La tanatografía es la reproducción de la última imagen que ha quedado registrada en la retina tras la muerte. Con este interesante punto de partida se podrían inventar variadas ficciones, como una consistente en buscar a un homicida por el terror grabado en los ojos de sus víctimas. En ello se basa ‘Cuatro moscas sobre terciopelo gris’, de Darío Argento. Se cuenta, asimismo, que Scotland Yard trató de ver en las retinas de una de las asesinadas por Jack el destripador la imagen de su verdugo, pero sin ningún fruto.

‘Imago mortis’ con lo que se queda es con un metaanálisis en el que el propio tanatoscopio es el protagonista de la historia y la búsqueda de la tanatografía perfecta su motor. Introduciendo como excusa un arte similar, pero de vigencia en nuestros días, la película nos sitúa en una escuela de cine donde Bruno, uno de los alumnos, descubre este mecanismo sin saber cuál es su utilidad y comienza una investigación por la que todos los que le rodean acaban tomándolo por loco.

Stefano Bessoni dirige ‘Imago mortis’ (imagen de la muerte), una coproducción entre Italia, España e Irlanda, protagonizada por Alberto Amarilla, Oona Chaplin, Leticia Dolera, Geraldine Chaplin y Alex Angulo, que verá su estreno el viernes, 24 de julio.

Bessoni se delata especialista en mediometrajes con su estudiada composición de planos y su fotografía basada en verdes y ocres. La atmósfera se apoya sobre en una dirección artística que escoge una localización añeja –de la que se extrae hasta el último encuadre posible—, vestuario atemporal y ausencia absoluta de tecnología moderna, a pesar de que la acción está situada en la época actual. Esta ambientación aporta un toque de irrealidad que se revela como la pieza más notable del film.

Pero la capacidad para crear imágenes que tiene este director, que también es ilustrador, la echa de menos para narrar. La historia no atrapa y el miedo no se siente ni siquiera gracias a la truculencia de algunos efectos especiales. Las escenas denotan una torpeza de principiante que podría achacarse al montaje, pero quizá también a esa misma composición de planos, pues es probable que, al darle prioridad a la belleza de los encuadres, se haya supeditado la transmisión de los acontecimientos.

Dividida en capítulos invisibles que cobran el título del ejercicio que encarga el profesor en cada lección, la trama se va desplegando con algunos hallazgos curiosos, pero con un pobre desarrollo global y una gran lentitud. Es posible que la colaboración –el guión lo firman dos autores y se agradece la colaboración a otros cinco— haya llevado a discusiones que dejasen cabos sueltos y momentos sin afinar, pues en general se aprecia que la escritura podría haber tenido un mejor resultado con los mismos mimbres. No es, por descontado, el único traspiés, pero valga como ejemplo uno de los giros finales (SPOILER): El personaje encarnado por Leticia Dolera, tan presente en toda la cinta, pero sin una función o relación con los protagonistas concreta, está confesando desde el inicio que ella es la culpable, pues otra explicación no se puede dar a su presencia (FIN DEL SPOILER).

‘Imago mortis’ plantea en el inicio atisbos de cinefilia que se pierden cuando se introduce el tanatoscopio en la intriga. F. W. Murnau Institute es el nombre de la institución y Caligari el apodo de uno de los profesores, como claras referencias a films clásicos expresionistas a los que los autores quieren rendir homenaje. Se rescatan las pequeñas cámaras de 8 mm., utilizadas hoy en día únicamente por estudiantes y experimentadores, y se recupera el tacto del celuloide, las moviolas, las latas de película y todo tipo de visores y artilugios. Todo esto tiene una belleza que ya sólo queda en documentos, escuelas y filmotecas.

Será interesante apuntarse los nombres de los creadores de esta película para ver sus obras futuras, que seguro que tendrán apreciables aportaciones.

Más información en Blogdecine sobre ‘Imago mortis’.

Mi puntuación:

La coproducción hispano-italiana ‘Háblame de amor’ (‘Parlami d´amore’), está dirigida y protagonizada por el joven Silvio Muccino, que se ha basado en su propia novela –co-escrita junto a Carla Vangelista— para escribir el guión. En el reparto, acompañan al omnipresente Muccino, Aitana Sánchez-Gijón y Geraldine Chaplin. El estreno de este debut en la dirección del hermano de Gabriele Muccino, se producirá en España el 17 de julio. En Italia salió el 14 de febrero de 2008 y, de momento, ningún otro país se ha decidido a estrenarla… por algo será.

