Aunque llevaba varios años apartado del cine —‘El hijo de la pantera rosa’ (‘Son of the Pink Panther’, 1993) es el penoso título que cierra una filmografía estupenda en su mayor parte— Blake Edwards dejó un gran vacío en el mundo del séptimo arte. Su nombre estuvo siempre ligado al género de la comedia, en la que dejó títulos inolvidables, alguno de ellos protagonizados por su actor fetiche, Peter Sellers. Pero Edwards también tenía una cara seria, tanto que muchos dudarían que el realizador que se encuentra tras algunas de las comedias más hilarantes de la historia, y del título que hoy nos ocupa, ‘Chantaje contra una mujer’ (‘Experiment in Terror’, 1962) pueda ser el mismo. Una prueba de la versatilidad de un autor que cuando se trataba de hacer reír era el más cachondo del lugar, pero cuando había que ponerse serio, era capaz de meter el miedo en el cuerpo del espectador.

1962 fue un año realmente importante en la carrera de Edwards. El realizador venía da saborear las mieles del éxito con ‘Desayuno con diamantes’ (‘Breakfast at Tiffany´s’, 1961), film que aúna comedia y romanticismo con una elegancia pocas veces vista —curiosamente esta misma semana tenía que soportar en mi humilde hogar como algunos despistados desconocedores de las inquietudes estéticas de Edwards la tachaban de sobrevalorada—, y entró en contacto con la actriz Lee Remick a las que se las hizo pasar canutas en dos ocasiones. La terrorífica ‘Días de vino y rosas’ (‘Days of Wine and Roses’, 1962) —probablemente la mejor película sobre el alcoholismo— y ‘Chantaje contra una mujer’ evidencian lo duro que podía llegar a ser uno de los directores que más risas arrancaron del público.

La premisa de la película nos lleva a una mujer aterrorizada, Kelly Sherwood (Lee Remick) por alguien a quien no conoce pero que lo sabe absolutamente todo de su vida, costumbres, hábitos, familia, trabajo, todo. El chantaje al que hace referencia el título español, absurdo como siempre, se refiere al hecho de que Kelly trabaja en un banco y su nuevo “amigo” la coaccionará para que robe la cantidad de 100.000 dólares. Para ello hará que Kelly sufra toda una experiencia terrorífica —de ahí su perfecto y acertado título original—, acosándola cuando ella menos lo espere. A pesar de las serias advertencias del asesino —él mismo reconoce haber matado a dos personas con anterioridad y lo fácil que resulta—, Kelly logra ponerse en contacto con el FBI y pedir ayuda. Un agente de intachable moral, John Ripley (Glenn Ford) creerá en su historia y pondrá a sus servicios todos los medios disponibles.

Precisamente lo único que creo flojea en el meticuloso trabajo de Edwards es el hecho de que la película parece por momentos una oda al FBI, cuya eficiencia queda plenamente mostrada en el film, al mostrarnos todo un despliegue de medios por parte de la organización para un caso de endeble credibilidad. El espectador sabe en todo momento que Kelly corre peligro, pero los integrantes del FBI no tiene otra cosa que la palabra de una mujer, y hasta bien avanzado el relato no consiguen pruebas concluyentes. Dicho elemento no chirría por falta de credibilidad en la historia, Edwards maneja muy bien el suspense, sino más bien por cargar las tintas en el querer dejar tan bien a la organización que semeja propaganda pura y dura. Afortunadamente ‘Chantaje contra una mujer’ tiene mucho más que ofrecer.

