El director Abel Ferrara, conocido, entre otros títulos, por ‘Teniente corrupto’ (1992), ha confirmado al diario Le Monde que Gérard Depardieu tendrá el papel protagonista en su película inspirada en el escándalo sexual que acabó con la carrera política de Dominique Strauss-Kahn. El cineasta neoyorquino añadió que Isabelle Adjani interpretará a Anne Sinclair, la esposa de Strauss-Kahn, antigua presentadora de televisión y heredera de una fortuna, que lo apoyó durante todo el proceso.

Adjani y Depardieu ya han compartido cartel en ocasiones anteriores y se declaran amigos e incluso cómplices. Se conocieron en 1976 durante el rodaje de ‘Barroco’ (‘Barocco’). Han participado juntos en ‘La pasión de Camille Claudel’ (1988), ‘Les cent et une nuits: las cien y una noches’ (1995), ‘Bon voyage’ (2003) y su última colaboración se pudo ver en ‘Mammuth’ (2010), peculiar propuesta, donde la actriz interpretaba al fantasma de la desaparecida esposa del protagonista.

El productor Vincent Maraval, director de la productora Wild Bunch, no había confirmado hasta ahora los rumores acerca de la película sobre Strauss-Kahn. Pero Ferrara, que en estos momentos se encuentra en París por la promoción de su próximo film ‘Go-Go Tales’, ha declarado que él puede hablar libremente del proyecto porque es el director. En sus declaraciones ha detallado que el rodaje tendrá lugar, a partir de junio, en Nueva York, Washington y, obviamente, en Francia y que tratará sobre gente poderosa y adinerada.

El director gerente del Fondo Monetario Internacional desde el 1 de noviembre del 2007 hasta el 19 de mayo del 2011 y candidato socialdemócrata a la presidencia francesa, Dominique Strauss-Kahn, fue acusado de violar y golpear a una camarera del hotel donde se hospedaba, lo que le obligó a renunciar a su cargo. La manera espectacular en la que se produjo la detención, así como las teorías que circularon sobre los verdaderos motivos de quitarlo de en medio podrían, efectivamente, dar pie a un interesante film político. Veremos qué enfoque le aporta Ferrara.

Vía | The Hollywood Reporter.

Benoît Delépine y Gustave de Kervern me sorprendieron mucho y muy gratamente el año pasado con ‘Louise-Michel’ (2008), una película que, como ya indiqué, me pareció de lo más original y catártica. Por ese motivo, no he dudado en ir a ver su siguiente trabajo, ‘Mammuth’ (2010), que se ha estrenado esta semana en nuestro país, y que en este caso podría tener un tirón de taquilla algo mayor, al contar con Gérard Depardieu, Yolande Moreau, Benoît Poelvoorde y la colaboración esporádica de Isabelle Adjani.

Mammuth es el modelo de moto que conduce Serge, el protagonista, pero también es un apodo sumamente adecuado para él, dada su envergadura corporal y su escasa gracilidad. Este hombre, que acaba de ser retirado en una empresa cárnica, debe recopilar los certificados de empleo de todas sus ocupaciones previas para cobrar la jubilación. Esto le embarcará en un viaje por carretera en el que revisitará sus variopintos y pintorescos antiguos lugares de trabajo y se irá reencontrando con los habitantes de su pasado, incluso con una a la que hace años que perdió irremediablemente.

En estos tiempos de la Alta Definición, en los que numerosas películas se graban directamente en digital, sorprende toparse con una fotografía que da predominancia al grano, sobre todo en los recuerdos, acerca de los que no queda ninguna duda de que están rodados en 16 mm. Esta estética, a la que podríamos llamar, “sucia” o feísta, se adecua mucho a la historia contada y a los personajes retratados, pero al mismo tiempo, nos da esa idea de tiempo pasado que se adereza con una elección de las localizaciones y un diseño de producción que ofrecen al conjunto un aire atemporal.

Si bien lo que más me gustó de ‘Louise-Michel’ fue su rareza, aquí ese mismo ingrediente me ha resultado excesivo –o quizá ha perdido la capacidad de sorprenderme, pues esas cosas tal vez solo funcionen en la primera ocasión–. Encontré aquella película auténticamente rara: la calificaría sin problema de “fricada” y me dio la impresión de no haber podido ser normal aunque lo hubiese intentado. Mientras que ésta más bien aparenta buscar la diferencia con toda intención y propósito. La inclusión de seres estrafalarios y esperpénticos, como Miss Ming –en la fotografía precedente–, y de situaciones rocambolescas en este caso se me antoja más artificial y pretendida, aunque todo esto puede no ser más que una impresión.

