En lo que llevamos de año nos hemos encontrado, en lo referente a las bandas sonoras, con agradables sorpresas, algunos chascos, pero en general, queda la sensación que lo mejor está por llegar. Aún quedan algunos títulos que entre este final de año y comienzo del que viene nos deben sorprender, esperemos que gratamente.

Son títulos muy esperados, películas que deben alcanzar gran notoriedad y que vienen acompañadas de compositores que podrían haber puesto lo mejor de sí mismos para ayudar al éxito de estos films. Por ello, vamos a repasar cinco bandas sonoras que deben sorprendernos, que podrían elevar la satisfacción a los aficionados a la música de cine.

‘In Time’

El compositor Craig Armstrong ha sido el encargado de ponerle música al nuevo film de Andrew Niccol. ‘In Time’ cuenta con acción, suspense y ciencia ficción, los ingredientes donde parece que Armstrong ha logrado un trabajo de gran altura. Según las críticas, casi mejor que el resultado de Niccol en la dirección de la película.

Pero esperemos un poco que en breve llega a nuestras pantallas (2 de diciembre) y podremos descubrir cómo encaja el trabajo de Armstrong con las imágenes. Parece que se ha querido desmarcar de los sonidos propios del futuro y fantásticos, para apostar más por la intensidad, el ritmo de sintetizadores, percusión y con intensidad a lo largo de toda banda sonora. El tema principal es evocador y estimulante.

‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’)

En un plazo breve vamos a poder disfrutar de la segunda banda sonora de John Williams. Hemos gozado con la música para ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’ y en breve acompañará a ‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’), colaborando por enésima vez con Spielberg, como no podía ser de otra forma. Ya se conoce la lista de temas, pero por suerte no hace mucho que en la emisora de radio WQXR en un especial exclusivo adelantaron algunos fragmentos que aquí se pueden disfrutar (intercalados entre famosos temas del compositor), o bien en YouTube podrán escucharlos (o adquirir el score completo en Amazon, por ejemplo).

Muy en la línea de John Williams desde luego y con toda la épica que es capaz de otorgar para esta historia que debe arrastrar a las familias a las salas en las próximas semanas (su estreno en Estados Unidos es el día de Navidad). ¿Será capaz de reinventarse, de sorprender nuevamente? Con ‘Tintín’ hay sentimientos encontrados, siendo el resultado global muy notable. Veremos de qué es capaz con ‘War Horse’ (‘Caballo de batalla’).

‘La invención de Hugo’

La nueva película del gran Martin Scorsese nos trasladará a París en los años 30 y bajo el prisma de un niño huérfano sobre el gira el argumento. Para ponerle música Scorsese ha acudido a Howard Shore (por cierto que estrena sello discográfico propio con este trabajo: Howe Records) por sexta ocasión. Se espera mucho de Shore y debería ser capaz de demostrar lo mejor de sí. La historia, ambientación… todo acompaña para Shore juegue con la imaginación en ‘La invención de Hugo’.

La banda sonora se podrá adquirir a partir del día 22 de noviembre, justo antes del estreno. Y el tema principal, según ha descrito el propio compositor, se trata de un vals parisino, para el que ha contado con Elizabeth Cotnoir. Eso sí, una cuestión cuanto menos estimulante es que el compositor ha compuesto temas centrados en los personajes, lo que puede resultar “un matrimonio de luz y sonido”, como lo ha calificado.

‘Sherlock Holmes: juego de sombras’

La primera parte de la nueva aproximación al mítico detective contó con una magistral composición de Hans Zimmer. Entre lo mejor de hace un par de años, lástima que fuera una banda sonora muy breve y quizás le restara enteros para competir, a nivel de premios, con otras, pero suficientemente meritoria para alabarla en su justa medida. Esta segunda parte cuenta de nuevo con la aportación de Zimmer, que es de suponer se basará en su excelente partitura para hacer más variaciones.

Con lo poco que se puede apreciar de momento, el resultado podría tomar dos vías: que consiga mejorar aún más y darle más desarrollo a los brillantes temas anteriores. O bien que no sea más que un remix, explotando una y otra vez el tema principal, sin aportar muchos más matices. De Zimmer siempre hay que esperar lo mejor, así que soy optimista con ‘Sherlock Holmes: Juego de sombras’. Se podrá adquirir a partir del 13 de diciembre y al parecer contará también con temas clásicos como un fragmento de ‘Don Giovanni’ de Mozart, ‘Die Forelle’ de Schubert y también de Ennio Morricone (‘Dos mulas y una mujer’).