Para empezar Edwards parece entender a la perfección una de las máximas de Cecil B. DeMille, que decía que una película tenía que empezar con un terremoto y de ahí hacia arriba. El inicio del presente film es una lección de cómo enganchar al espectador realizando un juego de lo más arriesgado. Sin conocer a los personajes, aún no ha habido tiempo de presentarlos, y dando sólo la justa información sobre lo que está pasando —una mujer en el garaje de su casa es atacada por un hombre al que no le vemos la cara totalmente—, el director crea una tensión máxima. El uso de la planificación, y sobre todo del sonido —la respiración asmática del individuo se convertirá desde ese instante en señal inequívoca de que algo malo sucederá— son vitales en la secuencia. Edwards acerca la cámara a los rostros de los personajes, primeros planos con un carácter sexual muy marcado. Una violación en toda regla. La intimidad de Kelly ha sido asaltada y vulnerada.

Desde ese momento, realmente terrorífico, ‘Chantaje contra una mujer’ mantiene el mismo nivel de intensidad, y poco a poco va mostrando su cartas. Edwards se adentra de lleno en el universo del cine negro, esquivando con inteligencia algunas de las características del género. Por ejemplo la relación entre Kelly y Ripley —sensacionales Lee Remick y Glenn Ford, éste en un papel lleno de matices— es de un profundo respeto y casi admiración, pero jamás llega a relación amorosa, algo que hubiera sido muy posible y lógico. Además, el director dota de cierto realismo todo el conjunto, en la línea de lo que hicieron Henry Hathaway o Jules Dassin en los años 40 en cintas como ‘La casa de la calle 92’ (‘The House on 92nd Street’, 1945) o ‘La ciudad desnuda’ (‘The Naked City’, 1948). Con ésta última guarda cierto parecido argumental, pues toda la parte final es una enorme persecución, llena de ritmo y suspense que finaliza con un impresionante travelling, años más tarde rescatado por Don Siegel para su imprescindible ‘Harry el sucio’ (‘Dirty Harry’, 1971) aunque con intenciones bien diferentes.

Dejando a un lado el subrayado sobre la eficacia del FBI, a los que ponen como poco menos que ángeles de la guardia del ciudadano americano, ‘Chantaje contra una mujer’ es una espléndida muestra del hacer de un realizador que podía hacer mucho más de lo que realmente vimos en sus films más populares. Un thriller que se sumerge por instantes en el mismo centro del terror, creando momentos antológicos, como el asesinato en el estudio de maniquíes, o la impactante secuencia en la que el asesino —excelente, por muy creíblemente amenazador, Ross Martin— se aparece ante Kelly en un lavabo público vestido de mujer. Influencia de cierto film de Hitchcock que se acababa de estrenar hacía relativamente poco. Como apunte final, atención a las coincidencias entre el film de Edwards y ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of the Lambs’, Jonathan Demme, 1990), o la influencia que tuvo en un cineasta como David Lynch, en concreto para su serie de televisión ‘Twin Peaks’ y su insoportable ‘Corazón salvaje’ (‘Wild at Heart’, 1990).

• ‘Pelham, uno, dos, tres’

Aprovechando el estreno de la nueva versión, Fox va a lanzar una edición especial de ‘Pelham, uno, dos, tres’, dirigida por Joseph Sargent en 1974, un estupendo thriller que deja en ridículo a lo nuevo de Tony Scott, titulada aquí como ‘Asalto al tren Pelham 123’.

La película se pone a la venta el próximo día 19, y por el momento apenas hay información sobre los extras que incorporará, sólo se sabe que trae dos discos, así que por lo menos ya podemos dar por hecho que no se limitará a las típicas fichas y tráileres de películas que no nos interesan, justo antes del menú (y a veces sin la posibilidad de pasarlos, como el estúpido anuncio del pirateo de ideas). Una compra obligada, aunque sólo sea por recordar el fantástico duelo entre Walter Matthau y Robert Shaw.

• ‘30 Segundos sobre Tokio’

Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de pilotos norteamericanos ataca por vez primera Japón, después de que los japoneses bombardearan Pearl Harbor. Es el punto de partida de una película escrita por Dalton Trumbo, dirigida por Mervyn LeRoy y protagonizada por Van Johnson, Robert Mitchum, Don DeFore, Tim Murdock y Robert Walker.