Sasha es un joven que padece algunos problemas mentales porque se ha criado en un centro de desintoxicación donde sus padres estaban internados. Tiene dificultad para socializar y se está desenganchando del juego. Cuando Nicole está a punto de atropellar a un perro, Sasha choca con ella. Hablan y se convierten en amigos: Sasha quiere que le ayude a conquistar a una especie de Paris Hilton de la que lleva años enamorado. Reaparece un primo de Sasha que convivió con él en el centro de rehabilitación y le insiste en que vuelva a jugar porque necesita el dinero. Ahora el protagonista tendrá que luchar contra sus vicios y sus dificultades.

En ‘Háblame de amor’ todo lo estético es sublime. A la belleza de los intérpretes se suma una preciosa dirección de fotografía, unas localizaciones majestuosas y un vestuario muy estiloso. Estas bellas imágenes están acompañadas por música muy presente. Este conjunto de aspectos superficiales tan cuidado tiene la intención de crear poesía. La película no busca tanto emocionar con la historia que se cuenta, sino con sus momentos aislados que, en la opinión del director, probablemente están cargados de magia. Esa lírica podría bastarle a una carpeta de adolescente, sin embargo, con una mirada algo más puntillosa, la encontramos artificial y cursi.

Otro de los terrenos donde se puede hablar de la película en positivo es la interpretación. Muccino, con más experiencia como actor que como director (‘Enemigos íntimos’, ‘Manuale d’amore’, ‘El último beso’), da vida a su personaje con total convencimiento e incluso le aporta carisma y originalidad. Por su aspecto físico, se podría hablar de él como de un joven Russel Crowe. Aitana Sánchez-Gijón, desde que comenzó a trabajar en el extranjero, está viviendo una etapa de florecimiento como actriz. Parece que hablar otros idiomas ayuda a sus personajes. Carolina Crescentini (en la anterior fotografía) tiene un breve papel que interpreta tan bien que parece que fuese así en la vida real. La intervención de Geraldine Chaplin es aún más corta, pero aporta una solera al reparto.

La contrapartida de tanta hermosura es que el film resulta epidérmico y que se hace muy complicado penetrar en algún sentimiento. Los conflictos que presenta Muccino, además de ser harto tópicos, parece que se hubiesen incluido como adornos, como exigencias que no van con él. Así, si nada nos engancha argumentalmente, sino que sólo estamos en el cine para contemplar imágenes, los ciento nueve minutos de duración se hacen difíciles de sobrellevar.

Decía ayer que en las comedias románticas es poco importante que el final sea previsible. Sin embargo, en ‘Háblame de amor’ sí supone un problema imaginarte cómo van a acabar las relaciones de este triángulo amoroso, ya que la película no tiene las claves de las comedias románticas, sino que se estructura de otra manera, y sí juega, en este caso, a la sorpresa con respecto a este giro de guión.

El joven escritor y guionista también demuestra que necesita sufrir una maduración en su redacción de los diálogos. Todo se dice, todo se explica y se recalca, convirtiéndolo en obvio. Hay demasiados parlamentos, probablemente porque aquí ha creído Muccino que también estaba creando poesía.

La película habla de amor, sí. Pero del amor que siente Silvio Muccino hacia sí mismo. Se ha visto guapo y seductor y ha creído que también sabía escribir novelas. Y eso le ha llevado a pensar que sabía crear guiones y dirigir películas. No me gusta decir que las cosas están mal porque quienes las han fabricado son demasiado jóvenes, pero en ocasiones, cuando los errores son signos tan claros de haber pasado hace muy poco tiempo la adolescencia, no queda más remedio.

Mi puntuación:

Los cineastas canarios Dunia Ayaso y Félix Sabroso han iniciado hoy el rodaje del primero de sus dramas: ‘La isla interior’, una historia contada a través de tres hermanos con vidas muy diferentes que tratan de salir adelante: Candela Peña, Alberto San Juan y Cristina Marcos, y de su madre: Geraldine Chaplin. Sabroso describe la base del film como “el miedo a la herencia genética y lo que supone la carga de lo familiar para crecer en la vida”.

Ésta será la sexta película de los autores de lo que se podría calificar cariñosamente como comedias “petardas”: ‘Descongélate’ o ‘Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí’, producidas por la empresa de Almodóvar, El Deseo, son algunos ejemplos. Durante el Festival de Cine Español de Málaga pudimos saber su opinión sobre las ventajas y los inconvenientes de dirigir a dúo y parece que son las partes buenas las que prevalecen porque el tándem no se disuelve.