‘Mision Imposible 4: protocolo fantasma’

Explotando una saga más en Hollywood que cuenta, como no podía ser de otra forma, con un tema principal mítico (de Lalo Schifrin), versionado hasta la saciedad. Esto es una ventaja para identificar al film, pero también puede ser un lastre para componer una completa partitura sin desentonar. No hay nada imposible, así que jugado con el título nada mejor que contar con el imprescindible Michael Giacchino. Que además repite en la saga, por cierto.

Es probable que el compositor ofrezca algo muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados. Que se aleje del minimalismo para dar paso a la imaginación, a ritmos más trepidantes que acompañen la acción del heróico Ethan Hunt (encarnado por el eterno Tom Cruise). A ver si también el reto le afina la inspiración y consigue mejorar incluso su trabajo anterior para ‘Misión Imposible III’ (2006), que era demasiado frenético y acelerado.

Aún no se conoce fecha de lanzamiento ni más detalles, esperemos que no tardemos mucho más en descubrir lo nuevo de Giacchino.

¿Alguna otra banda sonora que esperéis con muchas ganas?

Con bastante retraso, algo a lo que ya debéis estar acostumbrados aquí, os traigo una nueva encuesta en Blogdecine, la 15ª ya. Aunque sé perfectamente que algunos estáis pidiendo desde hace tiempo cuestionarios centrados en los géneros de terror y de comedia (el próximo estará dedicado a uno de los dos, lo prometo), creo que el tema que he elegido para esta semana os va a interesar a todos: la música de cine. ¿Qué película tiene la mejor banda sonora? ¿Quién es vuestro compositor favorito? ¿Cuál es la mejor canción incluida en una película? Estoy deseando saber vuestra opinión. ¿Qué sería del cine sin música?, preguntó un locutor de Onda Cero a Alberto Abuín el verano pasado, y mi estimado compañero respondió enseguida: “Sería mudo”. O una obra de Michael Haneke, podría haber añadido. Pero es cierto que cuesta imaginar el cine sin música, a mí me resulta raro estar viendo una película en silencio, oyendo todo tipo de ruidos que me despistan de lo que sucede en la pantalla, pero desde luego lo prefiero a estar escuchando una de esas cansinas partituras que lo subrayan todo.

Nunca ha sido fácil confeccionar estas encuestas, pero la que os traigo hoy es, junto a la dedicada a las frases de cine, la que más tiempo me ha llevado. Os daréis cuenta de inmediato, cuando empecéis a mirar las preguntas; ha sido complicado preparar una lista de posibles respuestas, esas sugerencias que siempre os hago tras revisar todo tipo de listas en Internet (os animo a echar un vistazo, un día que estéis de buen humor), dejando fuera tantos títulos y tantos nombres importantes. Duele. Como siempre os aclaro (aunque muchos no hagan ni caso), no tenéis que marcar las respuestas que os propongo, para eso está la opción “otro”, donde podéis escribir lo que queráis (con el único límite lógico de atenerse a la pregunta formulada); tampoco tenéis que contestar a las cuatro cuestiones, solo las que os apetezca. Oh, y los musicales no están incluidos, los dejo para otra encuesta. Nada más, os animo a echar un vistazo al cuestionario y abrir un debate sobre la música en el cine:

PD: He buscado “best soundtracks ever” en youtube, y me ha salido esto:

Vamos a aproximarnos un poco, sobre todo acercando la oreja para escuchar mejor, a las bandas sonoras nominadas al Oscar 2011. Unos candidatos cuya nominación no sorprende en exceso, ya que son grandes compositores, muy reconocidos y que también han sonado en casi todas las quinielas. Aún así, vamos a conocer un poco más sobre ellas y escucharlas para poder hacer nuestras apuestas con más tino.

Podríamos detenernos mucho en los olvidados, en los que ofrecían muchos argumentos para que este año obtuvieran nominación, como el sorprendente olvido de Randy Newman con ‘Toy Story 3’ o también otras meritorias como la de Atticus Ross para ‘El libro de Eli’, Michael Giacchino para ‘Déjame entrar’ o incluso la de John Debney para ‘Iron Man 2’. Por no mencionar, el tremendo éxito y gran acierto de la banda sonora de Daft Punk para ‘Tron Legacy’. Pero vamos con los nominados. Sube el volumen.

‘Cómo entrenar a tu dragón’ de John Powell

El compositor británico, muy prolífico en Hollywood en los últimos años, siempre ha sido un gran artesano, un compositor que sin disponer de una personalidad y autoría tan brillante como otros grandes, sí que ha sabido cumplir siempre con buen nivel en sus encargos. La mayor parte, composiciones para películas de acción, pero también para cine de animación. En este título de Dreamworks consigue una banda sonora muy poderosa, inspirada y enérgica.

Ha sabido captar con acierto esa fantasía y magia que transmiten los dragones, al tiempo que subraya con gran emoción los momentos más frenéticos de acción en las escenas más espectaculares. Suena muy bien y acompaña con energía y fuerza los momentos más tiernos y simpáticos de la relación entre el joven protagonista y el dragón. Sin duda, una nominación merecida.