• ‘Destino Tokio’

No salimos de la segunda gran guerra ni de la capital japonesa. En esta ocasión la historia se centra en un submarino, el Copperfin, que recibe órdenes de zarpar con destino a Tokio para conseguir información de vital importancia (hombre, no va a ser para comprar tallarines) y preparar el ataque de Estados Unidos. El submarino cumple con su misión, pero cuando llega la flota norteamericana a la bahía de Tokio, el capitán Cassidy, al frente del Copperfin, queda atrapado al ser descubierto por un portaaviones japonés. Dirige Delmer Daves y Cary Grant encabeza el reparto.

• ‘Fuego en la nieve’

Y seguimos en el mismo periodo histórico. Diciembre de 1944: Los miembros de una compañía de la 101ª división aerotransportada se disponen a disfrutar de sus permisos navideños en la ciudad de París, sin embargo, sus expectativas se ven frustradas cuando la división es enviada urgentemente hacia Bastogne, con la misión de taponar una brecha abierta por una fuerte contraofensiva alemana. De nuevo encontramos a Van Johnson encabezando el reparto de una película que fue dirigida por William A. Wellman.

• ‘Invasión en Birmania’

Más cine bélico y de la misma etapa. En la II Guerra Mundial, el general Frank D. Merrill, al mando de la brigada de infantería 5307 compuesta por tres mil soldados voluntarios, tiene la misión de impedir el avance de las tropas japonesas en Birmania, que con un millón de soldados están a la espera de enlazar en Oriente con las tropas alemanas. La 5307 es la primera en infiltrarse tras las líneas japonesas en plena jungla, que se convertirá en otro enemigo más para los soldados. Tras las cámaras, Samuel Fuller, delante de ellas, Jeff Chandler, Ty Hardin y Andrew Duggan, entre otros.

• ‘La colina’

¿Más II Guerra Mundial? Pues sí, otra más, a estas alturas ya es complicado encontrar un capítulo de este conflicto bélico que no haya sido retratado por el cine. Cualquier día nos anuncian que Disney está preparando una película basada en hechos reales centrada en Tailandia en 1942, cuando se produjo una revuelta de decenas monos por culpa de una caja de plátanos de Canarias, lo que pudo provocar un verdadero lío diplomático. En fin… ‘La colina’ tiene el gran atractivo de estar dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Sean Connery. La trama se centra en un grupo de prisioneros ingleses que se encuentran encarcelados en un campo militar del norte de África, donde se ven obligados a sufrir las vejaciones a las que les somete un cruel y sádico sargento, hasta que deciden rebelarse.

• ‘Los cuatro jinetes del apocalipsis’

Debido a sus diferencias políticas, dos familias emparentadas, los Desnoyers y los Von Hartrott, se enfrentan. Tras la muerte del patriarca, Julio Madariaga, los Hartrott se marchan a Alemania, y los Desnoyers a Francia. Ambas familias terminan combatiendo en bandos opuestos. Famosa película dirigida por Vincente Minnelli y protagonizada por Glenn Ford, Charles Boyer y Lee J. Cobb. Como sabéis, es un remake del film homónimo protagonizado por Rodolfo Valentino en 1921.

• ‘Siete días de mayo’

Los Estados Unidos, bajo el mandato presidencial de Lyman, acaban de firmar con la Unión Soviética un tratado de reducción de armamentos. Esta medida pacifista no es acogida con absoluta unanimidad; el pueblo se rebela, y algunos sectores políticos y dirigentes son partidarios de anular el tratado y aumentar el armamento hasta conseguir imponer la voluntad americana a todo el orbe. A los mandos, John Frankenheimer, que contó con un reparto estelar encabezado por Burt Lancaster, Kirk Douglas, Ava Gardner y Fredric March.

