Tras repasar los mejores arranques de la historia del cine (o al menos, los que más se recuerdan), es hora de una nueva encuesta en Blogdecine. He estado considerando varias de vuestras sugerencias y finalmente me he decidido por un tema tan macabro como eterno, la muerte en el cine. Ha sido toda una casualidad que justo hoy nos haya dejado la mítica Elizabeth Taylor.

Las películas nos han mostrado muertes de todo tipo, por causas naturales, accidentales, suicidios, infinidad de crímenes, asesinatos… He intentado agruparlas en las cuatro categorías más interesantes, aunque sé que me he dejado alguna, y que hay fallecimientos emblemáticos que no encajan en ninguno de los cinco grupos propuestos. Siempre quedan los comentarios para mencionarlas. En fin, en esta ocasión os pido que votéis las muertes más crueles, dramáticas, sorprendentes, sangrientas y deseadas (aunque esto pueda ocasionar algún conflicto moral en ciertos lectores).

No tenéis que participar en todas las categorías, solo en las que os apetezca, y como siempre, os recuerdo que tenéis el apartado “otro” al final de cada pregunta, por si queréis votar un título que yo no haya sugerido. Sin más, os animo a echar un vistazo y comenzar un interesante debate.

Actualización: Ya terminó el plazo para votar. En breve publicaré los resultados, gracias a todos los que habéis participado.

PD: ¿La muerte más ridícula de la historia del cine? No hay ninguna duda, es ésta:

Pese a que el actor posee en cine una libertad mucho menor de la que por ejemplo disfruta en el teatro, puesto que es el director de cine el único que elige su material con total independencia, un intérprete inteligente siempre tiene posibilidades de fraguar una carrera que, aunque nunca estará a salvo de la irregularidad, pueda hacerle sentirse orgulloso. Mucho más si es un gran intérprete, y más aún si es un intérprete famoso y con poder. El neozelandés Russell Ira Crowe es un gran intérprete, y gracias a su tesón y a su fuerza de voluntad, llegó a ser famoso y a disfrutar de bastante poder. Pero ni siquiera todo eso le ha servido para no echar a perder una carrera que en la segunda mitad de la década de los noventa se auspiciaba como impresionante, y que a día de hoy sólo se puede calificar como decepcionante, siempre respecto a las enormes posibilidades y expectativas que alguien de su talento puede suscitar.

De sangre galesa, maorí y noruega, Crowe nació en Wellington hace ya cuarenta y seis años, y sus muy humildes comienzos no le desanimaron para llegar a convertirse en la estrella (herida) que es hoy día. Cuando en 1996, siendo aún un don nadie en la industria, un tal Francis Ford Coppola quiso cenar con él en París para hablarle de un gran proyecto personal titulado ‘Megalópolis’, ya quedaba claro que aunque sus trabajos hasta entonces no eran gran cosa, Crowe llamaba la atención porque existía en él un brillo de diamante en bruto que pedía a voces ser desbastado. Aquel proyecto personal nunca se hizo realidad, y Coppola y Crowe nunca trabajaron juntos. En lugar de eso, se convirtió en el actor fetiche de Ridley Scott, que al mismo tiempo que le ofrecería uno de los papeles de su vida, también le convencería para trabajr en posteriores proyectos que han terminado por empequeñecer la promesa de un coloso de su oficio.

Russell Crowe es uno de esos actores formidables a los que me gusta llamar actores de puro instinto, porque pese a su gran preparación previa en los papeles que interpreta, dan la impresión de actuar de instinto, completamente naturales, sin fingimiento alguno. Crowe pertenece a la estirpe de actores-creadores, que a su inmensa pegada fotogénica, a su carisma indomable, a la humanidad o violencia de su mera presencia, incorpora una energía a lo Brando, a lo Newman, completamente involuntaria, y alrededor de la que gravita cualquier secuencia en la que aparezca, como un meteoro sobre el que se fundamenta todo lo demás, y que condiciona cualquier película en que participe. Poseedor de un físico envidiable (aunque, según ha quedado demostrado, también cambiante…), de unos ojos muy azules y muy fríos capaces sin embargo de transmitir una gran compasión y dolor, de un cierto componente de desequilibrio salvaje, y de una sonrisa abierta y franca, Crowe dejó de ser ese actor instintivo hace ahora exactamente diez años, con la única salvedad de su excelente rol del mítico Jack Aubrey.

