Un gángster endeudado se descubre libre de todo peligro cuando su antiguo jefe le disculpa de toda deuda, pero, claro, habrá un último trabajo, en apariencia sencillo: asustar al novio del último capricho (femenino) de su hijo, un psicópata pedófilo al que cree capaz de redimir. Con pocas posibilidades de declinar la oferta, el gángster reúne a un equipo de criminales retirados para ejecutar el trabajo. Y, habrá adivinado el lector, que esta orden sencilla se llenará de un baño de sangre en el que, visto el título, habrá nulas posibilidades de salir con vida.

Eran los tiempos de Miramax y del éxito inesperado de ‘Pulp Fiction’ (id; 1994), eran los tiempos de lobos de Sundance y jóvenes dispuestos a ser devorados por otra mutación (nueva) del sistema, perfectamente relatada por Peter Biskind en su excelente crónica sobre esa generación en la que la revolución industrial más importante la protagonizaron Harvey Weinstein y Quentin Tarantino. Así que no es descabellado teorizar que el guión de Scott Rosenberg recibiera luz verde debido al boom tarantiniano, ni resulta difícil emparentar esta película con ‘Sospechosos habituales’ .

Ha escrito Jonathan Rosenbaum que la película carece de estilo, pero es, sin embargo, estilizada y no podría estar más de acuerdo con la afirmación. El cine negro original, movimiento que según muchos historiadores termina en 1958 con ‘Sed de Mal’ (‘Touch of Evil’, 1958), se forjó, sobre todo, en el estilo, en la construcción de una retórica que dotaba de un énfasis expresivo insólito a los espacios urbanos y resaltaba los escenarios, con ello la misé en scène, como una parte vital del estilo. El manierismo que se desarrolla en el neo noir tontea con un peligro y es el de confundir la repetición de los tópicos y arquetipos, sin ningún tipo de conciencia o novedad, como materia estilística, como valor per se, cuando de lo que estamos hablando es, efectivamente, de estilización, de imitación, de una actitud que viene de otras películas (las de los cincuenta) antes que de algún tipo de pensamiento sobre estas o sobre la realidad de sus personajes.

Con esto quiero decir que, por ejemplo, la ironía del cine de Tarantino tiene su razón de ser (o su perfecta superficialidad) en la influencia del francés Jean-Luc Godard, el tratamiento irónico de los hermanos Coen invita a reflexionar sobre el género y sus convenciones y estamos en un caso contrario. Pero, incluso asumiendo que el terreno de la reflexión no sea el asunto, pensar en ‘Reservoir Dogs’ (id, 1991) y en su contundencia y hasta originalidad en la puesta en escena, en el golpe que supuso encima de la mesa, es pensar en un tipo muy diferente de película. Esta cinta que nos ocupa estaría más cerca, también, del venidero Guy Ritchie, un artesano con ínfulas de auteur cuyas obras serían mucho menores a esta cinta que nos ocupa, afortunadamente menos autoconsciente y más narrativamente directa.

Gary Fleder no dirigió grandes películas después y dotó a esta de un ritmo trepidante, contando con la complicidad expresa de que el guionista era un antiguo compañero de clase y de que Denver parece un escenario un poco inusual para el cine negro (basado siempre en las urbes angelinas y neoyorquinas, tal vez Chicago) que aquí se pretende, con esta tensión continuada y este cierta cierta facilidad con la que todo ocurre. Las películas posteriores de su director demostraron hasta qué punto trabajó aquí con los moldes preestablecidos de un género y con una rotundidad que no dependía tanto de su talento como de la historia y de convertir la dramaturgia en algo más rápido que coherente, principalmente entretenido. El culto que ha recibido el film a posteriori se debe a dos razones, principalmente, y una de ellas está en Denver, convertida en metáfora de la película, cine negro canónico y estilizado, dispuesto a ser consumido (y visto) como un disparo (o un tequila).

El otro elemento por el cual la película brilla es el reparto, coral y magnífico, que brinda unas interpretaciones especialmente memorables de todos los actores, capaces de levantar a la película por encima de la media y seguramente responsables de su status de quo. Destacan todos: Christopher Walken, en su eficaz modo amenazador, William Fichtner, Gabrielle Anwar sacando provecho de su sensualidad, el siempre imprescindible Steve Buscemi (ya habitual en este tipo de películas y entonces la presencia imprescindible gracias a los hermanos Coen y a Tarantino) y un sorprendente Andy Garcia, llevando el protagonismo con una liviandad adecuadísima. El más sorprendente es, indudablemente, Treat Williams, dando la nota más insólita en su registro de pervertido psicótico de regusto necrófilo y carácter implosivo.

El otro día, se mencionaba en los comentarios a la crítica de ‘El inocente’, la película de Gary Fleder ‘El jurado’ (’Runaway Jury‘, 2003) por tratarse también de un thriller judicial con giros argumentales. Los guionistas Brian Koppelman, David Levien, Rick Cleveland y Matthew Chapman adaptan la novela de John Grisham sobre un juicio contra la asociación de empresas armamentísticas en el que los abogados tienen tras ellos a unos expertos en control de jurados que les asesoran a la hora de elegir a los participantes para saber que estarán a su favor. Nick Easter, encarnado por John Cusack, se verá incluido entre estas doce personas muy a su pesar.

Posibles spoilers.

La mayor característica del film radica en mantener al espectador durante casi todo su metraje con una intriga muy particular, ya que se trata de algo que habitualmente se da a conocer en los primeros minutos: hablo de la motivación de los protagonistas. El misterio en este caso no responde a la resolución de una incógnita que costará desentrañar y por ese motivo llevará tiempo desvelar, sino a algo que, con un punto de vista habitual, es decir, centrado por completo en los protagonistas, se podría saber desde el arranque.