Vía | ZonaDVD

Delmer Daves fue un especialista en western, género en el que nos ha dejado un buen puñado de películas inolvidables, como la que nos ocupa o ‘El árbol del ahorcado’, ‘Jubal’, Flecha rota’ y ‘La ley del talión’. Y aunque su nombre también figura en uno de los títulos clave del cine negro, ‘La senda tenebrosa’, o del cine bélico, ‘Destino Tokyo’, fue en el western donde Daves desarrolló y desplegó todo su talento, llevando al género a terrenos insólitos, aquellos que empezaron a plantearse con ‘El pistolero’, considerado el primer western psicológico.

‘El tren de las 3:10’ parte de un relato corto de Elmore Leonard, de cuya pluma se han adaptado historias de la más diversa índole convertidas en películas con un mayor o menor interés: ‘Joe Kidd’, ‘Un hombre’, ‘Jackie Brown’ o ‘Our of Sight’, por poner algunos ejemplos. Un relato que sirve a su guionista, Halsted Welles, y a su director, para plantear algo semejante a lo que Fred Zinnemann realizó cinco años antes en la magistral ‘Solo ante el peligro’.

‘El tren de las 3:10’ narra la historia de Ben Wade, un famoso bandido que después de atracar una diligencia con su hombres, decide pararse en un pueblo, en el que es apresado para llevarle a la justicia. Como los hombres de Wade no van a dejar que lleven a su jefe a su prisión, se pondrá en marcha todo un plan para que no intenten rescatarlo. El sheriff reúne a varios hombres para que custodien a Wade. Entre ellos está Dan Evans, un granjero casado y con dos hijos, casi en la ruina por las malas cosechas, y que acepta el trabajo por la sustanciosa cantidad de dinero, con la que podrá arreglar su vida.

Van Heflin y Glenn Ford, en un papel atípico, representan a dos antagonistas con más cosas en común de lo que parece. Dos antagonistas unidos por las circunstancias y por intereses distintos, que poco a poco van conociéndose hasta entenderse. Daves es realmente sutil para describirlos a los dos. Wade es implacable, no se detiene ante nada (si uno de sus hombres es impedimento para continuar, simplemente se deshace de él), es un hombre peligroso, pero también sabe escuchar y observar, capacidades éstas que le permiten conocer a su vigilante: Evans. Heflin da vida a un hombre al que lo único que le preocupa y le mueve es salir de la miseria en la que se encuentra él y su familia. Un hombre recto y responsable, que piensa siempre en hacer lo correcto, y custodiar al hombre más peligroso que se encontrará nunca es lo único que puede hacer para lograr sus sueños. Dos actores compenetrados a la perfección, que apoyan un crescendo dramático (la espera del tren) que tiene su punto más alto en la larga secuencia en la habitación de un hotel, donde la planificación y los diálogos constituyen una poderosa set piece, llena de suspense y tensión.

‘El tren de las 3:10’ es un claro ejemplo de síntesis de guión. Daves no necesita exponer demasiado para narrar y contar. La sugerente historia de amor pasajera entre Wade y la camarera de un bar es buena muestra de ello, un bloque casi mágico que parece separado del resto del film, una especie de entreacto en el que la utilización de la música y una perfecta ejecución de las elipsis, le confieren un arrebatador lirismo, gracias al cual no queremos que la historia avance. Momento irrepetible que da lugar a otros de distinta índole, siempre adornados por la melancólica música de George Dunning, ésa que se mete en nuestros oídos nada más comenzar el film, con una canción interpretada por Frankie Lane, y que viste la historia de cierto carácter poético, irreal y elevado.

