Ya tenemos aquí el primer tráiler de ‘Lo imposible’ (‘The Impossible’), el esperado nuevo trabajo de Juan Antonio Bayona. El director de la taquillera ‘El orfanato’ (2007) ha podido contar para su segundo largometraje con un elenco de actores internacionales en el que destacan los nombres de dos estrellas, Ewan McGregor y Naomi Watts. Al parecer, la película (cuyo rodaje comenzó en verano de 2010) estará en los cines españoles en el mes de octubre de 2012, así que todavía nos queda una larga espera.

No es que el teaser de la película me haya entusiasmado (la escena a cámara lenta, que tendrá sentido en la película, casi parece una parodia de ‘Viernes 13’), pero yo esto no me lo pierdo. Bayona demostró talento con la puesta en escena de su ópera prima (lo más flojo era el guion) y tengo por norma ver todo lo que esté protagonizado por McGregor y Watts, dos de los mejores actores del planeta. Además la historia tiene buena pinta, puede salir algo muy emocionante; lo peor es que de manera inevitable vamos a comparar ‘Lo imposible’ con ‘Más allá de la vida’ (‘Hereafter’), y me temo que saldrá perdiendo. Ya veremos.

Maria (Watts), Henry (McGregor) y sus tres hijos comienzan las vacaciones de invierno en Tailandia, buscando unos días de paraíso tropical. Pero en la mañana del 26 de diciembre de 2004, mientras la familia se relaja en la piscina de su hotel tras una noche de fiesta, surge una gigantesca pared de agua que arrasa con todo… Sergio G. Sánchez firma el guion de la película, Fernando Velázquez se ocupa de la música y en el reparto, aparte de las estrellas, podemos encontrar a Marta Etura, Geraldine Chaplin, Tom Holland y Dominic Power, entre otros.

PD: Siguiendo con la temática, os recomiendo la coreana ‘Tidal Wave’ (‘Hyundae’ ‘Haeundae’, 2009). Le sobran minutos y tópicos, pero va ganando en intensidad y tiene escenas inolvidables.

El director de fotografía José Luis Alcaine, nacido en Tánger hace setenta y dos años, que ha trabajado para los directores más prestigiosos y célebres del panorama nacional y que es responsable de la luz en películas como ‘Canciones para después de una guerra’, ‘Demonios en el jardín’, ‘Más allá del jardín’, ‘El sur’, ‘Tasio’, ‘La corte del faraón’, ‘El viaje a ninguna parte’, ‘¡Ay, Carmela!’, ‘Amantes’, ‘Jamón, jamón’, ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’, ‘Belle Epoque’, ‘Roma’, ‘Al sur de Granada’, ‘Volver’, ‘Las trece rosas’ o ‘La piel que habito’, entre muchas otras, recibe hoy la Medalla de Oro de la Academia de cine, de manos del presidente de la institución, Enrique González Macho. Alcaine ya había obtenido el Premio Nacional de Cinematografía 1989, cinco Premios Goya, el Cóndor de Plata, el Premio de la Academia Europea por ‘Volver’ y el Ricardo Franco del Festival de Málaga.

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, el presidente de la Academia, Enrique González Macho, Leonor Watling, Juan Diego Botto, Concha Velasco, Bigas Luna, Aitana Sánchez-Gijón, Natalia Verbeke, María Esteve, Gonzalo de Castro, Ray Loriga, Verónica Sánchez, Enrique Cerezo y Pilar Bardem, asistirán esta noche a una cena homenaje para uno de los operadores más reconocidos del cine español.

La Medalla de Oro, que se concede con ese nombre desde 1991 –en 1986 se entregó con otra denominación–, es uno de los galardones más importantes que entrega la Academia de la Artes y de las Ciencias cinematográficas de España. Es decisión de la Junta directiva y su objetivo es ofrecer un homenaje en reconocimiento a quienes han contribuido con su trayectoria profesional a mejorar el cine español en el aspecto industrial o en el artístico.

Los anteriormente homenajeados con esta medalla fueron: La actriz Rosa María Sardá en 2010, Carmen Maura en 2009, en 2008 Maribel Verdú, en 2007 el director, animador, dibujante y técnico de efectos visuales Pablo Nuñez; Geraldine Chaplin, también actriz, en 2006; Basilio Martín Patino, director, productor, escritor e investigador, en 2005; Antonio Banderas, en 2004; Concha Velasco, en 2003; Carmelo Bernaola, músico y compositor, 2002; Fernando Fernán-Gómez, en 2001; José Luis Borau Moradell, en 2000; Gil Parrondo, decorador, en 1999; Elías Querejeta, en 1998; Sara Montiel, en 1997; en 1996 se celebró el Centenario de cine y se entregaron 46 Medallas de Oro. En 1995 la medalla fue paa la actriz Ana Belén, mientras que en 1994 la había recibido el productor Alfredo Matas. En 1993 recayó en Francisco Rabal, tras haber sido entregada en 1992 a Carlos Saura, y haber comenzado en 1991 con Fernando Rey. En 1986 se concedió al Responsable de la productora CIFESA, Vicente Casanova.

Vía | Academia.

Hoy concluye la décimo cuarta edición del Festival de cine de Málaga que, como sabéis, está dedicado al cine español. La gran ganadora de este año ha sido ‘Cinco metros cuadrados’, tercer largometraje de Max Lemcke (‘Casual Day’), que se ha llevado el premio a la mejor película, el premio de la crítica, el de mejor guion, el de mejor actor protagonista, para Fernando Tejero, y el de mejor actor de reparto, a la sazón, Jorge Bosch.

‘Cinco metros cuadrados’ nos cuenta que Álex y Virginia compran un piso, sobre plano, a las afueras de una gran ciudad en busca de precios más económicos. Reúnen sus ahorros para pagar la entrada, más una hipoteca a cuarenta años. La casa es su sueño: dos habitaciones, cocina, salón con chimenea… Y sobre todo, lo que acaba por convencer a Álex: una terraza. Pequeña, de cinco metros cuadrados, pero con unas vistas maravillosas: a lo lejos, el mar. Cuando sólo faltan unos meses para la entrega de los pisos el edificio está en estructura. Un buen día, precintan la zona y paran las obras. Malena Alterio, Emilio Gutiérrez Caba y Manuel Morón completan el elenco, además de los premiados.

La siguiente película en obtener varios premios ha sido ‘Arriya (La piedra)’, de Alberto J. Gorritiberea, que se ha llevado el premio a la mejor actriz protagonista por Begoña Maestre, la mejor música, la mejor fotografía y el mejor vestuario.

A modo de metáfora del conflicto político de Euskal Herria, ‘Arriya (La piedra)’ se centra en la apuesta de arrastre de piedra que mantienen dos familias a lo largo del tiempo. Se mostrarán los años ’60, los ’70 y también en la actualidad, cuando la piedra aún permanece en la plaza del pueblo. Peru, uno de los personajes, escapa de la plaza y viaja en el tiempo para conocer lo que sucedió en el pasado. Cada vez que la iglesia de Zestoa corre un minuto hacia atrás, el personaje envejece diez años.

