar ambos mundos con gran talento, y podía haber dado para mucho más.

Al final, lo que provoca ‘La ciencia del sueño’, que se ve bien y se disfruta, es volver a las imágenes de ‘Olvídate de mí’ cuanto antes. Su siguiente película, la desternillante y entrañable ‘Rebobine, por favor’ (‘Be Kind Rewind’, 2008) abandonará de momento los territorios del sueño, y la que ahora prepara, ‘The Green Hornet’, parece un encargo más, aunque ya veremos. Aún queda esperanza de que Gondry siga buscando esa forma tan personal de hacer cine que le convierta en un autor único. El tiempo lo dirá. De momento…¿dónde metí mi deteroriada copia de ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’?

En Blogdecine:

• ‘La Ciencia del Sueño’, Gondry nos divierte… y nada más (por Juan Luis Caviaro)

“¡Mírame a los ojos, puerco! ¿Te la mamó?”

- Tenoch (Diego Luna) a Julio (Gael García Bernal)

En el proverbial (para muchos, el más importante libro sobre cine que se ha escrito jamás, aunque haya bastante de autopromoción en él) ‘El cine según Hitchcock’, que recoge la entrevista de François Truffaut al genio, el director francés argumenta, con sus profundos conocimientos del medio, su amplia cultura, y su elaborado razonamiento, que los más grandes directores pueden alternar géneros, pero que siempre siguen siendo ellos mismos. No sólo son mercenarios eficaces (como la mayorìa de cineastas), además dejan una huella imborrable en el terreno que pisan. Como Truffaut murió tan prematuramente, en 1984, no puedo saber si incluiría al mexicano Alfonso Cuarón en ese grupito tan exclusivo. Sin embargo, algo me lleva a sospechar que sí. Personalmente creo que se lo merece.

Demostrado su talento en las estimulantes, emocionantes, también melancólicas, ‘La princesita’ (1995) y ‘Grandes esperanzas’ (1998), Cuarón firma tres obras muy dispares en la siguiente década. Un drama social con altas dosis de comedia negra (‘Y tu mamá también’, de 2001), un fantástico perteneciente a una famosísima saga (‘Harry Potter y el prisionero de Azkabán’, de 2004), y un sci-fi extremo y demoledor (‘Hijos de los hombres’, de 2006). Las tres son obras maestras, pero quizá la primera de ellas sea la más personal e inclasificable de toda su carrera. Una inolvidable, impredecible, eufórica “road-movie”, que certificó a su director como uno de los grandes talentos de la actualidad cinematográfica, y uno de los directores mexicanos más importantes de toda la historia.

Vitalista, pero también fantasmagórico viaje por las tripas de un México en ruinas, social y anímicamente. Una de las grandes virtudes de ‘Y tu mamá también’ es proponer el itinerario de tres personajes tan reales como la vida misma (o más), sin olvidar jamás que el verdadero protagonista de esta historia es el país por el que viajan. Pero ese doble nivel narrativo tampoco descuida la verdad anímica, interior, de ese trío de almas perdidas, que se enfrentan a la gran nada que es sus vidas en una huida a ninguna parte, una falsa salida a una playa ficticia, que a su vez es un falso intento, por parte de los dos chavales, de demostrar lo poco que les importan sus respectivas parejas. Pero también, un falso remedo de amistad y de alegría que, finalmente… sí acaba teniendo mucho de amistad y de alegría. Un juego de apariencias que, en su aspecto más invisible, termina siendo un juego de certezas.

Fraternidad nacida del vacío emocional

El mejor calificativo que le cuadra a ‘Y tu mamá también’ es el de libérrima. La sensación primordial que puede experimentar con ella el espectador es, en mi opinión, la de asistir a un vendaval de cine libre, a un relato en el que la vida late con una fuerza indescriptible. La trama es mínima, pero la riqueza narrativa y estética que nace de ella invade la pantalla con una frescura y hasta un lirismo que no nos abandonan hasta mucho después de haber terminado el filme. Que dos chavales, bastante atolondrados, provenientes de familias con bastante dinero, decidan largarse unos días, porque no tienen nada mejor que hacer, convenciendo a una desconocida, pero sensual, española, para que les acompañe, es sólo el punto de partida para una aventura que indaga, sin la menor fisura, en las luces y las oscuridades más profundas de cada uno de los tres compañeros.

Gael García Bernal y Diego Luna, grandes amigos en la vida real, clavan sus respectivas composiciones, personajes que, según han confesado, se parecen menos a ellos dos de lo que cabría suponer. Poco importa que sea cierto o no, lo que más importa, creo, es la increíble naturalidad que regalan a la pantalla, la energía y carisma que estos dos grandes (y falsos) amigos, tanto positiva como negativa, despliegan en todas y cada una de las secuencias. Y como perfecto tercer vórtice emocional de ese triángulo mal avenido en ocasiones, la extraordinaria Maribel Verdú, que tantas veces ha visto infravalorado su gran talento, pero que obligó a sus detractores a rendirse a la evidencia: es una magnífica y bella actriz. Verdú, García Bernal y Luna crean uno de los poemas cinematográficos e interpretativos más bellos de los últimos años.