Sus posibilidades de ganar la estatuilla son altas y no debería ser ninguna sorpresa que fuera el justo vencedor. Su composición está a la altura de otras premiadas por la Academia de Hollywood y captura la esencia del más puro espectáculo.

Escuchar Playlist en Spotify

‘Origen’ de Hans Zimmer

Zimmer ha compuesto este año dos grandes trabajos. Para ‘Sherlock Holmes’, una partitura más original, arriesgada y vibrante (escuchar playlist en Spotify). Es una composición excelente y no ha pasado desapercibida, aunque quizás ha pesado su brevedad, con un tema principal potente pero que en el conjunto de la misma tiene una duración corta. Sin embargo, para ‘Origen’ ha vuelto a demostrar su elevado nivel. Quizás sea la música que más ha sonado, la más identificable por el gran público y, desde el estreno, ya se postulaba como un firme candidato a cosechar premios. Para muchos es una obra madura, todo un clásico de nuestro tiempo y la más destacable del año 2010.

Ha sabido captar la esencia del film de Nolan y parece que parte como principal favorito, aunque es de esas bandas sonoras que siendo brillante parece que le falta ese algo para ser grandiosa. Quizás me equivoque, y reconozco que es de las mejores de Zimmer en los últimos años, pero no me sorprendería si no ganase. Aquí, él mismo en directo con el temazo ‘Mombasa’:

Escuchar Playlist en Spotify

‘El discurso del rey’ de Alexandre Desplat

El compositor francés se ha instalado como un compositor fundamental en Hollywood. En los últimos años ha compuesto muchas y excelentes bandas sonoras. Ya el año pasado estuvo a un nivel muy elevado con ‘Fantástico Sr. Fox’ y con ‘El discurso del rey’ vuelve a demostrar que su inspiración está lejos de desaparecer. Aún así, esta banda sonora estupenda, accesible, aunque le falta ese peldaño para que emocione profundamente. Muy clásica, adecuada, que acompaña con sutileza a la historia y donde sobresale en todo momento la presencia del piano. Pero no es nada arriesgada, demasiado conservadora e incluso por momentos algo repetitiva e insulsa. No es mi favorita.

Escuchar Playlist en Spotify

‘127 horas’ de A.R. Rahman

Danny Boyle vuelve a contar con este compositor de origen indio tras el reconocimiento obtenido con ‘Slumdog Millionaire’. Siendo uno de los más importantes compositores en Bollywood ahora se abre un nuevo camino en la meca del cine, aunque parece que se despoja de su habitual estilo para adaptarse más al canon hollwoodiense. Quizás sea un lastre, aunque no por ello renuncia a usar instrumentos atípicos. Eso sí, abandona el colorismo y alegría para acentuar la atmósfera del film, ese aire de terror, de suspense. Brillante ese arranque con guitarra eléctrica al que va sumando más instrumentos en un crescendo emocionante.

De nuevo tenemos que puntualizar que parece conseguir un tema principal muy potente pero no suficiente para alcanzar una banda sonora brillante en su totalidad. Tiene muchos temas que no brillan por sí solos, es una partitura algo irregular, aunque bastante meritoria. Eso sí, tampoco es mi favorita.

Escuchar Playlist en Spotify

‘La red social’ de Trent Reznor y Atticus Ross

De sobresaliente se puede calificar el trabajo conjunto de Reznor y Ross para ‘La red social’. Una banda sonora arriesgada, original, brillante, donde la música electrónica es la protagonista para acompañar a un fenómeno contemporáneo como es Facebook. Con todo no hay que olvidar que ambos autores no tienen mucha experiencia en la música cinematográfica, más bien parece que hayan sabido adecuar su conocimiento de la música electrónica y ambiental al ritmo narrativo de Fincher en la película. Y lo consiguen de forma inteligente y original.

Lo más puristas la han repudiado, pero hay que reconocer que funciona. Que la música, con esa mezcla de ritmos, de sonidos electrónicos remezclados y estridentes por momentos, fluye muy apropiadamente con cada escena. Y consigue que no nos olvidemos fácilmente de la melodía principal. Es la apuesta más arriesgada que consigue nominación al Oscar de los últimos años. Aunque solo sea por romper con el patrón clásico, por reconocer el paso a un nuevo concepto (en el que también Daft Punk ha contribuido este mismo año) que encaja a la perfección con nuestro tiempo. Debería ganar.

