‘Restless’, guapos enamorados

“Tenemos tan poco tiempo para decir todo lo que queremos. Tenemos tan poco tiempo para todo”.

Hiroshi (Ryō Kase)

Puede sorprender que el nuevo trabajo de Gus Van Sant no se haya colado en la sección oficial del Festival de Cannes 2011, que no sea uno de los 20 títulos que aspiran a la Palma de Oro (galardón que ya logró el cineasta en 2003 con la sobrevaloradísima ‘Elephant’). Pero no se trata de ningún desaire del festival, en realidad han hecho un gran favor al estadounidense reservándole el honor de inaugurar la más modesta sección “Un Certain Regard” (un breve acto que tuvo lugar ayer). Y es que, como ya se podía adelantar por el tráiler, el Van Sant de ‘Restless’ (‘Sin descanso’) no es ese supuesto innovador del lenguaje cinematográfico, sino el convencional, el comercial, el que intenta llegar a todo el mundo. Aun así, vuelve a mostrar interés por una historia relacionada con la muerte y sobre adolescentes poco corrientes. Asimismo, vuelve a apostar por gente que no había actuado antes en una película, aunque en este caso no puede decirse que haya tomado un gran riesgo; el protagonista masculino del relato está interpretado por Henry Hopper, ni más ni menos que el hijo de Dennis Hopper.

‘Restless’ parte de una serie de historias cortas escritas por el también primerizo Jason Lew, compañero de estudios de Bryce Dallas Howard en la universidad de Nueva York; la actriz, que le animó a unir las piezas y convertirlas en un guion, es una de las productoras del film, junto a su padre, Ron Howard, a través de la compañía Imagine Entertainment. La trama gira en torno a dos muchachos solitarios con una especial, aunque diferente, relación con la muerte, lo que les permite afrontarla de una manera atípica. Enoch (Hopper) es un chico huérfano que tiene un amigo fantasma, un piloto japonés de la II Guerra Mundial llamado Hiroshi (Ryo Kase), y acostumbra a presenciar funerales de absolutos desconocidos; en uno de ellos conoce a Annabel (Mia Wasikowska), que en un principio dice ser voluntaria del hospital, concretamente en la sección de enfermos de cáncer. Al volver a verse, y conocerse un poco mejor, Annabel admite que en realidad es una paciente enferma, quedándole apenas tres meses de vida. Enoch lo acepta con normalidad e inician una relación sentimental. No obstante, pasa el tiempo, la chica empieza a sufrir ataques y el chico a desesperarse. ¿Cómo decir adiós a su única compañera, a la persona que ama?

Filmado en Portland, el hogar de Van Sant, la mayor baza de este melancólico y acaramelado drama romántico juvenil reside en sus dos protagonistas, la cada vez más solicitada Mia Wasikowska (‘Alicia en el país de las maravillas’) y el debutante Henry Hopper. Por separados no están tan acertados, principalmente por la constante preocupación en mostrar lo guapos y encantadores que son estos dos jóvenes, pero lo cierto es que como pareja funcionan, se les ve muy compenetrados, hay química entre ellos; al parecer, buscando esto, Van Sant recurrió a una técnica de Terrence Malick consistente en rodar tomas con los actores en silencio, sin pronunciar los diálogos, buscando la expresión física y la reacción del compañero. En cualquier caso, la inspirada interacción de los enamorados no consigue salvar la película, demasiado cursi y tediosa, filmada sin entusiasmo, repleta de lugares comunes, explicaciones prescindibles y frases que no logran ser tan divertidas ni profundas como se pretende. Puede emocionar al público adolescente y al que empezó a ver cine romántico ayer.

‘Habemus Papam’, el discurso del Papa

La primera película de la jornada de hoy, proyectada a la fantástica hora de las 8:30 de la mañana, era ‘Habemus Papam’ (o ‘We Have a Pope’), el esperado nuevo trabajo del italiano Nanni Moretti, otro ganador de la Palma de Oro (en 2001 por ‘La habitación del hijo’). Compite en la sección oficial de esta 64ª edición de Cannes pese a que ya se fue estrenada en cines y os puedo decir que oí muchas carcajadas (había un tipo a mi lado que empezó a reírse y no paró hasta el final) y fuertes aplausos en la sala; no obstante, conviene aclarar que entre los asistentes había invitados, no solo prensa. Personalmente, no me sentí cautivado por este relato, lo encontré algo hueco (repite escenas buscando el mismo efecto) y descafeinado, menos incisivo de lo que esperaba. Tuve la sensación de que a Moretti le interesaba jugar con algunas ideas pero no ha logrado encajarlas con precisión, quedando una narración llena de baches, descompensada. Aunque hay mucho subrayado y metraje prescindible en ‘Habemus Papam’, también es justo reconocer que tiene escenas divertidas e ingeniosas; es de esas películas que ves con media sonrisa, sin llegar a entusiasmar pero tampoco aburrir del todo. Y el desenlace es espectacular, muy contundente. Ojalá lo vieran muchos y se dieran por aludidos, el mundo sería un lugar mejor.

Escrita por Nanni Moretti, Francesco Piccolo y Federica Pontremoli, ‘Habemus Papam’ arranca con un gran funeral por la muerte del Papa, y la reunión del Cónclave para elegir al sucesor, manteniendo en vilo a millones de personas. La cámara de Moretti observa con curiosidad la vieja ceremonia, repetida con exactitud y entusiasmo por los cardenales, que deben permanecer reunidos hasta que haya un nuevo pontífice. El problema es que ninguno de ellos quiere serlo. Tras varias fumatas negras, por fin hay un candidato que consigue la mayoría suficiente. Melville (Michel Piccoli) acepta con gratitud el cargo, pero cuando están a punto de ser anunciado a la multitud que se ha reunido en la plaza de San Pedro, se derrumba, no soporta la responsabilidad de dar un discurso como nuevo Papa. La situación es tremendamente delicada para el Vaticano, la gente espera ansiosa el nombre del elegido, los medios extienden rumores, los cardenales no pueden salir al exterior… pero Melville se niega a dar la cara. Para intentar llegar a una solución, se llama al terapeuta mejor considerado de Roma, el profesor Brezzi (Moretti).