Su quinto largometraje, ‘Los años desnudos’ (que antes tenía como título ‘Clasificada S’, lo cual se ha quedado únicamente a modo de subtítulo o tag-line), se estrenará el próximo 24 de octubre. Habla de la mujer en la transición española y está contada a través de las vidas de tres actrices del cine erótico de finales de los setenta. Protagonizan la cinta Candela peña, Goya Toledo, Mar Flores, Antonio de la Torre y Luis Zahera.

Ayaso y Sabroso, hijos predilectos de la ciudad de Las Palmas, consideran este cambio de registro como “un paso adelante en nuestro cine”. “Tanto ‘Los años desnudos’ como ‘La isla interior’ no son comedias, y sobre todo ‘La isla interior’ es un drama total, algo que no habíamos abarcado hasta que llegó la teleserie ‘Mujeres’”.

Ayaso añadía que están “contentos con el resultado de los ensayos”. A pesar de que Javier Cámara, quien iba a protagonizar este primer proyecto de los cineastas en su tierra, se haya echado atrás, los directores confiesan que el elenco “está genial” en sus papeles.

Producen Mecanismo, Ayaso, Sabroso PC, Obreron Cinematográfica y La Mirada con apoyo económico del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, el Cabildo Insular de Gran Canaria, el Gobierno canario y TV Canaria. La grabación se realiza con una cámara de Alta Definición Arri D-21. Está previsto que se termine de rodar el 15 de octubre, tras seis semanas de trabajo. Celso Bugallo completa el reparto.

Más información en Blogdecine sobre Félix Sabroso y Dunia Ayaso.

Fuente | Página oficial de Ayaso y Sabroso.

‘BloodRayne’ de Uwe Boll es una película que la Fox iba a poner a la venta en estas fechas, pero su lanzamiento se ha retrasado debido a… sinceramente es lo que menos importa y os aseguro que es una noticia de las buenas. Deberíamos alejarnos de esta película lo más posible, e intentar avisar a todo aquel al que apreciemos para que no la coja en el videoclub o si llega a sus manos, que la destruya. Yo había visto de este señor ‘House of the Dead’ y ‘Alone in the Dark’, y pensaba sinceramente que peor no las podía hacer, pero después de ver ‘BloodRayne’ ya no sé si es peor o no, pero lo que está claro es que mejor que esas dos no es.

‘BloodRayne’ es la adaptación del videojuego del mismo nombre. En el film se nos narra como una Damphir, mitad humana, mitad vampiro, es exhibida en un circo en Rumanía en el siglo XVIII, y del cual se escapa. En su huida se encuentra con una mujer que le cuenta que su madre fue violada y asesinada por su padre, el Rey de los Vampiros, de nombre Kagan. Es entonces cuando nuestra protagonista, tomando conciencia de sí misma, decide iniciar un viaje al encuentro de Kagan, movida por la venganza.

‘BloodRayne’ es un despropósito de tales dimensiones, que sinceramente no merece la pena perder el tiempo hablando sobre la película. Todo en ella es muy típico de la enorme torpeza de Uwe Boll como director, desde lo espantosamente surrealistas que pueden ser sus argumentos, hasta la simpleza de sus diálogos, pasando por interpretaciones normalmente espantosas de actores conocidos, hasta llegar a la cutres general que visten sus productos. Y que conste que lo de la cutres puede tener un pase si todo está resuelto con ingenio e imaginación. Pero no es el caso.

La historia resulta en todo momento de lo más delirante, y llena de situaciones cuanto menos risibles, resueltas muy torpemente, y en algunos casos alcanzando un nivel de escándalo preocupante. Anótese, por ejemplo fallos del tipo de personajes que están en un sitio y al plano siguiente a un montón de distancia, siendo palpablemente imposible que haya recorrido esa distancia. Fallos de ese estilo y similares, los hay a borbotones en la película, lo cual hace que te preguntes si no estarán realizados adrede. Y es que no me extrañaría nada que Boll se estuviese riendo de todos nosotros haciendo las películas mal queriendo. Calidad tan pésima como la que desprende este film, sólo puede realizarse intencionadamente y prácticamente siendo un genio, porque tan, tan mal como aquí es imposible de hacer.