Escuchar Playlist en Spotify

Hoy en día Hans Zimmer acumula bandas sonoras a lo largo de más de tres décadas y es uno de esos compositores indispensables en el Hollywood actual. Se ha ganado un reconocido puesto no sólo por su larga trayectoria sino por su versatilidad: cine de animación, acción, dramas, comedias,… aunque particularmente considero que es un gran compositor, quizás demasiado prolífico, lo que le hace acumular muchos trabajos y no siempre inspirados, pero esencial para entender el cine actual, al que ha sabido ponerle música y su personal estilo. Toca repasar las que considero sus diez mejores bandas sonoras hasta la fecha, aunque seguro todavía tiene un largo recorrido por delante.

‘Rain Man’< (1988)

En un año capital y ya con cierta experiencia a pesar de su juventud por aquel entonces, compuso esta notable partitura, que acompaña a un film de éxito en taquilla y también en la carrera de premios. Logra su primera nominación al Oscar y bien merecida. No es una de las más notables pero por significar un importante paso en su trayectoria, lo cierto es que contiene momentos que particularmente aprecio y que son un buen encuentro con el estilo que seguiría desarrollando.

‘Thelma & Louise’ (1991)

Con Ridley Scott participaría en un buen número de películas, en esta, una de las grandes de la época inspirada del realizador. Sigue la estela del título anterior, en una banda sonora con una música incidental de escasa presencia y combinada con canciones, pero esa mezcla de tonos folk instrumentales es muy acertada para la historia.

‘El Rey León’ (1994)

Sus aportaciones al cine de animación han deparado quizás algunas de sus mejores composiciones. Para esta cinta de Disney supo capturar la esencia de África, con percusiones y coros que la convierten en una sobresaliente banda sonora. Como, es posible que sea uno sus trabajos más destacados e inolvidables.

‘Marea roja’ (1995)

En esta ocasión trabaja para el otro Scott, Tony, que con esta cinta de intriga, con aires de thriller logra un trabajo excepcional. Su adecuación al ambiente claustrofóbico de la historia (y del submarino donde se desarrolla gran parte de la cinta) es muy apropiada. Con esta banda sonora ganó un Grammy, y es que la partitura es también uno de sus más grandes trabajos. La película gana enteros gracias a su música.

‘La roca’ (1996)

Entre esta y la banda sonora de ‘El Pacificador’ tenía una cierta duda, pero quizás sea más popular la compuesta para el film de Michael Bay. Creo que es la perfecta adecuación de una música majestuosa, emocionante, trepidante y que no sólo subraya sino que eleva la emoción y la acción del film. Un buen ejemplo de su gran aportación al cine más comercial (y muy identificativa de su estilo inconfundible) y parte esencial para convertir estas películas en auténticos éxitos de público.

‘Mejor… imposible’ (1997)

Esta celebrada comedia con un sublime Jack Nicholson, tuvo una música magnífica. Una variación más dentro del recorrido de Zimmer, ahora fundiendo el tono de comedia, romántico, melodrama y ese punto de locura (subrayada a ritmo de pseudotango) del protagonista. Muy pegadiza.

‘Gladiator’ (2000)

Nuevo trabajo para Ridley Scott y nueva muestra de su genio. La película es más efectiva y emocionante por su música. No sé que tiene esta partitura pero quizás sea de las que más veces he escuchado en los últimos años. Es vigorosa, potente, emocionante, ideal para levantar el ánimo y de las que se convierte en pieza de culto para distintos montajes de vídeo. Esencial y completa banda sonora. Eso sí, conviene puntualizar que aquí Zimmer comparte la gloria con Lisa Gerrard coautora de la partitura. Sube el volumen.

‘La delgada línea roja’ (1998)

Excelente película de Terrence Malick y no menos sublime trabajo de Zimmer. Ahora su música se torna compleja, asfixiante para subrayar el tono de esta historia bélica. Brillante música de estilo inconfundible.

‘El príncipe de Egipto’ (1998)

Nueva incursión en el cine de animación, en esta ocasión para Dreamworks y su bíblica historia de Moisés. También se puede considerar una de sus obras cumbres, logró otorgar al relato el tono majestuoso, poderoso, melódico y envolvente (con coros grandiosos) que requería. Su sello personal pero lleno de inspiración, muy completa con temas sobresalientes y me arriesgo a afirmar que es una de las mejores bandas sonoras de la década.

‘Piratas del Caribe: en el fin del mundo’ (2007)

Cualquiera de las compuestas para la saga son buena muestra, pero quizás la última sea con la que consigue un nivel más elevado, al aunar todo lo compuesto anteriormente y darle un empaque más contundente y notable. Por cierto, se atreve incluso con la guitarra eléctrica:

Bonus Track: ‘El caballero oscuro’

Seguro muchos la echaban de menos, pero al ser una banda sonora coescrita junto a James Newton Howard, tiene que compartir la gloria. Aunque eso sí, bien merece reseñarla porque el trabajo aquí de Zimmer, codo a codo con Nolan, le otorga quizás el punto más exacto y adecuado que requiere Batman en esta historia: el toque oscuro y siniestro.