A partir de la llegada de Brezzi uno piensa que ‘Habemus Papam’ va a convertirse en una especie de temprano remake italiano de ‘El discurso del rey’, ahora con un Papa estresado, pero es solo un amago, nunca se establece una relación entre ambos personajes. Tras un desesperado intento por arreglar la situación, el Papa es llevado al exterior, y éste aprovecha un despiste de su escolta para salir corriendo. Mientras todos se comen las uñas, y Brezzi organiza el primer torneo de voleibol del Vaticano, Melville intenta descubrir qué le ocurre, el origen de su crisis. Cien minutos no son demasiados, pero Moretti consigue que lo sean, prolongando el relato de manera innecesaria (un minutillo de los cardenales jugando tiene gracia, pero se extiende tanto que la pierde) y equivocada, pasando de puntillas por el proceso de elección del Papa, tan simplista que resulta insatisfactoria; asimismo, no se saca mucho jugo a la presencia del psicólogo entre los cardenales, que son retratados poco menos que como escolares con cuerpos de ancianos. De no ser por la conclusión, la película estaría condenada al olvido, destinada a adornar las estanterías de los seguidores del director italiano y entretener a espectadores con un rato aburrido que rellenar. Salvo que Piccoli sea premiado por su estupenda interpretación, no creo que ‘Habemus Papum’ entre en el palmarés.

Juan Luis Caviaro desde Cannes, 13 de mayo de 2011.

PD: Mañana os hablaré de una de las películas más raras y suicidas que he visto en toda mi vida. La firma Kim Ki-duk.

“Y lo más importante…divirtámonos”

Alex (Alex Frost)

¿Cómo mostrar lo inimaginable? ¿Cómo expresar un punto de vista con el espanto, como fundir una imagen con ello? Dicen que la muerte y el sexo no se pueden filmar…pero de una u otra forma se han filmado. Quizá lo que no se puede filmar es el horror, la atrocidad absoluta. Algunos han querido dramatizarlo, como en las numerosas películas sobre la pesadilla nazi, pero muy pocos artistas han estado a la altura del horror, muy pocos han mirado con nobleza y compasión en los agujeros más tenebrosos. Uno de ellos fue Claude Lanzmann, cuyo monumental filme ‘Shoah’ (id, 1985) se negaba a emplear fotografías de archivo de la barbarie nazi contra los judíos, y se centraba en la historia oral de los testigos, de los victimarios y las víctimas. Lanzmann lograba así una hazaña tremendamente difícil de describir: hacer del horror el vacío de una imagen que no existe, porque no la vemos. Es peor imaginarla. Y uno de los pocos directores norteamericanos que son verdaderos artistas y que está a la altura de semejante hazaña es Gus Van Sant, que en 2003 indagó en horrores parecidos: la locura por la locura, la sangre por la sangre, la bestialidad como algo cotidiano, infernal, inexpugnable, impenetrable.

Van Sant se aventura, sin vuelta atrás, en pesadillas similares a aquéllas, pero que ahora aparecen en los telediarios como si tal cosa. Y lo hace de un modo muy diferente a su colega, aunque en su cine permanece un sustrato de espíritu puramente documental, que muestra las imágenes, los personajes y las situaciones con absoluta falta de énfasis, pero también otorgando al conjunto la viveza y el lirismo de una poesía trágica, de un documento sumamente estilizado bajo cuya apariencia de sencillez late uno de los filmes norteamericanos más bellos de las últimas décadas. ‘Elephant’ (id, 2003) exprime en sus poco más de ochenta minutos un collage de rostros, movimientos, gestos, voces y miradas que se erige, en sí mismo, como una sinfonía, verdadero cine-música en el que cada plano no existe sino como compañero fluido de otros planos, como eslabón perfectamente incrustado en un todo. Con ella, Gus Van Sant alcanza el techo de la genialidad, nos estremece hasta la última célula de nuestro cuerpo, y nos hipnotiza con una puesta en escena luminosa, de muy compleja elaboración pero de ejecución transparente.

Hay que tener las ideas muy claras, las convicciones muy férreas y la mirada muy afilada para hacer un filme como ‘Elephant’. Para Van Sant la masacre de Columbine, instituto en el que en 1999 trece personas fueron asesinadas a manos de dos adolescentes, podría haber sido una excusa para presentarnos, una vez más, a sus muchachos tan bellos que parecen muchachas, a los institutos de su Portland natal, pero hay mucho más. En un principio Van Sant planeaba un documental para televisión sobre el mismo Columbine, pero poco a poco fue naciendo en él la necesidad de una representación poética, personal, de los acontecimientos, más que un acercamiento periodístico, porque él sentía que así se acercaría mucho más al enigma que encierra tanto dolor y tanta locura. Escribió un guión abierto y, durante los ensayos y el rodaje, instó al equipo de actores a que, de forma libre y espontánea llenaran los huecos y los diálogos con sus reacciones más libres. Y la llamó ‘Elefante’ en honor a la película de mismo nombre de Alan Clarke de 1989 creyendo que se refería a la parábola de varios hombres ciegos describiendo un elefante.

En esa parábola, varios hombres ciegos tratan de describir un elefante. Para uno, es como una serpiente. Para otro, como una pared. Para otro, como una lanza. Todos tenían razón y todos estaban equivocados. Ésta parábola puede aplicarse a la película de Van Sant en la cuestión del punto de vista, que salta de un personaje a otro con total fluidez, muchas veces superponiendo tiempos y espacios (en un guión sensacional, aparentemente sencillo, de nuevo, pero muy intrincado y lleno de detalles inquietantes), y lo que es más importante, creando la sensación de un tiempo capturado, un tiempo con un ritmo muy definido y muy personal, que acaba introduciéndose en el ánimo del espectador y volviéndose completamente real para él. Como reales se vuelven los pasillos y las paredes del instituto. Reales y fantasmagóricos, opresivos hasta un punto insoportable. Para Van Sant los institutos son lugares extraños, en los que la sonrisa y la libertad parecen proscritos, y sus criaturas deambulan perdidas…

‘Elephant’ está situada en un estadio más allá de lo narrativo, y por eso las normas y corsés del cine narrativo y convencional no pueden aplicarse aquí, y por eso muchos que no soportan el cine sin planteamiento, nudo y desenlace huyen de ella como de la peste. Pero la puesta en escena de Van Sant, con larguísimos planos sin corte en los que sus personajes caminan sin cesar o la cámara se detiene y examina, siempre con gran profundidad de campo, es de una belleza y un ascetismo que envidiaría el mismo Bresson. Con excelente fotografía de Harris Savides (en casi cuadrado formato 1.37:1), habitual de Van Sant y de David Fincher, por ejemplo, el exiguo presupuesto de la película se emplea hasta el último céntimo en actores, cámara y registro de sonido. El sentido visual de Van Sant hace el resto y el poema alcanza la categoría de conquista del futuro del cine, despojado de trama y de retórica visual, reinventando el suspense y la secuencia, de la mano de otros visionarios como Lynch o Malick.