Y se relacionan con el maltrecho país que atraviesan (magnífica la parábola de la playa de nombre inventado que buscan sin cesar) gracias a una brillante e ingeniosa voz en off (a cargo de Daniel Giménez Cacho, que hace un gran trabajo), que añade una fina ironía a tantos acontecimientos arbitrarios (aparentemente) que ocurren alrededor de estos tres amigos. Amigos que en un principio se profesan una falsa amistad, disfrazada de deseo sexual, pero que descubrirán, al menos por unos pocos días, sentimientos o rasgos de su personalidad que nunca imaginaron que poseían. El espejismo durará poco, y el final estará arrasado de una melancolía y un vacío casi insoportables. Al menos, de ese vacío inicial, nació una fraternidad y una noche de amor libre. El sexo como celebración de la libertad individual total.

Filmado de manera escrupulosamente cronológica, secuencia a secuencia y plano a plano, es tremendamente difícil, aunque quizás a algunos espectadores pueda parecerles lo contrario, hacer una película como ‘Y tu mamá también’. Hay que tener las cosas muy claras, hay que estar muy enamorado del cine para llegar a hacer algo tan sencillo y hermoso como esto. Otra de las razones por las que podemos volver a lamentarnos del cine español. No hay ninguna razón, salvo la carencia de valentía y de talento, para contar una historia como esta en España. Espectadores y críticos, aunque posiblemente no cineastas, lamentamos haber nacido en España. Por suerte, aunque no sean españolas, ahí quedan películas como ‘Y tu mamá también’.

Conclusiones

Bello poema de la búsqueda de la libertad, encerrado en un relato emocionante de carretera, a su vez excusa para un retrato vivisimo de personajes. Iluminada con su habitual destreza por el gran operador Emmanuel Lubezki, ‘Y tu mamá también’ nos deja con un poso de inasible tristeza, pero en su interior late una verdad y una diversión que logran que el viaje valga la pena. Cuarón nos cuenta esta historia con los ojos dolidos por tanto despilfarro y tanta soledad, pero creyendo firmemente que sólo observando las zonas más recónditas de nuestro paisaje interior (contextualizado por ese paraje exterior, a ratos luminoso y a ratos siniestro), podremos mejorar, crecer y vivir plenamente.

Muy curioso el nuevo proyecto de Will Ferrell. La estrella estadounidense va a protagonizar una comedia hablada en castellano titulada ‘Casa de mi padre’, que va a dirigir Matt Piedmont. Ferrell estará acompañado por dos de los actores mexicanos más conocidos internacionalmente, Gael García Bernal y Diego Luna; será la tercera película en la que ambos coinciden en la gran pantalla, tras ‘Y tu mamá también’ (2001) y ‘Rudo y cursi’ (2008). Otros miembros del reparto son Génesis Rodríguez (hija de Jose Luis Rodríguez ‘El Puma’), Pedro Armendáriz Jr., Héctor Jiménez y Adrián Martínez.

No se ha querido informar sobre la trama de la película, pero se sabe que básicamente será una parodia de las clásicas telenovelas con grandes dramas y romances, y que en Estados Unidos se estrenará con subtítulos; prohibido hablar en inglés. A ver qué tal sale, al menos se agradece que Ferrell se meta en este tipo de proyectos y no le de por filmar otra comedia deportiva o una secuela de alguno de sus éxitos, aunque lo de ‘La leyenda de Ron Burgundy 2’ está al caer, parece que los actores están deseando que se haga. Estaría bien que buscara papeles dramáticos, ha demostrado que no se le dan mal (véase ‘Melinda y Melinda’ o ‘Más extraño que la ficción’), pero imagino que no deben ofrecerle muchos, ni buenos, guiones de ese tipo. Seguro que todos se los mandan a Brad Pitt o a Philip Seymour Hoffman.

PD: Ferrell ha vuelto a triunfar en taquilla recientemente con ‘The Other Guys’, que en España se estrena el próximo 12 de noviembre con el título de ‘Los otros dos’.

Vía | Hollywoodreporter

Me parece que hay dos caminos para el cine, o por lo menos hay dos principales. 1 – El cine entendido como evasión suprema, como opio para el pueblo, empleado de la misma manera que los romanos empleaban su circo, y con los mismos objetivos: adormecernos, hacernos creer que otra existencia es posible ahí fuera, hacernos pensar que nos merecemos una vida mejor… concretamente la vida que aparece en pantalla; un cine que nos proporciona bienestar intelectual, gracias al cual estamos encantados de formar parte de la raza humana, esa díscola entrañable. 2 – El cine entendido como espejo, más o menos nítido, de esta realidad, y ninguna otra, porque no vamos a conocer ninguna otra; un cine que no intenta reconciliarnos con nosotros mismos, ni hacernos mejores, ni lograr que aprendamos algo, ni pretende otra cosa que no sea retratarnos tal cual somos: frágiles, violentos, imperfectos, mortales.