Esta trampa o, si lo preferimos, decisión inteligente por parte de los autores, permite mantener la curiosidad del espectador hasta el final. Gracias a esto, una historia lineal y sumamente sencilla —que contiene muchos menos giros de los que aparenta— se convierte en un atrayente entramado. Para lograrlo, la omnisciencia será mucho mayor de la habitual y los puntos de vista llegarán a pasar de manos de unos personajes a otros más de una vez a lo largo de la cinta.

Un virtuoso montaje

‘El jurado’ está realizada con maestría, pero más hábil me parece el montaje de William Steinkamp que supone, sin duda ninguna, el aspecto técnico más logrado y llamativo de este film. Contada casi en su totalidad en diferentes paralelos y con valientes elipsis, la película cobra un ritmo vertiginoso. Steinkamp juega con la información como quiere para producir sorpresas muy efectivas —lo hace, por ejemplo, durante la de la llamada de teléfono al personaje de Gene Hackman a media noche— y compone algunas escenas que son puras virguerías de montaje, como esa primera elección de los jurados que se resuelve a toda velocidad.

Este tremendo trabajo del montador, sumado a la dosificación de la información mencionada dos párrafos más arriba, logra que una película sin apenas acción o desarrollo argumental parezca trepidante y esté cargada de tensión. No solo la motivación se esconde hasta el final, sino que incluso las intenciones de los protagonistas se desconocen hasta el minuto 50 de película. Que se tarde tanto en plantear la narración y que, a pesar de todo, esa larga introducción no aburra de nuevo es mérito del estudiado montaje.

El individuo contra el sistema

Como es habitual en Grisham, se cuenta una historia heroica de meros individuos que se enfrentan al sistema, a los corruptos, a lo establecido… el clásico David contra Goliath que tanto gusta en algunas culturas. Esa noción de las pequeñas personas que hacen que se tambaleen los cimientos del mundo que han creado los poderosos es bonita de ver y puede encenderte y contagiarte las ganas de lucha y hasta cierto optimismo. Sin embargo, no puedo evitar pensar que se trata de algo iluso, ingenuo, casi fantasioso… cercano quizá a los relatos de superhéroes ya que, al fin y al cabo, estos ciudadanos de a pie que se convierten en adalides de la justicia se han tornado, de alguna manera, en superhéroes.

Gracias a esta situación, los autores incluyen una ligera crítica política o social, en este caso, sobre las leyes que permiten la tenencia de armas. Pero esta protesta queda como telón de fondo y se enfatiza poco en ella para que el film no resulte molesto ni cause rechazo a espectadores de ninguna convicción al respecto. Es más fuerte la reivindicación del pequeño individuo que la protesta contra la asociación del rifle.

De esa decisión de guardar la motivación para el final se deriva otra de las virtudes de la película, que es mantener durante mucho tiempo la ambigüedad sobre los personajes principales en el sentido de si son buenos o malos. Esta duda crea un efecto interesante en el espectador que está de parte de personajes sobre cuya moralidad alberga dudas.

El reparto de ‘El jurado’ es espectacular. John Cusack y Rachel Weisz forman la pareja protagonista y logran superar la dificultad que se deriva de lo expuesto: no deben dejar traslucir sus intenciones y, a pesar de lo poco que conocemos de ellos, despiertan nuestra empatía. Gene Hackman y Dustin Hoffman, cada uno en su lado del juzgado, interpretan a lo que se podría llamar el bueno y el malo y ambos están perfectos en cada papel. Jeremy Piven sería la quinta pata del banco, con un papel más movible que en ocasiones toma el punto de vista.

Conclusión

Si bien la historia de partida, aquella de la que es responsable John Grisham, no deja de ser lineal, sencilla e ingenua; la forma en la que está narrada, así como todos los componentes cinematográficos a su servicio: el guion, la dirección, la interpretación, el montaje… suponen una aportación tan poderosa y lograda que hacen que parezca que nos encontramos ante un material de mucha más envergadura. El resultado, por lo tanto, es el de una película muy aparente, entretenida y llena de tensión, que se disfruta tanto por todas sus aportaciones visuales como por la manera en la que se va destramando la madeja. Podría ser la mejor o una de las dos mejores películas basadas en novelas de Grisham.

Mi puntuación:

‘The Express’, de la que os traigo el trailer y el póster, cuenta la “verdadera” historia del jugador de fútbol (americano) Ernie Davis. Davis fue “running back” de la Universidad de Syracuse, liderando a un equipo que logró el campeonato nacional en 1960. Un año después, se convirtió en el primer jugador negro que ganaba el Trofeo Heisman. Más tarde, en el mismo 1961, Davis fue elegido en primer lugar en el draft de la NFL. Sin embargo, el prometedor futuro del joven no estaba destinado a convertirse en realidad… Y aquí paro de contar, aunque podéis conocer toda la historia buscando un poco en internet, si os pica la curiosidad.

Me gustan las películas con héroes deportivos; personas que superan dificultades de todo tipo para, gracias a la ayuda de un entrenador, llegar a convertirse en verdaderas leyendas dentro de la historia del deporte. A fin de cuentas son las mismas historias de siempre, pero suelen estar bien construidas y a pesar de los tópicos, al estar basadas en hechos reales, acaban por lograr momentos muy emocionantes. Y si el director es mínimamente correcto, siempre incluyen algunas secuencias visualmente espectaculares.

El actor Rob Brown da vida a Ernie Davis, mientras que Dennis Quaid encarna a Ben Schwartzwalder, su entrenador en la universidad. Dirigida por Gary Fleder, ‘The Express’ se estrena en los Estados Unidos el próximo 10 de octubre. No hay fecha aún para España.

Vía | Impawards