Su Palma de Oro fue una forma de confirmar que Van Sant había llegado lo más lejos posible en la representación artística del infierno en la tierra. Y su premio al mejor director en dicho festival, la forma de decir del prestigioso festival que Van Sant había aportado muchísimo a la evolución del cine como arte, en sus formas antes que en su temática. Muchos sentirán rechazo, cuando no indiferencia, hacia las imágenes de esta película. Otros la vemos como una sinfonía de las tinieblas que el ser humano se empeña en imponer sobre este mundo, pero también de la esperanza de que ese ser humano sea capaz de dejar atrás todo esto alguna vez. Tiene Van Sant la mirada dolorida y dura, pero también serena y conciliadora.

¡Vi las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura, hambrientas, histéricas, desnudas…!

Allen Ginsberg (James Franco)

Una vez más tras un considerable retraso, cuando ya puede adquirirse en tiendas de carácter internacional (y no digamos por otras vías de peor reputación), llega por fin a nuestras carteleras una extraña y estimulante propuesta titulada ‘Howl, la voz de una generación’ (‘Howl’, 2010). Primer trabajo de ficción escrito y dirigido por los documentalistas estadounidenses Rob Epstein y Jeffrey Friedman, con el inclasificable Gus Van Sant en labores de producción ejecutiva, la película se centra en la figura del poeta Allen Ginsberg y su obra más conocida, ‘Aullido’ (‘Howl and other poems’, 1956), uno de los títulos clave de la llamada “Generación Beat”, de los años cincuenta, junto a ‘En el camino’ de Jack Kerouac (‘On the Road’, cuya película veremos próximamente) y ‘El almuerzo desnudo’ de William S. Burroughs (‘Naked Luch’, adaptada por David Cronenberg en 1991). Cabe destacar asimismo que la música original del film está compuesta por Carter Burwell, recientemente nominado al Oscar por su exquisito trabajo en ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010).

La excusa para retratar a Ginsberg y analizar su obra es un juicio celebrado en San Francisco en 1957, donde se acusa al editor de ‘Aullido’, Lawrence Ferlinghetti, de publicar una obscenidad. Así que la película se divide en dos grandes líneas narrativas; por un lado, lo que acontece en el tribunal, la resolución de un conflicto que podría acabar con el editor en la cárcel y la censura de la obra (cambiando los términos polémicos por unos inofensivos); mientras que por otro se recrea, como si fuese un documental, una entrevista en el apartamento de Ginsberg, una mirada íntima a su mundo personal y artístico, lo que en su caso viene a ser la misma cosa. A esto hay que sumar los flashbacks (en blanco y negro) de la vida del poeta y su círculo de amigos, en la que se incluye una lectura de ‘Aullido’ en un pequeño pub, y también la representación de esa lectura, a través de una serie de imaginativos y coloridos segmentos animados, que ayudan a asimilar más fácilmente el texto de Ginsberg. Todos estos niveles se intercalan con mucha habilidad, creando una singular pieza audiovisual que a ratos resulta maravillosa y fascinante. Tiene tramos menos jugosos, pero el conjunto merece mucho la pena.

La parte del juicio es la más floja de la película, no por el contenido, que es apasionante, sino por la forma, la manera en la que está planteada, demasiado dramatizada y filmada de manera convencional, como si fuera un corriente telefilme. La fortuna es que interviene un abanico de personajes muy variopinto que están interpretados con mucha convicción por actores de talento, pero se nota que los realizadores están mucho más interesados en la figura de Ginsberg, algo que se traslada al espectador. Con todo, no deja de ser entretenido el debate que tiene lugar ante el juez, para decidir si ‘Aullido’ es una obra obscena y carente de valor artístico, como pretende concluir el abogado que interpreta un formidable David Strathairn (el más inspirado de los secundarios), pues está en juego nada y nada menos que la libertad de expresión, el derecho de una persona a proclamar públicamente su singular discurso, suene como suene. Se habla de poesía, arte, censura…, y los intérpretes están estupendos, así que no es posible aburrirse, incluso con una puesta en escena rutinaria.

No hay generación “beat”. Solo un puñado de tíos… intentando que publiquen sus obras.

(Ginsberg)

Por el contrario, tanto en el retrato de Ginsberg (a través de sus recuerdos y su presente, atendiendo al ficticio periodista) como en la ilustración de su cruda y libérrima poesía (con dibujos del artista Eric Drooker) se desborda ingenio, pasión y verdad. La fuerza y la lucidez con la que están cargadas las palabras de este peculiar autor traspasan la pantalla, sintiéndose ese radiante deseo de expresar lo que se lleva dentro, con total libertad, sin ataduras de ningún tipo, sin límites, sin reglas, sin vergüenza; tal como fluye. Esta idea la expone el protagonista cuando se refiere a su modo de entender la escritura, señalando que la clave, a su parecer, está en romper la barrera que separa la comunicación con la musa, más seria, correcta y trascendental, y el modo en el que se conversa con los amigos, donde uno se muestra más desinhibido y trata temas que no pondría sobre el papel, en primer lugar por miedo a que lo lean determinadas personas (los padres, por ejemplo). Él apuesta por no pensar en el posible receptor, por una voz pura, libre y personal.

Y uno se cree al Allen Ginsberg de la pantalla porque lo encarna con seguridad un portentoso James Franco, que vive su personaje de manera plena, insuperable, quedando transformado en este escritor, moviéndose y hablando con espontaneidad, sin fingimiento ni dramatismo. Sencillamente, no ves al actor, ves a alguien real, cercano, que mientras fuma te cuenta sus ideas, sus recuerdos, se atasca intentando componer la frase que quiere decir y sonríe cuando descubre que quizá no ha dicho lo que debía… Es una gozada ver hasta dónde puede llegar este intérprete, quizá en su mejor momento, considerando su no menos inspirada labor en ‘127 horas’ (‘127 hours’, 2010), un título de mayor repercusión que ‘Howl’, pero sin la autenticidad y la inteligencia de ésta. En resumen, puede que no te diga nada el nombre de Ginsberg o la “generación beat”, y que no te interese la poesía, pero creo que al menos apreciarás lo atípico de la propuesta, las actuaciones de un elenco muy comprometido (Jon Hamm, Jeff Daniels, Mary-Louise Parker Treat Williams, Alessandro Nivola…) y unas brillantes piezas animadas.