Ya en dos filmes tan olvidables como ‘Virtuosity’ (id, Brett Leonard, 1995) o ‘Rápida y mortal’ (‘The Quick and the Dead’, Sam Raimi, 1995), su rostro desconocido se te quedaba en el cajón de trastos de la memoria, pero ya habia participado en la entrañable ‘Nosotros dos’ (‘The Sum of Us’, Geoff Burton, Kevin Dowling, 1994) o en la reivindicable ‘Romper Stomper’ (id, Geoffrey Wright, 1992), que le valió el salto a California. A la floja ‘Hechizo en la ruta maya’ (‘Rough Magic’, Clare Peploe, 1995), le siguió uno de esos trabajos que sólo se pueden calificar de deslumbrantes, de genio incontestable. Me refiero, por supuesto, a su Bud White de ‘L.A. Confidential’ (id, Curtis Hanson, 1997), que Crowe encarnaba a lo grande, a lo Brando o De Niro, como sin esfuerzo. En un reparto excelente, él brillaba por encima de todos por derecho propio, emocionando en secuencias de acción, en diálogos, en momentos íntimos, en silencios. Toda una lección de cine, un personaje trabajado principalmente con los ojos y la mirada.

A tres trabajos alimenticios posteriores, que no merece la pena ni reseñar, le siguió otro triunfo: el atormentado científico de ‘El dilema’ (‘The Insider’, Michael Mann, 1999), uno de los filmes más completos de ese realizador, en el que no solamente estaba mejor que Al Pacino, sino que lograba que se te olvidara la presencia del mítico intérprete de Michael Corleone. Envejecido por necesidades del papel, Crowe se había convertido, de pronto, en un actor superdotado, camaleónico, generoso y valiente, como muy pocos o quizá ninguno de su generación, en una promesa de intérprete de referencia, confirmada un año después por otro trabajo superlativo, el de Máximo en la muy floja ‘Gladiator’ (id, Ridley Scott, 2000). Crowe está tan alucinante, tan creíble, tan dolorosamente real, que es la película, simple y llanamente, y todas sus virtudes empiezan y terminan en él. No es de extrañar que le dieran el Oscar al mejor actor, merecidísimo. Lástima que ese papel extraordinario fuera el principio del fin, pues un año después daría vida al matemático John Nash, y se desvanecería el actor instintivo para transformarse en actor calculador, de método, de mentira al fin y al cabo. Su penosa interpretación, llena de tics y gestos de actor falsario, en uno de los filmes más vergonzantes de la historia, que hacía un espectáculo lacrimógeno del terrible drama de la esquizofrenia, era indigna de su gran talento.

Por lo menos aún pudo hacer de Jack Aubrey en la estupenda ‘Master and Commander: Al otro lado del mundo’ (‘Master and Commander: The Far Side of the World’, Peter Weir, 2003), en la que clavaba al capitán del navío de guerra inmortalizado por Patrick O’Brian, muy bien secundado por Paul Bettany, pero de pronto parece que Crowe ha perdido la ambición y la energía que le sobraban en años anteriores, demasiado breves. Los cuatro papeles posteriores que ha interpretado para Ridley Scott son un póker de interpretaciones olvidables, hechas sin convicción, a desgana, y con su imponente físico cada vez más deteroriado. Ni la lamentable ‘Un buen año’ (‘A Good Year’, 2006), ni la aburrida y absurda ‘American Gangster’ (id, 2007), ni la estúpida ‘Red de mentiras’ (‘Body of Lies’, 2008), ni la bochornosa (aún peor que la de Costner) ‘Robin Hood’ (id, 2010) añaden a su carrera otra cosa que no sea estabilidad económica. Muy triste si pensamos en la apoteósica figura de ‘L.A. Confidential’ o ‘Gladiator’, aunque aún pudo hacer un buen trabajo (un juego de niños para un tipo con su talentazo) de la muy digna ‘El tren de las 3:10’ (‘3:10 to Yuma’, James Mangold, 2007), en la que ya se puede apreciar que Crowe es un gigante dormido al que hay que despertar con urgencia.

Supongo que nadie se sorprenderá si sostengo que sería una buena idea profesional y creativa para Crowe desvincularse de la carrera siempre descendente de Ridley Scott, uno de los cineastas más sobrevalorados de la entera historia del cine. Pero tampoco sería justo achacar todos sus fallos a su admiración y amistad por el cineasta de origen británico. Supongo que Crowe aún está a tiempo de enderezar y de volver a demostrar lo grande que es, pues todavía no es demasiado mayor y talento e inteligencia le sobran. Ya veremos qué tal su próxima película con Paul Haggis, que pinta bastante bien. Yo creo que lo mejor de este artista aún está por llegar, porque de momento ha dado mucho menos de lo que prometía.