Estructurada como una road movie, ‘Mammuth’ no puede sino constituirse de episodios medianamente autónomos, que se van sumando en una definición del protagonista realizada a través de todos aquellos que lo rodearon y lo rodean ahora. Esta forma de retratar al personaje es efectiva y singular. Serge acaba resultando entrañable y cercano y, si bien no se parece probablemente a ninguno de nosotros, terminamos entendiéndolo mucho más de lo que cabría pronosticar.

En paralelo, la esposa lo espera en casa, tratando de tramitar los papeles, y con la mujer se quedan los momentos más graciosos de la película, ignoro si a causa de que la comicidad de la actriz belga Yolande Moreau – a quien vimos en la propia ‘Louise-Michel’ y recientemente en ‘Micmacs’ y que aparece en la siguiente imagen– supera la de Depardieu o si simplemente porque el guion le ha reservado los chistes a este personaje, que podría ser lo mejor de la película y desafortunadamente cuenta con escasas apariciones.

Hablaba de la catarsis con la anterior película y aquí también está presente la sensación liberadora que, sin ningún escondrijo, se simboliza con el vehículo de dos ruedas que representa la juventud y la independencia. Pero esa misma moto esconde otros significados, más aciagos, que el protagonista aún tendrá que desdeñar. La liberación, finalmente, se hará de las ataduras invisibles y no de las físicas. La crítica social o laboral que en el anterior trabajo de Delépine y de Kervern suponía el eje central, aquí se remarca menos y se limita a denunciar la desidia de casi todos los empleadores a la hora de dar de alta a sus trabajadores y las consecuencias que para éstos acarrean esas ganas de evadir a Hacienda de los empresarios.

El drama y la comedia se dan la mano en ‘Mammuth’ para acercarnos con gran sensibilidad a personajes tan peculiares como familiares, que cautivarán sin duda, tanto por la causa que persiguen como por sus inconfesables luchas individuales. Más perfecta y redonda que la anterior, por ese mismo motivo me sorprende y fascina algo menos.

Otra crítica en Blogdecine | Divertidísima ‘Mammuth’, por Adrián Massanet.

Mi puntuación:

Margueritte: “Soy fruto de una historia de amor. ¡Como todo el mundo!”

Germain: “No, no como todo el mundo…”

Cuando el pasado viernes comentaba los estrenos de la semana, tuve que imaginar qué podíamos esperar de la francesa ‘Mis tardes con Margueritte’, y dije que en el mejor de los casos hallaríamos una tierna historia sobre dos personajes que mejoran sus vidas gracias a su encuentro; por el contrario, si los actores no estaban inspirados y el director no daba con el tono, podría ser un gran aburrimiento. Afortunadamente, resultó más acertada la primera predicción. Al menos, es lo que yo he encontrado, que en esto del cine, por más que lo nieguen los “opinadores objetivos”, juega mucho la percepción individual, que a menudo se ve influida por elementos externos al film (la sala, la compañía, el cansancio, la salud). Tengo entre los borradores un artículo sobre este tema, así que podemos aparcarlo para más adelante.

‘La tête en friche’ (2010), titulada aquí ‘Mis tardes con Margueritte’, está escrita por Jean-Loup Dabadie y el director del film, Jean Becker, a partir de la novela homónima de Marie-Sabine Roger (editada en nuestro país como ‘Tardes con Margueritte’). La historia se centra en Germain, un hombre tosco que ronda los cincuenta años, casi analfabeto, cuida de una madre borracha que siempre lo despreció y se gana la vida con pequeñas chapuzas y los frutos que obtiene de su pequeño huerto. Está atrapado en la vida que le ha tocado, hasta que una tarde conoce a Margueritte, y todo cambia.

Germain (Gérard Depardieu) llega a describir a Margueritte (Gisèle Casadesus) como una anciana de apenas cuarenta kilos, tan frágil como una delicada figurita de cristal. Pero bajo esa quebradiza apariencia hay una persona todavía llena de vida, culta y muy curiosa, una apasionada lectora, algo que fascina a Germain, quien reconoce un tanto avergonzado que leer no es lo suyo. A diferencia de otras personas que ha conocido a lo largo de su vida, Margeritte no se burla de su incultura, al contrario, lo anima al cambio y a buscar en la lectura aventuras y reflexiones apasionantes. Así que cada tarde los dos se sientan un rato en el mismo banco, delante de las mismas diecinueve palomas, y devoran libros juntos, a su manera; ella lee en voz alta y él cierra los ojos y se imagina las historias, viviéndolas intensamente, como si fueran películas en su cabeza.