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Dentro de la enorme producción norteamericana, del revoltijo de directorcillos estrella, pseudo-autores con presupuestos que oscilan entre los tres y los trescientos millones de dólares, viejos maestros de capa caída, grandes nombres que como mucho dieron una única gran película (y ya es bastante), mercenarios más o menos habilidosos, artesanos más o menos estimables, y demás fauna, sí que existen, aunque a nadie le interese demasiado ver sus películas (ni falta que hace), auténticos directores que de vez en cuando, si les dejan y tienen ganas, presionan con su talento sobre los límites del tedioso cine ortodoxo, y lo empujan hacia nuevas fronteras de futuro. Decía el gran Coppola, uno de esos directores de los que hablo, un verdadero y oscuro cineasta, que los artistas siempre miran hacia el futuro, mientras que la sociedad y los que la controlan prefieren quedarse en el pasado. Mayor verdad imposible, en un medio audiovisual enquistado en fórmulas academicistas y paralizado por cineastas incapaces de convertirlo en algo dinámico y valiente, aherrojados por un público abúlico.

Entre esos directores esenciales, poetas que miran hacia el futuro y crean las formas cinematográficas más vivas del presente, están, por ejemplo Ang Lee, Paul Thomas Anderson, Jacques Audiard, Enrique Urbizu, James Gray o Gus Van Sant. En el caso de este último, de carrera tan plagada de luces y sombras como la del resto del grupo, nos encontramos con la obra de un cineasta que ha reflexionado mucho más sobre el cine y sus posibilidades, que la gran mayoría de sus colegas, aún las vacas sagradas de generaciones anteriores que practican un cine mucho menos valiente y arriesgado que el suyo. Poseedor de un estilo inconfundible, que no tiene miedo de traicionar cuando la historia lo requiere, quizá sea Van Sant, sin exagerar, el gran cronista del Estados Unidos más marginal, de la juventud marchitada y desesperada de su país, y más concretamente de su ciudad, Portland. Un poeta libérrimo, obsesionado con sus bellos y trágicos adolescentes, que tampoco se libra de haber filmado alguna que otra bobada, pero al que hay que juzgar, creo yo, por sus grandes aciertos, que no son pocos.

Dicen que Van Sant se quedó impresionado por la amplia comunidad marginal de las barriadas más pobres de Los Ángeles, ciudad en la que trabajó un tiempo como fotógrafo y asistente de producción. A su regreso a Nueva York, con el dinero ahorrado, pudo hacer un filme de pequeño presupuesto que le debía mucho a sus grandes maestros Jonas Mekas o John Cassavetes, ‘Mala Noche’ (id, 1986), filmada en blanco y negro, y que llamó la atención por su descarnado lirismo y su sutilidad en su tratamiento de lo homosexual. Van Sant, que nunca ha ocultado que es gay, siempre incluye en sus historias un amor entre dos hombres, pero nada obvio, nunca morboso, ni para provocar un juicio moral. Teniendo en cuenta su querencia por seres marginales, esta decisión es importante, porque así evita convertir esa condición en un rasgo que lleve a la manipulación o a la compasión. Ni la homosexualidad es un problema, ni las drogas, ni la violencia, ni el amor, ni siquiera la muerte. El problema es, siempre, cómo convivimos con esa realidad.

Una trayectoria apasionante…pese a los errores

Lo del cine independiente siempre ha sido una etiqueta más. Western, cine negro, melodrama…cine independiente, expresión acuñada por algún lumbrera que pretendía englobar lo que no es otra cosa que libertad a la hora de hacer películas. Durante buena parte de los ochenta y los primeros noventa, nacieron muchas películas con el sello de independientes, filmadas por directores norteamericanos fuera de Hollywood, con presupuestos asequibles, sobre cuestiones más o menos sociales o modernas. En realidad, si existió, Van Sant fue el rey, pues con ‘Drugstore Cowboy’ (id, 1989) demostró su total primacía. Obra magistral, filmada con cuatro cuartos, que convierte a buena parte del cine supuestamente “duro”, “violento” o “sórdido” en un juego de niños. Negar al Van Sant de esta película inolvidable es negar el cine, sencillamente. Lástima que la prolongara en la bastante inferior, aunque mucho más accesible para un público mayoritario, ‘Mi Idaho privado’ (‘My Own Private Idaho’, 1991), y que dos años después dirigiera una de sus películas menos interesantes, la floja comedia ‘Ellas también se deprimen’ (‘Even Cowgirls Get the Blues’).

Pero no estaba todo perdido, y en 1995 pudo dirigir una comedia negra muy superior y a la que quizá no se le ha dado toda la importancia que merecía, la excelente ‘Todo por un sueño’ (‘To Die For’), con una magnífica Nicole Kidman. Con este título, Van Sant recuperaba sus rasgos de personalidad, contando la historia de un carácter obsesionado con la fama televisiva, muy complejo e impredecible, con una serie de ramificaciones morales realmente notables, y con un gusto por el asesinato ritualizado que alcanzaría mayores cotas de abstracción en trabajos posteriores. Van Sant volvía al buen camino, pero no estaba la industria para mayores riesgos, y aceptó un guión que era demasiado fácil para él, por mucho que Matt Damon y Ben Affleck ganaran el Oscar con él. ‘El indomable Will Hunting’ (‘Will Hunting’, 1997) es una peliculita que va de artística y radical, y se queda en superficial y conservadora, indigna del artista que filmó ‘Drugstore Cowboy’, pero fue un gran éxito que quizá ha permitido a este cineasta moverse con algo más de libertad en años posteriores.

Su versión en color del ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960) de Hitchcock, fue a su vez muy criticada por ciertos sectores, aunque creo que es una propuesta interesante y muy respetuosa con el original. Filmada idéntica, plano a plano, hay algo fascinante en ella, con una dirección de actores que altera algunos enunciados hitchcockianos. Mucho menos interesante me parece su ‘Descubriendo a Forrester’ (‘Finding Forrester’, 2000), que es algo así como “Will Hunting 2”, en la que un chaval negro del Bronx, más pobre que las ratas, es un escritor de un talento que haría sombra a Marguerite Yourcenar, un jugador de baloncesto que puede eclipsar a Michael Jordan, un alma honesta capaz de sacrificarse por un mentor interpretado por el genio Sean Connery, además de apuesto y trabajador. Ahí queda eso. He de confesar que cuando la vi perdí la fe en que Van Sant se convirtiera en el gran cineasta que auguraban sus primeros trabajos.