Hoy en día Hans Zimmer acumula bandas sonoras a lo largo de más de tres décadas y es uno de esos compositores indispensables en el Hollywood actual. Se ha ganado un reconocido puesto no sólo por su larga trayectoria sino por su versatilidad: cine de animación, acción, dramas, comedias,… aunque particularmente considero que es un gran compositor, quizás demasiado prolífico, lo que le hace acumular muchos trabajos y no siempre inspirados, pero esencial para entender el cine actual, al que ha sabido ponerle música y su personal estilo. Toca repasar las que considero sus diez mejores bandas sonoras hasta la fecha, aunque seguro todavía tiene un largo recorrido por delante.

‘Rain Man’< (1988)

En un año capital y ya con cierta experiencia a pesar de su juventud por aquel entonces, compuso esta notable partitura, que acompaña a un film de éxito en taquilla y también en la carrera de premios. Logra su primera nominación al Oscar y bien merecida. No es una de las más notables pero por significar un importante paso en su trayectoria, lo cierto es que contiene momentos que particularmente aprecio y que son un buen encuentro con el estilo que seguiría desarrollando.

‘Thelma & Louise’ (1991)

Con Ridley Scott participaría en un buen número de películas, en esta, una de las grandes de la época inspirada del realizador. Sigue la estela del título anterior, en una banda sonora con una música incidental de escasa presencia y combinada con canciones, pero esa mezcla de tonos folk instrumentales es muy acertada para la historia.

‘El Rey León’ (1994)

Sus aportaciones al cine de animación han deparado quizás algunas de sus mejores composiciones. Para esta cinta de Disney supo capturar la esencia de África, con percusiones y coros que la convierten en una sobresaliente banda sonora. Como, es posible que sea uno sus trabajos más destacados e inolvidables.

‘Marea roja’ (1995)

En esta ocasión trabaja para el otro Scott, Tony, que con esta cinta de intriga, con aires de thriller logra un trabajo excepcional. Su adecuación al ambiente claustrofóbico de la historia (y del submarino donde se desarrolla gran parte de la cinta) es muy apropiada. Con esta banda sonora ganó un Grammy, y es que la partitura es también uno de sus más grandes trabajos. La película gana enteros gracias a su música.

‘La roca’ (1996)

Entre esta y la banda sonora de ‘El Pacificador’ tenía una cierta duda, pero quizás sea más popular la compuesta para el film de Michael Bay. Creo que es la perfecta adecuación de una música majestuosa, emocionante, trepidante y que no sólo subraya sino que eleva la emoción y la acción del film. Un buen ejemplo de su gran aportación al cine más comercial (y muy identificativa de su estilo inconfundible) y parte esencial para convertir estas películas en auténticos éxitos de público.

‘Mejor… imposible’ (1997)

Esta celebrada comedia con un sublime Jack Nicholson, tuvo una música magnífica. Una variación más dentro del recorrido de Zimmer, ahora fundiendo el tono de comedia, romántico, melodrama y ese punto de locura (subrayada a ritmo de pseudotango) del protagonista. Muy pegadiza.

‘Gladiator’ (2000)

Nuevo trabajo para Ridley Scott y nueva muestra de su genio. La película es más efectiva y emocionante por su música. No sé que tiene esta partitura pero quizás sea de las que más veces he escuchado en los últimos años. Es vigorosa, potente, emocionante, ideal para levantar el ánimo y de las que se convierte en pieza de culto para distintos montajes de vídeo. Esencial y completa banda sonora. Eso sí, conviene puntualizar que aquí Zimmer comparte la gloria con Lisa Gerrard coautora de la partitura. Sube el volumen.

‘La delgada línea roja’ (1998)

Excelente película de Terrence Malick y no menos sublime trabajo de Zimmer. Ahora su música se torna compleja, asfixiante para subrayar el tono de esta historia bélica. Brillante música de estilo inconfundible.

‘El príncipe de Egipto’ (1998)

Nueva incursión en el cine de animación, en esta ocasión para Dreamworks y su bíblica historia de Moisés. También se puede considerar una de sus obras cumbres, logró otorgar al relato el tono majestuoso, poderoso, melódico y envolvente (con coros grandiosos) que requería. Su sello personal pero lleno de inspiración, muy completa con temas sobresalientes y me arriesgo a afirmar que es una de las mejores bandas sonoras de la década.

