Comentaba, no hace demasiado, que el film de Guillaume Canet ‘No se lo digas a nadie’ (‘Ne le dis à personne’, 2006) iba a ser refilmado por los estadounidenses. Más concretamente por Ben Affleck, en su faceta de director, quien partiría de un guion basado en parte en la película y en parte en la novela de la que surge esta: ‘Tell No One’, de Harlan Coben. Chris Terrio, autor que ya escribió ‘Argo‘ para Affleck, es el encargado de la adaptación/remake. ‘No se lo digas a nadie’ obtuvo nueve nominaciones a los César, de las que se llevó cuatro premios: mejor director, mejor actor principal, mejor montaje y mejor banda sonora.

François Cluzet, ahora muy de actualidad por ‘Intocables’, protagoniza, junto con Kristin Scott Thomas, Jean Rochefort, Andrè Dussollier, Nathalie Baye, Marie-Josée Croze y Marina Hands, la historia de un hombre que, ocho años después de haber perdido a su mujer, aún no la olvida. La pareja eran amigos desde niños y Alexandre sigue celebrando los aniversarios con sus suegros. Cuando su cuñada y el resto de sus conocidos le insisten en que permita al pasado ser pasado, aparecen nuevas pruebas sobre la muerte de la mujer y, lo que es más misterioso, en la bandeja de correo del protagonista alguien le ha dejado un vídeo en el que él cree reconocer a su fallecida esposa. Todo es tan turbio con respecto a la muerte de Margot como las aguas en las que se bañaban ella y su compañero cuando fue mutilada y él perdió el conocimiento. Como suele ocurrir en casos similares, el primer sospechoso de la policía es el marido y, aunque no se ha podido demostrar su culpabilidad, muchas incongruencias del caso podrían darle la vuelta sin dificultad para cargarle la autoría del crimen. Desconcertado e ignorante de todo, este viudo comienza una investigación que va involucrándolo cada vez más a fondo, hasta el punto de que le resulte imposible desvincularse. Ya solo le quedan dos opciones: demostrar su inocencia por sí mismo o sufrir un injusto castigo.

El guion, escrito por el propio Canet y por Philippe Lefebvre, despliega la intriga de forma hábil y engancha con las primeras cuestiones. La incógnita es tan poderosa que se antepone al exceso de metraje de la película y a un desarrollo que en ocasiones podría considerarse lento. Las revelaciones finales son satisfactorias y todas las piezas encajan en un engranaje que no parece al inicio tan perfecto como luego irá desvelando ser. Consideraría un defecto que la información se ofrezca en un largo diálogo, en lugar de a lo largo de varias secuencias activas. Pero un giro posterior demostrará la necesidad de esa sobada fórmula en este caso concreto.

Las interpretaciones, entre las que se incluye a algunos monstruos del cine francés, como Rochefort o Dussollier, y a la estrella internacional Scott Thomas, son correctas. Pero si hay algo que se le podría pedir a ‘No se lo digas a nadie’ es que los personajes resultasen más cercanos o contagiasen con mayor fuerza sus sentimientos. La película tiene un componente de amor que quedaría por detrás, pero a pocos pasos, de la cuestión policíaca. Sin embargo, el protagonista, por mucho que haga ver que sigue añorando a su mujer, no despierta adhesión con su sufrimiento, quizá por el carácter huraño que suponemos que ha cultivado durante sus años de soledad.

Canet como director

Guillaume Canet, que también es actor, demuestra, tanto aquí como en ‘Pequeñas mentiras sin importancia’ (‘Les Petits Mouchoirs’, 2010), que tiene una mano ágil para la dirección. Gusta de planos con movimiento –en la fotografía podemos verlo manejando la steady–, que siguen las acciones y a los personajes –la cumbre podría estar en ese meritorio plano secuencia con el que comienza su tercer film, estrenado en España en 2011– y eso imprime fluidez a sus películas. En su segundo largometraje, tras ‘Mon idole’ (2002), la secuencia de acción que merecer ser destacada reproduce una trepidante persecución en la que el protagonista, a pie, arrastra a la policía hasta el otro lado del Boulevard Périphérique, donde los barrios marginales suponen un escenario imposible para los agentes. París y sus diferentes estratos sociales quedan retratados de un plumazo, pero con fidelidad.

Podría reprocharle al autor una inclinación excesiva por cargar las películas de música ya que, además de la banda sonora incidental creada para el film que nos ocupa por Mathieu Chedid, no para mientes a la hora de tirar de talonario y pagarse, en ambas películas, canciones de éxito de fuera de sus fronteras. Otra tónica común que he hallado en las dos cintas es el estrato social de sus protagonistas: puede resultar difícil llegar a empatizar con personajes que dedican su ocio a la equitación y el esquí náutico, pero supongo que ese es el mundo del que proviene Canet. Como exhibición de franqueza, en ‘No se lo digas a nadie’ se coloca a sí mismo en la piel del heredero de un imperio hípico, cuya carrera de jockey fue interrumpida repentinamente, como lo fue la del director.