‘¿Para qué sirve un oso?’, que se estrenó ayer en cines, no se ha ido con las manos vacías. Ha obtenido el galardón a la mejor dirección para Tom Fernández, el de mejor actriz de reparto para Geraldine Chaplin y el de mejor montaje.

Javier Cámara, Gonzalo de Castro, Emma Suárez, Oona Chaplin y Jesse Johnson protagonizan esta comedia en la que Guillermo, un biólogo que lleva toda su vida investigando el cambio climático, encuentra el brote de una planta creciendo en el hielo de la Antártida. Asumiendo que la batalla está perdida, lo abandona todo y regresa a su casa de Asturias y va en busca de su hermano Alejandro, quien es una leyenda de la zoología, un aventurero que investiga la vida salvaje, viviendo en los árboles como un animal más.

Tanto el premio especial, como la Mención especial, a Babou Cham, han sido para ‘Catalunya über Alles’. El galardón al mejor guion novel se lo ha llevado ‘Crebinsky’, mientras que el premio del público ha recaído en ‘Amigos’.

Además, se otorgó un premio especial por su carrera a Luis Tosar .

En la página oficial del festival se pueden consultar los ganadores en la sección oficial de documentales y en el resto de las secciones: Zonazine, Cortometrajes, Territorio Latinoamericano, Videocreación y Afirmando los derechos de la mujer.

‘Suker Punch’

Dirección: Zack Snyder. País: USA. Año: 2011. Duración: 109 min. Género: Acción, fantástico. Interpretación: Emily Browning (Babydoll), Abbie Cornish (Sweet Pea), Jena Malone (Rocket), Vanessa Hudgens (Blondie), Jamie Chung (Amber), Carla Gugino (Dra. Vera Gorski), Jon Hamm (Gran Apostador/doctor), Scott Glenn (Hombre Sabio), Oscar Isaac (Blue Jones). Guion: Zack Snyder y Steve Shibuya; basado en un argumento de Zack Snyder. Producción: Deborah Snyder y Zack Snyder. Música: Tyler Bates y Marius DeVries. Fotografía: Larry Fong. Montaje: William Hoy. Diseño de producción: Rick Carter. Vestuario: Michael Wilkinson. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: relata la historia de una joven que es internada en una institución mental, puesto que su padrastro está empeñado en que sea sometida a una lobotomía. Junto a sus compañeras de centro, crea una realidad alternativa que le permite planear su fuga del lugar.

¿Qué podemos esperar?: Como dijo alguien que yo me sé “puede ser un coñazo o la repera”. Pronto lo sabremos.

‘El último verano’

Título original: 36 vues du pic Saint Loup. Dirección: Jacques Rivette. Países: Francia e Italia. Año: 2009. Duración: 84 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Sergio Castellito (Vittorio), Jane Birkin (Kate), André Marcon (Alexandre), Jacques Bonnaffé (Marlo), Julie-Marie Parmentier (Clémence). Guion: Jacques Rivette, Pascal Bonitzer, Christine Laurent, Sergio Castellito y Shirel Amitay. Producción: Martine Marignac y Maurice Tinchant. Música: Pierre Allio. Fotografía: Irina Lubtchansky. Montaje: Nicole Lubtchansky. Diseño de producción: Emmanuel De Chauvigny. Vestuario: Laurence Struz. Distribuidora: Baditri.

Sinopsis: Al incio de la gira de verano, el propietario y fundador de una pequeña compañía de circo muere inesperadamente. Para poder salvar la temporada, la compañía decide pedir ayuda a Kate, la hija mayor del fundador, para suplir su ausencia. Aunque dejó el circo hace quince años, para sorpresa de todos, Kate acepta el reto de volver y se une a ellos. Por casualidad, Kate se cruza con Vittorio, un italiano que, fascinado por el estilo de vida del circo, decide seguirlos. Poco a poco, empieza a ser parte de la compañía y hasta llega a unirse al espectáculo. Pero, por encima de todo, Vittorio trata de descubrir el secreto de Kate: ¿Por qué dejó el circo y por qué accedió a volver a la compañía?

¿Qué podemos esperar?: Rivette siempre es una garantía, tiene pinta de cinta con un fuerte aire nostálgico.

‘Encontrarás dragones’

Título original: There be dragons. Dirección y guion: Roland Joffé. Países: España y USA. Año: 2011. Duración: 117 min. Género: Drama. Interpretación: Charlie Cox (Josemaría Escrivá), Wes Bentley (Manolo), Dougray Scott (Robert), Olga Kurylenko (Ildiko), Golshifteh Farahani (Leila), Ana Torrent (Dª. Dolores), Alfonso Bassave (Jiménez), Jordi Mollà (D. José), Rodrigo Santoro (Oriol), Geraldine Chaplin (Abileyza), Derek Jacobi (Honorio), Unax Ugalde (Pedro). Producción: Roland Joffé, Guy J. Louthan, Ignacio Núñez e Ignacio Gómez Sancha. Música: Stephen Warbeck. Fotografía: Gabriel Beristain. Montaje: Richard Nord. Diseño de producción: Eugenio Zanetti. Vestuario: Yvonne Blake. Distribuidora: Aurum.

Sinopsis: ‘Encontrarás dragones’ se centra en la investigación que Robert, un periodista, está realizando sobre una serie de acontecimientos durante la Guerra Civil Española que tuvieron como protagonistas a su propio padre y a un joven sacerdote, Josemaría Escrivá de Balaguer. A través del relato de su padre, Robert va a descubrir una terrible historia de traición, celos y muerte, pero también de redención y perdón, con el terrible trasfondo que supuso la guerra de un país enfrentado entre sí.

¿Qué podemos esperar?: Me abuuuuuuuuuurrrrro.

‘Esta abuela es mi padre’

Título original: Big mommas: Like father, like son. Dirección: John Whitesell. País: USA. Año: 2011. Duración: 107 min. Género: Comedia. Interpretación: Martin Lawrence (Malcolm/La gran abuela), Brandon T. Jackson (Trent/Charmaine), Jessica Lucas (Haley), Michelle Ang (Mia), Portia Doubleday (Jasmine), Emily Rios (Isabelle), Ana Ortiz, Henri Lubatti. Guion: Matthew Fogel, basado en un argumento de Don Rhymer y Matthew Fogel; sobre los personajes creados por Darryl Quarles. Producción: David T. Friendly. Música: David Newman. Fotografía: Anthony B. Richmond. Montaje: Priscilla Nedd-Friendly. Diseño de producción: Meghan C. Rogers. Vestuario: Leah Karznelson. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: Martin Lawrence regresa como el agente del FBI Malcolm Turner y como su álter ego Hattie Mae Pierce, “La Gran Abuela”. Pero esta vez le acompañará su hijo Trent, testigo de un asesinato a manos de unos gángsters rusos, por lo que deberán camuflarse en una Escuela de Arte sólo para chicas, donde tendrán que encontrar al asesino antes de que él los encuentre a ellos.