‘Piratas del Caribe: en el fin del mundo’ (2007)

Cualquiera de las compuestas para la saga son buena muestra, pero quizás la última sea con la que consigue un nivel más elevado, al aunar todo lo compuesto anteriormente y darle un empaque más contundente y notable. Por cierto, se atreve incluso con la guitarra eléctrica:

Bonus Track: ‘El caballero oscuro’

Seguro muchos la echaban de menos, pero al ser una banda sonora coescrita junto a James Newton Howard, tiene que compartir la gloria. Aunque eso sí, bien merece reseñarla porque el trabajo aquí de Zimmer, codo a codo con Nolan, le otorga quizás el punto más exacto y adecuado que requiere Batman en esta historia: el toque oscuro y siniestro.

Por cierto, en el vídeo lo podemos ver editando la banda sonora y cómo se defiende con las nuevas tecnologías. ¿Alguien duda de que es un genio?

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Haciendo un repaso exhaustivo por todas las películas que se han alzado con el Oscar (ese premio de tan dudosa reputación, al fin y al cabo es una industria premiándose a sí misma, nada más sospechoso) saltan las evidencias como chispas. Por ejemplo, que ‘El Padrino’ y ‘El Padrino, parte II’ son muy superiores a prácticamente todas las demás que lo han ganado. Y en cuanto a las que no lo merecían, teniendo en cuenta que eligen nada menos que la mejor película de todo un año, hay dos protagonizadas por el excelente, sanguíneo, instintivo, desaprovechado intérprete que es Russell Crowe.

Una de esas dos es ‘Gladiator’, la décimo primera realización del británico Ridley Scott, con la que recuperó el crédito comercial después de varios rotundos fracasos de público, y a la que cierto sector de la crítica, sobre todo de su país de origen (en opinión de quien esto escribe a años luz de la exigencia de los críticos europeos), trató con una vehemencia desproporcionada, al igual que los aficionados al cine, quienes la valoran muy por encima de lo que merece, ya que si sus limitaciones eran evidentes hace nueve años, ahora son escandalosas, y aunque también posee ciertas virtudes, no son suficientes. Pero vayamos por partes

El subgénero de romanos, que podría situarse entre el género del melodrama histórico y el de melodrama de aventuras, gozó de cierto esplendor hace ya unas cuantas décadas. Y de la misma forma que obtuvo grandes éxitos económicos, su decadencia y desfase fue rápida e inmisericorde. A fin de cuentas, y si repasamos su tradición, no se puede decir que ninguna gran personalidad cinematográfica se haya ocupado de él y haya dado una aportación de peso. Por supuesto que hay títulos emblemáticos, pero su razón de ser quizá desapareció con el género. Por eso la apropiación de los códigos del Peplum por parte de Ridley Scott y su equipo es, primeramente, una estratagema comercial, servida con una campaña de marketing formidable. Pero, ¿hay algo personal en este ‘Gladiator’?

A principios de la década, recordemos que esta película es del año 2000, los efectos digitales habían llegado a una plenitud impensable cinco o seis años antes. Ellos fueron uno de los reclamos publicitarios de la película de Ridley Scott. Sin embargo, el tratamiento de los mismos no fue todo lo perfecto que podría desearse. De hecho, en comparación con otra película de aquel mismo año, ‘La tormenta perfecta’ (Wolfgang Petersen), son muy inferiores. En la de Petersen conocían las limitaciones de la integración 3D, y su recreación de la tormenta marina es asombrosa. No se puede decir lo mismo de la recreación de la arquitectura imperial romana. Los planos aéreos cantan bastante, pero los fondos son una equivocación, y comprometen la integridad de la atmósfera que se intenta buscar.

Pero tampoco es que en ningún momento se pretenda una fidelidad histórica, como sí logran en la extraordinaria serie ‘Roma’. Y no hablo sólo de esos errores de atrezzo de los que tanto se ha hablado en internet, sino de la recreación de una época que responde más al gusto barroquista y excesivo, pagado de sí mismo, de Ridley Scott (que encomendó la tarea a un hombre que se haría habitual suyo, Arthur Max), que a la elaboración de un ambiente narrativo que se erija en herramienta emocional. Pensemos por ejemplo en la batalla inicial, que es un alarde de medios. Filmada en Surrey, Reino Unido, su temperatura de color, con ese sol invernal que convertía el bosque en algo espectral, fue captada muy bien por el operador jefe, John Mathieson, que sabía de la velocidad de filmar en Super 35, pero dado el caos de planificación (marca de Scott), todo se echa a perder.

Ese uso de velocidades y obturaciones extrañas en la batalla se empleó de manera mucho más bella en ‘Los siete samuráis’ (Kurosawa, 1954) o incluso en ‘Saving Private Ryan’ (Spielberg, 1998). Aquí parece la última solución para una batalla que tuvo que ser mutilada por falta de dinero, y para la que no había tiempo. Si a eso sumamos que no se obtuvo un guión definitivo hasta una semana antes del rodaje, podemos hacernos una idea del follón en que se vieron inmersos. Se nota, además, que no son más que 750 romanos y 350 germanos, aunque hicieron lo posible por maquillarlo. Con esta batalla comienzan también las arbitrariedades narrativas de Scott.