Lo que más llama la atención de la película, al igual que en otras de su director, es lo conocido de su reparto, lleno de caras muy familiares para todos los espectadores, y en algunos casos, son actores bastante buenos. Michelle Rodriguez, Michael Madsen, Billy Zane, Michael Paré, Geraldine Chaplin, Meat Loaf, Udo Kier, y Ben Kingsley, son los intérpretes, comandados por Kristanna Loken, que tiene el papel central en su haber. La actriz está simplemente espantosa, y vale que en este tipo de films no se necesita que los actores hagan un trabajo pensando en el Oscar, pero de ahí a lo que vemos en esta película, hay un trecho pero largo. Ninguno resulta creíble, y por si fuera poco, muchos son los que provocan risa. Loken no está convincente ni en las escenas de acción, por mucho que viniera de zurrarse con Schwarzenegger en la floja ‘Terminator 3’. Atención a la escena en la que se enfrenta físicamente al personaje que interpreta Rodriguez. De juzgado de Guardia.

El resto de actores son una parodia de sí mismos, tanto aquellos que tiene un papel extenso, como los que simplemente realizan una breve aparición, rozando el cameo. Ben Kingsley (todavía no me creo que un actor de su categoría se rebajase a tanto, supongo que hay más días que lentejas) aparece en determinados momentos, y eso que se trata del malvado del film, con una importancia fundamental en la trama, si a lo que cuenta la película se le puede llamar trama. Ni se inmuta el tío, en ningún momento, todo el rato con rostro hierático e imperturbable. Ver para creer.

‘BloodRayne’ es uno de esos bodrios espantosos, que ni siquiera en compañía de colegas puedes quitarles algún provecho. Hay ciertas malas películas que viéndolas en compañía pueden tener su aquél, mientras se comentan los fallos con los amigotes, en un punto en el que la película ya no hay por donde cogerla. Pues bien, ‘BloodRayne’ no sirve ni para eso, que ya es decir. No pienso perder nunca más el tiempo en Uwe Boll, con tres me ha llegado para el resto de mi vida. Atención, porque el director rodó un segunda parte, en la que ya no hay ningún actor conocido en su reparto, salvo Paré. Si alguien la ha visto, por favor que no nos haga partícipes de su tortura.

Evidentemente hay que hablar de ella, es la película española del año, y muy probablemente nos represente en la próxima gala de los Oscars, aunque por si las moscas no vayamos cantando victoria, que los españoles somos muy dados a celebrar antes de tiempo. ‘El Orfanato’ está arrasando en taquilla, y sinceramente no me extraña, dejando a un lado la portentosa campaña de marketing que está teniendo la película, hay que sumar el hecho de que se trata de un film de terror, género muy de moda entre el público de hoy día, que siempre está abierto a que lo asusten de buena manera cuando va a una sala de cine, aunque se trate de una película española.

‘El Orfanato’ nos narra la historia de Laura, que junto a su marido y su hijo regresa al orfanato en el que se crió, con la intención de reabrirlo como residencia par niños discapacitados. Una vez allí, su hijo Simón, de una imaginación desorbitada, empezará a jugar con unos amigos que no son reales, o tal vez sí. Muy pronto empezarán a suceder cosas muy extrañas, y Laura se verá obligada a ahondar en el pasado del orfanato e intentar descubrir que pasó allí hace años.

‘El Orfanato’ es una película efectiva, muy entretenida y que está bastante por encima de la media de lo que aquí solemos hacer, y si tenemos en cuenta sólo el género de terror, entonces hay que decir que está muy, muy por encima de la media patria. Pero también me ha parecido una película que vive demasiado de las referencias, y ciertamente que en una película se rinda algún homenaje a títulos famosos entre la audiencia pues no está mal, pero una cosa es hacer un par de homenajes, y otra bien distinta que toda le película esté construida a raíz de otros films. Probablemente el más referenciado sea Steven Spielberg, con clarísimos guiños a ‘E.T.’ y a ‘Inteligencia Artificial’, y cómo no, a uno de esos productos producidos por el Rey Midas, ‘Poltergeist’, con la aparición de una médium en mitad de la película, y que a un servidor le ha parecido el momento más bochornoso de la cinta, con las frases de diálogos más lamentables que he oído en bastante tiempo (“la poli mola”).

Pero además tenemos ecos de ‘Suspense’, la inmortal película de Jack Clayton, basada en la no menos inmortal obra de Henry James, de la que también bebía la magnífica ‘Los Otros’ de Amenábar, de la que también coge prestadas algunas cosas, aunque menos de las que cabría esperar. Se ven referencias a ‘The Haunting’, film de Robert Wise que consigue crear verdadero miedo, o incluso de ‘The Wicker Man’ de Robin Hardy, de la que coge en cierto momento en el que se celebra una fiesta la enrarecida atmósfera que tenía aquella película. Y así podríamos estar durante un buen rato.

