Después de ver a los muertos, ahora los va a resucitar. Recientemente se ha sabido que Haley Joel Osment, el niño de las fantásticas ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, 1999) y ‘AI: Inteligencia Artificial’ (‘Artificial Intelligence: AI’, 2001), va a encabezar el reparto de una película titulada ‘Wake the Dead’, una revisión moderna del relato de Frankenstein basada en el cómic homónimo de Steve Niles, autor de la obra que dio origen a ’30 días de oscuridad’ (‘30 Days of Night’, 2007). Jay Russell (‘Mi perro Skip’, ‘Brigada 49’) será el encargado de dirigir el film, cuya acción estará ambientada en la actualidad, en un instituto (como no podía ser de otra manera) donde el joven Victor Franklin (Osment) comienza a investigar y realizar experimentos para devolver la vida a un cuerpo inerte. El estreno está previsto para 2012.

Hay que destacar que esta ‘Wake the Dead’ no es la única producción que se está preparando sobre Frankenstein. Guillermo del Toro lleva tiempo diciendo que tiene entre manos una versión muy personal de la novela de Mary Shelley para Universal Pictures; Timur Bekmambetov fue contratado para dirigir una precuela de la novela titulada ‘The Casebook of Victor Frankenstein’, basada en un texto de Peter Ackroyd; Summit Entertainment también tiene previsto lanzar otra precuela, llevando a la gran pantalla el libro ‘This Dark Endeavor’ de Kenneth Oppel; Lakeshore Entertainment prepara la adaptación cinematográfica del cómic ‘I, Frankenstein’, que va a dirigir Stuart Beattie; y la Fox trabaja para lanzar dos proyectos más, uno escrito por Max Landis que podría dirigir Ron Howard o Paul Greengrass, y la extensión a largometraje del corto ‘Frankenweenie’ de Tim Burton. Entre otros.

PD: Después de renovar para las nuevas generaciones a los vampiros, los hombres lobo y los alienígenas, no creo que tardemos mucho en ver también a un monstruo mítico como es la momia “actualizada”, esforzándose por estudiar dentro de su sarcófago, mientras un escarabajo sostiene un iPod y suenan cursis canciones de amor… Uy, sí que da miedo.

Vía | ComingSoon

El año 1999 fue un año de cine interesante por varias razones, entre las que podemos incluir el regreso de directores míticos como George Lucas o Stanley Kubrick (que firmaría su última obra), la consagración internacional de Pedro Almodóvar, o la aparición de un cineasta cuyas dos películas previas habían pasado sin pena ni gloria, que se ganaba un buen sueldo como guionista (‘Stuart Little’) y que con su tercer largometraje iba a sacudir los cines de medio mundo, contra todo pronóstico, creando un fenómeno sociológico como hacía tiempo que nadie había visto. Y algo más: un mito del cine, del cual Bruce Willis dijo que era el mejor guión que había leído jamás.

Once años después de su nacimiento, con su máximo responsable a punto de estrenar en España su película número nueve como director, escribir sobre ‘El sexto sentido’ es como escribir sobre ‘Perdición’ (‘Double Indemnity’, Wilder, 1944), ‘Casablanca’ (Curtiz, 1943), ‘Jennie’ (‘Portrait of Jennie’, Dieterle, 1948) o ‘Los siete samuráis’ (‘Shichinin no samurai’, Kurosawa, 1954). Es decir, no es una empresa sencilla, porque ya se ha dicho todo, o prácticamente todo, sobre ella, dada su condición de mito, de película imperecedera. Sin embargo sigo pensando que M. Night Shyamalan, pese a su grado de celebridad, o quizá precisamente por ella, sigue siendo un director bastante incomprendido, reducido por sus exégetas a una colección de lugares comunes, de los que escapa una obra tan resbaladiza, apasionante y vivificadora como ésta.