Se frota uno los ojos de incredulidad, pero las espantosas ideas del director no desaparecen. ¿Cómo se puede tener el mal gusto de insertar, cada pocos segundos, un plano del emperador Marco Aurelio (interpretado con irregular fuerza por el ya desaparecido Richard Harris), dentro de la larga secuencia del campo de batalla? Debido a que Scott ya ejecutó ideas similares en películas anteriores, no debería sorprendernos. Pero es obvio que a nadie se le ocurriría romper el contínuo secuencial con un plano inserto en travelling de acercamiento a un personaje ajeno a la secuencia. Sin duda Scott, excitado por los picores del divismo y la autoría, cree que tales ideas son dignas de quedarse en el montaje.

Pero pronto comienza la historia y la presentación de los personajes. Conocemos a Máximo (Russell Crowe), a Cómodo (Joaquin Phoenix) y a Lucilla (Connie Nielsen), y somos testigos del traspaso de poder del anciano Marco Aurelio al gran general Máximo, y del golpe de estado de su hijo Cómodo. Todo esto está bastante bien. Es el comienzo de la historia, y crea tensión e interés. Pero pronto se desdibuja todo con gran rapidez. Muerto Marco Aurelio, Cómodo tiene vía libre para quitar de en medio a Máximo (asesinando también a su familia), y regresar a Roma como emperador. Por supuesto, Máximo escapará de la muerte y clamará venganza.

El montaje en paralelo de Máximo viajando nada menos que de Germania a Hispania en caballo, con el asesinato de su mujer e hijo por otro lado, es un intento de crear tensión absolutamente contraproducente. Rompe el ritmo y el estilo creado hasta ahora, y se adentra por caminos visuales cercanos al videoclip. De pronto, la identificación que se supone debíamos sentir con Máximo, se esfuma. Nos importa poco que hayan violado y asesinado a su mujer, junto con su hijo. Y nadie sabe cómo, pero aparecen en sus tierras unos esclavistas que se lo llevan al desierto (no se sabe qué desierto ni qué país…), para emplearle como gladiador. El mal gusto desplegado en esas imágenes oníricas del desierto es clamoroso, y son obra de un director que no sabe muy bien qué está contando, ni por qué.

Al menos, tenemos a Máximo. Durante la película no le veremos ni la menor falla. Es guapo, leal, fuerte, valiente, inteligente, compasivo, fiero. Podría haber dado mucho menos de sí sino le hubiera encarnado un actor en estado de gracia que nunca más (ya le habíamos visto pletórico en ‘L.A. Confidential’ y ‘The Insider’) ha vuelto a disfrutar. Crowe se adueña del personaje y le otorga una verdad y una tristeza incomensurables. Es verlo para creerlo. Él es el auténtico pilar de una película que hace aguas en cuanto intenta desmarcarse precisamente del sub-género que quiere homenajear. Una fuerza de la naturaleza con la que, si bien no nos sentimos identificados ni nos importa mucho lo que le suceda, sí podemos comprender y compadecer.

A su lado Joaquin Phoenix (que ha logrado algún buen trabajo en una carrera irregular) palidece como un villano que no está a la altura. El guión le ayuda poco, Ridley Scott se empeña en extraer de él sólo una neurosis psicopática que nada aporta y que nadie entiende, y con estos elementos poco puede hacer el actor. No basta con unas ojeras profundas, hacen falta buenos momentos, buenos diálogos, más ideas interesantes de puesta en escena. Tampoco la bella y elegante Connie Nielsen tiene muchas oportunidades. Su personaje parece un fantasma sin fuerza, que entra y sale del relato sin criterio. Por eso estoy seguro de que el mérito es sólo de Russell Crowe, y no de Scott, en su memorable papel.

Se puede intentar buscar algo más, pero no lo hay. El relato se agota muy pronto, y después de que Máximo y Cómodo se encuentren por primera vez en la arena (tras otra batalla confusa, sin fuerza ni violencia) todos sabemos cómo va a terminar y estamos deseando que termine, porque no hay nada más que ofrecer. Máximo se une en una conspiración contra Cómodo mientras vuelve a salir a la arena contra un célebre gladiador, al que vence además de a un tigre… Traicionado y obligado a luchar de nuevo en la arena, y aún herido y moribundo…¡vence al emperador, como no podía ser de otra manera! A fin de cuentas, Máximo es una figura mártir, que se sacrifica por todos nosotros. Pues, ¿no es Roma un espejo pasado del actual imperio de Estados Unidos? ¿Y no hay en esos momentos finales una referencia explícita a la grandeza de los imperios? ¿Alguien se cree que pueden pertenecer al pueblo?