¿Qué podemos esperar?: nada.

‘Howl’

Título original: Howl. Dirección y guion: Rob Epstein y Jeffrey Friedman. País: USA. Año: 2010. Duración: 90 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: James Franco (Allen Ginsberg), Jon Hamm (Jake Ehrlich), David Strathairn (Ralph McIntosh), Mary-Louise Parker (Gail Potter), Jeff Daniels (profesor David Kirk), Alessandro Nivola (Luther), Treat Williams (Mark Schorer), Aaron Tveit (Peter Orlovsky). Producción: Elizabeth Redleaf, Christine K. Walker, Rob Epstein y Jeffrey Friedman. Producción ejecutiva: Gus Van Sant y Jawal Nga. Música: Carter Burwell. Fotografía: Edward Lachman. Montaje: Jake Pushinsky. Diseño de producción: Thérèse DePrez. Vestuario: Kurt & Bart. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: Allen Ginsberg fue un poeta estadounidense que se considera parte esencial de la generación beatnik de los años 50. Una de sus obras más conocidas, “Howl” (“Aullido”), se convirtió en víctima de la censura al ser tachada de escandalosa por la crudeza de su lenguaje. Esta obra sacudió a toda una generación y supuso el nacimiento de la Contracultura. La obra, considerada obscena por los sectores más reaccionarios de la sociedad, fue llevada a juicio en San Francisco.

¿Qué podemos esperar?: Una buena labor actoral con James Franco a la cabeza.

‘Mademoiselle Chambon’

Dirección: Stéphane Brizé. País: Francia. Año: 2009. Duración: 101 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Vincent Lindon (Jean), Sandrine Kiberlain (Verónique Chambon), Aure Atika (Anne-Marie), Jean-Marc Thibault (padre de Jean), Arthur Le Houérou (Jérémy), Bruno Lochet. Guion: Stéphane Brizé y Florence Vignon; basado en la novela de Eric Holder. Producción: Milena Poylo y Gilles Sacuto. Música: Ange Ghinozzi. Fotografía: Antoine Héberlé. Montaje: Anne Klotz. Diseño de producción: Valérie Saradjian. Vestuario: Ann Dunsford. Distribuidoras: Karma Films y Absolut Media Films.

Sinopsis: Jean es una persona sencilla. Lleva una vida feliz junto a su adorable mujer y su hijo. Un buen día se cruza en su camino la maestra de su hijo, mademoiselle Chambon. Una mujer discreta, fascinante, de una elegancia exquisita. Aunque proceden de mundos muy diferentes, la evidencia de sus sentimientos les desborda. Este encuentro puede ser un punto de inflexión en su vida: una oportunidad de cambio o una locura a lamentar.

¿Qué podemos esperar?: Otra exquisitez francesa o un soberano coñazo.

‘Piraña 3D’

Título original: Piranha 3D. Dirección: Alexandre Aja. País: USA. Año: 2010. Duración: 89 min. Género: Terror, comedia. Interpretación: Elisabeth Shue (Julie), Richard Dreyfuss (Matt Boyd), Ving Rhames (Fallon), Christopher Lloyd (Sr. Goodman), Eli Roth, Jerry O’Connell (Derrick), Adam Scott (Novak), Steven R. McQueen (Jake), Dina Meyer (Paula), Kelly Brook (Danni), Jessica Szohr (Kelly). Guion: Peter Goldfinger y Josh Stolberg. Producción: Alexandre Aja, Mark Canton, Gregory Levasseur y Marc Toberoff. Música: Michael Wandmacher. Fotografía: John R. Leonetti. Montaje: Baxter. Diseño de producción: Clark Hunter. Vestuario: Sanja Milkovic Hays. Distribuidora: DeAPlaneta.

Sinopsis: Una especie de piraña que se consideraba extinguida, pero que ha conseguido sobrevivir en las profundidades, logra salir a la superficie. Las pirañas amenazarán la zona del Lago Victoria, un habitual lugar de vacaciones de adolescentes. La sheriff Julie Forester tratará de salvar la vida de su familia y la de todos los visitantes de Lago Victoria antes de que sean devorados.

¿Qué es?: Una soberana memez de la que os hablaré en breve, muy a mi pesar.

‘Potiche, mujeres al poder’

Título original: Potiche. Dirección: François Ozon. País: Francia. Año: 2010. Duración: 103 min. Género: Comedia. Interpretación: Catherine Deneuve (Suzanne Pujol), Gérard Depardieu (Maurice Babin), Fabrice Luchini (Robert Pujol), Karin Viard (Nadège), Judith Godrèche (Joëlle), Jérémie Renier (Laurent Pujol), Sergi López (camionero español). Guion: François Ozon; adaptación libre de la obra de Pierre Barillet y Jean-Pierre Grédy. Producción: Éric Altmeyer y Nicolas Altmayer. Música: Philippe Rombi. Fotografía: Yorick Le Saux. Montaje: Laure Gardette. Dirección artística: Katia Wyszkop. Vestuario: Pascaline Chavanne. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Francia, 1977. Suzanne es una mujer consagrada a su hogar y su familia, y sometida al acomodado industrial Robert Pujol. Robert dirige con mano de hierro su fábrica de paraguas y tiene un comportamiento desagradable y déspota tanto con los obreros como con sus hijos y con Suzanne, a la que considera tan sólo una mujer florero. Después de una huelga y del secuestro de su marido, ella tiene que asumir la dirección de la empresa y, para sorpresa de todos, se revela como una mujer inteligente, capacitada y decidida. Pero cuando Robert vuelve a casa, en plena forma después de una cura de reposo, la situación se complica.

¿Qué podemos esperar?: Que tanto cine francés no nos empache.

‘Sin compromiso’

Título original: No strings attached. Dirección: Ivan Reitman. País: USA. Año: 2011. Duración: 104 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Natalie Portman (Emma), Ashton Kutcher (Adam), Cary Elwes (Dr. Metzner), Kevin Kline (Alvin), Olivia Thirlby (Katie), Greta Gerwig (Patrice), Lake Bell (Lucy), Chris “Ludacris” Bridges (Wallace), Jake Johnson (Eli), Mindy Kaling (Shira). Guión: Elizabeth Meriwether; basado en un argumento de Mike Samonek y Elizabeth Meriwether. Producción: Ivan Reitman, Joe Medjuck y Jeffrey Clifford. Música: John Debney. Fotografía: Rogier Stoffers. Montaje: Dana E. Glauberman. Diseño de producción: Ida Random. Vestuario: Julie Weiss. Distribuidora: Paramount Pictures Spain.