Por cierto, en el vídeo lo podemos ver editando la banda sonora y cómo se defiende con las nuevas tecnologías. ¿Alguien duda de que es un genio?

En Blogdecine

• Las diez mejores bandas sonoras de Elmer Bernstein
• Las diez mejores bandas sonoras de Bernard Herrmann
• Las diez mejores bandas sonoras de Ennio Morricone
• Las diez mejores bandas sonoras de Jerry Goldsmith

• Las diez mejores bandas sonoras de John Williams

‘Sherlock Holmes’ no engaña. Ofrece lo que se anunciaba desde el comienzo de la producción. Una historia frenética, espectacular, nerviosa e incluso provocativa que utiliza a un personaje tan clásico y misterioso como mil veces versionado como es el detective más famoso creado por la imaginación de Arthur Conan Doyle.

Para muchos supone casi una blasfemia que un realizador como Guy Ritchie, verdadero estandarte del cine como espectáculo videoclipero en el que impera la diversión y el virtuosismo, por encima de todo lo demás, se haya enfrentado al clasicismo victoriano que destilan las historias y aventuras de Sherlock Holmes. Sin embargo, no se le puede reprochar que ha sabido adaptarlo a los nuevos tiempos y seguir elevando al mito de Holmes en los ojos de los nuevos espectadores.

Ritchie, libre de prejuicios (y quizás ha sido el acierto inesperado) ha convertido a Holmes en un action man, una especie de James Bond (pero con más socanorrería) cuyas intrigas y aventuras detectivestas se funden con especial nervio con la acción más trepidante, tan fantástica como un videojuego pero tan entretenido como lo han sido los relatos y novelas de Conan Doyle durante generaciones. Y aunque se le pueda acusar de ofrecer un producto alejado por completo de lo visto hasta ahora sobre Sherlock Holmes, lo cierto que no es el que peor lo ha logrado adaptar. Incluso diría que ha sido un enorme acierto, llevar a un personaje así a la nueva forma de entender el cine de aventuras y acción.

El que esperaba ver a un Holmes meditativo, capaz de resolver un misterio con su audacia y su pipa, se encuentra a un Robert Downey Jr., histriónico pero acertado en su hiperbólica representación (idónea para el propósito de Ritchie), hábil con los puños como con su astucia, locuaz, simpático, rebelde y renovado. Pero también resucitado. Porque no nos engañemos, es un clásico pero tan visto y manido que otra cosa que no fuera ponerlo en el camino del cine actual reinventando el mito, hubiese olido a alcanfor.

Ritchie ha resucitado a Holmes, le ha otorgado la posibilidad de vivir una nueva era, aunque siga ambientada en la victoriana capital londinense, decorada con un resultado más que apreciable y unos efectos especiales brillantes. Lo ha reconvertido para volver a ilusionar a las nuevas generaciones con su peculiar personalidad, manteniendo esa intriga sobre su persona.

Robert Downey Jr. se aleja de retratos con el carisma de Basil Rathbone, pero le aporta un guiño al espectador joven, una aproximación sin prejuicios, divertida y llena de energía (de superhéroe), que se agradece. Bien compenetrado con su inseparable Watson, al que Jude Law otorga el protagonismo y el gancho que su personaje necesitaba para acompañar al protagonista.

Por todo ello, este refrito holmiano creado por Ritchie, sin ser especialmente elogiable en todo su conjunto, sí consigue su propósito: entretener de principio a fin. No dejando escapar la menor oportunidad para imponer su peculiar estilo nervioso a las escenas de acción.

‘Sherlock Holmes’ cuenta, además, con un villano con cierta presencia y correctamente dibujado por Mark Strong, aunque se le han ido la mano a los guionistas a insertarnos de forma tan aparentemente sutil, pero realmente forzada al verdadero villano que esperábamos todos: Moriarty (pero al que veremos en las próximas entregas de la saga). La chica de turno, Rachel McAdams, aparece bella con sus ojos fotogénicos y un cierto carisma apropiado. Por no olvidarnos, aparte del brillante diseño de producción, de una exquisita partitura del gran Hans Zimmer. Una fusión sorpredente, inusual por momentos, pero brillante en su conjunto. Grandes escenas que ganan (y mucho) con algunos temas compuestos por Zimmer (que por momentos parece un amago de Kusturica). Quizás donde alcanza este filme su momento más álgido.