Mente sin cultivar, hombre encogido

El encuentro con Margueritte anima a Germain, le da impulso y le proporciona una nueva energía, a través de la lectura se descubre a sí mismo y se va transformando en alguien más libre y seguro. Es un cambio profundo que está plasmado con gran acierto en la película, natural y convincentemente, sin esas prisas tan habituales en el cine y apoyado en el excelente trabajo de los actores. Es algo digno de elogio que aunque el film dura menos de una hora y media, a Becker le da tiempo de sobra no sólo para narrarnos con soltura y precisión la estrecha relación que se establece entre estos dos personajes tan dispares, sino también para exponernos episodios significativos de la infancia de Germain (insertados con experta precisión) y presentarnos el particular universo en el que éste se mueve.

De esta manera se comprende mejor al protagonista, que no es un simple “tonto del pueblo”, como lo define una (lamentable) crítica de cierto periódico de tirada nacional. Germain no sufre retraso mental alguno, es un hombre que no lo tuvo fácil y que no ha sido capaz de levantarse de los golpes (físicos y psicológicos) que recibió en su niñez, resultando un adulto empequeñecido, acomplejado, inseguro e incapaz de expresar todo lo que lleva dentro (esto se ve también en la relación con su novia, a quien interpreta la atractiva Sophie Guillemin). Es inteligente y habilidoso, como queda demostrado en varias ocasiones (cuando recuerda frases con precisión o explica que hay más tipos de tomates que los que recoge el diccionario), y es un acierto del film el mostrar que hay distintas maneras de saber, que Germain puede enseñar a Margeritte tanto como ella a él, que ambos pueden enriquecerse con los conocimientos del otro. De esta forma, con su amistad (ese quererse de otra manera) se completan y son más felices.

Se puede tachar la historia de azucarada y sensiblera (desde luego la película no es apta para el espectador más cínico o pesimista, que sólo vea maldad y egoísmo en el ser humano) y a Becker de una puesta en escena algo simplona, pero es innegable que el viaje interior de Germain está bien narrado y atrapa; que el relato goza de fuerza y autenticidad, con personajes vivos, que se sienten como ciertas sus personalidades y sus emociones. En definitiva, consigue que a uno le llegue a resultar indiferente que el mundo esté efectivamente poblado por individuos mezquinos, falsos e incapaces de amar, porque sólo tienes que encontrar a un puñado de personas que valgan la pena, y refugiarte en ellas, así como en la magia de los libros (y/o de las películas) para disfrutar de una vida plena.

Hoy se han presentado las últimas tres películas a concurso de este 60º Berlinale, y me temo que ha sido uno de los días más flojos del festival, si bien la francesa ‘Mammuth’ es lo suficientemente interesante como para permitirme decir que no hemos perdido el tiempo de manera total. Pero ni la danesa ‘Una familia’ ni la norteamericana ‘The Killer Inside Me’ se merecen estar, no solamente en el palmarés final, si no en un festival de esta categoría.

Ahora que la Berlinale toca a su fin, el tiempo gélido ha dejado paso a una temperatura que, si bien es invernal como corresponde a las fechas y la geografía, no es tan extremo como los primeros días del certamen. Hay funcionarios retirando con máquinas el hielo petrificado de la calle, que ha provocado más de un accidente, y también hay la sensación, aunque algunos periodistas no piensen igual, de que ha sido una edición con un buen puñado de películas que tienen mucho cine dentro. Ahora bien, nos hemos tragado un grupito de títulos que no imagino cómo los pueden haber incluido.

‘Una familia’, gélido cine danés

A primera hora de la mañana han presentado en el Palast la segunda película danesa a concurso, la danesa ‘En familia’, dirigida por Pernilla Fischer Christensen. Es una cinta que algunos esperaban con cierta curiosidad, pero que ha defraudado por muchos aires de autora nórdica que se de la cineasta en la puesta en escena y en la rueda de prensa, que estaba casi vacía. Cuenta una historia que va de cine conmovedor, pero que no posee el menor vuelo emocional; pretenciosa y engolada, pero sin nada dentro.

Un anciano, cuyo bisabuelo fundó una legendaria panadería danesa, está a punto de morir de cáncer, pero su mayor deseo sería que sus hijas y sus nietos perpetuaran la tradición familiar panadera. Sin embargo, se encontrará conque todos ellos son una panda de egoístas que no tienen la menor intención de cumplir su último deseo. La única que intentará cumplirlo es su hija menor Ditte (una guapa Lene Maria Christensen), pero se enfrentará con la oposición de su novio. Y no hay más historia, esto es todo. Podría ser un buen punto de partida, pero la sensación que nos queda es la de una nadería filmada con cierta profesionalidad.