Sinopsis: Emma y Adam deciden prescindir del follón emocional que conlleva una relación y ser simplemente amigos con derecho a roce. Rollo sin cuelgues, sexo sin sustos, coitos sin coste. Sin ataduras, ni mentiras, ni celos, ni achuchones, ni emoticonos, ni desayunos compartidos, sin “te echo de menos”, sin apodos para ciertas partes del cuerpo, sin liarse… en definitiva, sin compromiso. Lo que comienza siendo una solución perfecta para sus necesidades físicas se convierte en algo más peliagudo cuando Adam, sin darse cuenta, lleva sus sentimientos a la cama (y al armario del hospital, al asiento de atrás del coche y a prácticamente cualquier sitio que ofrezca un soporte horizontal). Al final, ambos terminan intentando desatar los lazos que intentaban evitar y esforzándose por responder a una pregunta clave: ¿pueden dos amigos practicar el sexo sin que el amor se interponga?

¿Qué podemos esperar?: Que Natalie Portman y Ashton Kutcher no se conviertan en pareja romántica cinematográfica

Vía | Labutaca.net

Pocas veces puedo decir, al anunciar los rodajes del cine español, que sienta auténticas ganas de ver alguna de las películas, pero esta vez hay proyectos que han captado mi atención. Para empezar, vuelve a la dirección uno de los autores que más admiro, Dominik Moll, quien llevó a cabo ese ácido y certero retrato sobre la familia que era ‘Harry, un amigo que os quiere’ (‘Harry, un ami qui vous veut du bien’, 2000). Tras ‘Lemming’, que dejó poca huella en mí, este polifacético director se atreve con una nueva adaptación de una de las obras góticas más leídas: ‘El monje’, de Matthew G. Lewis. Por otro lado, Mateo Gil acomete una secuela de ‘Dos hombres y un destino’. El proyecto en sí podría tener su interés y presenta como aspectos positivos el contar entre su reparto con Sam Shepard. Lo que me desalienta es pensar en lo que hará Gil con el material. Entre las demás ideas, encontramos una nueva aproximación al tema de los niños salvajes, una crítica a los concursos de belleza femenina, la biografía de un inmigrante y una llamada de atención ante los malos tratos en las parejas gays. Si bien alguno puede producir desconfianza a priori, lo que sí queda claro es que en esta ocasión tenemos variedad y valentía, ya que se tocarán géneros poco machacados en nuestro país y se intentará realizar films que signifiquen algo.

‘El monje’

Dominik Moll —en la fotografía del inicio— comenzó a rodar el 19 de abril, la coproducción franco-española ‘El monje’, basándose en la novela gótica escrita por Matthew G. Lewis en 1796, considerada el primer best seller de la historia.

‘El monje’ trata de sobre el opresivo ambiente religioso de una época en la que reinaba la Inquisición. La historia — que incluye premoniciones, amores secretos, duelos, maldiciones, criptas, engaños, demonios, asesinatos, fantasmas, etc…— se centra en el ascenso y caída del monje capuchino Ambrosio, que pasará de ser un maestro venerado y virtuoso a ser considerado un hereje criminal, acusado de pactar con el diablo.

El reparto lo componen Vincent Casell; Sergi Lopez, en el papel del diablo; Déborah François —a quien se puede ver en la fotografía del inicio—, Geraldine Chaplin, Jordi Dauder, Pep Tossar y Rosa Renom, entre otros.

Se trata de una coproducción hispano francesa en la que participan Diaphana Films, Morena Films y Estrategia Audiovisual, y que se está rodando en el Monasterio de Santes Creus de Tarragona, además de en Girona y Francia, con un presupuesto de 11 millones de euros.

Ado Kyrou ya había llevado al cine, en 1973, una adaptación surrealista de ‘El monje’, escrita por Luis Buñuel, en la que participaron Franco Nero y Nathalie Delon. La película ‘El Fraile’ (1991), de Paco Lara, también estaba basada en esta novela gótica.

‘Blackthorn’

Mateo Gil inició el 5 de abril el rodaje en Alta Definición de ‘Blackthorn’, su segundo largometraje. Se trata de un Western crepuscular sobre la relación de rivalidad y camaradería entre un maduro Butch Cassidy y un joven buscavidas.

Se comenta que podría funcionar como secuela de ‘Dos hombres y un destino’ (‘Butch Cassidy and Sundance Kid’, 1969), de George Roy Hill. Al menos no se tratará de un remake, como este proyecto. Si entonces, Alberto hacía un chiste sobre el título que le podrían poner, ahora sugiero yo: «Dos hombres y un desatino», y es que no confío demasiado en la capacidad de Gil, tras su destrozo de la novela ‘Nadie conoce a nadie’ o su participación en el guión de ‘Ágora’. Habrá que darle una nueva oportunidad.

El reparto incluye a Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea y Magaly Solier.

La cinta se está rodando en inglés, con algunas partes en español, durante nueve semanas en Bolivia y cuenta con la producción de Arcadia Motion Pictures y Aiete Ariane Films.

‘Entrelobos’

El lunes 19 de abril, Gerardo Olivares retomó el rodaje de su película ‘Entrelobos’, film que cuenta la historia de Marcos Rodríguez Pantoja, nacido en Sierra Morena, en 1946. Marcos tenía siete años cuando fue entregado, por su familia, a un cabrero para cuidar el rebaño en un perdido valle de Sierra Morena. Al poco tiempo, el cabrero murió y Marcos se quedó solo y completamente aislado. En los doce años que permaneció en el monte, no tuvo contacto con humanos, vivió junto a una manada de lobos. Declaró en una ocasión que «era el rey del valle»arcos nunca consiguió adaptarse a la sociedad y, desde entonces, su sueño fue siempre volver a vivir… entre lobos.

La cinta estará protagonizada por Juan José Ballesta, Carlos Bardem, Vicente Romero, Alex Brendemülh, Sancho Gracia, Eduardo Gómez, Luisa Martín, Antonio Dechent, Dafne Fernández.

Wanda Vision añade ahora cinco semanas de rodaje al año entero que lleva una unidad de naturaleza rodando Parque Natural de Cardeña-Montoro.

Suena interesante. O bien puede ser algo como ‘El libro de la selva’, que hará más hincapié en el amor y la ecología. O también algo como ‘El pequeño salvaje’ (‘L’enfant sauvage’, 1970), de François Truffaut, donde se analizaban, gracias a un niño criado sin presencia humana, los comportamientos instintivos y la psicología de los individuos no expuestos a la sociedad. El propio director protagonizaba la cinta en la que trataba de educar a este salvaje.

‘Miss Tacuarembó’

Martín Sastre dirige la coproducción entre Argentina, Uruguay y España, ‘Miss Tacuarembó’, basada en la novela homónima del escrito Dani Umpi. El film relatará la historia de Natalia, quien ve en el concurso de Miss Tacuarembó la vía de escape para salir de su pueblo y llegar a ser una estrella. Años más tarde, Natalia se da cuenta que la vida no es como la había imaginado, aunque será un reality show, ‘Todo por un sueño’ el que cambie su vida. Esta comedia musical que trata de los sueños artísticos y vocaciones personales, mezcla fantasía y realidad.

Los protagonistas son Natalia Oreiro —en la fotografía superior—, Rossy de Palma y Alejandro Tous.