Ahora bien, sí que es cierto que aún en el segundo camino, hay directores que “aprovechan” el material que les ofrece la realidad, la vida, para hacer un espectáculo de la miseria y la oscuridad humana, para convertir la vida en algo aún más doloroso, falseándola, erigiéndose en santurrones del sufrimiento. Supongo que es muy fácil caer en lo tendencioso, lo exagerado, lo mentiroso. Por suerte, la película de la que vamos a hablar es del segundo grupo pero, además, no existe en ella ni rastro de divismo disfrazado de humanismo. Una película para la que los términos “descarnada”, “demoledora”, “brutal” o “definitiva” quedan pequeños, muy pequeños. ‘Amores perros’ (2000) es una magnífica película que hace del cine (ese proyecto de arte) algo importante, y Alejandro González Iñárritu, que debutaba con ella de manera triunfal en Cannes y la convertía en uno de los filmes mexicanos más importantes de la historia, es un artista como la copa de un pino.

Si ‘Amores perros’ es cine negro, y creo que lo es, deja en juegos de niños, en meros pasatiempos, en cueros vaya, a gran parte del cine negro norteamericano de los últimos años (de muchos años), que va de muy duro y muy radical, e incluso de transgresor, y que se queda en videojuego para adolescentes, en nadería aguada con blandenguerías propias de ese primer grupo al que me refería al principio. La primera película de Iñárritu y Arriaga indaga, con fiereza y verdad estremecedoras, escalofriantes, en muchos de los infiernos que en las ciudades modernas experimentan sus criaturas. No hay espacio para el lugar común, para los paños calientes o los caminos fáciles. ‘Amores perros’ es dolor. Después, más dolor. Y para terminar, más dolor. El dolor como única seña de identidad del hombre, como único indicio de su dignidad. Como dicen en ‘El retrato de Dorian Gray’, de Wilde, “hay cosas peores que la derrota”.

Tres historias

Cruce de historias, propiciado por el impacto entre dos vehículos en un cruce de caminos, parábola sobre lo impredecible y lo irónico del destino. ‘Octavio y Susana’, ‘Daniel y Valeria’, ‘El Chivo y Maru’. Relatos de gentes que viven y mueren en Mexico D.F., verdadero crisol de desesperación y soledad. Los tres son relatos que se rozan, aunque sea tangencialmente, unos con otros, se encuentran y se completan, y no participan de ellos solamente los personaje que les dan nombre, si no dos docenas más, seres que para Iñárritu y Arriaga, por muy mezquinos, miserables y patéticos que sean esos personajes, y lo son, también resultan dignos de toda conmiseración. Cada una de esas historias, además, habla sobre una escala social. En la primera, la existencia de los proletarios que ganan cuatro duros y se buscan las castañas para salir adelante, jugándose a veces la piel. En la segunda la de los privilegiados, que viven su mentira forrada de dinero. En la tercera la de los parias que lo perdieron todo luchando por cambiar el mundo.

Y a todos ellos les une una particular relación con un perro, o con varios perros, que se erigen en parábolas, o metáforas, de una precariedad anímica irrespirable. Los perros dan sentido interior a la pérdida vital de sus amos, para los que son mucho más que mascotas: se convierten en expresión física y abstracta, a un tiempo, de sus propios demonios interiores. En la posiblidad de redención y en el motivo de su caída. Y si los humanos sufren, los perros también. Y si vemos sangre humana, vemos incluso más sangre canina. Pero no es un relato sobre los malos tratos hacia los animales, y queda descartada cualquier clase de crítica acerca de la peleas de perros con apuestas de grandes sumas de dinero. Lo políticamente correcto, lo habitual, no tiene cabida aquí, sólo la vida. Iñárritu no juzga, simplemente narra. Pocas veces el espectador habrá sido testigo de un espectáculo del horror narrado con tanta contención y humildad. La nerviosa, enérgica, cámara de Iñárritu se mueve con pericia de maestro por algunos de los ambientes más opresivos y nauseabundos que imaginar quepa.

Sentimos así, en nuestra propia piel, el hedor de los antros en los que se obliga a dos perros a pelear hasta la muerte, y en los que el perdedor sale a rastras dejando un charco de sangre. Pero sentimos también el hedor de una sociedad decrépita, con los ricos y los poderosos viviendo a cuerpo de rey mientras los asalariados comunes se pudren en la mugre. El segundo episodio, ‘Daniel y Valeria’, significa una salvaje cura de humildad de una bella modelo y actriz (excelente Goya Toledo) a cuya puerta llama la fatalidad en forma de perro. Y el tercero, posiblemente el mejor de todos, nos describe la atroz existencia de un vagabundo que fue guerrillero, que quería cambiar el mundo y que se quedó sin nada, vagabundo (interpretado de manera magistral por Emilio Echevarría) que conocerá la posibilidad de perdonarse a sí mismo, cuando ya está muy lejos del perdón de sus seres queridos.