Con esto no quiero decir que la película sea mala, que no me lo parece, pero no encuentro ni un sólo punto de originalidad en la misma que le permita subsistir como película propia sin necesidad de depender de todas esas películas. En lo que sí me parece que el film tiene algunos errores es en su parte argumental, la cual, en la parte real, por así llamarla, está llena de incongruencias, y todas giran alrededor de cierto niño deforme, y de su madre, que también parece la madre de Mortadelo. Y es en este punto donde yo quedo un poco desconcertado. Si se quiere hacer que un personaje tenga un aire amenazador o de misterio, evidentemente no hace falta ponerle la cara más siniestra del mundo, pero lo que tampoco se puede hacer es que ese personaje tenga cara de chiste. También encuentro algún que otro momento innecesario en el film, argumentalmente hablando, como esa efectista secuencia en la que vemos las consecuencias físicas de cierto atropello, o el epílogo de la película, ese pegote que viene a ser como una vuelta de tuerca más, cuando en la escena anterior la película terminaba perfectamente.

Por supuesto la película tiene virtudes, y todas se encuentran en la puesta en escena de su director, J.A. Bayona, que se aparta muy considerablemente de lo que nuestro cine nos ofrece en ese aspecto. Por fin un director que sabe que la cámara hay que moverla y lo hace bien, aunque en ciertos momentos se le vaya la mano, y al respecto cito la carrerita que el personaje femenino hace por la playa perseguida por su marido, en la cual Bayona se olvida de la sobriedad que hasta ese momento estaba demostrando, y se convierte en un director nervioso que recurre a efectos absurdos de luz y sonido, o sea, cae en lo de siempre. Pero el resto es para aplaudir, sobre todo los excelentes últimos 15 minutos, cuando el film presenta todas sus cartas, y el director lo resuelve con inusitada elegancia sin caer ni un sólo momento en ningún tipo de exceso.

Pero ‘El Orfanato’ se apoya además en la extraordinaria interpretación de Belén Rueda, a la que deberían explotar más en pantalla grande. Ella sola carga con todo el peso de la película, convirtiéndose en la auténtica estrella de la función, haciendo gala de una entrega absoluta a su personaje, logrando transmitirnos todas las emociones por las que el mismo pasa. Y vuelvo a resaltar esos momentos finales, en los que además da la sensación de que la propia actriz tiene un crescendo interpretativo, acorde con la historia que nos están narrando. Ninguno de los otros actores están ni de lejos al mismo nivel que Rueda, aunque eso no significa que estén mal. Bueno, dejemos de lado a Geraldine Chaplin, la cual nos lleva dando el coñazo décadas.

Una película correcta, que nos descubre a Bayona como un director muy a tener en cuenta, aunque me da la sensación de que acabará seducido por el lado oscuro de la fuerza, y muy pronto lo llamarán de Hollywood donde intentarán quedárselo para siempre. No seré yo el que se queje, que vayan aprendiendo los demás.

En Blogdecine:

• ‘El Orfanato’, buen cine comercial español

No siempre me encuentro en cartelera con una película con la que comparto el nombre, así que sólo por eso ya tenía ganas de ver, Teresa: El cuerpo de Cristo.

Aunque conocer un poco más de la vida de una mujer como Santa Teresa de Ávila, interesante más allá de los temas religiosos (a pesar de lo que diga Juan Orellana), fue realmente el motivo principal que me arrastró al cine, sin prejuicios ni expectativas, y afortunadamente me he llevado una grata sorpresa.

En primer lugar, la película cumple al 100% lo que resume en esta pequeña sinopsis:

Teresa: el cuerpo de Cristo es la crónica de una mujer única para un tiempo difícil. Una mujer hermosa y fuerte que luchó contra el mundo y salió ganando en su día y en la historia. Es la historia de Doña Teresa de Cepeda y Ahumada (Ávila, 1515 – Alba de Tormes, 1582), conocida como Santa Teresa de Jesús o de Ávila.

No se pierde en relatos secundarios, no se recrea en unos momentos más que en otros, no distrae con elementos innecesarios para llamar la atención. La evolución de Teresa se explica de una forma coherente y entendible, haciendo que el espectador conecte con sus emociones y su manera de pensar.

Una tarea difícil, que Ray Loriga cumple a la perfección, sabiendo transmitir momentos tan complicados como los de éxtasis místico de la Santa, con fuerza, pasión y belleza. Tres adjetivos que podrían servir también para describir la esencia de esta película.

Teresa: el cuerpo de Cristo, es una historia de superación, de fe, de lucha de una mujer en un mundo de hombres, que a pesar de contener algún elemento que puede resultar provocador (aunque no más que los propios textos de Teresa), no pretende en ningún momento ser irrespetuosa con la iglesia católica.