Delmer Daves se encontraba en su mejor época, la década de los 50, en la que realizó nueve westerns, siendo ‘El tren de las 3:10’ uno de los mejores (si un servidor tiene que elegir, lo elige junto a ‘Jubal’, también con Glenn Ford, y ‘El árbol del ahorcado’). Con su depurado estilo nos ofreció una de esas joyas inusuales que desprenden puro cine por cada uno de sus fotogramas. Imposible olvidar ese travelling final desde el tren, en el que una esperada y repentina lluvia lava todas las dudas de los personajes, y coincide con el trabajo perfectamente acabado. Una metáfora puesta en imágenes por el buen hacer de un maestro, que lamentablemente terminó su carrera con una serie de dramas románticos, nada menos que siete, que obtuvieron un explosivo éxito en los 60, pero cuya calidad (y esto no quiere decir que fueran malas películas) distaba mucho de las de la década anterior. Daves realizó esos films para salvar al productor Jack Warner de la bancarrota, y aunque alguno tiene cierto interés (‘Parrish’ o ‘Fiebre en la sangre’) le proporcionaron a Daves una fama alejada de la que obtuvo por sus meritorios resultados en películas como la que nos ocupa.

Daves fue un genio, uno de esos no tan conocidos como lo fueron otros cuyos nombres no necesito citar. James Mangold lo sabe muy bien, y en su reciente remake lo demuestra con creces, una puesta al día no sólo de ‘El tren de las 3:10’, pero de eso hablaremos en otra ocasión. Si os interesa ver esta rotunda obra maestra, la tenéis editada en dvd por Sony, en una de las mejores ediciones de dvd que servidor haya visto, sobre todo por la calidad de la imagen y el respeto del formato como Dios manda.

Uno de esos realizadores es Joseph H. Lewis, cuyo film más conocido es, sin duda alguna, esa obra maestra titulada ‘El Demonio de las Armas’. Esa película parecía una de esas rarezas que sólo se dan una vez en la vida, pero escarbando en la más que desconocida filmografía de Lewis, uno se da cuenta de que a este tío no le sonó la flauta con el film mencionado. Un año antes realizó ‘Relato Criminal’ (‘The Undercover Man’, 1949), un thriller maravilloso centrado en una investigación para apresar a uno de los criminales más buscados de Estados Unidos, historia claramente inspirada en Al Capone.

‘Relato Criminal’ cuenta como un agente federal intenta apresar al criminal más buscado por las autoridades. Un gangster al que algunos ciudadanos miran como un auténtico héroe. Protegido por uno de los mejores abogados de la ciudad, siempre logra evadir a la justicia, gracias a las argucias legales más rebuscadas jamás imaginadas. La única forma de meterlo entre rejas es conseguir su libro de cuentas (el verdadero, evidentemente) y condenarlo por evasión de impuestos. Frank Warren, nuestro protagonista, no lo tendrá fácil para conseguir las pruebas que desea, y pondrá en peligro no sólo su vida, sino la de su mujer. Pronto empezará a cuestionarse si tanto esfuerzo merece o no la pena.

El enfoque que Lewis la da a la historia es inmejorable. La película trata de darnos a conocer a esos héroes anónimos que meten entre rejas a delincuentes ultraconocidos. Para ello opta por un enfoque a mi juicio, muy acertado. Mientras que que somos testigos en todo momento de lo que hace el agente federal, la cara del delincuente en cuestión nunca nos es desvelada, viéndole únicamente, y de lejos, al inicio y al final de la película. Evidentemente, en clave de ficción ésta versa sobre el tipo de investigaciones que jamás son puestas en conocimiento de los ciudadanos, los cuales únicamente se enteran de que a tal o cual tipo lo meten en la cárcel. SPOILER. Atención a esa escena final, en la que el protagonista al lado de su mujer y en medio de un montón de gente es testigo de cómo el criminal es conducido por las autoridades para ser encarcelado, en medio de una gran conmoción. Un policía aparta a nuestro protagonista y le dice: “apártese, esto no tiene nada que ver con usted”, sin saber que gracias a él, el gangster va camino de la cárcel de por vida. FIN SPOILER. En todo momento, ese anonimato se palpa en el film (el personaje central jamás hace gala de ser alguien importante), como también se palpa la amenaza latente de alguien a quien nunca fueron capaces de atrapar.