Los actores están bastante decentes, y la narración es ágil, pero da la impresión de que no hay nada que contar. Ninguna secuencia destacable. Se echa en falta muchísimo ingenio. A primera hora vi su kit de prensa y es tan “exquisitoide” como la misma película. Por cierto que es el único que trae también un CD. Supongo que tendrán algunas expectativas para el palmarés, aunque no debería figurar en él. Fue aplaudida, pero en mi caso, mientras la iba viendo la iba olvidando. Y es que Bergman, por desgracia para algunos directores, sólo hay uno.

‘The Killer Inside Me’, Winterbottom jugando a ser radical

Michael Winterbottom es el niño bonito de este festival, al que ha traído ya seis películas, a pesar de haber ganado ya el Oso de Oro. Es un director que lo mismo vale para un roto que para un descosido, y no me explico su prestigio. Es decir, ha demostrado versatilidad, pero da la impresión de que va tocando temas, estilos y géneros muy dispares sin dejar una verdadera huella en ninguno de ellos. Su mejor película, ‘24 hour party people’, es brillante, pero nos mostró el techo de un cineasta que hace películas como el que te pide que le pases la sal.

Su nuevo título, ‘The Killer Inside Me’, es la adaptación de la novela homónima del siempre turbador Jim Thompson, cuyo guión viene firmado por un tal John Curran, que apenas tiene experiencia en estos menesteres, y he de decir que se nota. Su libreto es superficial y recalcitrante hasta decir basta. Es incapaz de captar la esencia de la novela, y lo que es peor, de reemplazarla por una nueva.

La historia es uno de esos relatos negros de la América profunda, en la que un ayudante del sheriff con serios arranques psicópatas, termina asesinando brutalmente a una serie de personas sin mostrar la menor emoción. Lo interpreta Casey Affleck, un actor que cuando es secundario soportas su mirada rara y puede aportar algo a la película, pero que como protagonista absoluto termina cargando bastante. Está bien, y está bien elegido para el personaje, pero agota. Sin embargo lo peor es la dirección de Winterbottom.

No sé por qué convierte lo que debería haber sido un policiaco intenso en un aburrimiento soberano de ciento veinte minutos. Pero ya su decisión de incluir violencia salvaje es signo de que no sabe cómo llamar la atención. En los primeros veinte minutos, el protagonista inicia una relación sexual con Jessica Alba (una actriz que será todo lo mona que quiera, pero en pantalla tiene menos fuerza que un peñasco en el lecho de un río…), y la cosa se pone sádica cuando le pone las nalgas moradas a base de correazos. No ví a nadie abandonar la sala en ese momento. Sin embargo, cuando Affleck le pega una paliza brutal que dura cinco minutos y que muestra con todo detalle cómo la va desfigurando, un par de docenas de periodistas se largaron del Palast. Qué cosa más curiosa, qué gente más sensible de repente.

De modo que ahora este director va de radical, de provocador, que siempre da algún rédito. Pero quién sabe, dentro de unos meses (porque hace una o dos películas por año) filmará una historia sobre el Sagrado Corazón en los Alpes, o sobre la caza de los indígenas de Australia, o el remake de ‘Terminator’. Y por supuesto estará en la sección oficial de Berlín.

Divertidísima ‘Mammuth’

Al final la jornada se arregló un poco cuando apareció por la Berlinale un gigante (ahora también en tamaño) del oficio de actor, uno de los más grandes europeos de todos los tiempos, el genial actor francés Gérard Depardieu, que protagoniza, y le da su razón de ser, una película negrísima y divertidísima, llamada ‘Mammuth‘, que es la última película de este año en concursar y que quizá, quién sabe, le de el Oso de Plata al galo.

‘Mammuth’cuenta la historia de un recién jubilado al que apodan así por su vieja motocicleta de los setenta, la Mammuth. Una vez se jubila, debe reunir todos los papeles de sus anteriores trabajos para poder optar al máximo beneficio posible por su vejez. Lo malo es que ha trabajado en innumerables sitios y le va a costar un viaje de varios cientos de kilómetros. Coge su vieja Mammuth e inicia uno de esos relatos de itinerario que se aleja de lo que suelen dar de sí por un humor muy cínico y muy de agradecer, que nos hizo reír de buena gana y olvidar en parte la desastrosa jornada a la que estábamos asistiendo.

En su camino, conocerá a todo tipo de personajes, a cada cual más esperpéntico, y vivirá aventuras desternillantes que rozan el surrealismo puro. Para los directores Benoît Delépine y Gustave de Kervern, Francia parece un mosaico de freaks a los que otorgan una rara dignidad. Hay valentía y cierto talento raro en una película inclasificable. En la rueda de prensa, que tardó en empezar media hora sobre la hora prevista por el show que montaron a la entrada con los fotógrafos, el equipo de la película fue muy aplaudido. Sobre todo Depardieu, que recibió una ovación incluso más grande que la que dedicaron a Scorse el sábado pasado. Se les veía un grupo feliz por estar aquí, sabiendo que tienen pocas posibilidades de ganar nada. Hicieron el tonto con los fotógrafos cerca de veinte minutos.