Hay personajes en contra de esta Doctora de la Iglesia, pero también hay muchos a favor, y muchos temerosos de las circunstancias, así que no se trata de un film de buenos y malos, si no de un retrato de una mujer que hizo historia, y del que se suele tener una imagen un tanto distorsionada.

Otro factor importante es la excelente interpretación de Paz Vega, que se funde absolutamente con el personaje, dotándolo de la feminidad, inteligencia, carácter y energía que necesita.

Por primera vez he olvidado totalmente que la actriz que estaba interpretando era Paz Vega, que se convierte por completo en Teresa para la película.

Hasta aquí tenemos un buen guión, una buena dirección y buenas interpretaciones, porque a la de la protagonista se suma también el buen hacer de Leonor Watling como Doña Guiomar de Ulloa, Geraldine Chaplin como Priora del Convento o Eusebio Poncela en el papel de Gaspar Daza, por citar sólo unos cuantos.

A todo esto tenemos que añadir la magnífica fotografía de José Luis Alcaine, que me recuerda al efecto conseguido por Eduardo Serra en La joven de la Perla, pero trasladándolo al momento que pertenece. La música de Ángel Illarramendi y Michael Nyman (pacificadora o delirante cuando el film requiere) y el impresionante vestuario de Maribel Pérez y Eiko Ishioka, que anteriormente trabajó en Drácula y La Celda.

El conjunto, como decía al principio, es una película sorprendente en todos sus aspectos, hecha con una calidad a la que en este país no estamos acostumbrados.

Producciones de este tipo si que son una auténtica esperanza para el cine español, lástima que no abunden, así que aunque no me guste dar consejos espero que os animéis a verla. Religiosos o no, su mensaje es universal y podemos disfrutarlo todos.

En Blogdecine | Tráiler de ‘Teresa, el cuerpo de Cristo’, de Ray Loriga, con Paz Vega y Leonor Watling

Este viernes, 9 de febrero, se estrena ‘Teresa: el cuerpo de Cristo’, una película escrita y dirigida por Ray Loriga y protagonizada por Paz Vega (Santa Teresa), Geraldine Chaplin (en el papel de Priora del Convento) y Leonor Watling (como Doña Guiomar de Ulloa).

‘Teresa: el cuerpo de Cristo’ es la crónica de una mujer única para un tiempo difícil. Una mujer hermosa y fuerte que luchó contra el mundo y salió ganando en su día y en la historia. Es la historia de Doña Teresa de Cepeda y Ahumada (Ávila, 1515 – Alba de Tormes, 1582), conocida como Santa Teresa de Jesús o de Ávila.

En el enlace que hay a continuación podréis encontrar una amplia selección fotográfica de la película y el vestuario, videos del rodaje y tráiler del film.

Tráiler de ‘Teresa, el cuerpo de Cristo’.

Teresa de Cepeda y Ahumada es la hija de un hidalgo de Ávila que se resiste a aceptar su rol de mujer en un mundo de hombres: no quiere limitarse a ser esposa y madre. Siente que tiene que haber algo más elevado. Quiere escribir, quiere leer, quiere aprender. En busca de ese “algo” que le falta, ingresa en un convento de clausura pero su decepción no puede ser mayor: tras las paredes del claustro reina el materialismo y la misma frivolidad de los que ella viene huyendo. Así, decide iniciar una cruzada de oración y sacrificio que la convierten primero en una rebelde y una loca, más tarde en una líder y, finalmente en una santa.

En el reparto, acompañan a las tres actrices mencionadas José Luis Gómez (Fray Pedro de Alcántara), Eusebio Poncela (Gaspar Daza), Álvaro de Luna (Padre de Santa Teresa), Paula Errando, Ángel de Andrés López (Obispo de Toledo), Amparo Valle, Javier Mejía, Francesc Garrido, Manuel Morón, Azucena De La Fuente y Gregorio A. Sebastián (Cristo).

La película, que ha contado con un presupuesto de 7.738.000 euros, es una producción Andrés Vicente Gómez para Iberoamericana Films Producciones (España), Future Films (Uk) y Artedis (Francia), que se ha rodado en localizaciones de Cáceres, Trujillo, Tomar (Portugal), Madrid, Ávila y Ciudad de la Luz (Alicante). La fotografía es de José Luis Alcaine.