Pero es lo que ocurre cuando un director no comprende absolutamente nada de la historia que quiere contar, y cuando sus pulsiones ultra-conservadoras le empujan a pronunciar un discurso estético y moral nauseabundo. Al menos nos queda el valiente Máximo, su arrojo, su coraje. Su nobleza. Es un pesonaje demasiado perfecto, estamos de acuerdo, pero resulta catártico observar su furia asesina contra un mundo cruel, que castiga a los buenos y premia a los malvados.

Lo primero que pensé al leer esta información, y supongo que a muchos os pasará lo mismo, es, ¿quién demonios es Bill Hicks para que Russell Crowe quiera interpretarle? Bueno, Internet no es sólo la vía más rápida de conseguir porno sino que también ofrece la solución para preguntas como ésa. A grandes rasgos, deciros que Hicks fue un cómico norteamericano, de gran éxito, convertido en figura de culto, que falleció en 1994, a la tempranísima edad de 32 años, por un cáncer de pancreas.

En cuanto al proyecto de película, Crowe ha declarado que tiene intención de ponerse en la piel de Hicks en un biopic cuyo guión se está desarrollando ahora mismo, por parte del escritor Mark Staufer. No hay fecha de rodaje aún, por tanto, ni director, ni nada más. Esperaremos más noticias, si sale algo del estilo de ‘Man on the Moon’ no estaría nada mal.

Mientras tanto, ojito al vídeo que os dejo abajo, una muestra del talento de Bill Hicks. Yo me he partido de risa (creo que los fumadores os vais a descojonar vivos, cuidado) y no he podido evitar ponerme a ver más vídeos. Ya me contaréis. No me veo al protagonista de ‘Gladiator’ ahí, pero bueno… Crowe parece un actor capaz de todo, habrá que verlo.

Vía | Las Horas Perdidas

• 11. ‘Gladiator’ (2000)

• 10. ‘Braveheart’ (1995)

• 9. ‘El patriota’ (‘The Patriot’) (1998)

• 8. ‘Cold Mountain’ (2003)

• 7. ‘María Antonieta’ (2006)

• 6. ‘Amadeus’ (1984)

• 5. ‘300’ (2007)

• 4. ‘Apocalypto’ (2006)

• 3. ‘Shakespeare in Love’ (1998)

• 2. ‘Tigre y dragón’ (2003)

• 1. ‘2001: una odisea del espacio’ (1968)

11. ‘Gladiator’ (2000)

Inexactitudes: Cómodo (Joaquín Phoenix) en realidad era muy apreciado por el Senado y gobernó durante 13 años con éxito en lugar de los pocos infructuosos meses que presenta la película. El Emperador no murió en la arena, sino en el baño a manos de un luchador llamado Narciso.

Por qué de otra forma no habría molado: Nadie quiere ver a Russel Crowe tardar trece años en matar a un emperador, que encima era buen tío, para que además al final llegue antes un luchador y se lo cargue él. Los malos nos gustan como los libros del Génesis [sic.]: con relaciones incestuosas implícitas. Además, ya que cualquier batallón romano que rompiese filas mientras lucha contra los bárbaros habría sido destrozado sin piedad, la película habría durado quince minutos.

10. ‘Braveheart’ (1995)

Inexactitudes: William Wallace era un caballero de una familia noble y a su padre, Malcolm, no lo mataron los ingleses, sino que luchó del lado de Inglaterra a cambio de un favor político. En lugar de kilts, Wallace y sus hombres llevaban camisas saffron.

Por qué sería una mierda sin estas inexactitudes: Tenemos que imaginarnos que si Mel Gibson tuviese que interpretar un papel con más facetas que el justo y ecuánime guerrero-rey-redentor [no es mi opinión, sino la de Cracked] se le derretiría la cara ante tal reto y se revelaría el circuito que hay debajo. Y por muy divertido que sea eso, no lo es tanto como la película tal como se hizo o lo que nos hemos desahogado gritando “¡Podrán arrebatarnos nuestras cosas… pero no podrán arrebatarnos nuestra LIBERTAD!” cuando nos quitan el cortauñas al pasar la policía en los aeropuertos.