¿Cómo aunar, en una misma imagen, el espíritu de suspense cotidiano de un Roman Polanski, la estilizada atmósfera de un Alfred Hitchcock, el sentido de la maravilla y de lo universal de un Steven Spielberg o la entrega al terror más infinito de ‘La profecía’ (‘The Omen’, Donner, 1976) o ‘El exorcista’ (Friedkin, 1973), sin crear un pastiche visual y temático, muy al contrario, con voz y mirada propias, en un ejercicio de autoría sin precedentes, al menos nítidos? La respuesta la dio en parte Bruce Willis: un guión de hierro. Pero también unos personajes magníficamente sugeridos en papel y admirablemente desarrollados en la pantalla, que son la verdadera viga maestra del relato que nos quieren contar.

Comunicarse para vencer al miedo

“Alguna magia es real”

- Cole

No nos engañemos, ‘El sexto sentido’ se convirtió en una de las películas más taquilleras de la historia, no por sus calidades estéticas, sino por sus escalofriantes momentos de terror, un género que se encuentra entre los más venerados por el espectador palomitero, seguramente porque existen muy pocos títulos verdaderamente destacados. De forma irónica, volviéndola a ver, llaman la atención su enorme contención y su elegancia, y su estilo profundamente personal y anti-comercial, sólo traicionado por esos momentos de terror (sólo dos o tres secuencias) en los que quizá sobra ese manido recurso al “susto” antes que al “miedo”. Me refiero a esos golpes de sonido de la banda sonora que te harían saltar del asiento sin necesidad de ver la imagen. Shyamalan tiene talento para mucho más, y lo demuestra en secuencias como la de la furiosa, y suicida, ama de casa.

Puede parecer un cliché, pero no me cabe duda de que las raíces hindúes de Shyamalan influyen, y de qué manera, en su tratamiento de la percepción de la vida y de la muerte por parte de sus personajes. Según sus propias palabras, exorcizaba su propio miedo a morir, y qué forma más hermosa de hacerlo, porque termina siendo un sencillo punto de partida, a partir del cual tienen lugar notables ramificaciones: la angustiosa soledad de la infancia, la dificultad de ser madre soltera, la frustración de perder el matrimonio por causa del trabajo. Eso para empezar, pero hay más lecturas, de gran profundidad y calado emocional. La más importante de todas ellas la necesidad de comunicación entre familiares, entre amigos y entre extraños.

En la comunicación está la clave del fin de la angustia de Cole (extraordinario, alucinante Haley Joel Osment), llave de su libertad sugerida por su psicólogo/amigo el doctor Malcolm Crowe (fantástico Bruce Willis, en un registro suyo casi inédito), no solamente respecto a los fantasmas que le acosan con sus terribles historias, también y sobre todo con su madre (magnífica Toni Collette, una actriz fenomenal que ahora triunfa en televisión con ‘United States of Tara’), con la que sufre una complicada y tensa relación. Y para finalizar consigo mismo, pues deja de sentirse un pirado y encuentra una motivación para seguir adelante. Cole Sear es uno de los personajes infantiles más inolvidables de la historia del cine.

Como sucederá en sus futuras películas, Shyamalan parece contar sólo el principio de una historia, el arranque, cuyo final el espectador no verá. Tanto la existencia de Cole, como la de David Dunn en ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000), la del reverendo Graham en ‘Señales’ (‘Signs’, 2002), todos los habitantes del poblado de ‘El bosque’ (‘The Village’, 2004) o el Cleveland de ‘La joven del agua’ (‘Lady in the Water’, 2006) viven una vida paralizada por el miedo, la frustración o la angustia, y el final de la película supondrá un superar esos avatares, empezar una nueva existencia, resucitar. Eso sí, será en off. Las criaturas de Shyamalan siguen su camino una vez liberados.