Pero ahí está el talento, para desmentir a los escépticos, y la extraña ‘Gerry’ (id, 2002) y la magistral ‘Elephant’ (id, 2003) lo cambiaron todo. ‘Gerry’ era algo así como una cura salvaje contra el cine comercial, un filme que polarizó la opinión de la cinefilia, pero que era un alarde de improvisación y de búsqueda vital, que no pretendía otra cosa que un nuevo comienzo, una resurrección que se vería confirmada con ‘Elephant’. Con ese filme escalofriante, que hacia milagros en la ritualización de la violencia, colocando a Van Sant a la altura de un Coppola, el cineasta de Portland reventaba las convenciones de la tragedia, recuperando su gran sentido visual, ganando la Palma de Oro y el premio de la puesta en escena en el Festival de Cannes, narrando de manera sobrecogedora, casi documental, una masacre de las muchas que de vez en cuando convierten un recinto social norteamericano en un infierno de muerte y dolor. Van Sant había superado así innecesarios experimentos o pruebas comerciales para alcanzar una plenitud que se prolongaría con la excelente ‘Last Days’ (id, 2005) y la bella y enigmática ‘Paranoid Park’ (id, 2008), en la que por fin liberado de toda concesión formal, vuela la mirada de Van Sant hacia formas plenas de cine de dentro de veinte o treinta años.

La emocionante ‘Mi nombre es Harvey Milk’ (‘Milk’, 2008) cerraba hasta ahora su filmografía, que tendrá un nuevo exponente con la venidera ‘Restless’, protagonizada por Henry Hopper y Mia Wasikowska, que se estrenará este año. Esperemos que Van Sant siga dando lo mejor de sí mismo, que es mucho, aunque posiblemente sus mejores trabajos continúen siendo paladeados por una minoría.

Sí, el cartel que tenéis ahí arriba pertenece a la nueva película del peculiar Gus Van Sant. El director estadounidense, uno de los iconos del cine independiente, cómodo tanto con encargos industriales como con caprichosos experimentos de autor, ha optado esta vez por un drama romántico titulado ‘Restless’, protagonizado por Mia Wasikowska (la Alicia de Tim Burton) y Henry Hopper (hijo del mítico protagonista de ‘Easy Rider’).

Escrita por Jason Lew, ‘Restless’ gira en torno a dos jóvenes solitarios unidos por la muerte. Él tiene la costumbre de asistir a funerales, y su mejor amigo es el fantasma de un piloto japonés de la II Guerra Mundial, mientras que ella se presenta como una voluntaria en un hospital, pero en realidad es una paciente con serios problemas. El tráiler lo tenéis abajo, y no está mal, la verdad, Van Sant es un artesano con experiencia y no va a entregar ningún churro aunque la historia no le entusiasme demasiado (hay jóvenes, soledad y muerte, puede que le encantara). En Estados Unidos la podrán ver a partir del próximo 28 de enero; por ahora no hay fecha para España.

PD: Bryce Dallas Howard es coproductora de la película. Al parecer, conoció a Lew en la universidad y le animó a escribir ‘Restless’, su primer guión. Qué suerte eso de tener amigos famosos.

Vía | Impawards

Cuando uno cree que no le pueden sorprender más con las noticias sobre este maravilloso arte, llegan los de Summit y proclaman a los cuatro vientos sus intenciones con respecto a quién dirigirá la cuarta entrega de ‘Crepúsculo’ (‘Twilight’, Catherine Hardwicke, 2008) que lleva por título ‘The Twilight Saga: Breaking Dawn’. La cosa está entre tres realizadores de lo más peculiar: Sofia Coppola, Gus Van Sant y Bill Condon. Está claro que quieren terminar la saga por todo lo alto poniendo tras las cámaras a uno de esos directores que llevan escrito en la frente la palabra “autor”.

Si tuviera que decidirme por uno, evidentemente elegiría a Condon. Tiene experiencia dirigiendo films de terror —suya es la segunda entrega de ‘Candyman‘— y tras ‘Dioses y monstruos’ su carrera ha conservado cierto equilibrio. A los otros dos les tengo un miedo atroz. Van Sant ha demostrado más de una vez que sabe hacer excelentes películas —‘El indombale Will Hunting’ o ‘Drugstore Cowboy‘— pero cuando le da por cosas como ‘Gerry’ o ‘Last Days’, es para salir corriendo. Y la hija de Francis Ford Coppola es simple y llanamente la demostración palpable de que el talento no se hereda. Que nadie me salga con ‘Lost in Translation’ que me da la risa.

Como dicen en Las horas perdidas, hagan sus apuestas.

‘Enemigos públicos’

Uno de los estrenos más esperados de la pasada temporada estival y que finalmente no encontró tanto entusiasmo en líneas generales. Y es que la obra de Michael Mann, intachable en el aspecto visual, peca de excesiva apuesta por el virtuosismo, no entrando tan a fondo en el retrato del gángster John Dillinger (con el esforzado Johnny Depp) y resultando demasiado fría. En cualquier caso, y como para gustos colores, seguro a que más de uno le apasionó esta incursión en el cine de gángsteres de Mann. Y para los que quieran volver a recrearse en algunas bellísimas secuencias, nada mejor que el lanzamiento de la edición especial con dos discos, para conocer más sobre el mito de Dillinger y la realización de esta producción. Por cierto, Universal lanza una oferta interesante, ya que del 10 al 20 de diciembre, la edición sencilla se vende por 9,95 euros. Buen reclamo.

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‘Ice Age 3: El origen de los dinosuarios’

Tercera y nuevamente exitosa entrega (recordemos que fue todo un taquillazo a comienzos del pasado verano) de la saga de estas aventuras animadas en la edad de hielo. Vuelven los entrañables y populares protagonistas: Manny, el peludo mamut; Sid, el perezoso; Diego, el tigre dientes de sable; y la desventurada ardilla de grandes dientes conocida como Scrat. Después de hacer frente a los peligros de la Edad del Hielo y su posterior deshielo, Sid, Ellie, Diego, Manny afrontan un peligro aún mayor: la convivencia con los dinosaurios. Más aventuras y, por supuesto, golpes de humor que hacen las delicias de toda la familia. Se lanzó hace poco la edición en Blu-Ray y ahora nos llega en DVD, simple, especial y también junto con un peluche. Entretenimiento para todos y seguro éxito de ventas.