9. ‘El patriota’ (1998)

Inexactitudes: El personaje de Gibson, al que llaman Benjamin Martin, está basado en alguien que existió: Francis “Zorro de los pantanos” Marion. Este hombre nunca mató él solo a un pelotón del ejército británico. Lo que sí hizo fue cargarse a docenas de indios Cherokee desarmados y violar a sus esclavas.

Por qué daría asco sin el error: Está bien claro. No estamos muy seguros de que alguien quiera ver una peli en la que los malos queman iglesias llenas de prisioneros inocentes y el bueno abusa sexualmente de esclavas y caza indios por deporte. No sabríamos ya con quién ir, salvo quizá con los franceses… ¿y quién quiere eso? [De nuevo, sic., no son opiniones mías, sólo traducciones de lo que dicen ellos].

8. ‘Cold Mountain’ (2003)

Inexactitudes: Mientras Jude Law sólo abandona su unidad tras una desastrosa batalla, el verdadero W.P. Inman fue arrestado dos veces por “deserción cobarde de su puesto”. También, ya que Inman comienza su viaje en un hospital en Raleigh, Carolina del Norte, que está a unos 400 kilómetros al este de la Cold Mountain, sorprende que consiga llegar al Océano Atlántico, que le queda unos 650 kms. a desmano, antes de llegar a casa.

Por qué de otra forma no habría molado: A pesar de todo lo dicho, el error histórico que más salva ‘Cold Mountain’ es que las mujeres de 1800 muy rara vez, si no nunca, se afeitaban las piernas. Toma todas las escenas románticas entre Ada e Inman y añádele el rasposo sonido de una cosecha de seis meses de pelo pernil y entenderás de qué estamos hablando.

7. ‘María Antonieta’ (2006)

En los otros casos no he traducido el apartado que describe la película, pero en éste me perdonaréis porque es buenísimo.

La peli: Kirsten Dunst se toma un descanso de ser quejica y egocéntrica en el Manhattan de hoy en día para ser quejica y egocéntrica en la Francia del siglo XVIII.

Inexactitudes: Uno de los conflictos de la película se centra en la dificultad de María y Luis (Jason Schwartzman) para tener un heredero. En la película, Luis tiene miedo del sexo. En la vida real, Luis tenía fimosis, una enfermedad por la que el prepucio del pene no se retracta. Esto se solucionó más tarde por medio de una operación y la pareja procreó.

Por qué de otra forma no habría molado [si es que moló así]: Lo único que tenemos menos ganas de ver que a Jason Schwartzman y a Kirsten Dunst discutiendo sobre la piel sobrante del pene es metraje de la operación en la que esta piel es retirada con todos los avances tecnológicos de la medicina del siglo XVIII.

6. ‘Amadeus’ (1984)

Inexactitudes: Sí, seguro que Mozart era un hombre que disfrutaba un chiste ocasional sobre la diarrea, pero bajo ningún concepto era el malpensado, risueño y simplón que se muestra en la película. Además, la mayoría de los historiadores está de acuerdo en que su relación con Salieri era de “rivalidad amistosa, marcada por mutos respeto y admiración”. Y aunque la película apunta que Salieri pueda haber matado a Mozart envenenándolo, la verdad es que probablemente Mozart se mató bebiendo.

Por qué de otra forma no habría molado: Una película sobre Mozart manteniendo una rivalidad amistosa con alguien a quien respeta y admira y luego bebiendo hasta morir, habría sido tan entretenida como muchas películas españolas. (Esta bien, esta última parte sí que es aportación mía, aunque todo lo demás sólo es traducción).

5. ‘300’ (2007)

Inexactitudes: Dejando a un lado el uso de misiles mágicos, la ausencia de armaduras o escudos y la aparición de un malo jorobado que se parece a una versión ceceante y de más de dos metros de Dhalsim, de ‘Street Fighter II’; ‘300’ parece glorificar algunos aspectos de la vida espartana –valentía en la lucha, defensa de la democracia, lealtad a la patria, lanzamiento constante de lanzas— mientras pasa de puntillas por otros, como que Esparta era una casta de fascistas dueños de esclavos, gobernados por la Iglesia, que regularmente disfrutaban de la pederastia homosexual.

Por qué de otra forma no habría molado: Simplemente, pregúntale a Oliver Stone o a cualquiera que haya gastado su dinero en ‘Alexander’.

4. ‘Apocalypto’ (2006)

Inexactitudes [Insisto en que se trata de una traducción, no de mi opinión]: Aunque los mayas ocasionalmente sí que hacían algún ritual con sacrificios humanos, eran una cultura mucho más civilizada y compleja que la que aparece en la película. De hecho, el dios del sol maya, Kukulkan, a quien se le ofrece el sacrificio en el film, nunca pidió un sacrificio así, ni se le hizo. Así que, fuese quien fuese el sacerdote que le ofrecía a este dios el corazón humano, probablemente lo estaba asustando un huevo.