Joseph H. Lewis es el cerebro en la sombra, permaneciendo también en un segundo plano, con su nada grandilocuente realización, pero haciendo gala de una pericia inaudita que ya quisieran otros. Con un dominio perfecto del ritmo, adornado en algunos momentos de movimientos de cámara arriesgados y atrevidos para la época, Lewis nos introduce de lleno en la más que interesante trama de la película. Una trama que se vuelve oscura y violenta según va avanzando. Incluso se permite el lujo de cambiar un poco de tono, sin que esto dañe lo más mínimo al film. Me refiero al momento en el que el personaje central está perdido porque se cree vencido por el sistema, al no poder hacer nada contra las amenazas que ha recibido por continuar con sus actividades. Instante ese en el que Lewis nos habla de que nunca hay que tirar la toalla si creemos que hacemos lo correcto.

La película tiene un trabajo actoral de primera fila, encabezado por un muy inspirado Glenn Ford, quien está muy metido en la piel de su personaje, transmitiendo a la perfección la entereza, al mismo tiempo, las dudas internas, del mismo. A su lado, Nina Foch, que ya había trabajo con Lewis anteriormente, puede que no esté a la altura de Ford, dado que su personaje no es tan llamativo, quedando como la típica comparsa femenina. El desfile de secundarios es plato exquisito para los aficionados: James Whitmore y Barry Kelley entre ellos, realizando carismáticas composiciones.

Una película absolutamente magistral, que merece estar entre las grandes del cine negro al lado de films mucho más conocidos. ‘Relato Criminal’ no está editada en dvd. Ya sería pedir demasiado, pero si echáis mano de ese animal de carga tan trabajador, podréis disfrutar, en caso de que os interese, de CINE de verdad.

Actualización: la película sí está editada en dvd en nuestro país (curiosamente en los USA no) por la casa Sony desde el pasado mes de Noviembre.

Hace poco os hablaba de ‘La Bestia Humana’, adaptación del gran Jean Renoir de una novela de Émile Zola. Por segunda vez en su carrera, Fritz Lang realiza una segunda versión de un film firmado por el maestro francés, la primera fue ‘Perversidad’, revisitación de ‘La Golfa’. A pesar de que los dos films se parecen muchísimo, Lang se aparta totalmente del anterior, llevando la historia a su terreno, logrando una película típica de su director donde su particular universo hace acto de presencia de la mejor de las formas.

Un hombre que regresa de la Guerra de Corea a su puesto de trabajo en una empresa de ferrocarriles, se enamora de la mujer de su jefe, la cual oculta un terrible secreto junto con su marido, Obsesionado con ella, se dejará convencer por la misma para deshacerse de la parte molesta, el marido, y poder estar con ella sin ningún tipo de preocupación.

Mientras Renoir se centraba más en el personaje principal interpretado por Jean Gabin, Lang se centra en el matrimonio, concentrando en ellos toda la fuerza dramática de la historia, la cual toma una nueva dimensión en manos del genial director. Estamos ante un melodrama de altura, como los que tan bien solía hacer Hollywood, pero también estamos ante una cinta de cine negro, terreno en el que Lang sabía moverse bastante bien. No es casual que Glenn Ford y Gloria Grahame fueran los protagonistas de su anterior film, la imprescindible ‘Los Sobornados’, con la que obtuvo tan buenos resultados que pensaron que repetir no era mala idea. Y por mí que hubieran repetido las veces que hiciera falta, porque los resultados vuelven a ser sensacionales.