Conclusión

Canet dirige con elegancia y buen gusto, pero sin demasiado brío o fuerza dramática un excelente guion que probablemente sea bueno gracias al material de partida, la novela de Harlan Coben que aquí se ha traducido con el mismo título que la película: ‘No se lo digas a nadie’. Las sorpresas de la resolución compensan los impasses menos atrayentes y como conjunto, el film se coloca entre los thrillers que merecen la atención de cualquier amante del género.

El cine francés arrastra, desde los movimientos a los que dio origen en los años ’60 y ’70, la fama de una cinematografía comprometida, de arte y ensayo y, para el público muy generalizado, aburrida o difícil. Sin embargo, aunque siguen haciendo alguna película de autor con calado social, lo que nos llega en esta época del país vecino son en su mayoría comedias de aire optimista y casi complaciente o cintas de propósito comercial claro que apelan, sin ningún disimulo, a la emoción del espectador antes que a su sesera. En Francia ya se han dado cuenta de ello y sus estrenos son absolutos éxitos de taquilla, por encima en ocasiones de lo que les llega del otro lado del charco. En el resto de Europa o quizá solo aquí en España, aún parece que no nos desprendemos de esa imagen del cine francés como algo que causa rechazo previo. La fama de cine sesudo puede perjudicar quizá al triunfo económico de sus cintas fuera de sus fronteras, pero también beneficia a su cinematografía al darle a todo lo que producen un barniz de cine bien hecho que no le presupondríamos a películas españolas o de otros países europeos de similar tono cómico.

Estas presuposiciones pueden ser acertadas, ya que los franceses han sabido encontrar una serie no muy numerosas de fórmulas, que siguen al pie de la letra una y otra vez y que siempre parecen funcionar. En estas propuestas se aprecia una profesionalidad, se ve que las películas se han producido bien y de manera seria, y que todo lo escogido tiene razones de estar ahí. Pero al mismo tiempo se ve también la mano personal de los autores que aportan cierta magia que hace que sus obras no parezcan productos prefabricados destinados al estreno televisivo. Para llevarlas a cabo siempre cuentan con estupendos profesionales, ya sean actores a los que se sabe lo que se les puede pedir –Gérard Jugnot sería el claro exponente de ese papel dentro del film del que trato–, ya sean técnicos y artistas.

Entre estas fórmulas de comedia amable, encontramos la del encuentro de amigos o conocidos de edad madura en la que predominan los diálogos y el humor agudo que saca a la luz cuestiones sociales y psicológicas. Algunas de estas propuestas, siempre corales y siempre pobladas de actores de renombre, están basadas en obras de teatro y otras pueden tener la misma apariencia teatral sin provenir de ahí. Encontramos, por otro lado, la clásica comedia romántica en la que se exacerban los sentimientos tratando de evitar caer en la ñoñería. Están las películas de seres extraños o monstruitos de feria que despiertan la total comprensión e identificación del espectador…

‘La guerra de los botones’

Y –no para concluir porque seguro que hay más, pero como fin de esta improvisada lista que no pretende ser exhaustiva– las de niños algo gamberretes, pero de buen corazón, donde entraría la que nos ocupa: ‘La guerra de los botones’. Con títulos como ‘Los niños del coro’ o ‘M. Batignole’ se ha demostrado el tirón de estas propuestas y por ello, Christophe Barratier, que ya tiene experiencia en seguir estas fórmulas con ‘Los chicos del coro’ (2004) y ‘París, París’ (2008), no ha dejado pasar la oportunidad de retomar un clásico para encandilar con igual efectividad a sus espectadores. El título original es ‘La nouvelle guerre des boutons’ (2011) no solo para reconocer que se trata de un remake de la película de 1962 –los créditos confiesan que no es una nueva adaptación de la novela de Louis Pergaud, sino que parte del guion de la de Yves Robert–, sino también para distinguirse de otra ‘La guerre des boutons’ (2011), de Yann Samuell, que también se ha producido y estrenado este año en Francia. Existe, asimismo, una coproducción con Reino Unido de 1994 titulada ‘War of the Buttons’.