Mañana veremos, fuera de concurso, la película ‘Otôto’, del gran director japonés Yóji Yamada, y tendrá lugar, a partir de las siete de la tarde, la entrega de los premios. Antes, dentro de un rato, publicaré un resumen de la sección oficial.

Berlín, 19 de Febrero de 2010.

...Amor mío, nunca te he querido.

-Cyrano

Hay películas que se quedan muy atrás de su original literario, sean fieles a él o no. Esas películas les dan la razón a los que opinan que el cine es un lenguaje muy inferior a la literatura. Si embargo hay otras que, sea el original muy popular pero también sea el original de gran calidad, lo trascienden con mucho y lo reducen a un mero borrador. El ejemplo perfecto para el primer caso, pues la novela no era nada del otro mundo aunque Mario Puzo se hizo millonario con ella, sería ‘El padrino’, y el ejemplo perfecto del segundo sería la adaptación que del texto teatral de Edmond Rostand llevó a cabo Jean-Paul Rappeneau en 1990, originando una obra de arte que fue elegida por los profesionales franceses como la mejor película gala de todos los tiempos, y que a día de hoy no es que se mantenga tan joven como entonces, sino que su belleza aumenta con los años.

Excepcional obra maestra, por tanto, de abrumadora sencillez y dirigida con aplastante humildad, pero con pasión ilimitada, por Rappeneau, que firma una película que parece escapada de otro tiempo, de otra época, no sólo de la historia del cine, sino de otro siglo. Y, sin embargo, absolutamente moderna y de vigencia estética incontestable. Es decir, que guarda un equilibrio formal casi milagroso, exclusivo de un muy reducido ramillete de cineastas, y que además goza de un ritmo interno y de otro externo, ambos en crescendo, que debería avergonzar a todos los wachowskis habidos y por haber (y hay muchos), pues demuestra que ese rasgo estético, el ritmo, el más difícil de dominar por un director, y el que más secretamente condiciona la experiencia del espectador, no se basa en el montaje o los cortes, sino en la verdad de la puesta en escena.

Antológica secuencia inicial

No me importa repetirme, porque la ocasión lo merece: bloques como este están al alcance de muy pocos, y no solamente por su escenografía, su fotografía o cualquier otro elemento meramente plástico, que son factores en los que más se fija el espectador menos perspicaz, sino esencialmente por su tratamiento del tiempo, del ritmo interno (es decir, el ritmo de los personajes y del espectador), en claro contraste con su ritmo externo (el ritmo visual). Su trama es sencillísima: durante la representación, en el Hôtel Burgundyde, de ‘Clorise’, a cargo del temible Montfleury, conocemos a Christian de Neuvillette (el siempre apuesto Vincent Perez), que busca entre la nobleza a su amada Roxanne (guapísima y elegantísima Anne Brochette), prima del famoso poeta y espadachín (y soldado) Cyrano de Bergerac, que primero interrumpe la obra por considerarla nefasta (y por su odio a Montfleury) y después cede a las provocaciones del gomoso Vizconde de Valvert, que pretende a Roxanne, y al que matará, aunque casi en un larguísimo duelo durante el cual Cyrano improvisa una balada.

Estos son los hechos, claro, transcritos como por un taquígrafo. Pero hay mucho más. Primero, Rappeneau no toca ni una coma del original y respeta los versos que forman los diálogos, en solitario o a dúo. Segundo, desde el primer plano su recreación histórica no se limita a un diseño de producción magistral, casi alquímico, si no que se traduce en un viaje en el tiempo basado en estudio de caracteres, de tipos, de rasgos de carácter, que logran el milagro de regresar varios siglos y de encontrarse en una época bien definida, cosa que muy pocas películas de época consiguen, especulando sobre todo en cuanto a los usos y costumbres, y llegando casi todas ellas al lugar común preestablecido. Pero Rappeneau se zambulle en la cultura del siglo XVII como si hubiera vivido allí, y nos lo deja claro con todo su impresionante grupo de actores, que dejan de ser actores para vestirse de historia.

Y Depardieu llena la pantalla con la interpretación más enérgica y vitalista que recuerdo haber visto en una pantalla. Imposible no enamorarse de él y de su personaje. ¿Acaso no somos nosotros mismos los que interrumpimos la penosa perorata de Montfleury, o los que desearían hacerlo, como él? ¿Acaso no nos encantaría enfrentarnos a la platea ignorante y demostrarle cuan por encima volamos sobre ella? Y además, somos Cyrano cuando humillamos al noble arrogante y abyecto, cuando le damos un repaso a su ignorancia y le vencemos con la espada. Pero principalmente cuando además de todo eso, demostramos nuestro talento lírico improvisando unos versos sublimes.