Por supuesto, este fue el espaldarazo para que Gael García Bernal se convirtiera en uno de los actores de habla hispana más famosos y con mayor proyección del mundo. No era para menos. Su Octavio (uno de los seres más patéticos que se recuerdan) es un personaje inolvidable, alrededor del cual nos quedamos casi la primera hora de metraje, lamentándonos de la mayoría de sus decisiones, doliéndonos en cada uno de sus avatares, y finalmente sintiendo una gran lástima por él, a pesar de su ambición desmedida y de su incapacidad para aprender de sus errores. Con él, y con todos los intérpretes, Iñárritu se revela como un director de actores de primerísima línea, cuidando hasta el mínimo detalle sus composiciones, sin compartir necesariamente los puntos de vista de sus criaturas, pero comprendiéndoles y ofreciéndoles alguna oportunidad, algo bastante difícil de hacer, a juzgar por las escasas ocasiones en que esto tiene lugar en una pantalla de cine.

Conclusión

‘Amores perros’ es una obra incontestablemente mayor. Cine complejo, adulto, sin concesiones. Probablemente no el tipo de película para ver con los amigos en una noche de evasión. Su crudeza, su desesperación, es lo que te queda tras su visionado. La excelente fotografía de Rodrigo Prieto (que huye de cualquier preciosismo pero también de una abstracción de lo sórdido, creando imágenes sucias pero verdaderas), el lirismo de la música de Gustavo Santaolalla (además de una gran selección de canciones) y el percutante montaje de Luis Carballar, Fernando Pérez Unda y el propio Iñárritu, capturan poderosamente nuestra imaginación, y al mismo tiempo que nos perturban, nos hacen un poco más lúcidos, más libres. El director y el guionista aún nos regalarían otra magnífica película con ‘21 gramos’, un verdadero puzzle emocional. Pero quizá nunca vuelva Iñárritu a crear algo tan poderoso, tan bello y tan terrible al mismo tiempo, tan imperecedero.

Tenía muchas ganas de reencontrarme con Lukas Moodysson, por lo mucho que había disfrutado de sus comedias ‘Fucking Åmål’ y ‘Juntos’, así que he recibido como una gran noticia que el sueco haya regresado a los circuitos de exhibición con ‘Mamut’ (‘Mammoth’, 2009), el film protagonizado por Gael García Bernal y Michelle Williams.

En este caso, Moodysson se ha alejado de la alegría de vivir y el optimismo de los mencionados films para narrarnos un drama a tres bandas en el que un matrimonio acomodado, que vive en Nueva York, ve cómo sus ocupaciones los alejan de la compañía de su hija, mientras la niñera filipina echa de menos a sus dos pequeños, a quienes ha debido abandonar en su país de origen.

A pesar de que las diferentes crónicas partan de una secuencia común, las vidas de los personajes nos llegan casi en forma de multi-historia, pues Moodysson va logrando dotarlas de vida propia de forma paulatina y muy hábil, según se van sucediendo los hechos. La separación no está tan marcada como en ‘Babel’, pero el fondo del film no se diferencia excesivamente de la visión de Iñárritu. Si su falta de conexión es tal que podemos considerar por separado cada uno de los tres relatos, se podría comentar que el de los hijos de la niñera es el que, con diferencia, mayor interés reviste durante los primeros minutos del film.

Moodysson, que es guionista de ‘Mamut’, además de director, evita cualquier mención directa a la profesión de los protagonistas o a su nacionalidad, para permitir que todo vaya llegando al espectador de manera natural. No se producen diálogos donde el matrimonio hable de sus problemas y la situación de la niñera no se descubre hasta muy avanzado el metraje. Así, nos vemos obligados a extraer —o casi a adivinar— cuál será el conflicto que el autor quiere reflejar. Es tan radical la opción del cineasta que, durante un largo periodo, concluimos que se tratará de un film contemplativo, cuyo único objetivo sea mostrarnos las vidas cotidianas de una serie de individuos. (Spoiler) Sin embargo, todos estas tramas sí tenían una dirección: cada una de ellas se dirigía a una conclusión trágica. Los tres finales se montan en paralelo para crear un clímax que supone la parte más lograda de toda la cinta, gracias a su intensidad dramática (fin del spoiler).

Viendo este final, cabe preguntarse si la decisión de Moodysson de no plantear desde el inicio que el film tiene un claro destino es la más acertada o si habrá sido preferible un crescendo visible y un arranque más breve. Sea como sea, ya indico que no se trata de una falta de habilidad del sueco para hacer avanzar las historias, sino de su elección deliberada. Una de las posibles intenciones del creador será que nos creamos la aparente perfección en la que vive esta pareja que se supone que lo tiene todo para, más adelante, hacernos ver que no es así.

‘Mamut’ es una cinta tan sutil que lo que está a su alrededor cobra más peso que lo que se ve en la pantalla. Son numerosas las cuestiones que se plantean y, aunque enunciadas en una frase sonarán a tópico: «el dinero no da la felicidad», se ven aquí bajo una nueva luz que nos servirá para darnos cuenta de que nuestros problemas son menudencias. Todo ello también podría significar que se trata de un film cuyo valor se encontrará más fácilmente tras su visionado que durante éste. La paternidad, la pobreza, la inmigración, la prostitución forzosa… no son temas nuevos en absoluto y, a pesar de ello, en manos de Moodysson no parece que estemos viendo en enésimo drama sobre la familia.