‘La guerra de los botones’ transcurre durante la II Guerra Mundial en la Francia ocupada por los alemanes y tiene como protagonistas a dos pandillas de chavalines. No han sido pocas las veces en las que las consabidas películas españolas sobre la Guerra Civil o su posguerra han tomado el punto de vista de niños para narrarnos sus horrores. Con la diferencia de que aquí el tono casi siempre ha sido dramático con una gran carga de intensidad para demostrar, no solo cuán tremenda fue la situación, sino también el mensaje ideológico de quienes realizan la cinta. Nos quejamos habitualmente de que siempre se tocan estos temas, pero quizá sería más sabio reivindicar, en lugar de un cambio de ese escenario histórico, un cambio en el tono. Esta película francesa nos demuestra que tratar una coyuntura semejante con un tono ligero y entrañable no supone una atenuación de la capacidad comunicativa de la película. Por ende, no me importaría ver de nuevo una película sobre niños en los años treinta y cuarenta españoles si la pudiese ver con estos sentimientos que la cinta que nos ocupa ha hecho que broten en mí.

De todas las virtudes de ‘La guerra de los botones’, que he mencionado antes, aunque no hablase de ella en particular, sino de propuestas similares en general –la profesionalidad, los actores perfectos para cada papel, el toque diferenciador…– lo que más admiración me causa supongo que viene de la novela, que no he leído. Me refiero a que se entra en la ficción con cuestiones meramente infantiles y ligeras haciendo creer que se va a ver una obra dirigida a niños y niñas con la que estos podrán pasar un buen rato identificándose con esos catárticos juegos al aire libre que hoy en día cada vez son más difíciles de llevar a cabo. Y más adelante, sin que la narración sufra ningún cambio de tono y sin que parezca que la estructura se resiente al haber introducido los hechos importantes con el metraje avanzado, la película va adentrándose en cuestiones más adultas y graves y termina por convertirse en una traslación del conflicto bélico a un juego de niños. Así, cuando se empiezan a ver las verdaderas fealdades de la guerra y el racismo imperante entonces, ya se está dentro de la película arrastrado por entrañables personajes adultos y menores.

Habría que destacar la interpretación del niño más pequeño Clément Godefroy, que con su descaro e inocencia, pone el alivio cómico en cualquier momento, por peliagudo que sea. Jean Texier, como el adolescente líder de la banda protagonista, tiene un papel complejo que encarna sin dificultad. Ilona Bachelier, como la chica nueva que lo desencadenará todo, resulta igual de convincente, como lo está el resto de los actores infantiles de la película. En el bando adulto, Laetitia Casta y Guillaume Canet logran comenzar con una apariencia inocente para demostrar, en ambos casos, que sus personajes escondían mucho más de lo que se podría sospechar, encajando así con lo que comentaba como mayor virtud de la película en general. Kad Merad y Gérard Jugnot completarían el reparto con propuestas más cómicas, pero igualmente logradas y con la misma capacidad de virar hacia lo importante cuando es necesario.

Conclusión

‘La guerra de los botones’ es lo que aparenta que podría ser: una película confeccionada a la perfección según cierta fórmula de la que no se despega, por lo que no podrá satisfacer a quienes busquen en el cine solo originalidad o sorpresa. Pero, al mismo tiempo, una cinta muy efectiva en todos sus propósitos, entrañable y con actores que transmiten mucho y resultan cercanos. Supone un buen rato garantizado, aunque quizá algo inocuo, pero no por ello insubstancial.

Mi puntuación:

La Academia Europea de Cine o European Film Academy ha convocado la 24ª edición de los European Film Awards, en los que 32 países están representados y 45 films han sido preseleccionados para que, de entre ellos, se elijan los nominados a estos premios del cine europeo 2011. El 5 de noviembre, se darán a conocer, durante el Festival del Cine Europeo de Sevilla, las películas seleccionadas. Las definitivamente premiadas en cada una de las categorías se anunciarán el 3 de diciembre en Berlín. Desde aquí hasta entonces, los 2500 miembros de esta academia votarán por las cintas que consideran que deben estar entre las nominadas.

Cuatro son las producciones españolas que, por el momento, tienen posibilidades de estar entre las que competirán por uno de estos premios europeos. A la sazón, ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar; ‘Pa negre’, de Agustí Villaronga; ‘También la lluvia’, de Iciar Bollain, y ‘Balada triste de trompeta’, de Álex de la Iglesia. No sabría con cuál de ellas me quedaría y tampoco podría reprochar que se hayan dejado alguna que me parezca mejor sin elegir. La catalana me parece un drama excelente, con grandes interpretaciones, pero personalmente no me dice nada en especial. A las otras tres entiendo que se les encuentren defectos o incluso, en el caso de las dos dirigidas por hombres, momentos de pleno despropósito que provoquen el odio o el rechazo total, pero cada una de ellas, tiene, en mi opinión, virtudes que la convierten en un producto único y muy destacable y momentos enormes.

Entre las elegidas del resto de los países, se encuentran ‘El discurso del rey’, de Tom Hooper; ‘Melancolía’, de Lars Von Trier; ‘En un mundo mejor’, de Susanne Bier; ‘Le Havre’, de Aki Kaurismäki; ‘Pequeñas mentiras sin importancia’, de Guillaume Canet; ‘Habemus Papam’, de Nanni Moretti; ‘Neds’, de Peter Mullan, ‘Drei’, de Tom Tykwer; ‘Cirkus Columbia’, de Danis Tanovic, o ‘Essential Killing’, de Kerzy Skolimowski.