‘Mi vecino Totoro’

Nuevo lanzamiento por parte de Aurum de Studio Ghibli Collection, con nueva magnífica obra de Miyazaki. Están teniendo una notable acogida y ‘Mi vecino Totoro’ no será menos. Para todos los aficionados a la maestría del realizador japonés, y en concreto, de esta obra, hermoso cuento sobre la infancia, que ahora se lanza con todos los honores en varias ediciones. Me quedo con la especial en DVD, que incluye dos discos con storyboard completo, tráiler original y cómo se hizo el doblaje en castellano. Pero también sale a la venta una edición metálica para que luzca en la estantería.

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‘Star Trek’

La versión actualizada de la popular saga a cargo de J.J. Abrams triunfó en salas y ahora se lanza (al tiempo que la remasterización de los diez títulos originales) en una cuidada edición en DVD que seguro gustará a los más fieles. Un resultado bastante aceptable y entretenido para renovar a los veteranos personajes y que seguro habrán aumentado sus numerosos fans por todo el mundo. Se lanza una edición en estuche metálico con dos discos, que incluyen comentarios, escenas eliminadas, la creación de la banda sonora o el diseño de los alienígenas. A un precio de 24,95 euros.

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‘¿Hacemos una porno?’

Mucho más esperaba de Kevin Smith, que parece haberse ablandado con esta comedia romántica, de título sugerente y picantón, que tan sólo cuenta con algunos momentos realmente divertidos y que el resultado queda demasiado descafeinado. Desfile habitual de los personajes de Smith que ahora encuentra una nueva aportunidad en DVD. También con edición especial incluida, para los que quieran profundizar en esta obra.

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‘Good’

Pasó sin hacer demasiado ruido por las salas, así que tiene sentido que su lanzamiento pueda llamar la atención a los más despistados. Esta cinta, ambientada en la Alemania nazi, cuenta la historia de un profesor de literatura, cuya obra sobre la defensa de la eutanasia le lleva a un futuro de devastadoras consecuencias. La edición especial incluye una entrevista con Viggo Mortensen, el protagonista, así como al director, el tráiler, clips y fichas.

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‘Mi Idaho privado’

Una película que con el paso de los años se ha convertido en un título de culto. También influye en ello, el hecho de que participase el malogrado River Phoenix, en su mejor trabajo y que hacía prometer una larga y fructífera carrera. Gus Van Sant dirigió esta historia en 1991 con un resultado acertado, y que recordemos narra como Mike, narcoléptico buscavidas está obsesionado con encontrar a su madre y Scout (un joven Keanu Reeves), niño rico que se escapa necesita encontrar el sentido de la vida. Ambos intentan sobrevivir a una odisea mientras se comprenden y aprenden lecciones de la vida como sólo la carretera puede enseñarles.

‘La Pasión de Cristo’ (montaje del director)

Polémica como pocas, esta producción de Mel Gibson logró levantar ampollas, entusiasmar a muchos y remover la fibra interior (y el estómago) de otros. No dejó indiferente esta recreación de las últimas horas de Cristo, narrada con especial énfasis en el detalle realista, mostrando el dolor y sufrimiento que vivió Jesús de Nararet. Si a alguien aún le quedan ganas de volver a verla, o bien desea conocer un nuevo montaje, puede encontrar en esta edición un buen reclamo. Incluye comentarios de todo tipo (del director, productores, sobre la música, incluso teológicos), además de documentales, galerías, escenas eliminadas, además de los dos montajes. Lo cierto es que se trata de una edición especial muy completa y de las que pueden justificar su compra si ya se tenía la primera edición.

‘Valkiria’

Esta semana se pone a la venta la última película de Bryan Singer, el famoso realizador de ‘Sospechosos habituales’, ‘X-Men’ y ‘Superman Returns’. Con ‘Valkiria’, Singer trató de ofrecer un thriller de espionaje realista y humano, tenso y espectacular, para lo cual se llevó más tiempo del que estaba previsto, retrasando el estreno para rodar más escenas y creando la sospecha de que la película se le había ido de las manos. Finalmente la estrenó y fue un éxito de taquilla, pero el público le dio un recibimiento frío, sin entender lo que Singer había hecho. Tom Cruise, Kenneth Branagh, Tom Wilkinson y Bill Nighy encabezan el lujoso reparto de este retrato del famoso atentado fallido contra Hitler, que pudo cambiar el curso de la Historia. La película sale en DVD en cuatro ediciones: sencilla, especial (con un segundo disco lleno de entrevistas y documentales), para coleccionistas (se añade un documental de casi dos horas, fotogramas y un libreto, todo en una caja) y una edición exclusiva de los establecimientos Fnac (que incorpora a la de coleccionistas otro libro).

Críticas de la película en Blogdecine:

Bryan Singer: ‘Valkiria’

‘Valkiria’, la peor película de Bryan Singer

‘Más allá de los sueños’

Si lo que estás buscando es un producto para tus críos, y te da igual lo que haya dentro, puedes llevarte a casa esta comedia de la Disney con Adam Sandler al frente del reparto, haciendo todo tipo de bobadas. A los sobrinos de Skeeter (Sandler), les encanta oír un cuento antes de dormir; para entretenerles, su tío da rienda suelta a su imaginación y empieza a inventar cuentos en los que siempre él es el protagonista. Por la gracia de los guionistas, tan vagos como (seguramente) malpagados, las historias que Skeeter cuenta a sus sobrinos se convierten en realidad, más o menos, siempre que él reciba palos y nada de lo que se proponía en un principio. Al final… bueno, vale, no os “arruino” la película. La caja del DVD sólo trae un disco, pero está lleno de extras, para compensar la mala calidad de la producción dirigida por Adam Shankman (en la que, por cierto, también actúan Keri Russell, Guy Pearce, Courteney Cox, Lucy Lawless y Russell Brand); documentales, escenas eliminadas y tomas falsas son algunos de los contenidos.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Más allá de los sueños’, para niños y fans de Adam Sandler

‘La sombra del poder’

Otra interesante novedad en DVD. Se pone a la venta ‘La sombra del poder’, la adaptación al cine de una exitosa miniserie británica, que gira en torno a la corrupción política y el papel del periodismo moderno. Un thriller sumamente entretenido con estupendas interpretaciones, en el que destaca un estelar Russell Crowe, intachable como el único periodista que no descansa hasta descubrir la verdad en un complicado caso en el que un viejo amigo, prometedor congresista, está implicado. Ben Affleck, Helen Mirren, Rachel McAdams, Robin Wright Penn y Jason Bateman cierran el reparto protagonista de la película de Kevin Macdonald, responsable de ‘El último rey de Escocia’. El DVD viene con un reportaje sobre el rodaje y escenas inéditas, algo que, salvo excepciones, suele resultar bastante inútil, quedando claro por qué se quedaron fuera del montaje final.