Glenn Ford estando bien en su personaje, está como en un plano secundario, decisión evidentemente acertada, ya que Lang prefiere turbarnos con el matrimonio que componen la Grahame y Broderick Crawford, una pareja imposible sobre la que nos faltan datos, pero poco a poco vamos comprendiendo su relación. Ella una mujer en apariencia fría, insensible y despreocupada de la vida, él un marido celoso, impulsivo y lleno de rencor y rabia contenida por no poder dar a su mujer lo que ella de verdad necesita. El director se ceba sobremanera en este personaje, genialmente interpretado por el actor, y que lleva hasta más allá del límite. A su lado, brilla con luz propia y cegadora, una Gloria Grahame sencillamente apasionante, llena de morbo y explotando muy bien su sex appeal. Lang interrelaciona a los tres personajes de forma magistral, logrando un mosaico de sentimientos encontrados verdaderamente incontrolable.

Y es que los deseos a los que hace referencia el título están impecablemente retratados en esta película, donde Lang una vez más realiza un estudio sobre el aspecto más oscuro del ser humano. Tres aspectos de una misma pasión, tres formas de enfocar nuestros deseos y de que éstos no nos controlen. Sentimientos entrelazados como las vías de ferrocarril cuando se llega a una estación en la que multitud de raíles convergen, y el camino a seguir no parece claro. Eso, y mucho más, deja patente Lang en su película.

Una película magistral, poderosa, como casi todos los films de su autor. Hasta hace poco estaba editada en dvd, pero fue descatalogada por la distribuidora. A ver si una día hay suerte y se deciden a sacar una edición mejorada, aunque supongo que para eso tendremos que rezar mucho.

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Volver a ver la película fue como volver a aquel viejo cine, el Coliseo Xesteira de Ourense (ya desaparecido), en el que con unos 8 años viví una de las experiencias cinematográficas que más me marcaron en la infancia. Creo que nos pasó a todos los de nuestra generación. Todos quisimos volar, todos queríamos salvar al mundo y a Lois Lane. Todos queríamos ser el hombre de acero. Por cierto, no sé si es cosa mía, pero aquellas tremendas colas de gente que se formaban en los cines en aquellos años no las he vuelto a ver. Supongo que las cosas se ven distintas cuando eres niño, pero nunca se me borrará de la mente el ansia que la gente tenía por ver la película, y luego dentro de la sala, la emoción contagiosa del público al ver a Superman en acción.

La historia es harto conocida, firmada por cuatro importantes guionistas como Mario Puzo, David Newman, Leslie Newman y Robert Benton, cuenta cómo en el planeta Krypton, a punto de desaparecer, un importante científico, Jor-El, manda a su único hijo a la Tierra para así salvarlo de la catástrofe. Una vez en nuestro planeta es acogido por un ya maduro matrimonio sin hijos. Pronto descubrirá que tiene enormes poderes y sentirá que su misión es salvar y proteger al mundo que le ha acogido. Así pues se convertirá en un superhéroe defensor de los buenos y únicos valores humanos.

Lo que pocos saben, o tal vez no, es que dicho guión fue retocado en gran parte por Richard Donner y por Tom Mankiewicz, los cuales no están acreditados, debido probablemente al enorme cabreo que los productores del film, los Salkind, se pillaron con Donner. Dejando esta polémica a un lado, lo cierto es que el film goza de un extraordinario guión donde todo está perfectamente ensamblado. Cada cosa en su sitio para conseguir el efecto deseado. Y vaya si lo consigue. La película no ha perdido ni un ápice de su fuerza.

Durante su primer ahora asistimos a lo que sucede en el planeta Krypton, y luego somos testigos de la juventud de nuestro héroe en Smallville, hasta el momento en el que el personaje abandona la granja donde se crió. Hasta ese preciso momento yo diría que la película es una absoluta obra maestra. En la segunda mitad se puede apreciar que la cosa baja un poquito de nivel, que si bien no le afecta demasiado, le impide ser un film perfecto. Probablemente y debido a las presiones que había para terminar el rodaje que duró unos 19 meses, se apresuraron un poco a terminarla. Recordemos que ‘Superman’ y gran parte de ‘Superman II’ se rodaron juntas, y algunas ideas argumentales que tenían previsto meterlas en la segunda parte, decidieron introducirlas en el primer título sin desarrolarlas demasiado, como por ejemplo la famosa secuencia de hacer girar la Tierra en sentido contrario, lo cual resulta bastante chocante, y casi parece forzado.