Además de los nominados a los premios oficiales, se han dado a conocer los seleccionados al galardón del público, entre los que se encuentran ‘También la lluvia’, de Bollain, y ‘Unknown’ de Jaume Collet-Serra.

El año pasado, ‘El escritor’ (‘The Ghost Writer’), de Roman Polanski, se llevó seis de los premios, compitiendo con, entre otras películas, la maravillosa ‘El secreto de sus ojos’, de Juan José Campanella o ‘Celda 211’, de Daniel Monzón que, extrañamente, solo participó en la categoría de mejor actor con Luis Tosar. Entre las nominadas españolas solo estuvieron estas dos, además de un cortometraje y de ‘Planet 51’, que compitió en la sección de Mejor Film de animación, en la que ganó ‘El ilusionista’, de Sylvain Chomet, que se va a estrenar en nuestras pantallas a primeros de octubre.

La Academia del Cine Europeo se fundó en los años ochenta por quien continúa como su director, Wim Wenders (en la fotografía anterior), y otros cineastas europeos, como alternativa a los Oscar de Hollywood. En anteriores ediciones y siguiendo una tradición rotatorio, la gala viajó a Barcelona, París, Roma, Varsovia, Londres, Bochum y Tallin.

Vía | Página oficial de la European Film Academy, donde se puede ver la lista completa de las preseleccionadas.

Este fin de semana se ha estrenado, con dos años de retraso con respecto a su país de origen, pero en un número bastante considerable de salas; ‘El caso Farewell’ (‘L’affaire Farewell’, 2009), la adaptación escrita y dirigida por Christian Carion del libro ‘Bonjour Farewell’, de Serguei Kostine. La novela reproduce el caso real de espionaje que acabó con la guerra fría a principios de los años ochenta del siglo pasado. Un agente de la KGB, interpretado por el director Emir Kusturica, decide que su sistema necesita un cambio y trata de provocar la caída desde dentro pasándole información a un francés que trabaja en la Thompson de Moscú, a quien da vida el también director y actor Guillaume Canet.

Antes que en las implicaciones globales de la decisión de Grigoriev –a quien la DST dio como nombre en clave Farewell (“adiós” en inglés), para que las sospechas recayesen e la CIA–, la película se centra en la tragedia humana y el riesgo personal que provocaron los hechos para estos dos hombres y sus familias. Uno despreocupado por seguir ningún protocolo de espionaje para cubrir sus espaldas y el otro inexperto, el coronel ruso y el ingeniero francés no supieron protegerse de las consecuencias de sus actos. ‘El caso Farewell’, por lo tanto, se aprecia más como un drama en el que los conflictos matrimoniales de confianza, fidelidad y miedo o los paterno-filiales de admiración y respeto están mejor representados que en un gran número de cintas que se dedican a estas cuestiones con exclusividad. Los intérpretes, magníficos en cada uno de sus papeles, destilan su sufrir más allá de la pantalla.

En su narración de lo político, ‘El caso Farewell’ es tan sobrio que resulta parco. La progresión histórica se despliega sin más, como quien resume o extrae fragmentos del libro o de un supuesto informe Farewell. La representación de los líderes políticos –Fred Ward como un Ronald Reagan obsesionado con ‘El hombre que mató a Liberty Valance’, entre otros– se ve caricaturesca, rígida y falsa. Willem Dafoe como director del FBI o Diane Kruger en un cameo como espía, completan un reparto más insólito que portentoso.

Se contrarresta esta austeridad de Carion [‘La chica de París’ o ‘Feliz Navidad (Joyeux Noël)’] con curiosas estampas paisajísticas y escenas gratuitas a ritmo de Queen –en la banda sonora, también Pink Floyd o Simple Minds, además de Léo Ferré– que, lejos de estar de más, le aportan al film el toque personal y diferenciador que necesita para alejarse del estigma de recreación televisiva. La ambientación de época, con un Moscú semidesértico y esa tensión que imprimía la conciencia de que los agentes del bloque podrían estar vigilantes o surgir de cualquier rincón para efectuar una detención, se confeccionan con acierto.

Podría criticar que el “punto de no retorno” del personaje de Pierre Froment no está bien planteado, ya que no se produce el momento en el que, inconscientemente, se va sumergiendo en un peligro mientras el riesgo le resulta desconocido para darse cuenta de lo que está en juego demasiado tarde, cuando ya no puede dar marcha atrás. Aunque él quiera aparentar lo contrario ante su mujer, ante Grigoriev e incluso ante sí mismo, la película demuestra, sin decirlo abiertamente en ningún momento, que el padre de familia está tomando esta decisión consciente y voluntariamente. Se ha convencido de la pretensión utópica del ruso, pues le han embaucado la ilusión y el carisma de este hombre, como probablemente embaucarán a cualquier espectador. Así, un personaje que podría parecer demasiado pasivo o víctima es, en realidad, un participante activo cuya reticencia no es más que una pose.