Mientras Robert Downey Jr. tenga cuerda (recordemos que también está sumido en el universo de Iron Man), creo que tendremos nuevas y estimulantes entregas del detective Holmes. Esperemos que Ritchie siga manteniendo el tono y que mejoren el guión.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Sherlock Holmes’, los actores salvan el despropósito de Guy Ritchie

• ‘Sherlock Holmes’, los personajes de Conan Doyle renacen de manos de Guy Ritchie

Ayer se estrenó por fin en España (con un mes de retraso respecto a Estados Unidos) la nueva película sobre Sherlock Holmes, el famoso personaje creado a finales del siglo XIX por Arthur Conan Doyle, ahora convertido en el protagonista de una superproducción de Hollywood que ha costado en torno a cien millones de dólares. Dirigida por Guy Ritchie, hace años calificado el Tarantino británico, y protagonizada por Robert Downey Jr. y Jude Law, ‘Sherlock Holmes’ se vende como una moderna película de acción, con mucho humor y efectos especiales, para todos los públicos.

Hoy puedo confirmar que el último tráiler que vimos aquí es una versión muy resumida, en dos minutos y medio, de la película. Os acordaréis de ‘Piratas del Caribe’, entre otras por el estilo. Sigue el mismo esquema, buscando el dinero fácil, contentando con lo mínimo al público que llena las salas hoy día. Ni más ni menos. Que el director de ‘Snatch’ esté detrás de esto es sólo la prueba definitiva de que Ritchie ha perdido lo poco que tenía que aportar al séptimo arte. ‘RocknRolla’ fue su último suspiro de vida. ‘Sherlock Holmes’ puede llegar a entretener porque ha costado un pastón, porque tiene a Hans Zimmer empujando con la banda sonora y, sobre todo, porque los protagonistas son muy carismáticos y se creen lo que están haciendo. Pero el guión está lleno de incoherencias y la realización es absolutamente mediocre.

En esta versión contemporánea de los personajes creados por Conan Doyle, Holmes y Watson (Downey Jr. y Law) deben hacer uso de todo su ingenio (y sus puños) para librar al mundo de la amenaza de Lord Blackwood (Mark Strong), un líder de una oscura secta que presume de haber vuelto a la vida, tras ser atrapado y ejecutado en la horca. La pareja protagonista, que podría romperse por el compromiso de Watson con Mary Morstan (Kelly Reilly), recibirá la ayuda de Irene Adler (Rachel McAdams), el viejo amor de Holmes.

Ya desde el principio se ven las grandes carencias de la película, que incomprensiblemente se estira torpemente hasta las dos horas de duración. La presentación de Holmes es horrorosa, filmada sin ningún estilo. Y antes de que nos hayamos dado cuenta de qué está pasando (el maldito montaje caótico empieza a hacer acto de presencia), Ritchie inserta su primera escena marca de la casa, sin venir a cuento: Holmes debe derribar a un hombre y nos explica cómo lo va a hacer, a cámara lenta y recreándose en los golpes que va a dar, al más puro estilo ‘Matrix’ (o ‘Snatch’). Luego vemos cómo hace exactamente lo que había pensado (lo mismo, pero a velocidad normal) y sigue adelante. No contento con haber hecho esto una vez, el realizador vuelve a repetir la jugada minutos más tarde, cuando planta al detective en un combate de lucha callejera. Es la segunda y la última vez. Dice Rithie, en su defensa, que ha querido actualizar al personaje. Claro, así se puede justificar cualquier despropósito.

Más honesto y más sensato se ha mostrado Downey Jr., que no sólo confirma que Warner Bros. ha tenido mucho más poder de decisión de lo que el director-pelele quiere reconocer, sino que afirma que la película era todo acción y testosterona cuando él llegó. Afortunadamente, se hicieron cambios, o eso podemos suponer por sus palabras. Y es que lo mejor de la película es cuando se olvidan de los golpes y el ruido, y se centra en la vida, la profesión y la relación de Holmes y Watson. Como esto es una superproducción, y la homosexualidad no tiene sitio ni sugerida, Holmes tiene a su chica, Irene Adler, aunque el personaje esté metido con calzador y no encaje nunca en la trama; parece que su única función (aparte de alejar a Holmes de Watson) sea introducir al profesor Moriarty, el gran villano de Holmes, que aparece en un par de ocasiones aunque nunca se le ve el rostro, pues aún no hay un actor para que lo encarne en la secuela que está por llegar (se dice que Ritchie quiere que lo haga Brad Pitt).

Así de tristes están las cosas en el actual cine comercial más tragaperras. Piensan en hacer tres películas y no una, en la franquicia, en vender un producto, en lugar de ofrecer un espectáculo cinematográfico que deje al público tan satisfecho que salgan del cine queriendo repetir cuanto antes. Steven Spielberg, Christopher Nolan y James Cameron, entre otros, lo entienden perfectamente y así les va. Ritchie, como otros muchos, se contentará con las cifras del cheque que se ha embolsado, con las de la taquilla (que tampoco son para tirar cohetes, en comparación con otros blockbusters) y tratará de olvidar que ha sido un perro faldero para un gran estudio, que ha hecho una película mediocre para forrarse y que no le pregunten más por Madonna. Su suerte, y la nuestra (porque de otro modo, esto sería un suplicio), es que al frente del reparto hay tres actores que se comen la pantalla, salvando en la medida de lo posible el absurdo pastiche visual del realizador.