Rasgos de estilo y conclusión

Shyamalan filma con ascética sencillez, sin la menor caída en el divismo y sin darse facilidades. Con la magnífica complicidad del operador Tak Fujimoto (responsable de la luz de, entre otras, ‘El silencio de los corderos’), Shyamalan es capaz de elaborar gradaciones de suspense con la facilidad de quien respira, al menos en apariencia. La sensacional partitura de James Newton Howard (con quien le unirá una relación sólida y duradera, en la mejor tradición Hitchcock/Herrmann) termina por redondear su sentido visual, complementándolo con uno sonoro, sin fisuras.

Relato compasivo con el dolor y la tragedia humanas, noble y de gran ingenio, su asombroso final sigue siendo uno de los más recordados de la historia del cine americano. En realidad un doble final, o un doble comienzo, para ambos protagonistas. Porque, en el fondo, esto es la bella historia de una amistad, la de Cole y Malcolm, dos amigos que vivirán una fugaz amistad, que tanto aportará a los dos para recomenzar su existencia, por mucho que la de uno de ellos se encuentre lejos de este mundo. Lágrimas y miedo, unidos por un jovencísimo maestro, para una catarsis emocional agotadora y luminosa.

“Cuando te conviertas en un chico de verdad…háblales de mí a las mujeres cuando crezcas”

-Gigolo Joe

Con la muerte de Stanley Kubrick en 1999 concluía, al menos en lo personal (pues en lo creativo su relación proseguiría con esta película), la amistad que le unía con Steven Spielberg, y que no siempre fue sobre ruedas. Baste recordar que en los años 70 no se llevaban precisamente bien, a raíz de trabajar pared con pared en los estudios Pinewood, durante los rodajes de ‘En busca del arca perdida’ y ‘El resplandor’. Pero en los años ochenta y noventa terminaron por respetarse mutuamente (o lo que eso significara para Kubrick) y a menudo hablaron de un proyecto que en un principio Kubrick quería dirigir, pero que finalmente ofreció a Spielberg para que lo dirigiera, mientrás él mismo lo producía. Algo así como una película de Spielberg, una producción Kubrick. Al cineasta del Bronx le había inspirado, en un principio, el relato corto de Brian Aldiss ‘Los superjuguetes duran todo el verano’, que él transformó y tituló ‘A.I.’ (en obvia referencia a su admirada ‘E.T.’), y que esperaba que fuera su triunfal regreso a la Sci-Fi, truncado por otros proyectos y su fatal ataque al corazón.

Muerto Kubrick, Spielberg se puso a ello inmediatamente, y tres años después de ‘Salvar al soldado Ryan’, en 2001 (fecha proverbial), la completó. Al verla, muchos, con más mala baba que otra cosa, adujeron que era una película de Stanley Kubrick a la que Spielberg añadió su nombre. Y podemos afirmar que no hay nada más lejos de la realidad. El propio Spielberg completó el guión en solitario, a partir del tratamiento que hiciera Ian Watson para Kubrick por encargo. Es la primera vez, desde ‘Encuentros en la tercera fase’, nada menos, que Spielberg escribe el guión, lo que da idea del nivel de implicación emocional en este proyecto, además de los elementos puramente spielbergianos, y no kubrickianos, que salpican todo el relato (como veremos en el presente artículo). ¿Que también hay ideas o formas más Kubrick, que Spielberg incluyó como homenaje a su admirado amigo? Evidentemente.

Y por eso vamos a hacer referencia a Kubrick, al menos desde un punto de vista visual, o desde lo que podría haber dado de sí este material en manos del director de ‘2001, una odisea del espacio’. Pero esto es una película 100% Spielberg, con sus defectos habituales (que los tiene, y no son pocos) y sus aciertos y hallazgos, de los que también daremos cuenta. Hablando recientemente con mi compañero y colega Alberto Abuín, con quien encuentro pocos puntos en común precisamente en lo que a Spielberg se refiere, le comentaba que estaba viendo de nuevo esta película mientras charlaba con él, con motivo de hacer mejor este análisis, y como me encontraba en el primer acto de la historia, le dije que me parecía desoladora (a él le parece extraordinaria). Quizá tenía que haber esperado al segundo o tercer acto para comentarle lo que pienso de ella.