Espías como nosotros

Existe toda una escuela de grandes películas de espionaje que son pausadas, dan predominancia al diálogo y cargan de densidad de información sus minutos. ‘El caso Farewell’ no está claramente ahí, pero se acerca más a esta vertiente que a las cintas de acción de la Guerra Fría. Es un film de espías tranquilos, que no corren, pelean ni son perseguidos. Son espías que sufren por mentir a sus esposas, que buscan abandonar la misión porque no se trata de su oficio, que no tienen la astucia para improvisar engaños ni el entrenamiento para representar papeles o imitar acentos –en una de las frases se hace, de hecho, mención sarcástica a James Bond–. Son lo que podríamos imaginar que fue un espía en el mundo real y no en ese mundo ficticio que el cine nos ofrece para nuestro deleite y entretenimiento. En definitiva, son espías humanos, con los mismos problemas que tendría cualquier otra persona de su edad y en su situación.

‘El caso Farewell’ no es una película perfecta ni cuenta con ningún aspecto concreto llevado a cabo de manera grandiosa. Pero tiene la virtud de sostener la curiosidad durante sus casi dos horas de duración. Con algún momento especialmente logrado y unas interpretaciones sentidas y auténticas, funciona como drama y como recuerdo de una época que parece más pasada de lo que es.

Mi puntuación:

Tras su paso por los festivales de Toronto, Roma y Tribeca, se ha estrenado esta semana ‘Sólo una noche (Last Night)’ (‘Last Night’, 2010), de Massy Tadjedin, que plantea cómo una decisión tomada en un instante puede tener consecuencias para toda la vida. Keira Knightley y Sam Worthington interpretan a un matrimonio que discute y es asaltado por los celos, pero que se aferra a su relación. Una noche, él debe viajar por trabajo y la esposa permanece sola en la ciudad. Da la casualidad de que justo entonces, reaparece un ex, Guillaume Canet, que aún siente algo por ella. Mientras tanto, Eva Mendes, una compañera de trabajo de él desplegará todas sus artes de seducción.

La idea que quiere transmitir la película es la de que puedes estar felizmente casado y plantearse cometer una infidelidad. Es decir, que trata de apelar a cualquier tipo de persona emparejada, no solo a aquellas que tienen problemas en su relación o que ya han perdido el interés por el otro, en cuyo caso, caer en el adulterio no supondría ni una sorpresa ni un conflicto moral. La idea que se introduce para demostrar esto es la de la tentación. Se buscan dos situaciones que resultarían muy tentadoras: para ella está la del antiguo amor, aún no del todo olvidado. Para él hay algo más terrenal y consabido: la tentación de la carne en forma de una mujer extremadamente sensual. Esta manera de introducir la posibilidad de la infidelidad, sin recurrir a justificaciones como el excesivo retrato negativo de uno de los cónyuges o el drama recargado, es lo más novedoso de ‘Solo una noche (Last Night)’.

La directora debutante Massy Tadjedin, guionista de ‘The Jacket’, hace un gran trabajo de dirección de actores, gracias a lo cual el film se puede apreciar como un despliegue de buenas interpretaciones en diferentes registros. Keira Knightley, Sam Worthington, Guillaume Canet y Eva Mendes lo dan todo para esta noche de dudas y impulsos. Además, Tadjedin consigue que ‘Sólo una noche (Last Night)’ tenga un aspecto elegante y aparente, gracias a la oscura fotografía, a la elección de las localizaciones o decorados y a sus decisiones de realización. Es decir, la cineasta demuestra un pulcro gusto estético a la hora de poner en imágenes estos diálogos.

Teatro filmado

Esta cuidada dirección no palia la carga teatral que tiene la película, ya que la unidad de espacio y de tiempo —transcurre en una noche, salvo por algunas escenas del inicio y hay poco cambio de lugar—, sumada a la importancia que tienen los diálogos nos hace sentir que presenciamos una obra en lugar de un film. No tengo nada contra el teatro, cuando se trata de teatro, pero personalmente, el cine me gusta que sea más cine. Aprecio más que las cosas se dejen ver o se den a entender si ser dichas y que los diálogos no recarguen tanto los metrajes. Quien disfrute de algo parecido al teatro filmado, encontrará en ‘Sólo una noche (Last Night)’ una interesante opción.