Aunque su Holmes sea poco más que una mezcla entre Tony Stark y Jack Sparrow, la mera presencia de Robert Downey Jr. engrandece la película. El actor está en su mejor momento y es una gozada verle metido en un personaje borracho, sucio, drogadicto, y aún así experto en la lucha cuerpo a cuerpo, seductor, y de increíble capacidad para la deducción y la resolución de misterios. La clase de la estrella lo hace creíble, y de hecho ha ganado el Globo de Oro. Pero Holmes (al menos este nuevo) no sería nada sin Watson, al que da vida Jude Law. Este actor, que no por casualidad ha trabajado para algunos de los directores más interesantes del panorama actual, sigue probándose a sí mismo y aquí compone al personaje más sorprendente y divertido de la película. Tras ellos hay que destacar a Mark Strong, que poco a poco se está colando en Hollywood, hasta que le den una gran oportunidad y demuestre lo que muchos ya sabemos desde hace tiempo: que es un actorazo. Su papel es tan limitado como el de Rachel McAdams y apenas puede lucirse en las pocas escenas que protagoniza. Un villano muy desaprovechado.

En definitiva, lo admito, tenía la esperanza de que sería algo más que rutinaria acción y humor ligero (ojo a lo del perro, empleando los mismos planos varias veces), pero una vez más confié más de la cuenta en Hollywood. Atropellada, repetitiva, vulgar, no hay en sus dos horas de metraje ningún tipo de emoción, sólo algunos momentos inspirados de los actores y realmente efectivo acompañamiento musical de Zimmer. Ojalá que la segunda la hagan más tranquilos, dejen más espacio a los actores, y se fijen un pelín más en lo que Conan Doyle escribió, en lugar de repetir los peores defectos del cine comercial actual. Vaya, ya estoy haciéndolo otra vez…

Después de ganar el Oscar con su trabajo para ‘El rey León’, Zimmer participó en una serie de proyectos muy comerciales y de nulo interés, a los que aportó su buen hacer, pero sin llegar a ofrecer nada especial, hasta que compone la que, sencillamente, es su mejor partitura hasta el día de hoy. Hagamos un repaso a sus cortes:

‘The Coral Atoll’ (8:02)

La introducción de esta banda sonora es la introducción al mismo filme. Una magna pieza de más de ocho minutos que significa toda una declaración de intenciones. Comienza con un crescendo casi infinito, que asemeja la reverberación de una catedral sacra, aunque en realidad es un canto a la energía y la esencia de la misma Diosa Naturaleza. De ahí pasamos a unas notas sostenidas, bellísimas, de una melancolía muy vasta, tocadas con cuerdas y vientos.

Por supuesto que la gran mayoría de ellos son sintetizadores, pero Zimmer los emplea con extremo gusto, sin caer en lo obvio. El objetivo de este corte es presentarnos el paraíso en la tierra, y sus eternas posibilidades de fisura. La aparición de unas notas fúnebres, con un sintetizador menos sutil que antes, nos avisan de la presencia del mal o de la corrupción espiritual. Su tema, como otros, se presenta aquí. También se presenta el tema de la espera, con unas notas tocadas con instrumentos de viento. Sólo se presenta, luego se desarrollará con más profundidad.

‘The Lagoon’ (8:36)

Este corte es fascinante. Comienza con cánticos paganos, propios de la cultura de los aborìgenes del pacífico, en clara oposición al tono casi sacro del primer corte, para fundirse en unos sonidos muy abstractos que dan lugar al tema de la redenciòn de la película. Un tema que también es el tema de la pérdida, con una flauta absolutamente tràgica, pero con otra que la desmiente, erigiéndose en uno de los temas más esperanzadores de esta partitura.

Este será uno de los temas más fragmentados por parte de Malick, para hacer uso de él en numerosas escenas, y siempre distintas partes de él.

‘Journey to the Line’ (9:21)

Este es el tema más bello y más importante de esta película, y por extensión de todo lo que ha escrito Zimmer en su vida.

Es, a grandes rasgos, el que más “respeta” Malick, pues su uso es en dos ocasiones. En la primera corta su escucha antes de la parte culminante, y en la segunda hace uso de él hasta el final. Sin duda, gracias a este corte sublime, su película es mejor película. Además Malick lo emplea en los dos momentos más importantes: la presentación del primer escenario de guerra, y la toma del aeródromo.