Pinocho y el hada azul

Esta es, junto con ‘La lista de Schindler’, la película más difícil de criticar de Spielberg, por la confluencia en ella de factores tan deslumbrantes como extraños o directamente incoherentes. Admirando a Spielberg tanto como lo hago (aunque algunos lleguen a pensar que no porque le cuestiono gran parte de su obra), me parece lamentable que un hombre de su talento termine naufragando estéticamente por cuestiones de lo que yo vengo en llamar “pornografía sentimental”. Algo de eso hay en el final de Schindler, cuando rompe a llorar, en el epílogo vergonzoso de Ryan, o en el segundo acto (y en muchas partes del tercero) de ésta a ratos sensacional película, a ratos insostenible ‘A.I.’. Una renovación del mito de Pinocho y su eterna búsqueda del hada azul con el objetivo de convertirse en un niño de verdad, que por momentos puede ser uno de los más desoladores cuentos de hadas jamás filmados y en otros bordea peligrosamente el ridículo más absoluto y la obviedad más zafia. Pero así es Spielberg.

La secuencia inicial es deficiente, bajo mi punto de vista, por la sencilla razón de que sobra. Es explicativa y atonal. Eso sí, los efectos visuales que hacen posible al meca (androide o inteligencia artificial) de esa secuencia son asombrosos, casi perfectos. A continuación pasamos a una escena que podía haber filmado Kubrick tal cual, bien lo sabía Spielberg cuando la planificó. Incluso la música sinfónica de fondo podría haberla elegido él. Se trata del momento en que Mónica Swinton (una excelente Frances O’Connor) va a visitar a su hijo en estado de congelación, por estar aquejado de una enfermedad incurable que le somete a ese estado vegetativo. Tanto el uso de la steady-cam en suave retroceso siguiendo a la madre doliente, como la luz y la música, son un homenaje en toda regla al director de ‘La chaqueta metálica’. Con la aparición de David, el primero niño androide capaz de amar, da comienzo el primer acto, el más sólido y el más interesante bajo todos los puntos de vista. Tal como hiciera Kubrick con sus películas a partir de, precisamente, ‘2001’, el filme está dividido en tres actos muy diferenciados y cortados entre sí a tajo, visual y temáticamente.

Las ramificaciones morales que se desprenden de comprar un superjuguete de última tecnología, un niño capaz de sentir y dar amor, son interesantísimas, y están tratadas por Spielberg con audacia y talento. El incontrolable amor maternal, la alienación infantil, el abandono de un ser querido, la certeza de la muerte, el hogar como una cápsula de felicidad pero también de frustración, la rivalidad entre hermanos. Durante una media hora, la película es una certera parábola, con la sci-fi de excusa, para hablarnos de las infinitas posibilidades de sufrimiento de un niño. Lo malo es que una vez termina, todo se deshilacha en dos partes más que no añaden nada nuevo ni al relato, ni a la sci-fi, ni a la carrera de Spielberg. En cuanto David se ve abandonado por su madre, la habilidad de Spielberg como narrador visual no decae, pero el guión pierde en concisión y solidez, pues el viaje de David, su peripecia, va dando bandazos, como el propio Spielberg, que mezcla la búsqueda del amor con la muerte de Dios (o la soledad del ser humano por ello), y que se acaba perdiendo en disquisiciones poco o nada relevantes.