Las interpretaciones de los protagonistas, tanto de los conocidos —García Bernal y Williams— como de los desconocidos, ya sean niños o adultos, son perfectas. Todos ellos transmiten muchísimo y nos hacen llegar el drama hasta lo más hondo, lo que resulta especialmente meritorio debido a lo poco expositiva que he señalado que es la película.

Aunque fuesen más imperfectos, los otros films que conozco de Moodysson distinguían al sueco de cualquier otro cineasta y, sin embargo, ‘Mamut’ no posee una marca de autor tan diferenciada. Esto probablemente juegue a su favor y acerque la película a un público más abundante, que gusta de los grandes dramas con importantes actores. Incluso en este terreno, Moodysson demuestra una innegable habilidad y se aleja de lo de siempre, a pesar de partir de temas de fondo ya vistos, para ofrecer un film elegante, de hondo calado y que plantea importantes cuestiones.

En Blogdecine | Tráiler de ‘Mamut’.

Mi puntuación:

‘Valkiria’

Esta semana se pone a la venta la última película de Bryan Singer, el famoso realizador de ‘Sospechosos habituales’, ‘X-Men’ y ‘Superman Returns’. Con ‘Valkiria’, Singer trató de ofrecer un thriller de espionaje realista y humano, tenso y espectacular, para lo cual se llevó más tiempo del que estaba previsto, retrasando el estreno para rodar más escenas y creando la sospecha de que la película se le había ido de las manos. Finalmente la estrenó y fue un éxito de taquilla, pero el público le dio un recibimiento frío, sin entender lo que Singer había hecho. Tom Cruise, Kenneth Branagh, Tom Wilkinson y Bill Nighy encabezan el lujoso reparto de este retrato del famoso atentado fallido contra Hitler, que pudo cambiar el curso de la Historia. La película sale en DVD en cuatro ediciones: sencilla, especial (con un segundo disco lleno de entrevistas y documentales), para coleccionistas (se añade un documental de casi dos horas, fotogramas y un libreto, todo en una caja) y una edición exclusiva de los establecimientos Fnac (que incorpora a la de coleccionistas otro libro).

Críticas de la película en Blogdecine:

Bryan Singer: ‘Valkiria’

‘Valkiria’, la peor película de Bryan Singer

‘Más allá de los sueños’

Si lo que estás buscando es un producto para tus críos, y te da igual lo que haya dentro, puedes llevarte a casa esta comedia de la Disney con Adam Sandler al frente del reparto, haciendo todo tipo de bobadas. A los sobrinos de Skeeter (Sandler), les encanta oír un cuento antes de dormir; para entretenerles, su tío da rienda suelta a su imaginación y empieza a inventar cuentos en los que siempre él es el protagonista. Por la gracia de los guionistas, tan vagos como (seguramente) malpagados, las historias que Skeeter cuenta a sus sobrinos se convierten en realidad, más o menos, siempre que él reciba palos y nada de lo que se proponía en un principio. Al final… bueno, vale, no os “arruino” la película. La caja del DVD sólo trae un disco, pero está lleno de extras, para compensar la mala calidad de la producción dirigida por Adam Shankman (en la que, por cierto, también actúan Keri Russell, Guy Pearce, Courteney Cox, Lucy Lawless y Russell Brand); documentales, escenas eliminadas y tomas falsas son algunos de los contenidos.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Más allá de los sueños’, para niños y fans de Adam Sandler

‘La sombra del poder’

Otra interesante novedad en DVD. Se pone a la venta ‘La sombra del poder’, la adaptación al cine de una exitosa miniserie británica, que gira en torno a la corrupción política y el papel del periodismo moderno. Un thriller sumamente entretenido con estupendas interpretaciones, en el que destaca un estelar Russell Crowe, intachable como el único periodista que no descansa hasta descubrir la verdad en un complicado caso en el que un viejo amigo, prometedor congresista, está implicado. Ben Affleck, Helen Mirren, Rachel McAdams, Robin Wright Penn y Jason Bateman cierran el reparto protagonista de la película de Kevin Macdonald, responsable de ‘El último rey de Escocia’. El DVD viene con un reportaje sobre el rodaje y escenas inéditas, algo que, salvo excepciones, suele resultar bastante inútil, quedando claro por qué se quedaron fuera del montaje final.