La película, que cuenta con tres grandes productoras, Oriental Films, CoolShot y Royal Cinema Group. ‘Miss Tacuarembó’ se estrenará este verano en Uruguay y Argentina y en septiembre llegará a las salas españolas.

‘La puerta de no retorno’

Santiago Zannou (‘El truco del manco’) inició el 16 de abril el rodaje en Super 16 mm de su segunda película, ‘La puerta de no retorno’, una combinación de ficción y documental, que intenta plasmar el conflicto que existe entre el emigrante y el inmigrante. Para ello, Zannou, se basa en la figura de su propio padre, quien ha regresado a su tierra natal después de 35 años de vida en España. «Mi padre dejó su país y su gente con la promesa de volver algún día… pero nunca ha vuelto. Lleva 35 años malviviendo en Madrid, vendiendo cosas en el mercadillo. Se ha enterado de que su hermana Veronique está enferma y ahora es la última oportunidad que tiene para verla. Media vida después, Alphonse emprende un viaje a Benín que lo enfrentará al pasado y presente de su tierra natal, a la hermana que le ha estado esperando, a la madre que murió sin volver a verle… Será el momento de enfrentarse a las preguntas que Alphonse no ha podido o no ha querido contestar durante más de tres décadas», declara el director.

‘La puerta de no retorno’ está producida por Shankara Films y Dokia Films, con la participación de Canal+ y Televisión de Cataluña y será distribuida en España por Alta Films. La filmación se está desarrollando durante 5 semanas en Barcelona, Madrid y Benín.

‘El ángel entre la niebla’

Karlos Alastruey ha retomado el rodaje de ‘El ángel entre la niebla’, que cuenta la historia de tres adolescentes y un adulto que entran en un mundo imaginario para escapar de un episodio personal de gran sufrimiento.

Dicen del guión — obra del propio director y de su hermano, Javier Alastruey — que «utiliza elementos fantásticos y surrealistas, saltos en el tiempo y mundos paralelos, para crear un relato discontinuo que gira en torno a la expresión de los sentimientos y al paisaje interior de los personajes», lo cual, lejos de servir para hacerme una idea de cómo podría ser el resultado, me suscita interrogantes sobre qué podrían estar pergreñando.

El reparto está compuesto por Ander Janín, Oihana Paniagua, Aintzane Alastruey, Andrea Lopetegi, Imanol Reta, Andrea Encinas, Javier Chocarro, Mirentxu Goienetxe, Beatriz Catalán, Joaquín Calderón, Koldo Villalba, Rosa Nagore, Maitane San Nikolas y Gorka Zubeldia.

‘El género femenino’

Desde el 27 de abril se está rodando en Barcelona ‘El género femenino’, una película de ficción de Carles Benpar que produce él mismo, a través de Producciones Kilimanjaro. La filmación, en 35 mm, se va a prolongar durante cinco semanas y media, hasta el próximo 5 de junio, en diferentes localizaciones de la Ciudad Condal.

Televisión y documentales

Silvia Munt inició el lunes, 19 de abril, la grabación de la tv-movie ‘El mar de plástico’, que producen Prodigius Cinema y Producciones Transatlánticas, Salero Films, TV3, Canal Sur y Canal 9. La filmación se prolongará durante cuatro semanas en diversas localidades de Málaga y Granada.

Belén Macías dirige la miniserie de dos capítulos ‘La princesa de Eboli’, un drama romántico ambientado en el siglo XVI, que protagonizan Belén Rueda, Hugo Silva y Eduard Fernández. La productora cinematográfica del Grupo Antena 3 y Notro Televisión, del Grupo Vértice 360º, se encargan de la producción.

José Manuel Serrano Cueto ha iniciado el rodaje de su largo documental ‘Contra el tiempo’, que se ha comenzado ha filmar durante el Festival de cine de Málaga. El documental relata la historia de una docena de actores españoles secundarios del cine de género de los años ’60 y ’70. Con ello, se pretende reivindicar la figura de actores olvidados, a pesar de su larga trayectoria cinematográfica durante una época a fundamental para la industria del cine español. Produce Utopía Films.

Plural produce para Cuatro la serie ‘La isla de los nominados’, que parodia el mundo de los reality shows.

Vía | Cine y tele, Cine por la red y otros.

Si conoce la existencia de algún largometraje de producción o coproducción española que haya comenzado su rodaje en marzo de 2010 y del que no hayamos hablado, por favor, comuníquenoslo y lo incluiremos en este artículo.

“La bestia… es la bestia”.

Sir John Talbot

Quizá lo hayáis apreciado también. No pasa con las buenas, al menos no en la misma medida, pero es raro que la mayoría diga que una película es mala, que luego la veas y no estés totalmente de acuerdo. Pasa mucho que ves películas que a ti te parecen malas, pero encuentras gente que opina de forma muy diferente, y viceversa. Pero a menudo sobre lo peor nos ponemos casi todos de acuerdo. Desde que aparecieron las primeras críticas se dijo que ‘El hombre lobo’ (‘The Wolfman’, 2010) era un desastre, y la opinión se fue extendiendo poco a poco, hasta convertirse en algo prácticamente general (nunca hay unanimidad). La pasada semana, aprovechando una estupenda promoción de un cine de aquí (una entrada gratis por cada cinco), decidí comprobar por mí mismo si efectivamente esta nueva versión era tan mala como se decía. Y sí, fue una gran pérdida de tiempo.

Como señalaba mi compañero Adrián en su crítica, era difícil esperarse una película tan mediocre echando un vistazo a los nombres de la ficha artística. Para empezar, tenemos un reparto de lujo al que cuesta resistirse, encabezado por Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt y Hugo Weaving. No son ellos los principales culpables de la baja calidad del film, pero desde luego tampoco hacen nada destacable para intentar salvar el conjunto, prácticamente se limitan a estar ahí, poner caras serias y soltar sus (lamentables) diálogos sin echarse a reír o a llorar. Un caso aparte es el de Hopkins, que está envejeciendo muy mal, dejando huellas de penoso actor en demasiadas producciones, sobreactuando de manera tan escandalosa que es imposible creerse ni una de sus frases. De todas formas, su personaje es un despropósito, y quizá lo que hizo con él era la única manera de interpretarlo.

Hopkins interpreta (o eso se supone) a Sir John Talbot, un hombre viejo, anticuado y dominante, de gran riqueza, que se queda solo tras la muerte de uno de sus hijos, a manos de algo o de alguien sumamente bestial que deja su cuerpo irreconocible. La prometida del fallecido, Gwen (Blunt), escribe al otro hijo de John, Lawrence Talbot (Del Toro), y le cuenta lo ocurrido. Lawrence, un actor de prestigio que se marchó de casa huyendo de su padre, regresa entonces a su pueblo natal, con la esperanza de descubrir qué le ha ocurrido a su hermano. Los rumores se dividen entre un loco psicópata, un monstruo que aparece las noches de Luna llena y el oso de un grupo de gitanos que llegó al pueblo recientemente. Lawrence decide investigar por su cuenta y pronto encontrará la solución.