Nacido en Madrid en 1967, el escritor y cineasta Ray Loriga comienza muy joven a publicar relatos en revistas underground como ‘El canto de la tripulación’. A los 25 años publica su primer libro iniciando una carrera literaria que le convierte en uno de los mejores referentes de la literatura española de los años 90 e incluye títulos como ‘Héroes’, ‘Días extraños’, ‘Caídos del cielo’, ‘Tokio ya no nos quiere’, ‘Trífero’ y ‘El hombre que inventó Manhattan’.

Su carrera cinematográfica la inicia en 1997 colaborando con Pedro Almodóvar en el guión de ‘Carne Trémula’. Ese mismo año dirige su primera película, ‘La pistola de mi hermano’, basada en una de sus novelas. Mientras compagina su actividad literaria con la escritura de diversos guiones como los de ‘El séptimo día’, de Carlos Saura y ‘Ausentes’, de Daniel Calparsoro. ‘Teresa: el cuerpo de Cristo’ es su segunda película como director.

Loriga ha declarado que “toda la iconografía religiosa me parece muy potente para el cine, y luego es la historia de una mujer en contra de un esquema de vida muy rígido, en unas condiciones muy duras para el desarrollo intelectual, espiritual y humano. De modo que una mujer en esa época –en una época en la que se suponía que las mujeres no eran nada– se atreviese a ser casi todo lo que una mujer puede ser y que acabase haciendo historia, me pareció que merecía la pena.”

Y continúa diciendo que “otra cosa que siempre me interesó es que no fuera una mártir. Que no era una de estas historias típicas de mujeres que dicen «se atrevió a desafiar al mundo y pagó por ello»… Santa Teresa luchó contra todo el mundo y salió ganando, en su día y en la historia”.

Añade que “Si hubo polémica en el siglo XVI seguramente pueda haberla ahora. […] Hay muchas cosas de ella que no se han contado y que son un misterio sin resolver: su sexualidad, por ejemplo”.

Ante la pregunta de por qué había escogido a una actriz sensual como Paz Vega, responde, entre otras cosas que “Teresa también fue una mujer muy coqueta. ¿Sabe lo que dijo Santa Teresa en una ocasión en que le pintaron un cuadro? Pues cuando lo vio, le dijo al autor que la había sacado fea y vieja.”

Vía: LOLAFILMS

El director independiente Chase Palmer planifica el rodaje de ‘Number Thirteen’, un thriller que explora la producción de la inacabada primera película británica de Alfred Hitchcock, ‘Number 13’, que también se tituló ‘Number 13’ (1922). Los protagonitas serán Ben Kingsley, Emily Mortimer (‘Match Point’, de Woody Allen o ‘El chico’, de Jon Turteltaub), Ewan McGregor (los tres en la foto superior) y Dan Fogler, que interpretará al director de joven.

El guión también es de Chase Palmer, que debuta en la dirección. Según la trama inventada por Chase, Hitchcock acaba en medio de un dilema y de un triángulo amoroso con dos de los intérpretes de su película mientras el rodaje. El actor protagonista aparece muerto. El montador comienza a sospechar del director y trata de desvelar la verdad.

El único trabajo anterior de Palmer es el cortometraje ‘Neo Noir’, en el que fue director, guionista, productor y montador. De alguna manera, está relacionado con esta nueva película, ya que se trata de un homenaje al cine negro en la que se descubre que los personajes pueden acabar muertos.

Jason Berk y Matt Lane, de Union Square Entertainment, son los productores, junto con Gail Mutrux. Union Square será quien financie la película, cuyo rodaje dará comienzo en febrero.

Vía: Variety, Movies2, Production Weekly

Cuando aparecen unas noticias sobre un tema, parece que comienzan a salir muchas más relacionadas. No sé si es que las cosas van por rachas o si es que nuestra atención las detecta antes ya que estamos más pendientes. El caso es que hace nada publiqué unos trailers falsos muy divertidos sobre Carlos Saura titulados ‘Carlosaurio’ y muy poco después, el propio director inauguró una exposición de fotografías pintadas por él titulada ‘Fotosaurios’. Pues justo al mismo tiempo, la ex-esposa de Carlos Saura, Geraldine Chaplin, recibía la medalla de oro de la la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en reconocimiento a su destacada carrera profesional.

En el acto de entrega, la dobladora, actriz y directora de la Academia, Mercedes Sampietro, destacó su “inteligencia” y “elegancia” y aseguró que su sólo nombre evoca las “mil y una luces” provocadas tanto por la “sombra de su padre” como por su trabajo de actriz. La hija de Charles Chaplin y Oona ÒNeill reconoció ante la prensa que el cine español le ha abierto las puertas para entrar en otros mercados. “Yo le debo todo al cine español”. Chaplin recordó sus inicios en el cine español con apenas 20 años cuando le presentaron a Carlos Saura, un director, le dijeron “marginal pero inteligente” con el que acabó formando pareja y que tuvo como fruto un hijo y diez películas con ella como protagonista. Sampietro rueda en estos momentos, junto a Hugo Silva, ‘El hombre de arena’.