Críticas de la película en Blogdecine:

‘La sombra del poder’, un denso thriller político y periodístico

‘La sombra del poder’, periodismo y conspiraciones

La sombra del poder y la luz de Russell Crowe

‘Rudo y Cursi’

Carlos Cuarón tiene suerte. El hermano del brillante Alfonso Cuarón, consigue que el director de ‘Hijos de los hombres’ y los también mexicanos (pero menos brillantes) Guillermo del Toro y Alejandro González Inárritu le produzcan su primera película, una comedia dramática sobre dos futbolistas a los que dan vida (seguimos con la “suerte”) los famosos Diego Luna y Gael García Bernal. ‘Rudo y cursi’ gira en torno a dos hermanos que juegan al fútbol y sueñan con una vida mejor, hasta que son descubiertos por un cazatalentos y empiezan a ver lo que produce el dinero y la fama. Al parecer, el DVD viene seco, sin extras.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Rudo y Cursi’, de hermanos y sobre hermanos

‘Paranoid Park’

Durante los próximos días también saldrá a la venta la última película del director Gus Van Sant que pasó por nuestros cines (se supone, sé de buena tinta que en varias ciudades, capitales de provincia, no se pudo ver, en el extraordinario caso de que alguien quisiera hacerlo, por supuesto, después de sufrir con ‘Gerry’ o ‘Last Days’). Basada en la novela de Blake Nelson, ‘Paranoid Park’ gira en torno a Alex, un adolescente aficionado al monopatín, que mata accidentalmente a un guardia de seguridad en los alrededores de un conflictivo parque público de Portland, no diciendo nada a nadie. El prestigioso se encargó de la fotografía de la película, que contó con un reparto compuesto por jóvenes desconocidos, reclutados, al parecer, a través de MySpace. El DVD trae interesantes extras como un “making of” y una entrevista al director, que ojalá se deje de tantos experimentos vacíos y se dedique más a rodar historias con secuencias donde pase algo, que se le dan bien.

Críticas de la película en Blogdecine:

‘Paranoid Park’, el cine ha muerto

‘Paranoid Park’, arriesgada radiografía sobre la culpa

‘Secret Sunshine’

Lo nuevo del coreano Lee Chang-dong, que regresó al cine tras su paso por la política, también sale a la venta en nuestro país. Se trata de un drama, duro y difícil, con extraños toques de comedia, sobre una joven madre que acaba de quedarse viuda y quiere empezar una nueva vida con su hijo en Miryang, el pueblo natal de su difunto marido. Todo parece ir bien hasta que la tragedia vuelve a cebarse con ella… El DVD viene bastante completito, con un documental sobre el rodaje y una entrevista con el director, siempre el extra más interesante (no entiendo esa tontería de los audiocomentarios).

Críticas de la película en Blogdecine:

‘Secret Sunshine’, un lugar aburrido

Miryang, luz asfixiante

‘Inglorious Bastards’

A partir de esta semana ya podéis comprar, fieles fanáticos de todo lo que lleve “Tarantino” en la caja, la edición especial, remasterizada y extendida de ‘Aquel maldito tren blindado’, dirigida por Enzo G. Castellari y, según parece, la película bélica favorita del director de ‘Malditos bastardos’. Como sabéis, el título original de la última de Quentin es ‘Inglourious Basterds’, y viene de ‘The Inglourius Bastards’, que es como se vendió la película de Castellari en Estados Unidos; ahora, para aprovechar el revuelo, se ha decidido que aquí también la vamos a conocer por ese nombre, pero sin el “the”, que así es mucho más pegadizo. Y por si somos tan tontos que no sabemos lo que nos están vendiendo.

Fred Williamson y Bo Svenson lideran una banda de conflictivos soldados que escapan de la cárcel con la intención de llegar a la frontera suiza, pero varios incidentes acabarán convirtiéndolos en voluntarios de una misión suicida donde tendrán que infiltrarse en territorio nazi dentro de la Francia ocupada. El DVD trae varios documentales y una (seguro que muy interesante) conversación entre Castellari y Quentin Tarantino.

‘Still Walking (Caminando)’

Los aficionados al cine asiático estamos de suerte esta semana (o no, si miramos la pobre cartera), ya que igualmente sale a la venta la última película del prestigioso director Hirokazu Kore-eda que llegó a España. El japonés, que triunfó con la dramática ‘Nadie sabe’, nos plantea de nuevo una historia familiar, que transcurre en un solo día, acerca de unos hijos adultos que regresan a casa para visitar a sus ancianos padres. En este caso, el DVD no trae ningún extra, salvo el tráiler y las típicas fichas informativas.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Still Walking’. Es importante seguir adelante

Ediciones especiales

Por si aún no habéis tenido suficiente, o no os interesan ninguna de las comentadas, sabed que también se ponen a la venta durante esta semana nuevas ediciones especiales de los siguientes títulos: ‘Déjame entrar’ (incluye un segundo disco lleno de extras y un libro), ‘Eduardo Manostijeras’, ‘El jovencito Frankenstein’ (las dos incluyen extras, libro, cartel y postales), ‘Payback’, ‘Viernes 13’, ‘El fin de San Petersburgo’ de Vsevolod Pudovkin, y dos obras maestras de S.M. Eisenstein, ‘Octubre’ y ‘La huelga’.