A la historia, basada en ‘El hombre lobo’ de 1941, no le ocurre nada especialmente malo. Con buenos actores, dinero y buenos efectos especiales, tienes la posibilidad de mejorar (y mucho) el film original protagonizado por Lon Chaney, que visto hoy en día resulta tosco y aburrido. El problema es que en esta nueva versión nadie parece estar implicado con lo que se está haciendo, y esto se comprende cuando se descubre que se cambió de director al poco de iniciar el rodaje, algo que suele acabar mal a menos que el recambio sea un tipo realmente hábil; cosa que Joe Johnston ha demostrado claramente que no es (miedo me da lo que va a hacer con el Capitán América, cuya producción también está resultando problemática).

Del Toro ha reconocido que Mark Romanek, el anterior realizador al mando, quería centrarse en los aspectos oscuros de la personalidad de Lawrence, mientras que Johnston quitó todo eso y lo hizo más convencional. No resulta extraño porque a uno lo despidieron y al otro no le falta trabajo en Hollywood. Esta diferencia de perspectiva afectó a la post-producción, se cambió tanto la película que necesitaron rodar más escenas, añadir más efectos especiales por ordenador (para hacerla más moderna) e incluso buscar a otro compositor, porque la banda sonora ya no casaba con el engendro que estaban construyendo (aunque finalmente se mantuvo la música de Danny Elfman, en uno de sus peores trabajos). Hasta tres veces se retrasó la fecha del estreno, de tantos arreglos que le hicieron. Las cifras de la taquilla dejan claro que ha sido un error mayúsculo de la Universal.

Un Hulk psicópata y peludo

Y es que, a excepción de la secuencia de Talbot en el psiquiátrico (que podría haber sido un buen punto de partida para otra historia), nada funciona en ‘El hombre lobo’. Es un aparatosa chapuza de terror, acción, comedia y romance rodada sin ganas y destruida finalmente en los despachos y la sala de montaje, para hacerla más comercial. La película está narrada de una forma increíblemente torpe, sin respetar los puntos de vista, con flashbacks y sueños absurdos que no hacen más que romper el ritmo una y otra vez; la acción da saltos y no transcurre con normalidad, dando la sensación de que, por ejemplo, cada dos días hay Luna llena. Por otro lado, muchas de las acciones de los personajes no están convenientemente explicadas, no resultan lógicas, así que es imposible creerse lo que ocurre en la pantalla, meterse en el terrorífico y trágico relato que se supone que no están contando.

Es tal la cantidad de incoherencias que puede resultar entretenido ponerse a contarlas tras el visionado del film, entre birras y tapas. Por destacar un par, ¿qué me decís de la excepcional manera en la que Abberline (Weaving) pretende resolver el misterio quedándose en el bar, para no correr peligro y llegar ya tarde al lugar de los hechos? ¿O de los ridículos planes de John para mantener unida a su familia (ojo porque se le olvida explicar los hechos de la noche en la que es Lawrence es mordido), protegiendo a su hijo sólo una vez, dejándolo luego a merced de sus perseguidores? ¿O las explicaciones de la gitana (Geraldine Chaplin) a sus compañeros y a Gwen? ¿O por qué el monstruo es extremadamente rápido, efectivo y sanguinario, en lugar de comportarse como un animal, como esa bestia a la que se refiere constantemente John?

Tampoco tiene ningún sentido la forzada historia de amor entre Gwen y Lawrence, que se resuelve rápidamente para así poder ofrecer las típicas escenitas de enamoramiento (las molestias que se toma la chica para un cortecillo en el labio es de risa) y un desenlace convenientemente “dramático”. Todo es prisa e incoherencia en esta producción, rematada con una secuencia de acción bochornosa (por absurda y penosamente planificada), más propia de una película de superhéroes para adolescentes que de un cuento de terror para adultos.

¿Algún punto a favor? Ya he mencionado la parte del psiquiátrico, que no encaja nada con el resto y a mí me parece lo más interesante. También podemos quedarnos con la siempre disfrutable presencia de Weaving, aunque su detective de Scotland Yard sea poco más que un dibujo animado (podría ser un buen fichaje para la próxima de Sherlock Holmes), y con algunas bonitas imágenes sueltas (como la de las garras del lobo en el prólogo), que quedan estupendamente en postales, aparte del film. Para olvidar.

La tanatografía es la reproducción de la última imagen que ha quedado registrada en la retina tras la muerte. Con este interesante punto de partida se podrían inventar variadas ficciones, como una consistente en buscar a un homicida por el terror grabado en los ojos de sus víctimas. En ello se basa ‘Cuatro moscas sobre terciopelo gris’, de Darío Argento. Se cuenta, asimismo, que Scotland Yard trató de ver en las retinas de una de las asesinadas por Jack el destripador la imagen de su verdugo, pero sin ningún fruto.

‘Imago mortis’ con lo que se queda es con un metaanálisis en el que el propio tanatoscopio es el protagonista de la historia y la búsqueda de la tanatografía perfecta su motor. Introduciendo como excusa un arte similar, pero de vigencia en nuestros días, la película nos sitúa en una escuela de cine donde Bruno, uno de los alumnos, descubre este mecanismo sin saber cuál es su utilidad y comienza una investigación por la que todos los que le rodean acaban tomándolo por loco.

Stefano Bessoni dirige ‘Imago mortis’ (imagen de la muerte), una coproducción entre Italia, España e Irlanda, protagonizada por Alberto Amarilla, Oona Chaplin, Leticia Dolera, Geraldine Chaplin y Alex Angulo, que verá su estreno el viernes, 24 de julio.

Bessoni se delata especialista en mediometrajes con su estudiada composición de planos y su fotografía basada en verdes y ocres. La atmósfera se apoya sobre en una dirección artística que escoge una localización añeja –de la que se extrae hasta el último encuadre posible—, vestuario atemporal y ausencia absoluta de tecnología moderna, a pesar de que la acción está situada en la época actual. Esta ambientación aporta un toque de irrealidad que se revela como la pieza más notable del film.

Pero la capacidad para crear imágenes que tiene este director, que también es ilustrador, la echa de menos para narrar. La historia no atrapa y el miedo no se siente ni siquiera gracias a la truculencia de algunos efectos especiales. Las escenas denotan una torpeza de principiante que podría achacarse al montaje, pero quizá también a esa misma composición de planos, pues es probable que, al darle prioridad a la belleza de los encuadres, se haya supeditado la transmisión de los acontecimientos.

Dividida en capítulos invisibles que cobran el título del ejercicio que encarga el profesor en cada lección, la trama se va desplegando con algunos hallazgos curiosos, pero con un pobre desarrollo global y una gran lentitud. Es posible que la colaboración –el guión lo firman dos autores y se agradece la colaboración a otros cinco— haya llevado a discusiones que dejasen cabos sueltos y momentos sin afinar, pues en general se aprecia que la escritura podría haber tenido un mejor resultado con los mismos mimbres. No es, por descontado, el único traspiés, pero valga como ejemplo uno de los giros finales (SPOILER): El personaje encarnado por Leticia Dolera, tan presente en toda la cinta, pero sin una función o relación con los protagonistas concreta, está confesando desde el inicio que ella es la culpable, pues otra explicación no se puede dar a su presencia (FIN DEL SPOILER).