El narigudo enamorado

Pero de versos sublimes vamos a terminar extasiados cuando Christian y Cyrano se unan en la hazaña de conquistar a la voluble y delicada Roxanne. Se conocerán en una divertidísima secuencia en la que Christian, harto de la bravuconería de los gascones, intente provocarle refiriéndose a su enorme nariz, y se lanzarán a una aventura romántica que ha sido mil veces imitada, pero nunca ha sido tan hermosa. Christian es hermoso, y Cyrano posee un ingenio inigualable. Formarán equipo para derretir el corazón de Roxanne. De hecho, hasta entonces nadie había entendido la poesía como lo que es: el preludio sexual más poderoso. Porque preludios sexuales son los paroxismos emocionales que siente Roxanne al leer los versos, y sólo con ellos puede su amante acceder a ella.

Pues tal como sucede en la bellísima secuencia en la que, bajo la lluvia, a la luz de la Luna, Cyrano finalmente habla por Christian y puede expresar sus propias palabras sin necesidad de escribirlas, ni de entregarlas transformadas por Christian, en esa secuencia, como decía, Roxanne no quiere hacer el amor porque previamente, en el patio, había fracasado con las palabras, y no estaba preparada para el amor. Sin embargo, Cyrano echa el resto, pronunciando las más bellas palabras de amor nunca escritas entre el aire nocturno más romántico que se imaginó para una película...y su usurpador por fin puede escalar la tapia para acceder al sueño que, según cree, él mismo jamás podría atrapar.

Pero no acaba todo ahí, aunque eso ya de por sí podría ser un relato cerrado y perfecto, sino que Rappenau, con Carriére, adapta cada uno de los actos de la obra de teatro original, y obtenemos el brillante acto del sitio de Arrás, donde los soldados españoles (qué gusto da verlo, por Dios…) les dan estiba de la buena a los franceses. Imposible sustraerse de la mítica en ese momento en que, con una flauta y unos versos, Cyrano retrotrae a sus hombres a los valles de Gascuña, ni al humor que se extrae del hambre y de las penalidades. Y en el acto final, ese en el que Roxanne por fin entiende todo, tiene lugar un anti-climax absolutamente anticomercial, pero arrebatadoramente lírico, que nos abandona con un poso de melancolía y de sentimiento de tiempo perdido.

Este bellísimo filme compitió en Cannes aquel año, como no podía ser de otra manera, aunque la ganadora aquel año fue ‘Corazón salvaje’, de David Lynch, aunque Depardieu ganó el premio al mejor actor y el equipo (en la persona del director de fotografía Pierre L’homme) fue premiado con el galardón de la Comisión Superior Técnica. La película partía como favorita en los Oscar, sobre todo el protagonista, pero sufrió un escandoloso trato por parte de la prensa, pues Depardieu, que en sus tiempos fue un golfo, parece que tenía antecedentes por haberse acostado con menores, y usaron eso para no darle el Oscar que, sin duda, merecía. Pienso que lo este gran artista hiciera no puede ser óbice para su reconocimiento, pero ya sabemos cómo funcionan las cosas en Estados Unidos.

El enclenque galo Lunatix –o Alafolix en v. o.— está enamorado de la princesa griega Irina (Vanessa Hessler), pero el padre de la bella joven quiere casarla con Bruto, el hijo de Julio César (Alain Delon), para unir imperios. Lunatix reta a Bruto a participar en los Juegos Olímpicos y la princesa acepta la apuesta y dice que se casará con el ganador. Astérix y Obélix deciden acompañar a su paisano a Grecia y no dudan en utilizar la poción mágica para ganar los Juegos Olímpicos. Pero no contaban con el control anti-dopping. Sin poder utilizar el brebaje y con la participación vetada a Obélix, por haber caído en una marmita, parece que Bruto tiene todas las de ganar.

Cuando coloqué el tráiler y el póster de ‘Asterix en los Juegos Olímpicos’ (‘Asterix aux Jeux Olympiques’), que se estrena el día 8 de febrero, estábamos más o menos de acuerdo en que tenía muy mala pinta. Y lo cierto es que no se trata de una película que se pueda considerar buena, pero es algo más decente de lo que aparenta según esos materiales. Al menos, tiene un par de momentos simpáticos.