No obstante Donner hace un trabajo ejemplar al dirigir el film, poniendo todo su amor en ello, cosa que se nota. Dota al film de algo que Donner conoce muy, pero que muy bien: ritmo. El film avanza con una fluidez increíble y está lleno de secuencias memorables rodadas con un gusto exquisito. Toda la parte de la granja es enormemente emotiva y el momento en el que dos personajes se despiden es probablmente una de las mejores secuencias jamás filmadas por Donner. Un momento único y maravilloso difícil de olvidar, rodado con gran sensibilidad. Las escenas espectaculares no son para menos y la primera intervención de Superman es impresionante: la famosa secuencia del helicóptero, rodada con igual maestría, combinando por igual suspense y espectacularidad.

Los efectos especiales tienen un encanto que los digitales de hoy día no pueden igualar. En ese aspecto, la película sigue igual de fresca que entonces, cuando todos nos quedamos con la boca abierta al ver cómo un hombre podía volar. Ahora ya nada nos sorpende como lo hizo esta película, y todavía lo sigue haciendo, porque ésa es la magia del cine, o parte de ella.

Otro de sus enormes aciertos fue la elección del actor para el personaje principal. Sin duda dieron en el clavo al elegir a alguien totalmente desconocido para el gran público. Algo que Donner recomendó a Bryan Singer para su película. Y desde luego es algo que funciona a la perfección, porque Christopher Reeve, muho mejor actor de lo muchos creen, está perfecto en su doble rol de Clark Kent/Superman, un pardillo el primero y un superhérore el segundo. No son sólo unas simples gafas las que marcan la diferencia. Es también la pose que el actor toma, sus gestos, sus movimientos, y sobre todo su voz. Lo dicho, perfecto.

En el film salen también otros famosos actores como Marlon Brando, quien conbró una enorme cantidad de dinero por tan sólo 20 minutos, interpretando a Jor-El, el padre de Superman. Gene Hackman como Lex Luthor, haciendo el personaje suyo, a pesar de que los toques de humor de sus esbirros, Ned Beatty y Valerie Perrine, estén un poco desfasados. Glenn Ford, Trevor Howard, Susannah York y Maria Schell también se dejan ver por el film en pequeños papeles, todos muy convincentes.

La elección de Margot Kidder para el papel de Lois Lane puede chocar un poco. La actriz no es demasiado guapa, y sin embargo, echando un vistazo a los extras del dvd, se pueden ver todas las pruebas que se les realizaron a otras actrices para dicho papel. No hay lugar a dudas de que Kidder fue la mejor, aunque eso sí, recomiendo como siempre ver el film en versión original, ya que debido a su reedición se le han añadido nuevas escenas y ha sido redoblado, cagándola todavía más que en el anterior doblaje.

Para mí el defecto más grande de la película, a parte de los mencionados antes, es el hecho de que su final, la resolución está bastante precipitada, y no me refiero a la excelente secuencia en la que se encadenan varias catástrofes, sino a lo siguiente, a la captura de Lex Luthor. Demasiada rapidez, algo que me llamó la atención incluso cuando la vi por primera vez.

Y cómo olvidarme de la estupenda banda sonora compuesta por el gran John Williams, y que porbablemente sea mi favorita de todas cuántas ha compuesto en ese estilo, léase Star Wars, Indiana Jones, etc, etc. Es imposible no tararearla mientras la estás viendo e incluso días después, que coño días, años. Una maravilla que redondea una película muy buena, que en su momento nos hizo soñar, como espero que vuelva a hacerlo Singer. Un clásico, que se conviritó en la adaptación de un cómic por excelencia, mostrando un enorme amor por el personaje al tratarlo con sumo respeto, y al mismo tiempo crendo algo nuevo. Para disfrutar una y otra vez.