‘Imago mortis’ plantea en el inicio atisbos de cinefilia que se pierden cuando se introduce el tanatoscopio en la intriga. F. W. Murnau Institute es el nombre de la institución y Caligari el apodo de uno de los profesores, como claras referencias a films clásicos expresionistas a los que los autores quieren rendir homenaje. Se rescatan las pequeñas cámaras de 8 mm., utilizadas hoy en día únicamente por estudiantes y experimentadores, y se recupera el tacto del celuloide, las moviolas, las latas de película y todo tipo de visores y artilugios. Todo esto tiene una belleza que ya sólo queda en documentos, escuelas y filmotecas.

Será interesante apuntarse los nombres de los creadores de esta película para ver sus obras futuras, que seguro que tendrán apreciables aportaciones.

Más información en Blogdecine sobre ‘Imago mortis’.

Mi puntuación:

Los cineastas canarios Dunia Ayaso y Félix Sabroso han iniciado hoy el rodaje del primero de sus dramas: ‘La isla interior’, una historia contada a través de tres hermanos con vidas muy diferentes que tratan de salir adelante: Candela Peña, Alberto San Juan y Cristina Marcos, y de su madre: Geraldine Chaplin. Sabroso describe la base del film como “el miedo a la herencia genética y lo que supone la carga de lo familiar para crecer en la vida”.

Ésta será la sexta película de los autores de lo que se podría calificar cariñosamente como comedias “petardas”: ‘Descongélate’ o ‘Perdona bonita, pero Lucas me quería a mí’, producidas por la empresa de Almodóvar, El Deseo, son algunos ejemplos. Durante el Festival de Cine Español de Málaga pudimos saber su opinión sobre las ventajas y los inconvenientes de dirigir a dúo y parece que son las partes buenas las que prevalecen porque el tándem no se disuelve.

Su quinto largometraje, ‘Los años desnudos’ (que antes tenía como título ‘Clasificada S’, lo cual se ha quedado únicamente a modo de subtítulo o tag-line), se estrenará el próximo 24 de octubre. Habla de la mujer en la transición española y está contada a través de las vidas de tres actrices del cine erótico de finales de los setenta. Protagonizan la cinta Candela peña, Goya Toledo, Mar Flores, Antonio de la Torre y Luis Zahera.

Ayaso y Sabroso, hijos predilectos de la ciudad de Las Palmas, consideran este cambio de registro como “un paso adelante en nuestro cine”. “Tanto ‘Los años desnudos’ como ‘La isla interior’ no son comedias, y sobre todo ‘La isla interior’ es un drama total, algo que no habíamos abarcado hasta que llegó la teleserie ‘Mujeres’“.

Ayaso añadía que están “contentos con el resultado de los ensayos”. A pesar de que Javier Cámara, quien iba a protagonizar este primer proyecto de los cineastas en su tierra, se haya echado atrás, los directores confiesan que el elenco “está genial” en sus papeles.

Producen Mecanismo, Ayaso, Sabroso PC, Obreron Cinematográfica y La Mirada con apoyo económico del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, el Cabildo Insular de Gran Canaria, el Gobierno canario y TV Canaria. La grabación se realiza con una cámara de Alta Definición Arri D-21. Está previsto que se termine de rodar el 15 de octubre, tras seis semanas de trabajo. Celso Bugallo completa el reparto.

Más información en Blogdecine sobre Félix Sabroso y Dunia Ayaso.

Fuente | Página oficial de Ayaso y Sabroso.

‘BloodRayne’ de Uwe Boll es una película que la Fox iba a poner a la venta en estas fechas, pero su lanzamiento se ha retrasado debido a… sinceramente es lo que menos importa y os aseguro que es una noticia de las buenas. Deberíamos alejarnos de esta película lo más posible, e intentar avisar a todo aquel al que apreciemos para que no la coja en el videoclub o si llega a sus manos, que la destruya. Yo había visto de este señor ‘House of the Dead’ y ‘Alone in the Dark’, y pensaba sinceramente que peor no las podía hacer, pero después de ver ‘BloodRayne’ ya no sé si es peor o no, pero lo que está claro es que mejor que esas dos no es.

‘BloodRayne’ es la adaptación del videojuego del mismo nombre. En el film se nos narra como una Damphir, mitad humana, mitad vampiro, es exhibida en un circo en Rumanía en el siglo XVIII, y del cual se escapa. En su huida se encuentra con una mujer que le cuenta que su madre fue violada y asesinada por su padre, el Rey de los Vampiros, de nombre Kagan. Es entonces cuando nuestra protagonista, tomando conciencia de sí misma, decide iniciar un viaje al encuentro de Kagan, movida por la venganza.

‘BloodRayne’ es un despropósito de tales dimensiones, que sinceramente no merece la pena perder el tiempo hablando sobre la película. Todo en ella es muy típico de la enorme torpeza de Uwe Boll como director, desde lo espantosamente surrealistas que pueden ser sus argumentos, hasta la simpleza de sus diálogos, pasando por interpretaciones normalmente espantosas de actores conocidos, hasta llegar a la cutres general que visten sus productos. Y que conste que lo de la cutres puede tener un pase si todo está resuelto con ingenio e imaginación. Pero no es el caso.

La historia resulta en todo momento de lo más delirante, y llena de situaciones cuanto menos risibles, resueltas muy torpemente, y en algunos casos alcanzando un nivel de escándalo preocupante. Anótese, por ejemplo fallos del tipo de personajes que están en un sitio y al plano siguiente a un montón de distancia, siendo palpablemente imposible que haya recorrido esa distancia. Fallos de ese estilo y similares, los hay a borbotones en la película, lo cual hace que te preguntes si no estarán realizados adrede. Y es que no me extrañaría nada que Boll se estuviese riendo de todos nosotros haciendo las películas mal queriendo. Calidad tan pésima como la que desprende este film, sólo puede realizarse intencionadamente y prácticamente siendo un genio, porque tan, tan mal como aquí es imposible de hacer.

Lo que más llama la atención de la película, al igual que en otras de su director, es lo conocido de su reparto, lleno de caras muy familiares para todos los espectadores, y en algunos casos, son actores bastante buenos. Michelle Rodriguez, Michael Madsen, Billy Zane, Michael Paré, Geraldine Chaplin, Meat Loaf, Udo Kier, y Ben Kingsley, son los intérpretes, comandados por Kristanna Loken, que tiene el papel central en su haber. La actriz está simplemente espantosa, y vale que en este tipo de films no se necesita que los actores hagan un trabajo pensando en el Oscar, pero de ahí a lo que vemos en esta película, hay un trecho pero largo. Ninguno resulta creíble, y por si fuera poco, muchos son los que provocan risa. Loken no está convincente ni en las escenas de acción, por mucho que viniera de zurrarse con Schwarzenegger en la floja ‘Terminator 3’. Atención a la escena en la que se enfrenta físicamente al personaje que interpreta Rodriguez. De juzgado de Guardia.