Críticas de la película en Blogdecine:

‘La sombra del poder’, un denso thriller político y periodístico

‘La sombra del poder’, periodismo y conspiraciones

La sombra del poder y la luz de Russell Crowe

‘Rudo y Cursi’

Carlos Cuarón tiene suerte. El hermano del brillante Alfonso Cuarón, consigue que el director de ‘Hijos de los hombres’ y los también mexicanos (pero menos brillantes) Guillermo del Toro y Alejandro González Inárritu le produzcan su primera película, una comedia dramática sobre dos futbolistas a los que dan vida (seguimos con la “suerte”) los famosos Diego Luna y Gael García Bernal. ‘Rudo y cursi’ gira en torno a dos hermanos que juegan al fútbol y sueñan con una vida mejor, hasta que son descubiertos por un cazatalentos y empiezan a ver lo que produce el dinero y la fama. Al parecer, el DVD viene seco, sin extras.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Rudo y Cursi’, de hermanos y sobre hermanos

‘Paranoid Park’

Durante los próximos días también saldrá a la venta la última película del director Gus Van Sant que pasó por nuestros cines (se supone, sé de buena tinta que en varias ciudades, capitales de provincia, no se pudo ver, en el extraordinario caso de que alguien quisiera hacerlo, por supuesto, después de sufrir con ‘Gerry’ o ‘Last Days’). Basada en la novela de Blake Nelson, ‘Paranoid Park’ gira en torno a Alex, un adolescente aficionado al monopatín, que mata accidentalmente a un guardia de seguridad en los alrededores de un conflictivo parque público de Portland, no diciendo nada a nadie. El prestigioso se encargó de la fotografía de la película, que contó con un reparto compuesto por jóvenes desconocidos, reclutados, al parecer, a través de MySpace. El DVD trae interesantes extras como un “making of” y una entrevista al director, que ojalá se deje de tantos experimentos vacíos y se dedique más a rodar historias con secuencias donde pase algo, que se le dan bien.

Críticas de la película en Blogdecine:

‘Paranoid Park’, el cine ha muerto

‘Paranoid Park’, arriesgada radiografía sobre la culpa

‘Secret Sunshine’

Lo nuevo del coreano Lee Chang-dong, que regresó al cine tras su paso por la política, también sale a la venta en nuestro país. Se trata de un drama, duro y difícil, con extraños toques de comedia, sobre una joven madre que acaba de quedarse viuda y quiere empezar una nueva vida con su hijo en Miryang, el pueblo natal de su difunto marido. Todo parece ir bien hasta que la tragedia vuelve a cebarse con ella… El DVD viene bastante completito, con un documental sobre el rodaje y una entrevista con el director, siempre el extra más interesante (no entiendo esa tontería de los audiocomentarios).

Críticas de la película en Blogdecine:

‘Secret Sunshine’, un lugar aburrido

Miryang, luz asfixiante

‘Inglorious Bastards’

A partir de esta semana ya podéis comprar, fieles fanáticos de todo lo que lleve “Tarantino” en la caja, la edición especial, remasterizada y extendida de ‘Aquel maldito tren blindado’, dirigida por Enzo G. Castellari y, según parece, la película bélica favorita del director de ‘Malditos bastardos’. Como sabéis, el título original de la última de Quentin es ‘Inglourious Basterds’, y viene de ‘The Inglourius Bastards’, que es como se vendió la película de Castellari en Estados Unidos; ahora, para aprovechar el revuelo, se ha decidido que aquí también la vamos a conocer por ese nombre, pero sin el “the”, que así es mucho más pegadizo. Y por si somos tan tontos que no sabemos lo que nos están vendiendo.

Fred Williamson y Bo Svenson lideran una banda de conflictivos soldados que escapan de la cárcel con la intención de llegar a la frontera suiza, pero varios incidentes acabarán convirtiéndolos en voluntarios de una misión suicida donde tendrán que infiltrarse en territorio nazi dentro de la Francia ocupada. El DVD trae varios documentales y una (seguro que muy interesante) conversación entre Castellari y Quentin Tarantino.

‘Still Walking (Caminando)’

Los aficionados al cine asiático estamos de suerte esta semana (o no, si miramos la pobre cartera), ya que igualmente sale a la venta la última película del prestigioso director Hirokazu Kore-eda que llegó a España. El japonés, que triunfó con la dramática ‘Nadie sabe’, nos plantea de nuevo una historia familiar, que transcurre en un solo día, acerca de unos hijos adultos que regresan a casa para visitar a sus ancianos padres. En este caso, el DVD no trae ningún extra, salvo el tráiler y las típicas fichas informativas.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Still Walking’. Es importante seguir adelante

Ediciones especiales

Por si aún no habéis tenido suficiente, o no os interesan ninguna de las comentadas, sabed que también se ponen a la venta durante esta semana nuevas ediciones especiales de los siguientes títulos: ‘Déjame entrar’ (incluye un segundo disco lleno de extras y un libro), ‘Eduardo Manostijeras’, ‘El jovencito Frankenstein’ (las dos incluyen extras, libro, cartel y postales), ‘Payback’, ‘Viernes 13’, ‘El fin de San Petersburgo’ de Vsevolod Pudovkin, y dos obras maestras de S.M. Eisenstein, ‘Octubre’ y ‘La huelga’.

Vía | ZonaDVD

Woody Allen acaba de comenzar el rodaje de su nueva película en Londres, y aprovecha una entrevista para soltar otra de sus típicas perlas:

Rodar películas es como hacer el amor: uno se mete en el asunto esperanzado y generalmente acaba decepcionado.