Vía | ZonaDVD

En las anteriores críticas sobre ‘A ciegas’ vertidas en este blog, tanto Beatriz Maldivia como Juan Luis Caviaro adoptan prácticamente la misma postura sobre la película, con el detalle añadido de que la primera había leído el libro, y el segundo no. Por lo tanto, dos percepciones distintas coinciden. Por un lado, alguien que conoce la base literaria del film, y sale decepcionado; y por otro, alguien que desconoce esa base termina llegando a la misma conclusión. Siempre que he visto una película basada en un libro que he leído he procurado dejar de lado la obra escrita, concentrándome en la cinematográfica, la cual posee una técnica narrativa totalmente distinta, algo obvio por cierto.

‘A ciegas’ está basada en ‘Ensayo sobre la ceguera’ de José Saramago, sobre la que lo único que puede decir es que posee una premisa que me parece muy interesante, la misma que evidentemente posee la película. Desconozco por completo cómo se las ha ingeniado Saramago para desarrollarla, pero fílmicamente, Fernando Meirelles se ha preocupado únicamente de dotar a la historia de una fuerza visual con la que experimenta demasiado, y se olvida precisamente de poner en imágenes la historia en sí.

No leer si no se ha visto la película.

‘A ciegas’ da comienzo cuando un hombre normal y corriente, se queda ciego sin causa aparente. A partir de ese momento, todos los que están a su alrededor irán corriendo la misma suerte, y muy pronto estallará la alarma, las autoridades pondrán en cuarentena a los afectados, recluyéndolos en edificios de los que no podrán salir, abandonándolos a su suerte. En uno de esos edificios, los protagonistas de la historia, entre los que se encuentra una mujer que no ha sido afectada por la extraña epidemia, experimentarán hasta dónde es capaz de llegar el ser humano en un situación caótica que parece irreversible.

El sólo hecho de pensar que toda la población se pueda quedar paulatinamente ciega nos hace pensar en la multitud de situaciones desastrosas y caóticas que se producirían, y ésa es la intención de Meirelles al narrar la historia. Sin embargo, el director de ‘Ciudad de Dios’ (aún hoy su mejor película, y que curiosamente está co-dirigida por Kátia Lund), pone en evidencia todo lo que en ‘El jardinero fiel’ eran sospechas. Meirelles está capacitado para filma planos deslumbrantes, para jugar con la iluminación hasta conseguir escenas preciosistas únicas, pero no es capaz de penetrar en el drama en sí, y hacernos partícipes de él. Con su cargante estilismo visual termina por estropear las enormes posibilidades de la historia, y que en cierto modo sean las mismas por las que juzgamos a veces un film y no por lo que nos ofrece realmente.

Esta vez Meirelles no saca provecho de la forma, y ésta se separa del fondo, quedando un producto vacío, con algunas pinceladas de buen cine, sobre el que apenas quedan ganas de ponerse a reflexionar. Tratar de captar el punto de vista de alguien que se queda completamente ciego, en cine es prácticamente imposible, y Meirelles opta por dejar entrever algunas cosas cuando hace uso de la cámara subjetiva, lo cual es un error, porque no tendríamos que ver absolutamente nada. Pero eso no es lo más preocupante, sino todos los puntos flacos del relato, cuando se supone que todo estalla. Todos los planteamientos de tan horrible situación están desaprovechados. Que la gente que se queda ciega sea encerrada, que se confundan a los que son ciegos de verdad y no por la epidemia, que se creen grupos sociales dentro del encierro, que los de fuera los abandonen a su suerte incluso disparando contra ellos si es necesario, que la ceguera venga sin más, que se vaya también sin más, que la única persona que ve no sea capaz de sacar provecho de su ventaja, y muchos más apuntes, quedan bien como eso, como apuntes. En ‘A ciegas’ no están desarrollados, y mucho menos formando parte de un todo.

Uno de los aspectos para mí más preocupantes de la película, es su limitado registro de personajes. Todos y cada uno de los que salen en pululuando por el film carecen de profundidad, y ni siquiera son arquetipos bien utilizados, lo cual hubiera llegado de sobra. Tampoco sentimos nos identificamos con alguno de ellos, ni siquiera con el personaje de Julianne Moore (tan preciosa y efectiva como siempre), que es el único que ve, y por lo tanto el único que en esa situación puede cambiar el curso de las cosas, como de hecho hace en cierto momento. Al respecto, yo sólo me pregunto porqué Moore no le quita la pistola a Gael García Bernal, no para matarle, algo a lo que se ve absurdamente obligada luego, sino para sacarle el poder que el arma le da, y deshacerse de ella. Es precisamente en toda esta parte, en la que la película parece que va a sacar sus mejores cartas, pero todo queda reducido al efectismo, otra vez visual, pero no por cómo Meirelles lo filma, sino por lo que muestra. La degradación a la que llega el ser humano en esa parte de la película es lo mejor del film, aunque lamentablemente está resuelto de un plumazo.