El resto de actores son una parodia de sí mismos, tanto aquellos que tiene un papel extenso, como los que simplemente realizan una breve aparición, rozando el cameo. Ben Kingsley (todavía no me creo que un actor de su categoría se rebajase a tanto, supongo que hay más días que lentejas) aparece en determinados momentos, y eso que se trata del malvado del film, con una importancia fundamental en la trama, si a lo que cuenta la película se le puede llamar trama. Ni se inmuta el tío, en ningún momento, todo el rato con rostro hierático e imperturbable. Ver para creer.

‘BloodRayne’ es uno de esos bodrios espantosos, que ni siquiera en compañía de colegas puedes quitarles algún provecho. Hay ciertas malas películas que viéndolas en compañía pueden tener su aquél, mientras se comentan los fallos con los amigotes, en un punto en el que la película ya no hay por donde cogerla. Pues bien, ‘BloodRayne’ no sirve ni para eso, que ya es decir. No pienso perder nunca más el tiempo en Uwe Boll, con tres me ha llegado para el resto de mi vida. Atención, porque el director rodó un segunda parte, en la que ya no hay ningún actor conocido en su reparto, salvo Paré. Si alguien la ha visto, por favor que no nos haga partícipes de su tortura.

Evidentemente hay que hablar de ella, es la película española del año, y muy probablemente nos represente en la próxima gala de los Oscars, aunque por si las moscas no vayamos cantando victoria, que los españoles somos muy dados a celebrar antes de tiempo. ‘El Orfanato’ está arrasando en taquilla, y sinceramente no me extraña, dejando a un lado la portentosa campaña de marketing que está teniendo la película, hay que sumar el hecho de que se trata de un film de terror, género muy de moda entre el público de hoy día, que siempre está abierto a que lo asusten de buena manera cuando va a una sala de cine, aunque se trate de una película española.

‘El Orfanato’ nos narra la historia de Laura, que junto a su marido y su hijo regresa al orfanato en el que se crió, con la intención de reabrirlo como residencia par niños discapacitados. Una vez allí, su hijo Simón, de una imaginación desorbitada, empezará a jugar con unos amigos que no son reales, o tal vez sí. Muy pronto empezarán a suceder cosas muy extrañas, y Laura se verá obligada a ahondar en el pasado del orfanato e intentar descubrir que pasó allí hace años.

‘El Orfanato’ es una película efectiva, muy entretenida y que está bastante por encima de la media de lo que aquí solemos hacer, y si tenemos en cuenta sólo el género de terror, entonces hay que decir que está muy, muy por encima de la media patria. Pero también me ha parecido una película que vive demasiado de las referencias, y ciertamente que en una película se rinda algún homenaje a títulos famosos entre la audiencia pues no está mal, pero una cosa es hacer un par de homenajes, y otra bien distinta que toda le película esté construida a raíz de otros films. Probablemente el más referenciado sea Steven Spielberg, con clarísimos guiños a ‘E.T.’ y a ‘Inteligencia Artificial’, y cómo no, a uno de esos productos producidos por el Rey Midas, ‘Poltergeist’, con la aparición de una médium en mitad de la película, y que a un servidor le ha parecido el momento más bochornoso de la cinta, con las frases de diálogos más lamentables que he oído en bastante tiempo (“la poli mola”).

Pero además tenemos ecos de ‘Suspense’, la inmortal película de Jack Clayton, basada en la no menos inmortal obra de Henry James, de la que también bebía la magnífica ‘Los Otros’ de Amenábar, de la que también coge prestadas algunas cosas, aunque menos de las que cabría esperar. Se ven referencias a ‘The Haunting’, film de Robert Wise que consigue crear verdadero miedo, o incluso de ‘The Wicker Man’ de Robin Hardy, de la que coge en cierto momento en el que se celebra una fiesta la enrarecida atmósfera que tenía aquella película. Y así podríamos estar durante un buen rato.

Con esto no quiero decir que la película sea mala, que no me lo parece, pero no encuentro ni un sólo punto de originalidad en la misma que le permita subsistir como película propia sin necesidad de depender de todas esas películas. En lo que sí me parece que el film tiene algunos errores es en su parte argumental, la cual, en la parte real, por así llamarla, está llena de incongruencias, y todas giran alrededor de cierto niño deforme, y de su madre, que también parece la madre de Mortadelo. Y es en este punto donde yo quedo un poco desconcertado. Si se quiere hacer que un personaje tenga un aire amenazador o de misterio, evidentemente no hace falta ponerle la cara más siniestra del mundo, pero lo que tampoco se puede hacer es que ese personaje tenga cara de chiste. También encuentro algún que otro momento innecesario en el film, argumentalmente hablando, como esa efectista secuencia en la que vemos las consecuencias físicas de cierto atropello, o el epílogo de la película, ese pegote que viene a ser como una vuelta de tuerca más, cuando en la escena anterior la película terminaba perfectamente.

Por supuesto la película tiene virtudes, y todas se encuentran en la puesta en escena de su director, J.A. Bayona, que se aparta muy considerablemente de lo que nuestro cine nos ofrece en ese aspecto. Por fin un director que sabe que la cámara hay que moverla y lo hace bien, aunque en ciertos momentos se le vaya la mano, y al respecto cito la carrerita que el personaje femenino hace por la playa perseguida por su marido, en la cual Bayona se olvida de la sobriedad que hasta ese momento estaba demostrando, y se convierte en un director nervioso que recurre a efectos absurdos de luz y sonido, o sea, cae en lo de siempre. Pero el resto es para aplaudir, sobre todo los excelentes últimos 15 minutos, cuando el film presenta todas sus cartas, y el director lo resuelve con inusitada elegancia sin caer ni un sólo momento en ningún tipo de exceso.

Pero ‘El Orfanato’ se apoya además en la extraordinaria interpretación de Belén Rueda, a la que deberían explotar más en pantalla grande. Ella sola carga con todo el peso de la película, convirtiéndose en la auténtica estrella de la función, haciendo gala de una entrega absoluta a su personaje, logrando transmitirnos todas las emociones por las que el mismo pasa. Y vuelvo a resaltar esos momentos finales, en los que además da la sensación de que la propia actriz tiene un crescendo interpretativo, acorde con la historia que nos están narrando. Ninguno de los otros actores están ni de lejos al mismo nivel que Rueda, aunque eso no significa que estén mal. Bueno, dejemos de lado a Geraldine Chaplin, la cual nos lleva dando el coñazo décadas.

Una película correcta, que nos descubre a Bayona como un director muy a tener en cuenta, aunque me da la sensación de que acabará seducido por el lado oscuro de la fuerza, y muy pronto lo llamarán de Hollywood donde intentarán quedárselo para siempre. No seré yo el que se queje, que vayan aprendiendo los demás.

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• ‘El Orfanato’, buen cine comercial español