Dentro de las películas muy dialogadas, también puede haber diferentes resultados. Existen algunos magníficos ejemplos en los que lo que se dice conmueve y afecta de forma excepcional. Sin embargo, encuentro ‘Sólo una noche (Last Night)’, de algún modo, artificial. Me parece que el tono no está conseguido, ya que esa elegancia y esa importancia que la película desea cobrar, hacen que la forma de hablar de los personajes sea muy poco realista. La directora incluye personajes con la única intención de que hablen del tena principal de la película, aunque no les incumba, como si fuesen sabios que se dedican a dar lecciones a los demás. Me refiero al de Griffin Dunne, actor que, por otra parte, me encanta. Esto resulta obvio y pobre, como si la creadora no confiaba en que la situación, por si sola, ya expresase todas estas ideas.

En la vida real, las personas no hablan tanto de una manera tan seria y profunda. Es decir: no se suele ir tan al grano en cuanto a los problemas y nadie tiene tan claro lo que siente o sueña como para hablar de ello abiertamente. Se eluden los temas, se miente, al otro o a uno mismo, cuesta expresar lo que se siente… Se habla de nimiedades para hacer pasar el tiempo o para disimular. Y unos diálogos escritos con auténtica maestría, habrían sabido hacer llegar los significados profundos a través de esas cotidianeidades.

El final

Como decía, la película transcurre a lo largo de una noche. Durante todo este tiempo, se está sosteniendo, de forma muy forzada, la incertidumbre de lo que podría ocurrir. Se estira el desarrollo para retrasar el desenlace lo máximo posible, aprovechándose del montaje en paralelo, como haría cualquier serie televisiva. Esta excesiva dilación de la tensión y esta suspensión de la resolución podrían tener un sentido si de verdad tuviésemos la duda de cómo van a comportarse al final, si hubiese una curiosidad que sostuviese el interés del espectador durante este tiempo. Sin embargo, no existe tal incertidumbre.

Por otro lado, la película acaba donde podría comenzar. Me resultaría mucho más interesante ver todo lo que puede o no ocurrir a partir del momento en el que la pantalla se queda en negro que lo que ha habido hasta ahí. Lo que nos ha contado, en mi opinión, es un preámbulo necesario, un planteamiento. Y la película está a continuación.

En cuanto al tema moral y a las cuestiones de pareja, que es lo de lo que se trata, el saber si realmente se acuesta o no con este hombre no es importante, ya que la infidelidad está cometida haya o no haya sexo. Si ella está enamorada de otro, da igual que no se acueste, pues ya está siendo infiel. Además, está jugando también con este otro hombre, con el que pasa toda una noche para finalmente decirle que no, lo cual no borda un retrato femenino especialmente halagador.

Conclusión

Es posible que nos encontremos ante una cinta muy adulta y sea yo quien no encaja en este tipo de cine, que no sea para mí. Reconozco que se le pueden encontrar alicientes a ‘Sólo una noche (Last Night)’ que yo no he visto. Por lo tanto, no quiero cargármela sin más ni decir que no la recomiendo. Como mi opinión y nada más que como eso quedan estas consideraciones y las siguientes estrellas. Si indico que no me gustó un film de este jaez y de una supuesta mayor categoría, como era ‘Closer’, puede servir como dato para imaginar si se compartirá o no mi opinión sobre la que nos ocupa.

Mi puntuación:

Como ya sabréis, los estrenos de cine se adelantan a mañana en nuestro país. Y aparte de ‘Resacón 2: ¡ahora en Tailandia!’ (‘The Hangover Part II’, 2011), que imagino que es la que iréis a ver la mayoría, también hay otras novedades sin tantas aspiraciones comerciales (y no por ello mejores ni peores, claro está). Una de esas producciones que no creo que lleguen a ser éxitos de público pero que pueden resultar interesantes es el drama romántico ‘Last Night’ (2010), titulada aquí como ‘Sólo una noche (Last Night)’ por los de Vértice Cine. En esta entrada tenéis el cartel y el tráiler para España de este film que ha escrito y dirigido Massy Tadjedin, siendo éste su primer trabajo como realizadora.

‘Sólo una noche (Last Night)’ es una coproducción entre Estados Unidos y Francia que gira en torno a la infidelidad en un joven matrimonio. Joanna y Michael son felices, parecen tenerlo todo, pero su confortable vida da un vuelco cuando la mujer cree presenciar algo entre su marido y una atractiva compañera de trabajo; con la semilla de la duda plantada en su corazón, Joanna comenzará a replanteárselo todo tras encontrarse casualmente con Alex, su primer amor. La película está protagonizada por Sam Worthington, Keira Knightley, Eva Mendes y Guillaume Canet, entre otros, siendo su principal gancho de cara a la taquilla, aunque no sé yo si el público que llena las salas sentirá curiosidad por ver a Worthington sin estar pintado de azul y a Knightley sin corsé, en una historia ambientada en la actualidad. Lo descubriremos la semana que viene.