Cuando le preguntaron por su momento de “bajón profesional” en el mundo del celuloide, Geraldine, que actualmente sigue trabajando en España, explicó que probablemente dejaron de llamarla, tras su ruptura con Carlos Saura, porque estaba “demasiado identificada con sus películas”. Durante esta sequía, la actriz llegó a aceptar papeles del director alemán especializado en videojuegos Uwe Boll.

Pero el bajón acabó y Chaplin resurgió del olvido de los directores gracias al trabajo que realizó junto a los cineastas Antonio Hernández en ‘En la ciudad sin límites’, uno de los mejores films españoles recientes, del autor de ‘Los Borgia’. También tuvo una importante aparición en ‘Hable con ella’, de Pedro Almodóvar.

La actriz señaló que tiene cinco películas apunto de estrenarse y alegó que su mayor sueño es “seguir trabajando día a día”. ‘Teresa, el cuerpo de Cristo’, de Ray Loriga, ‘Los Totenwackers’, de Ibon Cormenzana, y ‘Miguel William’, de Inés París, son dos de las últimas películas que ha rodado este año. De ‘Miguel William’, explicó que describe el hipotético encuentro entre Cervantes y William Shakespeare y en la que interpreta a una gobernanta muy cómica. “Me han regalado este papel”, reconoció la actriz quien considera que aunque siempre ha habido películas más comerciales, preocupadas por hacer caja en el primer fin de semana, a ella le ha interesado más el cine “comprometido” e “independiente” “que hacen los artistas”.

Vía: La Vanguardia

‘BloodRayne’, que obtuvo el Unicornio de Oro a la mejor película en la VII Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Estepona, Málaga, es otra de las adaptaciones de videojuegos que ha cometido Uwe Boll. Protagonizada por Kristanna Loken, trata de contar la historia de una joven guerrera que deberá luchar por el trono de su padre. O algo así. La verdad es que la película no se entiende muy bien, como ocurre con todas las obras del alemán. Sus imágenes combinan el futurismo con lo medieval.

Pues, según nos informan nuestros colegas de ‘Vida Extra’, el blog sobre videojuegos, Boll amenaza con perpetrar una segunda parte.

Como ya os dije, el dr. Boll ostenta el discutible honor de ser el único director con TRES obras en la lista de Las 100 peores películas según los lectores del IMDB. Pero esto no se consigue de cualquier forma. El cineasta logra que grandes actores firmen para sus producciones. Ben Kingsley acompaña a Kristanna y Michelle Rodríguez en la película galardonada. En otros films, cuenta con Michael Madsen, Geraldine Chaplin. Todo esto lo consigue gracias a avisarlos justo en el momento de empezar a rodar. Que no ensayan y que interpretan de mala gana queda más que claro en los resultados. Pero si sólo fuera eso…

Lo que hace el dr. Boll no son películas malas sin más, tiene una clarísima marca de autor. Boll parece que ha oído campanas, pero realmente no sabe dónde suenan. Por sí sólos, los planos de este cineasta podrían parecer bien rodados, podría hasta dar la sensación de que son de una película normal. Pero el problema está en que hace las cosas sin sentido, sin venir a cuento.

En ‘BloodRayne’, el secuaz de Ben Kingley habla con él, luego está en una batalla a millas de allí y a continuación sigue en el mismo castillo de antes. El alemán es capaz incluso de intercalar planos diurnos con otros nocturnos en la misma secuencia, sin que en teoría haya pasado tiempo. Ed Wood hacía cosas parecidas, pero era mejor director o al menos tenía la excusa de rodar sin nada de presupuesto. Por poner otras películas como ejemplo, en ‘House of the Dead’ introduce como doce planos seguidos capturados con una técnica similar a la de ‘Matrix’, pero con ellos lo que logra es detener la acción. Y todos seguidos, pues cansan, claro. Los flashbacks entran sin que sepamos para qué. Nos movemos de un lugar a otro sin que hayamos entendido dónde estamos.

Muchos solicitan que alguien detenga a Uwe Boll para que no haga más cine, pero para ello hay que pelearse con él en un ring y el primer español que lo ha intentado, se ha llevado una buena somanta de palos.

Vía | Vida Extra