La segunda parte tiene lugar en la Feria de la Carne y en Rouge City, y la tercera en el fin del mundo (una New York parcialmente sumergida). Acompañado casi hasta el final por Gigolo Joe (un buen Jude Law, aunque al final te importa poco lo que le ocurra), que viene a ser una especie de Pepito Grillo, rol compartido por el osito Teddy, David las pasará canutas persiguiendo su único y testarudo objetivo, convertirse en un niño de verdad para que su madre le quiera. Lo malo es que es difícil empatizar con él, porque su viaje es más abstracto que físico, más sensorial que emocional. En su guión, Spielberg se olvida de que un relato de itinerario tiene que gozar de un crescendo imparable. Lo que él ofrece es un conjunto de altibajos notables, un incontestable de más a menos, que a ratos parece levantar el vuelo, pero que vuelve a descender a un cine corriente que trata de pasar por elaborado y profundo, cuando no es más que una colección de obsesiones de Spielberg mal desarrolladas.

Haley Joel Osment se deja la piel, literalmente, en un trabajo loable, que ofrece mucho más de lo que hay sobre el papel. Spielberg se planteó adaptar la famosa saga de ‘Harry Potter’, con él de protagonista, que le había asombrado en ‘El sexto sentido’. Pero finalmente no logró los derechos, y le ofreció este difícil papel en el que no debía parpadear jamás, y con el que debía pasar del hieratismo más radical a la humanidad más lacerante. Pero con la dispersión que sufre esta película, finalmente tanto esfuerzo acaba quedando en casi nada. Y menos aún con ese epílogo que debe ser la cumbre de los anti-climax. Spielberg se entrega, sin complejos, pero también sin mesura, a la narración de sentimientos ancestrales con la mirada de un niño, pero también con el nivel intelectual de un niño, y lo cortés no quita lo valiente, pero termina por arruinar muchas posiblidades.

Ahí queda esa primera parte de cine con mayúsculas, seguida de otras dos poco inspiradas. Pero con ello empieza Spielberg su década de madurez absoluta. Ya queda menos para terminar.

Haley Joel Osment ha crecido y ya no es ese niño chungo que daba miedo porque, en ocasiones… (spoiler) veía muertos o porque no tenía más vida que una inteligencia artificial.

A sus veinte años, su aspecto es muy diferente y su peculiaridad se ha perdido. Pero eso no va a impedir que vuelva a hacer cine. Para ello dará un giro a su carrera aceptando papeles que supongan un reto aún mayor, como interpretar a un miembro de las juventudes hitlerianas en ‘Truth & Treason’.

Este film está dirigido por Matt Whitaker. Junto a Osment aparecen en el reparto Max von Sydow y Jamie Thomas King.

‘Truth & Treason’ está basado en una historia real sobre unos chavales de Hamburgo que en 1941 escuchaban emisiones secretas de la BBC que la propaganda nazi no dejaba traslucir. Al enterarse de estas verdades, se rebelaron contra las juventudes hitlerianas a las que pertenecían y comenzaron a hacer campaña en contra del Führer.

El personaje de Osment será Helmuth Hübener, quien creyó que podría cambiar las cosas con palabras en lugar de con armas. Entre sus slogans estaban las frases “Hitler es un asesino” y “Hitler es el culpable”. A sus diecisiete años, Hübener fue el miembro de la resistencia más joven condenado a muerte por el Tribunal del Pueblo (Volksgerichtshof) de la Alemania nazi. Fue juzgado como un adulto y ejecutado en la guillotina.

Sus compañeros, Rudulf Wobbe y Karl-Heinz Schnibbe, fueron sentenciados a condenas en campos de prisioneros. Schnibbe sigue vivo y ha sido asesor para la escritura del guión de esta película. “Un hombre fascinante, fascinante”, dijo Osment. “Lo hemos estado utilizando como comprobación del realismo.”

Se rodó parte del metraje a finales del año pasado. De eso ya se puede ver una especie de tease tráiler, es decir, un tráiler provisional. Y está previsto que termine la filmación el año que viene.

A continuación se puede ver un póster que supongo que también será provisional:

Vía | MTV