El mayor problema de ‘Asterix en los Juegos Olímpicos’ es su innecesaria extensión de dos horas. La trama, como es obvio, no da para tanto y todo lo que ocurre queda muy claramente dilatado con escenas intermedias que se perciben como una espera. Un montaje más depurado, no sólo lograría que se pasase con más ligereza, sino que, además, eliminando el humor no conseguido, haría resaltar los momentos que sí son graciosos y nos quedaríamos con la sensación de haber visto algo más cómico incluso con los mismos chistes. Es decir, que lo que le ocurre no es que le falte humor, sino que las bromas, en su mayoría, son excesivamente malas.

Bruto es, en teoría, de quien nos deberíamos reír constantemente. Pero entre que sus tretas tienen muy poca gracia y que el actor, Benoît Poelvoorde, no es muy ducho en la comedia, el resultado es muy pobre. Y esto es grave pues es el personaje que más desarrollo tiene y probablemente también el que más presencia disfruta en pantalla. De su parte están Santiago Segura, que vuelve a los asquerosos disfraces como los de Evilio, y José García, actor de origen gallego de enorme éxito en Francia. Sobre ellos se puede decir que sus exageradas interpretaciones no desentonan con el resto de la película, lo cual ya es bastante. Pero, aparte de la curiosidad de descubrir que son ellos, no tienen más interés o gracia.

Tampoco del lado de los buenos vemos mucho desarrollo de personajes: Astérix no tiene el más mínimo carisma, mientras en los álbumes era el carácter más atractivo, con sus despliegues de ingenio y sus cortes sutiles dirigidos a los demás. Probablemente también influye lo poco que le aporta Clovis Cornillac al personaje. Esto se hace muy fácil de detectar cuando ocurre lo contrario con su inseparable amigo. Gracias a que es Gerard Depardieu quien da vida a Obelix, su personaje sí resulta simpático y hasta parece más listo que Asterix. El momento en el cual, como chiste metalingüístico –uno de los muchos que hay— ejerce de Cyrano, tanto para Lunatix, como para Idéefix, es de lo mejor del film.

Os estaréis preguntando, ¿y dónde está la parte pasable o visible? Pues, claramente, en el cameo de Michael Schumacher. Además del expiloto, lo más cachondo es que aparece Jean Todt y que han imitado todas sus costumbres al pie de la letra, por ejemplo, en lugar de un cronómetro, está pegado a un reloj de arena. A pesar de ser lo más gracioso, no supone una novedad, pues ya hacían algo muy parecido en ‘Donkey Xote’. Estas apariciones están integradas en la que resulta la mejor secuencia del film, la de la carrera de cuádrigas, pues, además de la gracia de ver a estos señores o el guiño de que el segundo sea el español, es la única secuencia que tiene acción de ‘Astérix en los Juegos Olímpicos’.

Sin embargo, los demás cameos de deportistas, como por ejemplo, Zidane, están metidos con calzador. Probablemente, lo que ha ocurrido es que los hayan contratado después de tener el guión cerrado y casi todo rodado. Y por ello los han incluido en un epílogo que, después de lo larga que ha sido la película, sólo estás deseando que acabe. Parece un extra del DVD pegado al final del film.

En general, se hace más larga de lo que necesitaría y tiene menos graciosa de lo que podría, pero se puede ver. Existen chistes referenciales que sí son graciosos, como las alusiones de Delon a títulos de películas o los rodetes en el peinado de la princesa griega, como si fuese Leia. Si le sumamos los cameos de estrellas deportivas, vemos que no nos queda un film nulo, como les gusta decir a los franceses.

Os había mostrado ya un tráiler y un teaser de ‘Asterix en los juegos olímpicos’ (‘Astérix aux jeux olympiques’), que se estrenará el 8 de febrero de 2008. Los comentarios entonces fueron negativos en su mayoría. No creo que ahora este cartel temple demasiado los ánimos.

Fuente | Tripictures

Astérix (Clovis Cornillac) y Obélix (Gerard Depardieu) deberán ganar los Juegos Olímpicos y permitir así que el joven Alafolix pueda casarse con la Princesa Irina y luchar contra el terrible Bruto (Benoît Poelvoorde), dispuesto a todo para ganar también los Juegos y deshacerse de su padre Julio César (Alain Delon).

José García interpretará a Llenodepus, mientras Elsa Pataky dará vida a una danzarina y Santiago Segura a Doctormabus. Aparecerán también Diane Kruger, Claudia Cardinale, Adriana Karembeu y Mónica Cruz.

Pero quizá lo más atrayente son los cameos de deportistas, como David Beckham, Michael Schumacher (en el papel de Schumix), Zinédine Zidane (como Numerodix).

Los directores son Frédéric Forestier y Thomas Langmann.