Jaume Collet-Serra se fue de España a Estados Unidos y ya lleva tres películas (la última, ‘Orphan’, de próximo estreno). Aquí sabe que no habría podido, y añade:

El cine español podría arrasar como el deporte, pero no tiene industria. Hay mucho talento, das una patada a una piedra y te salen 40 personas muy válidas, pero los recursos que se aportan no son acordes a los valores que existen.

Michael Douglas se refiera a su padre, el mítico Kirk Douglas, en una entrevista con motivo del estreno del remake de la película ‘Más allá de la duda’:

El mejor consejo de mi padre fue: “Un día tus hijos se marcharán y quien estará contigo es tu pareja. Cuídala y gasta tu energía en ella”.

El director Eliseo Subiela expone por qué el público debería ver su película ‘No mires para abajo’, que se ha estrenado hoy:

Para aprender a hacer el amor como Dios manda.

Justin Long, uno de los protagonistas de ‘Arrástrame al infierno’, nos aclara cómo es el director Sam Raimi:

Es el más dulce del mundo, pero con la mente más retorcida. De los que disfruta poniendo su muñeco en el microondas para ver cómo se derrite.

El director Steven Soderbergh adelanta su adiós:

He tenido esta sensación desde hace años. Tengo una lista de cosas que quiero hacer (que espero poder hacer) y una vez que esté todo acabado, quizá simplemente desaparezca.

Sadrac González y Sonia Escolano han dirigido ‘Myna se va’, que dicen que contiene el plano secuencia más largo de la historia del cine español (33 minutos de agresiones sexuales sufridas por la protagonista). Sobre los gustos del público y lo que es comercial, el primero suelta esto:

A los españoles les encanta el cine estadounidense y en los Estados Unidos gusta el cine que se hace fuera

Daniel Benmayor ha debutado en el largometraje con ‘Paintball’ (un completo fracaso de taquilla) y ante la pregunta de si se ha pasado con la violencia, responde:

Hay más violencia en el telediario que en mi película.

Dicen que los tatuajes molan, pero a menudo crean problemas imprevistos. Ojo a las palabras del aspirante a actor Curtis Jackson, más conocido como el rapero “50 Cent”:

Me he quitado algunos tatuajes porque, si había que estar a las seis en punto en el set de rodaje, yo tenía que estar allí a las dos de la madrugada. Tenía que pasar por cuatro horas de maquillaje antes de ir y hacer mi papel.

Ben Affleck ha hablado (ha roto su silencio, que dirían en esos vomitivos programas del corazón) sobre su famosa etapa con Jennifer Lopez, calificándola (a la etapa) de negativa para su carrera y para sí mismo, culpando sobre todo a los medios, aunque también reconoce que se equivocó tomando ese camino. ¿Y ahora qué tal?

Mi trabajo ya no es tan importante. Decir que tener una familia ha cambiado mi vida es un cliché. Pero es cierto, ha recompuesto mi vida y me ha hecho verlo todo más claro.

PD: Un consejo de Woody si vas a hacer un casting: “[Evitar a las] actrices que se encuentran muy seguras de sí mismas. Ante ese tipo de gente hay que tener siempre mucho cuidado”.

Vía | Adn, Clarín, Elperiódico, ElPaís, Worstpreviews, Eitb

No hay en ‘Paranoid Park’ nada que no se pueda encontrar en las mencionadas, pero al menos sí una fuerte (y más acertada) apuesta por llevar más allá su estilo personal, aquí más acentuado, que intenta ahondar, o más bien, enseñar al espectador la lucha y debate que se produce en el interior de un joven skater por superar el sentimiento de culpabilidad.

No se le puede negar que Van Sant logra una arriesgada y valiente puesta en escena, llena de ejercicios visuales acompañados de un original uso del sonido que consiguen efectivas escenas. Sin embargo, el acentuado estilo del realizador se impone, se encarga de quedar subrayado por encima de la historia, encallando en algunos momentos la narración para deleitarse con la cámara subjetiva, la ralentización combinada con música y sonidos dispares.

Van Sant adapta libremente una novela homónima de Blake Nelson, que cuenta la historia de cómo la muerte accidental de un agente de seguridad afecta a la nihilista y hermética vida de un joven aficionado al monopatín. Como es lógico, la familia desestructurada, unas amistades y novia que no le convencen, le llevan a soportar una cierta soledad que se vuelve dura cuando lucha por digerir el malogrado incidente. La historia es tratada a modo de puzzle, con una narración que rompe la estructura temporal y que juega con la cronología de los sucesos para conseguir lo más interesante de la propuesta: que el espectador, testigo único de la verdad, vaya asumiendo junto con el protagonista mientras va descubriendo y reconstruyendo el relato.

Como digo, el realizador logra un efectivo resultado, aunque parece más entusiasmado por llevar más allá su ejercicio visual (y sonoro), que otorgarle mayor desarrollo a las subtramas y a los secundarios. Por ello, más allá del fuerte delirio imaginativo no se madura el trayecto hacia la redención del protagonista, y acaba tomando el camino más fácil.

No por ello, se puede denostar el excelente trabajo del polémico Van Sant. Es cierto que logra momentos de poderosa hipnosis, de alcanzar una inspirada y original manera de mostrar el sentimiento y el pensamiento del personaje, con una mirada subjetiva que sigue, en cierto modo, la línea marcada en anteriores obras. Una aproximación personal al complejo mundo de jóvenes que ya nos apuntara en ‘Elephant’, aunque con motivaciones distintas (en ésta la culpa se veía con cruel objetividad) y resultado bien diferente. En ‘Paranoid Park’ acentúa el sentimiento de culpabilidad pero explorando la conciencia, la necesidad de contar lo sucedido (como un vómito que vacíe la conciencia) para encontrar la paz, cuando el paisaje de alrededor no facilita precisamente asumirla, y lo consigue con un obra más redonda, coherente y muy sugerente.

A todo ello hay que unir el gran trabajo (atípico) de Christopher Doyle, que aporta una fotografía espléndida, brillante y que logra elevar la arriesgada apuesta de Van Sant y otorgarle mayor veracidad. Se juega con distintos formatos que enriquecen la fragmentada narración.

Tampoco se puede obviar el elogiable trabajo que el realizador extrae de los actores principales (en especial de Gabe Nevins), noveles seleccionados a través de una casting en MySpace.

Mi puntuación:

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Paranoid Park’, el cine ha muerto