PD: Clint Mansell firma la música. Él también tiene que comer.

Vía | Labutaca

Habitualmente, los conceptos de Festival de Cine y de películas entretenidas que puedan gustar al público y que la gente pueda ir a ver con ganas no casan en absoluto —hay numerosos festivales de cine fantástico y de terror, que mueven a hordas de aficionados, pero tampoco se trata de gustos mayoritarios—. Por eso, me congratula que exista La Mostra de Valencia, ya que se trata de un Festival dedicado al de Cine de Acción y Aventura y que incluye cosas como el homenaje a Juan Piquer Simón o la presentación de la última obra del director finlandés Renny Harlin, el drama antibelicista ‘5 Days Of August’.

Con Daryl Hannah como invitada especial, la Mostra ha proyectado retrospectivas de Enrique Urbizo o Giuliano Montaldo (‘Sacco e Vanzetti’) y ha incluido un ciclo de films de James Bond, así como varias otras secciones más. Entre los acontecimientos paralelos se ha celebrado la II Mostra de Cómic. En suma, da la impresión de que ha sido un festival divertido y original.

En esta 32ª edición, la Palmera de Oro ha recaído en ‘King of Devil’s Island’ (‘Kongen av Bastøy’, 2010), del noruego Marius Holst, que ha cosechado un gran éxito en Escandinavia y que cuenta que un grupo de jóvenes vive bajo el despótico mando de un superintendente y sus guardias en una isla a principios del siglo XX. Está protagonizada por Stellan Skarsgard y basada en hechos reales. Aún no tiene fecha de estreno prevista para ningún otro país, a ver si con este premio se animan a traerla pronto por España.

El premio de la crítica, de la sección oficial de Acción y Aventura, ha sido para ‘Tropa de élite 2’, de José Padilha, segunda parte de la película que consiguió el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2008. La película más taquillera en la historia del cine brasileño. Narra el enfrentamiento de Nascimiento con las milicias, un nuevo problema que ha plagado Río de Janeiro.

‘Pequeñas mentiras sin importancia’ (‘Les petits mouchoirs’, 2011), de Guillaume Canet, que se estrenará en España el 27 de mayo y que lleva tres semanas de éxito en Francia ha obtenido el premio del público en la sección Panorama Mediterráneo. Se trata de una película coral en la que participan los mejores talentos del cine francés, en la que un grupo de amigos, que tiene la costumbre de reunirse en sus vacaciones de verano, deciden no romper esta tradición, a pesar que uno de ellos sufre un accidente en París unos días antes de partir. Ya en la playa, sus contradicciones afloran y su amistad se pone a prueba. Juntos se verán obligados a convivir con esas pequeñas mentiras sin importancia que se dicen cada día.

Y el premio de la Crítica ha recaído en ‘Angèle et Tony’, de Alix Delaporte (Francia). Angèle es una mujer joven que ha perdido el rumbo. Acaba de salir de la cárcel en Normandia tras una reducción de condena impuesta por su responsabilidad en un accidente que le costó la vida a su marido y que, además, le impide hacerse cargo de su hijo, que ahora vive con sus abuelos paternos.

Otra de las películas que se presentaban en la sección oficial de Acción y Aventura era ‘Á bout portant’ (en inglés conocida como ‘Point Blank’), que está protagonizada por Elena Anaya, entre otros, y dirigida por Fred Cavayé. Anaya presentó la película en el festival y manifestó que había quedado contenta con su interpretación, pues era muy expresiva, a pesar de contar con poco diálogo.

Vía | Página oficial de la Mostra.

Keira Knightley por fin podrá enfundarse un traje fabricado en el siglo XXI –eso sí, de la talla 0— en la película para la que acaba de firmar un contrato: ‘Last Night’ (anoche). En ella compartirá cartel con un elenco muy internacional: Eva Mendes, Sam Worthington y Guillaume Canet.

En ‘Last Night’, un hombre casado hace un viaje de negocios en el que tendrá que pasar una noche fuera de casa junto con una compañera de trabajo hacia la que se siente atraído. Mientras tanto, la esposa, que se ha quedado en su ciudad, se reencuentra con un antiguo amor. Ambos tienen la posibilidad y las ganas de cometer adulterio.

Massy Tadjedin debutará en la dirección con esta película para la que también ha escrito el guión. Es guionista de ‘Wednesday’, film que va a dirigir Juan Carlos Fresnadillo, y está escribiendo un proyecto, que aún no tiene título, para Steven Spielberg.

El rodaje comenzará el próximo mes en Nueva York con financiación de la productora francesa Gaumont y producción de Nick Wechsler.