Además del tráiler, tenemos este teaser, no demasiado gracioso, pero con un gran despliegue de imágenes rodadas en Almería:

Fuente | tripictures.com

Escrita, dirigida y protagonizada por Gérard Jugnot, quien comparte reparto con Gérard Depardieu, ‘Tenemos un problema gordo’ (‘Boudu’ 2005), que se estrena mañana, 9 de febrero, es una comedia más de las que Francia está acostumbrada a exportar.

Christian Lespinglet (Gérard Jugnot), un burgués que tiene una galería de arte en Aix-en-Provence, aparca junto al canal para propasarse con su becaria Coralie (Constance Dolle), pero ella encuentra la excusa perfecta para librarse cuando escucha las peticiones de auxilio de un vagabundo que ha caído al canal. Boudu (Gérard Depardieu), como dice que le llaman, protesta, pues alega que pretendía matarse. Como se niega a pasar la noche en un albergue y sabe que en un hotel no le dejarían entrar, obliga a Christian a que se lo lleve a su casa. Allí, la neurótica esposa de Christian (Catherine Frot) encontrará en el nuevo visitante la manera de canalizar su energía.

El mensaje que transmite este film está muy visto y es muy predecible. Para llegar hasta él se produce una evolución en los personajes que está bien planificada y que es quizá, lo más destacable de su guión. Por el lado negativo, hay que decir que el torpe intento de crear una estructura circular no resulta creíble y tampoco funciona como elemento emotivo y que el humor no llena todos los diálogos ni sostiene la endeble excusa argumental. Tanto es así que casi me parece lo más gracioso de todo la libérrima traducción al español del título: ‘Tenemos un problema GORDO’.

Sobre la forma en la que está rodada y puesta en escena lo máximo que se puede llegar es a concluir que es correcta. El montaje, sin embargo, en ocasiones se hace algo pesado. La mayoría de las acciones se sitúan en el mismo decorado, por lo que ni siquiera se trata de una película vistosa.

La baza comercial mayor con la que cuenta la película, al menos en España, es la presencia de Gérard Depardieu. El papel le viene como anillo al dedo y su interpretación es buena, como lo son las del resto del elenco. Pero tampoco estamos hablando de unas actuaciones extraordinarias. Jugnot que, en otros films sí que logra transmitir la sensación de hombre pringado y superado por las circunstancias, aquí está incluso sosito.

En definitiva, la película resulta agradable y va ganando en humor según avanza, al contrario que en muchas otras comedias que lo pierden a medida que profundizan en la trama; pero no presenta ninguna originalidad ni supone ningún tipo de ventaja con respecto a cualquiera de las que hayamos podido ver recientemente con similares características.

Gérard Jugnot recupera el clásico de Jean Renoir ‘Boudu salvado de las aguas’ (‘Boudu sauvé des eaux’, 1932) —que ya a su vez se basaba en una obra de teatro de René Fauchois— para convertirlo en algo muy parecido a ‘Après vous’, de Pierre Salvadori, película gracias a la cual descubrí al incomparable José García. ‘Usted primero’ (‘Après vous’), con un arranque similar — Daniel Auteuil impide el suicidio de García y tiene que arreglarle la vida— era muchísimo más divertida. Por lo menos se puede decir que la de Jugnot supera con creces a otro film de premisa semejante: ‘Tú, yo y Dupree’, pero no era difícil.

‘Tenemos un problema gordo’ es la décima película de Gérard Jugnot como director, aunque quizá estemos más acostumbrados a verlo delante de la cámara, por ejemplo en ‘Los chicos del coro’, ‘M. Batignole’ o ‘Nunca digas nunca’. Fue después de la gran experiencia de hacer ‘Volpone’ junto a Gérard Depardieu (‘Paris, Je t’aime’, ‘Asterix y Obelix’, ‘Vidocq’, ‘El hombre de la máscara de hierro’), cuando Jugnot decidió embarcarse en este proyecto junto al otro maestro de la comedia francesa: “El rodaje había ido muy bien y yo me había quedado impresionado por la fuerza interpretativa de Gérard. Nadie podía hacer de Boudu como Depardieu”, afirma.

Los trailers pueden verse aquí.

La película se centrará (lógicamente) en Antonio Vivaldi, como un joven y excéntrico sacerdote en el siglo XVIII, asignado a servir como maestro de música en una escuela para las ilegítimas y abandonadas hijas de las cortesanas de Venecia. Dirigirá Boris Damast y, junto a Fiennes, en el reparto tendremos a Malcolm McDowell, Lena Headey (de la que sir Red Stovall tiene un poster a tamaño real en el salón), Jacqueline Bisset, Gerard Depardieu y Elle Fanning (hermana de Dakota, sí).

Vía | DarkHorizons

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