A la carencia de personalidad de muchos de lo personajes hay que sumar las pobres interpretaciones de prácticamente todo su elenco. Mark Ruffalo, Gael Gacía Bernal, Alice Braga, Yusuke Iseya y Danny Glover, entre otros, están tan perdidos como los personajes que interpretan. Sólo la gran Julianne Moore parece estar a la altura, aunque más de la mitad de la película, Meirelles se dedique a filmar su rostro de infinidad de maneras y todas bonitas. Una manía del director que le lleva también a querer plasmar las consecuencias de una ceguera mundial, pensando que con sus juegos de luces y montaje podría conseguirlo.

‘A ciegas’ supone un resbalón en la carrera de un director que quedará siempre marcado por una película (‘Ciudad de Dios’) cuya fama le sobrepasa. Pero sobre todo es una gran oportunidad desaprovechada, la de poder realizar una de las cumbres sobre historias apocalípticas. La humanidad se ha quedado ciega, no hay futuro. ¿Hay algo más terrible que eso? Sí, que Meirelles se dedicase a otra cosa en lugar de narrarlo.

Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu firman como Cha cha chá para formar un trío de productores que apoyan al hermano de Alfonso, Carlos Cuarón, en la dirección de ‘Rudo y Cursi’, una sencilla historia sobre dos hermanos que son descubiertos por un ojeador argentino y lanzados al fútbol mexicano de primera división. Su ascensión meteórica chocará con sus personalidades: Cursi (Gael García Bernal) es enamoradizo y sus rachas dependen de su estado de ánimo, y Rudo (Diego Luna) es ludópata y su juego pondrá en peligro su futuro.

Carlos Cuarón demuestra que puede llevar con orgullo el apellido, ya que consigue algunas imágenes muy bien compuestas, especialmente en el inicio del film, donde una serie de planos que podrían parecer de un spot publicitario, nos van introduciendo en el mundo futbolístico. A pesar del bajo presupuesto, la película tiene un acabado digno y presenta algunos momentos logrados. La historia resume varios años en las vidas de estos futbolistas y hace un uso valiente de la elipsis, gracias a lo cual, se obtiene una apariencia de buen ritmo narrativo.

La trama, de la que ya conocemos hasta los últimos elementos, pues se nos ha contado en otras ocasiones, no es más que una excusa o un telón de fondo para mostrarnos las personalidades de los hermanos y la relación que hay entre ellos. Como Pau y Marc Gasol, tienen que enfrentarse en diferentes equipos y el público está expectante por ver cómo termina la contienda. Como si fuesen unos Benji y Oliver mexicanos, uno de nuestros protagonistas es potero y el otro le tiene que marcar un gol.

Pero hasta ahí va su rivalidad, pues cuando están juntos, lo que se demuestra es que se quieren y que se llevan relativamente bien. Esto me hace pensar que, o bien se ha hablado de rivalidad en las sinopsis para vender mejor la película, o bien Cuarón intentó introducirla en el argumento, pero sin demasiado éxito. De la misma forma, esas personalidades que se nos quiere hacer creer que son opuestas con sus motes y con algunos diálogos que lo mencionan, en realidad son similares. Ambos son personajes casi vacíos, individuos con pocas luces, que se dejan llevar por lo que les rodea y quienes les rodean, siendo siempre víctimas de todo y de todos.

Con esto, la fuerza psicológica o dramática que podría tener el film queda reducida, pues ni vemos fuertes conflictos entre ellos dos o entre alguno de ellos y la sociedad, ni tampoco vemos un retrato profundamente realizado de sus personalidades. De todas formas, tanto empeño por contarnos una historia personal, al final va dando resultado y, tras mucha insistencia en este aspecto de la historia, Cuarón consigue calarnos de alguna forma y hacernos sentir empatía por los hermanos y por lo que les está ocurriendo.

Carlos Cuarón decidió introducir momentos cómicos dentro de un film que se podría considerar un drama. A pesar de ello, ‘Rudo y Cursi’ no es una clara comedia, ni tampoco una tragicomedia, es decir, un film dramático con alivios cómicos. El tono es más bien indefinido y los momentos graciosos en muchas ocasiones se derivan de la ineptitud de los personajes más que de situaciones humorísticas. En los diálogos se busca la risa a través de la acumulación de muletillas típicas locales en secuencias innecesariamente largas –más que a su duración me refiero a esa tendencia actual, especialmente común en momentos improvisados, de prolongar las escenas más allá de donde habría estado el corte habitual— que no suenan naturales, quizá porque están dobladas o porque Gael García Bernal y Diego Luna las interpretan de manera afectada y todo su lenguaje corporal se reduce a echarse la mano al paquete.

El verdadero humor lo introduce Guillermo Francella, tanto en sus propias intervenciones, como en los comentarios que provoca en los demás. Este personaje del representante argentino es el que, en mi opinión, está más logrado de todos. Sin embargo, su voz en off, que lanza filosofía barata en frases que, hasta en boca de un argentino, resultan pedantes, es lo peor del conjunto.

En definitiva, es una película que presenta algunos defectos y que no es redonda ni tampoco está equilibrada, pero que tiene momentos buenos y que, al final de todo su transcurrir, logra crear el efecto que persigue en el espectador.

Más información en Blogdecine sobre ‘Rudo y cursi’.

Mi puntuación: