Los nazis y los bastardos están de moda esta semana en España. Aprovechando el estreno de la última película de Quentin Tarantino (de la que os hablaré en breve), que está en nuestros cines desde el pasado viernes, el mercado del DVD se actualiza con dos importantes novedades que, sin duda, están relacionadas con ‘Malditos bastardos’. Por supuesto, hay más novedades destacables y una buena colección de nuevas ediciones especiales, para gastar más dinero en este vicio nuestro que es el séptimo arte.

‘Valkiria’

Esta semana se pone a la venta la última película de Bryan Singer, el famoso realizador de ‘Sospechosos habituales’, ‘X-Men’ y ‘Superman Returns’. Con ‘Valkiria’, Singer trató de ofrecer un thriller de espionaje realista y humano, tenso y espectacular, para lo cual se llevó más tiempo del que estaba previsto, retrasando el estreno para rodar más escenas y creando la sospecha de que la película se le había ido de las manos. Finalmente la estrenó y fue un éxito de taquilla, pero el público le dio un recibimiento frío, sin entender lo que Singer había hecho. Tom Cruise, Kenneth Branagh, Tom Wilkinson y Bill Nighy encabezan el lujoso reparto de este retrato del famoso atentado fallido contra Hitler, que pudo cambiar el curso de la Historia. La película sale en DVD en cuatro ediciones: sencilla, especial (con un segundo disco lleno de entrevistas y documentales), para coleccionistas (se añade un documental de casi dos horas, fotogramas y un libreto, todo en una caja) y una edición exclusiva de los establecimientos Fnac (que incorpora a la de coleccionistas otro libro).

Críticas de la película en Blogdecine:

Bryan Singer: ‘Valkiria’

‘Valkiria’, la peor película de Bryan Singer

‘Más allá de los sueños’

Si lo que estás buscando es un producto para tus críos, y te da igual lo que haya dentro, puedes llevarte a casa esta comedia de la Disney con Adam Sandler al frente del reparto, haciendo todo tipo de bobadas. A los sobrinos de Skeeter (Sandler), les encanta oír un cuento antes de dormir; para entretenerles, su tío da rienda suelta a su imaginación y empieza a inventar cuentos en los que siempre él es el protagonista. Por la gracia de los guionistas, tan vagos como (seguramente) malpagados, las historias que Skeeter cuenta a sus sobrinos se convierten en realidad, más o menos, siempre que él reciba palos y nada de lo que se proponía en un principio. Al final… bueno, vale, no os “arruino” la película. La caja del DVD sólo trae un disco, pero está lleno de extras, para compensar la mala calidad de la producción dirigida por Adam Shankman (en la que, por cierto, también actúan Keri Russell, Guy Pearce, Courteney Cox, Lucy Lawless y Russell Brand); documentales, escenas eliminadas y tomas falsas son algunos de los contenidos.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Más allá de los sueños’, para niños y fans de Adam Sandler

‘La sombra del poder’

Otra interesante novedad en DVD. Se pone a la venta ‘La sombra del poder’, la adaptación al cine de una exitosa miniserie británica, que gira en torno a la corrupción política y el papel del periodismo moderno. Un thriller sumamente entretenido con estupendas interpretaciones, en el que destaca un estelar Russell Crowe, intachable como el único periodista que no descansa hasta descubrir la verdad en un complicado caso en el que un viejo amigo, prometedor congresista, está implicado. Ben Affleck, Helen Mirren, Rachel McAdams, Robin Wright Penn y Jason Bateman cierran el reparto protagonista de la película de Kevin Macdonald, responsable de ‘El último rey de Escocia’. El DVD viene con un reportaje sobre el rodaje y escenas inéditas, algo que, salvo excepciones, suele resultar bastante inútil, quedando claro por qué se quedaron fuera del montaje final.

Críticas de la película en Blogdecine:

‘La sombra del poder’, un denso thriller político y periodístico

‘La sombra del poder’, periodismo y conspiraciones

La sombra del poder y la luz de Russell Crowe

‘Rudo y Cursi’

Carlos Cuarón tiene suerte. El hermano del brillante Alfonso Cuarón, consigue que el director de ‘Hijos de los hombres’ y los también mexicanos (pero menos brillantes) Guillermo del Toro y Alejandro González Inárritu le produzcan su primera película, una comedia dramática sobre dos futbolistas a los que dan vida (seguimos con la “suerte”) los famosos Diego Luna y Gael García Bernal. ‘Rudo y cursi’ gira en torno a dos hermanos que juegan al fútbol y sueñan con una vida mejor, hasta que son descubiertos por un cazatalentos y empiezan a ver lo que produce el dinero y la fama. Al parecer, el DVD viene seco, sin extras.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Rudo y Cursi’, de hermanos y sobre hermanos

‘Paranoid Park’

Durante los próximos días también saldrá a la venta la última película del director Gus Van Sant que pasó por nuestros cines (se supone, sé de buena tinta que en varias ciudades, capitales de provincia, no se pudo ver, en el extraordinario caso de que alguien quisiera hacerlo, por supuesto, después de sufrir con ‘Gerry’ o ‘Last Days’). Basada en la novela de Blake Nelson, ‘Paranoid Park’ gira en torno a Alex, un adolescente aficionado al monopatín, que mata accidentalmente a un guardia de seguridad en los alrededores de un conflictivo parque público de Portland, no diciendo nada a nadie. El prestigioso se encargó de la fotografía de la película, que contó con un reparto compuesto por jóvenes desconocidos, reclutados, al parecer, a través de MySpace. El DVD trae interesantes extras como un “making of” y una entrevista al director, que ojalá se deje de tantos experimentos vacíos y se dedique más a rodar historias con secuencias donde pase algo, que se le dan bien.

Críticas de la película en Blogdecine:

‘Paranoid Park’, el cine ha muerto

‘Paranoid Park’, arriesgada radiografía sobre la culpa

‘Secret Sunshine’

Lo nuevo del coreano Lee Chang-dong, que regresó al cine tras su paso por la política, también sale a la venta en nuestro país. Se trata de un drama, duro y difícil, con extraños toques de comedia, sobre una joven madre que acaba de quedarse viuda y quiere empezar una nueva vida con su hijo en Miryang, el pueblo natal de su difunto marido. Todo parece ir bien hasta que la tragedia vuelve a cebarse con ella… El DVD viene bastante completito, con un documental sobre el rodaje y una entrevista con el director, siempre el extra más interesante (no entiendo esa tontería de los audiocomentarios).

Críticas de la película en Blogdecine:

‘Secret Sunshine’, un lugar aburrido

Miryang, luz asfixiante

‘Inglorious Bastards’

A partir de esta semana ya podéis comprar, fieles fanáticos de todo lo que lleve “Tarantino” en la caja, la edición especial, remasterizada y extendida de ‘Aquel maldito tren blindado’, dirigida por Enzo G. Castellari y, según parece, la película bélica favorita del director de ‘Malditos bastardos’. Como sabéis, el título original de la última de Quentin es ‘Inglourious Basterds’, y viene de ‘The Inglourius Bastards’, que es como se vendió la película de Castellari en Estados Unidos; ahora, para aprovechar el revuelo, se ha decidido que aquí también la vamos a conocer por ese nombre, pero sin el “the”, que así es mucho más pegadizo. Y por si somos tan tontos que no sabemos lo que nos están vendiendo.

Fred Williamson y Bo Svenson lideran una banda de conflictivos soldados que escapan de la cárcel con la intención de llegar a la frontera suiza, pero varios incidentes acabarán convirtiéndolos en voluntarios de una misión suicida donde tendrán que infiltrarse en territorio nazi dentro de la Francia ocupada. El DVD trae varios documentales y una (seguro que muy interesante) conversación entre Castellari y Quentin Tarantino.

‘Still Walking (Caminando)’

Los aficionados al cine asiático estamos de suerte esta semana (o no, si miramos la pobre cartera), ya que igualmente sale a la venta la última película del prestigioso director Hirokazu Kore-eda que llegó a España. El japonés, que triunfó con la dramática ‘Nadie sabe’, nos plantea de nuevo una historia familiar, que transcurre en un solo día, acerca de unos hijos adultos que regresan a casa para visitar a sus ancianos padres. En este caso, el DVD no trae ningún extra, salvo el tráiler y las típicas fichas informativas.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Still Walking’. Es importante seguir adelante

Ediciones especiales

Por si aún no habéis tenido suficiente, o no os interesan ninguna de las comentadas, sabed que también se ponen a la venta durante esta semana nuevas ediciones especiales de los siguientes títulos: ‘Déjame entrar’ (incluye un segundo disco lleno de extras y un libro), ‘Eduardo Manostijeras’, ‘El jovencito Frankenstein’ (las dos incluyen extras, libro, cartel y postales), ‘Payback’, ‘Viernes 13’, ‘El fin de San Petersburgo’ de Vsevolod Pudovkin, y dos obras maestras de S.M. Eisenstein, ‘Octubre’ y ‘La huelga’.

Vía | ZonaDVD

Woody Allen acaba de comenzar el rodaje de su nueva película en Londres, y aprovecha una entrevista para soltar otra de sus típicas perlas:

Rodar películas es como hacer el amor: uno se mete en el asunto esperanzado y generalmente acaba decepcionado.

Jaume Collet-Serra se fue de España a Estados Unidos y ya lleva tres películas (la última, ‘Orphan’, de próximo estreno). Aquí sabe que no habría podido, y añade:

El cine español podría arrasar como el deporte, pero no tiene industria. Hay mucho talento, das una patada a una piedra y te salen 40 personas muy válidas, pero los recursos que se aportan no son acordes a los valores que existen.

Michael Douglas se refiera a su padre, el mítico Kirk Douglas, en una entrevista con motivo del estreno del remake de la película ‘Más allá de la duda’:

El mejor consejo de mi padre fue: “Un día tus hijos se marcharán y quien estará contigo es tu pareja. Cuídala y gasta tu energía en ella”.

El director Eliseo Subiela expone por qué el público debería ver su película ‘No mires para abajo’, que se ha estrenado hoy:

Para aprender a hacer el amor como Dios manda.

Justin Long, uno de los protagonistas de ‘Arrástrame al infierno’, nos aclara cómo es el director Sam Raimi:

Es el más dulce del mundo, pero con la mente más retorcida. De los que disfruta poniendo su muñeco en el microondas para ver cómo se derrite.

El director Steven Soderbergh adelanta su adiós:

He tenido esta sensación desde hace años. Tengo una lista de cosas que quiero hacer (que espero poder hacer) y una vez que esté todo acabado, quizá simplemente desaparezca.

Sadrac González y Sonia Escolano han dirigido ‘Myna se va’, que dicen que contiene el plano secuencia más largo de la historia del cine español (33 minutos de agresiones sexuales sufridas por la protagonista). Sobre los gustos del público y lo que es comercial, el primero suelta esto:

A los españoles les encanta el cine estadounidense y en los Estados Unidos gusta el cine que se hace fuera

Daniel Benmayor ha debutado en el largometraje con ‘Paintball’ (un completo fracaso de taquilla) y ante la pregunta de si se ha pasado con la violencia, responde:

Hay más violencia en el telediario que en mi película.

Dicen que los tatuajes molan, pero a menudo crean problemas imprevistos. Ojo a las palabras del aspirante a actor Curtis Jackson, más conocido como el rapero “50 Cent”:

Me he quitado algunos tatuajes porque, si había que estar a las seis en punto en el set de rodaje, yo tenía que estar allí a las dos de la madrugada. Tenía que pasar por cuatro horas de maquillaje antes de ir y hacer mi papel.

Ben Affleck ha hablado (ha roto su silencio, que dirían en esos vomitivos programas del corazón) sobre su famosa etapa con Jennifer Lopez, calificándola (a la etapa) de negativa para su carrera y para sí mismo, culpando sobre todo a los medios, aunque también reconoce que se equivocó tomando ese camino. ¿Y ahora qué tal?

Mi trabajo ya no es tan importante. Decir que tener una familia ha cambiado mi vida es un cliché. Pero es cierto, ha recompuesto mi vida y me ha hecho verlo todo más claro.

PD: Un consejo de Woody si vas a hacer un casting: “[Evitar a las] actrices que se encuentran muy seguras de sí mismas. Ante ese tipo de gente hay que tener siempre mucho cuidado”.

Vía | Adn, Clarín, Elperiódico, ElPaís, Worstpreviews, Eitb

Para afrontar esta nueva entrega del personal y remarcado estilo de Gus Van Sant hay que olvidarse de las vestiduras del cine comercial de buena factura con la que nos deleitó en ‘Mi nombre es Harvey Milk’ (anterior estreno pero posterior realización), para adentrarse en la perturbadora historia de un adolescente intentando asumir el peso de la culpa bajo su personal prisma radical e indie. Para ello, Van Sant retoma su batuta de autor en la línea de sus discutidas ‘Garry’, ‘Last Days’ y ‘Elephant’, pero alcanzando un resultado más sorprendente y elogiable.

No hay en ‘Paranoid Park’ nada que no se pueda encontrar en las mencionadas, pero al menos sí una fuerte (y más acertada) apuesta por llevar más allá su estilo personal, aquí más acentuado, que intenta ahondar, o más bien, enseñar al espectador la lucha y debate que se produce en el interior de un joven skater por superar el sentimiento de culpabilidad.

No se le puede negar que Van Sant logra una arriesgada y valiente puesta en escena, llena de ejercicios visuales acompañados de un original uso del sonido que consiguen efectivas escenas. Sin embargo, el acentuado estilo del realizador se impone, se encarga de quedar subrayado por encima de la historia, encallando en algunos momentos la narración para deleitarse con la cámara subjetiva, la ralentización combinada con música y sonidos dispares.

Van Sant adapta libremente una novela homónima de Blake Nelson, que cuenta la historia de cómo la muerte accidental de un agente de seguridad afecta a la nihilista y hermética vida de un joven aficionado al monopatín. Como es lógico, la familia desestructurada, unas amistades y novia que no le convencen, le llevan a soportar una cierta soledad que se vuelve dura cuando lucha por digerir el malogrado incidente. La historia es tratada a modo de puzzle, con una narración que rompe la estructura temporal y que juega con la cronología de los sucesos para conseguir lo más interesante de la propuesta: que el espectador, testigo único de la verdad, vaya asumiendo junto con el protagonista mientras va descubriendo y reconstruyendo el relato.

Como digo, el realizador logra un efectivo resultado, aunque parece más entusiasmado por llevar más allá su ejercicio visual (y sonoro), que otorgarle mayor desarrollo a las subtramas y a los secundarios. Por ello, más allá del fuerte delirio imaginativo no se madura el trayecto hacia la redención del protagonista, y acaba tomando el camino más fácil.

No por ello, se puede denostar el excelente trabajo del polémico Van Sant. Es cierto que logra momentos de poderosa hipnosis, de alcanzar una inspirada y original manera de mostrar el sentimiento y el pensamiento del personaje, con una mirada subjetiva que sigue, en cierto modo, la línea marcada en anteriores obras. Una aproximación personal al complejo mundo de jóvenes que ya nos apuntara en ‘Elephant’, aunque con motivaciones distintas (en ésta la culpa se veía con cruel objetividad) y resultado bien diferente. En ‘Paranoid Park’ acentúa el sentimiento de culpabilidad pero explorando la conciencia, la necesidad de contar lo sucedido (como un vómito que vacíe la conciencia) para encontrar la paz, cuando el paisaje de alrededor no facilita precisamente asumirla, y lo consigue con un obra más redonda, coherente y muy sugerente.

A todo ello hay que unir el gran trabajo (atípico) de Christopher Doyle, que aporta una fotografía espléndida, brillante y que logra elevar la arriesgada apuesta de Van Sant y otorgarle mayor veracidad. Se juega con distintos formatos que enriquecen la fragmentada narración.

Tampoco se puede obviar el elogiable trabajo que el realizador extrae de los actores principales (en especial de Gabe Nevins), noveles seleccionados a través de una casting en MySpace.

Mi puntuación:

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Paranoid Park’, el cine ha muerto

Les guste a algunos o no, lo cierto es que el cine se desarrolló sobre todo en la etapa muda, y después poco más se ha investigado en cuanto a sus formas y posibilidades. Algunos dicen que la causa principal es la llegada del sonido, o más bien de los diálogos, que hacen más literarias las películas. Pero hay teorías para todos los gustos. Aunque me parece poco discutible que, sobre todo en Estados Unidos, los estudios hicieron propio un esquema que, con ciertas variaciones (algunas de ellas muy interesantes), desarrollaron durante los años 30, 40 y 50, perfeccionándolo y dando forma a lo que se entiende, mal, como clasicismo.

Este clasicismo no es más (ni menos, ciertamente), que una representación deudora de la novela del siglo XIX y del teatro de principios del siglo XX, con presentación, nudo y desenlace, con conflictos y objetivos, con personajes protagonistas y secundarios, y el director como un director de teatro, que se encarga de que todo funcione, pero sin dejar una huella personal en muchas ocasiones, supeditado a las necesidades del estudio y las estrellas. El cine clásico (lo que signifique está equívoca expresión) es sólo un cine, no es el Cine.

Ahora, casi tres décadas después del colapso del sistema de los estudios, muchos claman que nos encontramos con un cine (sobre todo norteamericano) deprimente, repetitivo y sin ideas. Pero a mi juicio creo que muchos espectadores están demasiado condicionados por el pasado del cine norteamericano, que abrió ventanas al futuro sólo en el caso de grandes directores como Howard Hawks, Orson Welles, Alfred Hitchcock o John Ford, pero que, como todo “sistema”, encorsetó la representación audiovisual hasta que la fórmula se agotó sin remisión. Los directores importantes de ahora mismo, los que tienen algo que decir, o bien investigan formas de representación opuestas (aunque conociéndolas profundamente) al cine clásico, o bien se alimentan de otras cinematografías y las implementan a su herencia. Gus Van Sant pertenece al primer grupo.

Realmente lo más lógico es que muchos detesten su cine. Estoy seguro de que este director es bien consciente de ello. Y realmente le importa muy poco. Su trayectoria es irregular, extraña y fascinante, y conforme pasan los años y va cerrando su discurso y perfilando más su mirada, más irregular, extraña y fascinante resulta, pero también más importante, pues se erige en crónica (como de una forma muy diferente hace Clint Eastwood en ‘Gran Torino’) de un país en proceso de desintegración moral y social, que se debate entre sus fantasmas como una bestia errabunda, cuyos héroes no son más que reminiscencias de un pasado cada vez más lejano, y cuyo presente es un paisaje fantasmal en el que es casi imposible reconocer a víctima y asesino, al héroe del villano. La vida por fin se abre camino en el cine norteamericano. Lo quieran algunos cinéfilos o no, el pasado (por suerte) nunca vuelve, y los puentes hacia el futuro están ahí.

Y la primera imagen de este alucinado y alucinante, lisérgico casi, ‘Paranoid Park’ es precisamente el puente más grande de Portland, recortado sobre un cielo gris y cuajado de nubes azules, que amenazan tormenta, con la imagen acelerada. Sobre ese puente pasan los títulos de crédito acompañados de una música desconcertante, esquizofrénica, que mezcla sin pudor lo plácido con lo alocado, notas de suspense con arpas celestiales. Ya con el primer plano sabemos que no vamos a asistir a cine predigerido, predecible u ortodoxo. Y ya desde el comienzo advertimos un trabajo de creación sonora muy complejo, que no siempre acompaña a las imágenes en un contínuo temporal, sino que elabora por su cuenta una trama sonora que otorga a la secuencia significados dispares, que la enriquece, en suma, con ecos, susurros, temas musicales fantasmagóricos y lánguidos.

El responsable de la calidad de la imagen es el ya legendario director de fotografía Christopher Doyle (que venía de filmar la maravilla ‘Lady in the Water’ y que por cierto tiene una pequeña aparición en la película como el tío del protagonista) quien en colaboración con Rain Li, y en evidente complicidad con Van Sant, construye un imaginario visual realmente único, consistente en una gama infinita de grises y cololores desaturados, muy acorde con la atmósfera fantasmal que se pretende crear. Con una gran libertad, filman en 35 mm. y a continuación en 16 mm., ralentizando la imagen, como si fuera un sueño del que no podemos despertar. Planificando desde el estilo que Van Sant lleva edificando desde hace veinte años, pero añadiéndole mayor fluidez y flexibilidad, olvidándose del punto de vista de los personajes y adquiriendo uno etéreo, volátil, que se adentra no sólo en las vivencias del skater protagonista, sino sobre todo en su mente y en sus sentimientos más primarios.

Planos largos y densos, auténtico atentado directo y mortal contra la narración cinematográfica tradicional, saltos aparentemente arbitrarios en el tiempo que se niegan a contar la historia como otros podrían contarla, y que se convierten en personalísimas formas de acercarse a esta compleja historia de skaters desorientados, zombies, alejados de cualquier pensamiento pragmático, incapaces de adaptarse a un mundo que no sea el suyo propio interior, representado en un parque paranoide que obedece tan solo sus propias reglas y al que sólo los iniciados pueden acceder. Más que una historia criminal sobre skaters, deviene parábola del mundo interior del adolescente sumergido en infinitas dudas y carentes de atención y comprensión.

Una vez más, acompañamos por un itinerario pesadillesco a uno de los adolescentes hermosos y errabundos de Van Sant. De todos ellos, quizá Alex (interpretado con convincente neutralidad por Gabe Nevins), sea el más hermoso. Por momentos, pareciera que Van Sant le dedique una declaración de amor con la cámara, pues entrega numerosos primeros planos al rostro de este muchacho, tan bello que parece una muchacha, y tan trágico que sus momentos de skater (y los movimientos de otros skater) parecen una canción de dolor por la multiforme y siempre posible crueldad del mundo. Muchos no entrarán en estas imágenes, les repugnarán o las considerarán equivocadas, elititistas o falsamente artísticas. Directamente una negación del cine.

Yo personalmente creo que no se le puede pedir más al cine. Y de todas formas el cine me importa poco, me interesa más lo que se puede hacer con sus restos, a dónde se puede llegar con él. El cine ha muerto, larga vida al cine.

El extraño Gus Van Sant es uno de esos grandes hombres de cine dispuestos a no enconsertarse bajo ningún concepto, y de sorprender incluso a los propios acérrimos seguidores. Ahora que parecía dispuesto a llegar más lejos que nadie en su incansable bombardeo de las convenciones narrativas de su país, regresa, en apariencia nada más, a un cine más accesible, si bien minado con inteligentes y sutiles cargas de profundidad que lo alejan de cualquier clasificación facilona.

Pese a todo, su nominación al Oscar como mejor película, entre otras nominaciones (competición a la que ha acudido con la etiqueta de perdedora de relleno, aunque posiblemente sea la más sólida y brillante de las cinco), quizá le haya dado mayor presencia mediática de la que habría tenido en caso contrario, y quizá algunos hayan pensado que Van Sant se ha entregado al mainstream, aunque en opinión de quien esto escribe, el director continúa con su indagación en el derrumbe físico y moral de una Norteamérica paralizada por el miedo y el odio.

Muy diferente a otros biopics al uso, descreída al mismo tiempo que apasionada, ‘Milk’ (título mucho más sugerente, por razones obvias, que el español), es un film escrito con inusitada destreza por Dustin Lance Black (reconocido gay), que guarda un impecable equilibrio entre todas las ramificaciones de la vida del protagonista, ya sean la política, la íntima, la histórica o la especulativa, ofreciendo a un héroe al que la película no se priva de tratar como tal, pero al que son lo suficientemente sensibles como para dotar de una vida y una verdad incuestionables, y que se erige como otra gran figura trágica norteamericana, en su lucha incansable de los derechos humanos universales.

Porque este relato no sólo se construye en torno al activismo de la comunidad gay de ese país, sino que es, ante todo, un relato universal de la lucha del hombre contra la intolerancia y la represión. En ese sentido, es admirable con qué facilidad mueve y conmueve al espectador, sin caer en demasiadas trampas de guión, ni en clichés o recursos melodramáticos (aunque en algún detalle sí que cargan las tintas hacia un tono que bordea el melodrama, sin llegar a comprometer el estilo realista), sin escatimar todo el dolor y la lucha que suponen enfrentarse al orden establecido y reclamar lo que es propio como ser humano.

De forma lenta, pero paulatina y progresiva, inapelable, este relato te va atrapando con una narración noble y sobria, que sin embargo a menudo sorprende con decisiones plásticas muy setenteras, que junto con un montaje (este sí) perfecto, termina formando un collage elaborado con precisión, gracias también a una recreación histórica ejemplar, que a lo largo de casi una década es marco de unos acontecimientos que deberían sonrojar a todo homófobo que se precie, pues tal como decía Sean Penn al recoger su Oscar (superando sorpresivamente a Mickey Rourke), sus nietos se avergonzarán de ellos cuando sepan lo que les hicieron a sus semajantes.

El tema de la represión contra la homosexualidad (o contra todo tipo de sexualidad diferente a la preestablecida como normal, otra de las lacras de las religiones, concretamente en este caso de la cristiana, y de la ignorancia que tanto ayuda a que los poderosos manipulen a las masas) deviene así mancha oscura de la reciente historia de la humanidad; pero en ningún momento se alecciona o se adoctrina. Los responsables de esta maravillosa película se limitan a contarnos unos acontecimientos reales, con ternura, cariño y con los ojos dolidos.

Y nos duelen también a nosotros los ojos, y el alma, con estas imágenes cercanas a lo documental o al cinema verité (la fotografía del gran operador Harris Savides, que emula, con un aspecto de imagen 1.85:1, con abundante grano y con colores desaturados, las imágenes de televisión de la época, insertadas a veces en las secuencias, y que parecen casi filmadas por los mismos cineastas), y nos conmocionan estos personajes tan reales como la vida misma, o más aún, todos ellos interpretados por un grupo de actores, a falta de otra palabra mejor, irreprochable.

Aunque es justo nombrar a Penn por encima de todos ellos. El californiano está inconmensurable en un papel mucho más difícil de lo que puede parecer a priori, pues un personaje tan amanerado, tan excesivo, podría dar pie a una creación pagada de sí misma, autocomplaciente y de lucimiento personal. Nada más lejos. Penn, en su plenitud, ofrece su mejor versión, se mete en carne viva y el resultado electriza la pantalla, la impregna de dignidad y de coraje. Y es que este hombre es ya, sin lugar a muchas dudas, el mejor intérprete norteamericano de su generación.

En Blogdecine:

‘Mi nombre es Harvey Milk’, la brillante historia de un mártir

Oscars 2009: ‘Mi nombre es Harvey Milk’

‘Mi nombre es Harvey Milk’, luchando con las mismas armas

Danny Boyle se ha llevado el Oscar a mejor director, entregado por Reese Whiterspoon (¿qué ha sido de esta chica?). La labor de Boyle en ‘Slumdog Millionaire’ es la que más ha convencido a la Academia de Hollywood, y el director lo ha agradecido con un discurso algo largo y, cómo no, aburrido.

En fina, señoras y señores, esto va llegando a su final, y prácticamente está entrando todo en lo previsible. La cosa ésta se va a llevar unos ocho Oscars. Lo dije en su momento. Como odio tener razón.

‘Milk’, que en nuestro país el ser que se dedica a poner títulos a las películas ha bautizado como ‘Mi nombre es Harvey Milk’, haciendo alusión a la forma de empezar el nombrado sus discursos (sueño con el día en el que las películas conserven su título original siempre), es la última película de Gus Van Sant, director tan temible como admirable. En los últimos años le dio por marear al personal con atentados al séptimo arte como ‘Gerry’ o ‘Last Days’. Aún pendiente de estreno su ‘Paranoid Park’, que promete ir por la misma senda, algunos le teníamos mucho miedo a este biopic sobre Harvey Milk.

Sin embargo, el propio Sant, consciente de que una historia de alguien que se atrevió a romper prejuicios en contra de los homosexuales, tenía que llegar a cuánta más gente mejor, no ha dudado un instante en realizar una película más accesible al público general. Tanto es así que hablamos de un film de una major, de producción estimable, y claras expectativas a ser premiada. Van Sant regresa al mainstream, y los resultados son importantes, aunque no perfectos.

‘Mi nombre es Harvey Milk’ narra los últimos años de la vida de Harvey Milk, desde su encuentro con una de sus parejas en el metro de Nueva York, hasta 1978, año en el que le asesinaron. En ese tiempo se ganó la confianza y el respeto de un montón de gente, por su valor, su entrega y su incansable dedicación a que los gays fueran vistos como personas con los mismos derechos que todo el mundo, intentado derribar las absurdas barreras mentales del resto de los mortales (algo que a día de hoy, creo que aún no se ha logrado, tristemente). También se ganó el odio de unos cuantos. Harvey Milk fue el primer político abiertamente gay de los Estados Unidos, propagando un mensaje de esperanza y libertad, que empezó en una pequeña tienda de fotografía en el barrio Castro en San Francisco.

Gus Van Sant acierta de lleno en el dibujo de su personaje, el verdadero alma mater de la película. Harvey Milk no es elevado a los altares, como hubiera sido de esperar. Un hombre normal y corriente, que hizo cosas que cambiaron la forma de pensar de mucha gente, y el eco de sus palabras aún retumba en nuestros días. Lo cierto es que esa no glorificación del personaje, huyendo de las típicas producciones norteamericanas, le sienta muy bien al film, aunque hay que decir que tampoco hace lo contrario, a pesar de algunos tratos políticos no demasiado honestos (Milk subió al poder y luchó con las mismas armas que los de arriba, puede ser ésa la lectura). Evidentemente, Sean Penn se adueña de la película a través de este personaje, un caramelo para cualquier actor que quiera lucirse de verdad. Y eso es lo que hace el intérprete ganador de un Oscar por ‘Mystic River’, lucirse como pocas veces ha hecho. Su voz, sus cuidados gestos, su pose, hacen de Milk un personaje atractivo y estimulante para todo el mundo, a ratos fascinante. El extraordinario trabajo del actor es una de esas perlas, a veces tan raras de encontrar, que por momentos la película es única y exclusivamente él, y lo demás parece no contar.

Al fin y al cabo, una de las grandes bazas de ‘Mi nombre es Harvey Milk’ es su reparto, perfecto en su totalidad. Josh Brolin, James Franco, Emile Hirsch y Diego Luna ofrecen registros algo atípicos en ellos, y demuestra lo buenos que pueden llegar a ser esos actores, algunos apartándose totalmente de su habitual imagen. Van Sant demuestra ser un excelente director de actores, quedando el film como un gran mosaico de buenos intérpretes, todos con su importancia en el film. Y el envoltorio no puede ser más “perfecto”. La música de Danny Elfman, la fotografía de Harris Savides (‘Zodiac’), más la impecable dirección artística (que reconstruye el San Francisco de los años 70 con un trabajo lleno de detalles) visten las andanzas de todos los personajes con inusitada facilidad, transmitiendo una realidad palpable.

Pero ‘Mi nombre es Harvey Milk’ no puede ocultar sus enormes ansias de gustar a la gran audiencia, sin renunciar a posible adeptos del círculo de fans del director. Algunos flashes le delatan al respecto, como por ejemplo, los momentos posteriores al encuentro en el metro, visualizando el primer encuentro amoroso del protagonista a base de primeros planos intercalados, que remiten a las recientes experiencias fílmicas de Van Sant. Luego acomete en una mayor contención, y a pesar de que imprime un ritmo estupendo al devenir de la historia, ésta tiene algún que otro punto débil en la descripción de alguno de los personajes. Baste citar la ambigüedad del que da vida Josh Brolin: a veces está muy lograda, otras no tanto, y sus motivaciones quedan un poco en el aire.

‘Mi nombre es Harvey Milk’ está nominada a ocho Oscars. No todas las nominaciones me parecen merecidas. Eso sí, los trabajos de Penn, Brolin y Elfman son dignos de elogio. Pero independientemente de unos premios que todo el mundo ve y todo el mundo rechaza, ‘Mi nombre es Harvey Milk’ es una película emocionante, sincera, que provoca el debate y no deja indiferente. Remueve conciencias con naturalidad, sin resultar ofensiva ni maniquea. Pero dada la enorme competencia que hay este año en los Oscars, mucho me temo que Van Sant se quedará sin premio, seguido de los otro siete candidatos. O no.

En Blogdecine:

• ‘Mi nombre es Harvey Milk’, la brillante historia de un mártir

• ‘Mi nombre es Harvey Milk’, luchando con las mismas armas

‘Mi nombre es Harvey Milk’ (‘Milk’) se sitúa durante los años setenta, cuando Harvey Milk (Sean Penn) se muda a San Francisco junto con su pareja (James Franco) para abandonar la vida aburrida y encorsetada que llevaba como empleado de una gran empresa. En la calle Castro habitan muchos otros homosexuales, tanto que la zona se convierte en un enorme gueto donde pueden expresarse con libertad y reivindicar respeto. Llevando este movimiento más allá, Milk decide entrar en política y comienza una campaña por los derechos de los hombres y las mujeres gays.

Aunque es autor de varios títulos interesantes, Gus Van Sant, cuando no daba en el clavo, parecía no conocer el término medio e intercalaba productos de excesivo clasicismo con experimentos de dudoso fundamento o consistencia. La historia real del congresista Harvey Milk, utilizada como base para probar una de sus ocurrencias, habría resultado un desperdicio, ya que los hechos narrados en la película, que de por sí despiertan tanta rabia en el espectador, son la mayor baza de ‘Mi nombre es Harvey Milk’, más aún que cualquiera de sus méritos cinematográficos –actores, dirección, etc…—. Por ello, la opción de convertir este biopic en un film clásico y dejar que estos momentos históricos hablen por sí mismos, sin estorbarlos, sin adornarlos con toques personales, es la más acertada, pues de otra forma lo narrado se teñiría de intenciones ajenas a la historia que no hacen falta en este caso. Harían falta, quizá, si lo que se cuenta no tuviese ningún interés.

La labor del guionista ha consistido en dar énfasis a los momentos que dramáticamente lo necesitan o crear puntos de inflexión que nos mantienen enganchados. Y, en ocasiones, en introducir algún alivio humorístico. El film conserva el interés durante todo el tiempo, a pesar de lo extenso del metraje. El recurso narrativo más convencional: grabadora, voz en off, flashback… se acepta porque Van Sant no abusa de él y, una vez la historia entra con toda su fuerza, se nos disipa la sensación negativa que nos había causado en el inicio.

La elección de los intérpretes me parece impecable del primero al último, lo cual se confirma cuando en el epílogo se muestran los rostros de los verdaderos implicados; momento que, aunque descrito así de la sensación de ser una salida de tono, es de los más efectivos de la cinta. El parecido de todos ellos es asombroso.

Sean Penn hace un gran trabajo metiéndose en la piel de un hombre que sólo va a despertar nuestra empatía por su forma de pensar, ya que su aspecto no es atractivo y su voz es casi desagradable. Que acabemos estando de su lado gracias a que conocemos sus ideas tiene un gran mérito. Mientras se visiona la película, podría dar la sensación de que Penn está sobreactuando e incluso haciendo una caricatura de su personaje, pero en ese momento final vemos que el auténtico Milk era igual de amanerado. Y esto me parece otra de las grandes victorias de su campaña, pues mientras la “pluma” podría hacer que perdiese el respeto, no sólo entre los heterosexuales, sino también entre algunos homosexuales que rechazan estos gestos, el orgullo precisamente consiste en no constreñirse en ningún sentido y en presentarse tal y como es. Esto queda aún más marcado cuando decide vestir de traje en lugar de llevar un aspecto desaliñado porque demuestra que la pluma no es como la forma de vestir, sino que se trata de algo arraigado en él.

Los secundarios que están de parte de Milk también son muy interesantes en cuanto a personajes, pues todos tienen sus historias personales, sus pasados, sus motivaciones… Componen, además de apoyos a la campaña, los conflictos de la vida personal y amorosa de Milk, que muchas veces tiene que elegir entre el amor y la política. Estas subtramas también están bien escritas y desarrolladas. Los actores James Franco , Diego Luna, Emile Hirsch… hacen muy bien sus papeles con una implicación que pocas veces se ve en el cine y que probablemente es fruto de una grandísima dirección de actores por parte de Gus Van Sant. Pero destaca entre todos ellos Josh Brolin, con un personaje aún más enigmático que el de todos los demás. Compone un antagonista extraño, aliado a veces, y cuyos equívocos mentales podrían ser motivo de un guión.

Quizá la película, más que una protesta cara a los homófobos –incluso los más acérrimos probablemente ya están algún peldaño más adelante que los de entonces o eso cabría esperar— es una lección para los homosexuales que hoy en día tienen el camino ya allanado por quienes lucharon en otras épocas, para que se den cuenta de lo que supuso en otros momentos estar orgulloso de algo que hoy en día se da más o menos por hecho. Es decir: para que aquellos que tienen miedo a salir del armario pensando que eso les acarreará algún problema vean la valentía de quienes salían cuando la situación era mucho más cruda y se animen a dar ese paso, lo cual sería la mejor manera de honrar la lucha de entonces.

En absoluto se trata de un film que pueda tener únicamente como público al público gay, ya que la reivindicación que se hace en ‘Mi nombre es Harvey Milk’ funciona como extrapolación de cualquier otro tipo de grito de guerra. Cuando se estrenó ‘Malcolm X’ se trataba de los negros y con ‘Ghandi’ la pobreza era el tema principal. El caso es que, quien más quien menos, muchos pertenecemos a colectivos que pueden sufrir discriminaciones. E incluso cuando no es así, la solidaridad y la furia en contra de las injusticias siempre será la misma se trate de un tema o se trate de otro. Y todo eso hará que este tipo de películas, más allá de la historia que cuentan, nos muevan algo por la contemplación del contexto que presentan.

Porque la actitud de Harvey Milk hacia su situación lo que hace en realidad es demostrar cuál es la única forma de luchar, especialmente en EE. UU. Él se dio cuenta de que tenía que emplear las mismas armas que tenían los que estaban en el poder, de que tenía que ponerse de pie y arrebatar aquello que estaba solicitando, en lugar de seguir llorando por ello; pues así nadie se lo iba a otorgar. Es descorazonador pensar que lo que es justo nunca va a llegar porque exista la justicia, sino que hay que pelear por conseguirlo, pero también es real. Y eso es lo que demuestra la película. De esta forma, algunos momentos de ‘Mi nombre es Harvey Milk’ se pueden señalar como verdaderos ejemplos de comportamiento en este tipo de reivindicaciones.

Con todo esto lo que quiero decir es que la película es un gran film aún por encima de lo que cuenta, un film que despierta una pasión, que emociona, que moviliza… o como se suele decir –y perdón por la frase tópica—: que no deja indiferente. Van Sant ambienta, realiza y fotografía todo con gran habilidad. Así consigue con este biopic una gran película que no por clásica carece de fuerza y contundencia.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Mi nombre es Harvey Milk’, la brillante historia de un mártir , de Jesús León.

Mi puntuación:

Tras la magnífica (y aún inédita) ‘Paranoid Park’, el realizador Gus Van Sant regresa al mainstream pero no abandona su capacidad narrativa, a pesar de ceder a ciertas concesiones propias del cine más comercial. En ‘Mi nombre es Harvey Milk’ se aproxima al episodio histórico de las luchas políticas en favor de los derechos homosexuales del activista que da nombre al título, en un biopic típico pro Oscar, de gran factura y con un resultado certero a pesar de ello.

La cinta está protagonizada por un sublime Sean Penn, que nos deja una lección magistral de absorción de su personaje, de capturar su esencia y mostrarla con enorme sutileza, riqueza de matices y gran sencillez. Gran valedor del resultado final y cuyo trabajo supone una ejemplar traslación del mensaje principal de la historia.

La valentía de Van Sant al afrontar la temática de la reivindicación homosexual (algo que “parece” superado en los tiempos que corren) se distancia a la perspectiva que afrontara en ‘Mi Idaho privado’, para asumir una implicación más intensa, intentando llegar más allá y propagar su mensaje. Pero todo ello sin caer en el ensalzamiento sobredimensionado de la figura de su protagonista. Hubiese sido lo fácil y tentador (y habitual en recientes biopics como ‘Una mente maravillosa’ o ‘En la cuerda floja’). Sin embargo, en la película, el realizador se resiste a mostrarnos al mártir, que marcara toda una lección de obstinación y activa lucha por la dignidad y el respeto, como si fuera un héroe. En este aspecto es dónde más brillante resulta la película. En mostrar los hechos históricos y reales, bien compaginados con momentos íntimos de la figura de Harvey Milk, con equilibrado criterio, sin entronizarlo, sino aproximándose.

En la historia conocemos el recorrido que, durante la década de los setenta, un idealista decide abrir las puertas del armario para los políticos homosexuales. Se autoproclama cabeza destacada, a modo de espejo en el que reflejarse, y así irrumpir en la conservadora e intolerante política americana, centralizada en la ciudad californiana de San Francisco. Allí, desde el distrito de Castro como núcleo esencial, Harvey Milk desarrolló con constancia y clarividencia una defensa intensa y prolongada por alcanzar un cargo en el ayuntamiento local y abrir la muralla (se presenta repetidas veces a supervisor). Lleno de optimismo e ilusión que contagia más allá de su creciente círculo próximo.

Van Sant exhibe una narración astuta, precisa, extremadamente realista (apoyada en imágenes de archivo muy bien insertadas), que resulta despojada de tintes melodramáticos gracias a un gran equilibrio. Y eso que en la historia de Harvey Milk se afrontan multitud de temas diferentes que pueden dar pie a ello (tolerancia, lealtad, amor, reivindicación,...).

Mención aparte, y especial, merece el extraordinario trabajo interpretativo de Sean Penn. Que compone un trabajo vibrante, emotivo, a ratos fascinante y totalmente convincente, gracias al despliegue sutil de matices. Un hombre de gran coraje, consciente de su papel en la sociedad, de gran discurso entre la masa, pero de compleja e intensa vida íntima que Penn borda con suma perfección. En apenas unos planos, Penn logra irradiar la esencia y la química de su personaje. También es cierto que está bien secundado por unos actores bien dirigidos: Josh Brolin, James Franco, Diego Luna…

La labor de afrontar, desde la ficción, a un personaje casi icónico de la lucha por las libertades de la comunidad homosexual no era fácil por dos razones. En primer lugar por tener como antecedente obvio el documental ‘The times of Harvey Milk’, de Rob Epstein, que se alzó con el Oscar en 1985 y, en segundo lugar, porque hoy día pudiera parecer algo anacrónico retomar su historia cuando en la actualidad la situación resulta distinta (aunque si bien es cierto que mucho menos precisamente en territorio usamericano). Pero, la buena labor del guión (a cargo del implicado Dustin Lance Black) ha sabido abordar desde una perspectiva amplia pero certera, la trayectoria del protagonista, que arranca en las escaleras del metropolitano de Nueva York (con flechazo incluido) y concluye con 30.000 personas portando velas por las calles de San Francisco.

‘Mi nombre es Harvey Milk’ se estrena el próximo viernes 9 de enero.

‘Four Christmases’ es el nuevo bombazo de la temporada pre-navideña. Ha desbancado incluso a los niñatos que se van de vampiros. El film cuenta la historia de una pareja que en las fiesta de Navidad tiene que repartir su tiempo en las casas de sus respectivos padres. Hasta aquí, lo más normal del mundo, pero ellos tienen el doble de trabajo ya que ambos matrimonios ya no son tal, están divorciados. Vamos, una locura. Vince Vaughn se está aficionando demasiado a este tipo de películas, y Reese Whiterspoon parece que le gusta más esto que intentar cosas del estilo de ‘En la cuerda floja’. La crítica la suspende, y el público poco más.

‘Australia’ se ha visto relegada a un quinto puesto, algo que seguramente no se esperaban sus productores. La nueva película de Baz Luhrmann, ése que nos hizo temblar de miedo con ‘Romeo + Julieta’ y nos entretuvo con ‘Moulin Rouge!’, es la superproducción más cara salida de tierras australianas. La crítica no parece entusiasmada, y el público sí. Aquí la veremos el 26 de Diciembre.

‘Transporter 3’ es la tercera entrega de las machadas de Jason Statham en la piel de Frank Martin, capaz de hacer las virguerías más alucinantes con un coche. Esta saga producida por el inefable Luc Besson, no es tan mala como aparenta, sobre todo gracias al carisma de su actor protagonista. La crítica no la maltrata, y el público como siempre, menos exigente.

‘Milk’ es el último estreno en el top ten. Y atención a esta película, porque podríamos estar hablando de una de las futuras nominadas a los Oscars. Sean Penn parece estar en estado de gracia dando vida a Harvey Milk en la nueva película de Gus Van Sant, director capaz de películas como ‘El indomable Will Hunting’ o de cosas como ‘Last Days’. La crítica se ha rendido y el público está encantado. Auí la veremos el 6 de Febrero del 2009.

Vía | Box Office Mojo