Wechsler declaró sobre Tadjedin que “cuando conocí a Massy se me hizo obvio que tenía que ser directora. ‘Last Night’ nos aportó una manera muy poderosa de establecer su voz como cineasta”. Christophe Riandee, presidente de Gaumont, añadío “Me enamoré de esta historia de amor tan moderna. Esto demuestra nuestro empeño por seguir adelante haciendo producciones de alto presupuesto rodadas en inglés”.

La historia a mí no me suena muy atrayente. El enorme misterio de si habrá cuernos o no o las posibles discusiones de la mañana siguiente, ya que por algo se titulará “anoche”, pues no me parecen material fílmico. Pero nunca se sabe y, si Tadjedin es buena definiendo personajes y creando conflictos, a lo mejor nos sorprende con un drama conmovedor. Habrá que esperar.

Por otro lado, si tuvieseis que repartir los cuatro papeles mencionados en la sinopsis, ¿a quién le daríais cada uno? Por si no sabéis quiénes son los chicos: el de la izquierda de la foto es Canet (‘Juntos nada más’) y el de la derecha, Worthington (‘Terminator: Salvation’).

Fuente | Variety.

Basada en best-seller homónimo de Anna Gavalda, ‘Juntos nada más’, es la última obra del prestigioso director, productor y actor francés Claude Berri. Está protagonizada por Audrey Tautou (‘Amelie’, ‘El Código Da Vinci’), Guillaume Canet, Laurent Stocker y Françoise Bertin.

Los poquísimos instantes en los que ‘Juntos nada más’ trata de no ser blanda y de presentar personajes con carácter no nos lo creemos pues éstos se transforman de manera muy postiza. Hemos visto a Franck (Canet) comportarse como una buenísima persona con su abuela y ser tirando a majete con un amigo, pero justo cuando al guión le conviene, una mala leche forzada trata de mostrarlo como una persona muy malvada. Como esto con termina de funcionar, se utiliza para convertirlo del todo en villano que ponga la música muy alta, cosa que probablemente ningún compañero de piso ha hecho jamás en la vida real, pues es peor que matar niños por el parque.

Sé que no tendrá mucho efecto que diga que todo se ve venir a la legua pues ocurre así con las comedias románticas y no es un defecto que se les pueda achacar, ya que los méritos del género suelen estar en otro lado. De todas formas, el tratamiento ligero y diferente que tiene ‘Ensemble c’est tout’ hace que los tópicos — los protagonistas al principio se odian y luego se quieren, los acontecimientos del film provocan un cambio en las personalidades de todos, etc…— entren mucho peor en el film de Berri de lo que cabrían en cualquier cinta académica de este género. Es decir que, justo al haber querido salirse de lo habitual sin salirse del todo, ha hecho algo a medio camino que funciona peor que el canon seguido a rajatabla.

Un par de chistes, los hoyuelos de Tautou y la más que atractiva sonrisa de Canet redimen el film y hacen que no sea del todo desechable. También se puede conceder que la indiferencia con la que la protagonista afronta la relación en un primer momento supone ese soplo de aire fresco del que ha hablado la crítica francesa. Sin embargo, el exagerado final echa por tierra este efecto. No digo que tuviese que haber acabado de manera desgraciada para no ser tópico. Siempre he defendido que los finales sean los que pida la historia, aunque sean felices; pero está en el tono que el director le sepa dar la diferencia entre lo ñoño y lo sublime.

Nos metemos con el cine estadounidense porque, en ocasiones, es demasiado blando, pero este film francés probablemente no queda tan lejos del hipotético montaje del director de ‘Patch Adams’ del que hacía mofa John Waters.

Claude Berri ha sido descrito por El Mundo como “uno de los hombres más influyentes en el cine francés y también en el europeo”. Es autor de ‘Germinal’, ‘Amor en tiempos de guerra’ o ‘El Manantial de las Colinas’.

Si ‘Amelie’ era una película maravillosa, pero que se movía por la diminuta frontera entre lo sublime y la ñoñería, ‘Juntos nada más’ demuestra el mérito del film de Jean-Pierre Jeunet al darnos el ejemplo perfecto de una cinta que ha caído al otro lado de esa raya.

En Blogdecine | Noticias y tráiler de ‘Ensemble c’est tout’.

Hace un año que comentamos el recién iniciado rodaje de Ensemble, c’est tout, el último trabajo de Claude Berri, protagonizado por Audrey Tautou y Guillaume Canet, que acaba de estrenarse en Francia.

El film, basado en la novela homónima de Anne Gavalda, narra la relación entre cuatro personajes totalmente diferentes, que por diversas circunstancias deben convivir todos juntos en el mismo apartamento.

El trailer destila emoción, humor y algún que otro puntito amargo. Esperemos que la trayectoria del director y la presencia de Audrey Tautou sea motivo suficiente para que la película nos llegue pronto.

Ver trailer de ‘Ensemble, c’est tout’