Por qué de otra forma no habría molado: Ey, si el pseudo-Mel Gibson va a pasarse media película corriendo y la otra media dando leches, más vale que sea porque le van a sacar el corazón con una cuchara y no porque los viejos van a formar un tribunal dejando su pena en arresto domiciliario y libertad condicional temporal.

3. ‘Shakespeare enamorado’ (‘Shakespeare in love’) (1998)

Inexactitudes: Básicamente, todo, pues Shakespeare es una de las figuras más misteriosas de la Historia de Inglaterra. Los historiadores todavía discuten sobre si era gay, un sobrenombre del conde de Oxfordo o/y de Sir Francis Bacon, o un ciborg del futuro que fue enviado a través del tiempo para fundar la civilización occidental y que, de tal forma, provocó la creación de la hamburguesa McRib.

Por qué de otra forma no habría molado: No hay nada menos cinematográfico que el que alguien pueda ser o pueda no ser gay y que pueda haber o pueda no haber escrito una serie de obras que se le atribuyeron después de su muerte… creemos.

2. ‘Tigre y dragón’ (‘Wo hu cang long’), (2003)

Inexactitudes: Os alegrará aprender que los chinos no vuelan, a pesar de lo que hemos visto en todas las películas de artes marciales hechas en los últimos 15 años. Su chi, aunque es poderoso, aún no les ha proporcionado las habilidades mágicas que tan desesperadamente desean. Estamos agradecidos pues eso es lo único que nos separa de llamarnos los Estados Unidos de Pekín.

Por qué de otra forma no habría molado: ‘Tigre y dragón’ tiene suficientes cosas contadas en lugar de mostradas, diálogos lentos, reflexiones meditativas sobre la vida y lecturas obligatorias tal como está. Si no nos pusieran unos secundarios que vuelan de vez en cuando, probablemente no habríamos aguantado ni los quince primeros minutos.

1. ‘2001: una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey’) (1968)

Inexactitudes: Por si no lo habíais notado, la visión de Arthur C. Clarke del amanecer de un milenio en el que seremos dueños de nuestro sistema solar era un poco optimista. Y, aunque podamos temer la muerte de manos de un maestro computerizado, tienen más posibilidades Google o un bebé robot japonés chungo que nada que pueda pergeñar IBM.

Por qué de otra forma no habría molado: Porque una película con acontecimientos reales de 2001 habría sido sobre la Super Bowl XXXV (festival de tanteos que quedó 34-7), el estreno del remake de ‘El planeta de los simios’ y la ruptura de las Spice Girls. Ah, y sobre la Mir, la pieza de tecnología más avanzada del planeta, que cayó en la Tierra de forma feroz y se estrelló en el mar.

Fuente | Cracked.

El problema al que se enfrentaba el director es que le gustaría que Russell Crowe volviera a ser su protagonista pues, en palabras de Scott, “tiene una presencia tan poderosa y [para quien no haya visto ‘Gladiator’, la primera, lo que viene es un SPOILER], claro, Maximus muere al final”. Para lograr que Crowe vuelva a estar en esta nueva película tendrán que buscarse las vueltas para recuperar al personaje de Máximo Décimo Meridio por el que el australiano obtuvo un Oscar. Lo que todavía no se sabe es si hará lo que se ha dado en llamar “precuela” con una historia anterior a los eventos que ya vimos en el primer filme o si por el contrario retomará los acontecimientos donde se quedaron entonces e inventará una excusa para decir que en realidad no había muerto.

El personaje de Joaquin Phoenix, que quizá era el más interesante de la película, también moría en ella. Si se toman acontecimientos anteriores, Scott también podría recuperarlo (FIN DEL SPOILER).

La película que Scott planeaba en 2003 tenía previsto estar completada para finales de 2005. La idea entonces era centrarse en el hijo de Lucilla, Lucius, y Scott declaraba que estaba cambiando el foco para dejar de lado la acción y centrarse en la política. Por entonces, se decía que Russell Crowe podría tener una corta aparición, probablemente a modo de flashback . En aquel momento había una primera versión de guión escrita por John Logan.

“Es la siguiente generación. La historia de Roma es tan exotica que cualquier momento que tomes es realmente fascinante. La historia es mucho más exótica que cualquier cosa que puedas soñar. La película cogerá el siguiente paso, el hijo de Lucilla, Lucius”, dijo el director. Ocurriría quince años después del momento con el que finaliza el primer film.

Vía | Hollywood, Cinema, BBC, El País

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