El corte es un crescendo emocional indescriptible. Comienza con unas notas a cuerda, que asemejan un reloj acelerado, y con más notas de violines, ayudadas por lo que parecen trompetas, alcanza una de las cotas de paroxismo más conmovedoras de la entera historia del cine. En realidad, su razón de ser, es la de atrapar todo el dolor y toda la belleza del mundo, y convertirlas en notas musicales. Nada menos.

Música para romper el corazón. su parte final, sólo con violines, es el broche perfecto para esta pieza excepcional de arte musical.

‘Light’ (7:19)

Tras la intensidad desgarradora del anterior corte, llega uno mucho más plácido. Se instala, por tanto, un tono mucho más contemplativo. Eso sí, no exento de dolor, pues con él Zimmer quiere expresar la soledad de los soldados, y Malick lo emplea para acompañar los más oscuros pensamientos de sus personajes. Sin duda, una luz más para guiar, que para apaciguar.

‘Beam’ (3:47)

Oscurísimo corte, en clara oposición estética al anterior. Zimmer dibuja contornos y texturas casi aterradoras. Sin embargo, aún en atmósferas tan sobrecogedoras, Zimmer sabe sacar un halo de esperanza, alguna luz. Sin duda, aprendió bien qué tipo de historia quería contar Malick.

‘Air’ (2:21)

Un corte menor dentro de esta partitura, que además apenas fue usado por Malick en la película, tal como veremos en el análisis. Comienza con percusión, en un crescendo que no aporta nada a lo ya expresado en cortes precedentes.

‘Stone in my Heart’ (4:30)

Otro corte menor, pero que desarrolla el tema de la redención desde un punto de vista más dinámico. En realidad, no es más que una variación de este tema.

‘The Village’ (5:52)

Tema mucho más elaborado e importante que los anteriores, que incide en un tono abiertamente elegíaco en la temática de esperanza y redención en la naturaleza, ya apuntada en cortes como ‘The Lagoon’. Es un corte que Malick emplea abundantemente, sobre todo su parte final, en la película, porque le sirve para elaborar, de manera muy efectiva, el punto de vista de redención de sus personajes.

‘Silence’ (5:05)

Tema que coge parte de las notas para ‘Journey to the Line’, y lo que significan de locura en la guerra, para darles otra textura: la de la desesperación, la de la decisión de seguir o no viviendo. Pero desde luego con una óptica mucho más oscura.

‘God Yu Tekem Laef Blong Mi’ (2:06)

Pieza capital para comprender la película, interpretada por los aborígenes de las islas Solomon. Está cantada en “pidgin-english”, con lo que el vocabulario británico está ligeramente alterado. El título de esta canción en concreto, sería algo como ‘God you take my life’, es decir, Dios llévate mi alma.

Muy diferente a todo lo propuesto por Zimmer, se engarza sin embargon con gran perfección con el tono de lo que quiere contar Malick. Insuperable.

‘Sit Back and Relax’ (2:06)

Corte circunstancial y sin interés, sin apenas presencia en la película, y que no fue firmado por Zimmer.

Conclusión

Estos son los 11 cortes de la película, con sus luces y sus sombras. Quizá sea, en algunos de sus pasajes, la más bella música con la que ha contado jamás Malick para una de sus películas. En cualquier caso, ahora queda hablar de su trabajo, y haremos referencia a estos temas, pues de otra forma el análisis quedaría incompleto.

El pasado viernes, 15 de mayo, llegó a nuestras pantallas ‘Ángeles y demonios’, la adaptación cinematográfica de la famosa novela de Dan Brown publicada en el año 2000. El director Ron Howard y la estrella Tom Hanks repiten detrás y delante de las cámaras tras el éxito de ‘El código Da Vinci’, para traernos la nueva e increíble aventura del profesor Robert Langdon, aunque en el libro los hechos transcurren antes de que éste investigue el caso de La Gioconda (por cierto, una de las mayores decepciones que me llevé cuando visité el museo del Louvre).

Servidor fue uno de los cayó en la trampa publicitaria del código de Brown. Me lo recomendaron y estaba en todas partes, así que me hice con el producto y lo leí. O quizá debo decir que lo sufrí. Por otro lado, siempre estaré agradecido por todas esas noches que pude dormir rápida y plácidamente. Luego vi la película, esperándome lo peor, y me llevé una grata sorpresa. No voy a elevarla a los altares, ni siquiera a defenderla, pero creo que como producto palomitero, como entretenimiento ligero e inocuo, cumplía su cometido. Vamos, que el tiempo que estuve en el cine pasó volando, y al poco de salir ya ni me acordaba de lo que había visto, pero tenía la sensación de haber pasado un buen rato. Esperaba que ‘Ángeles y demonios’ fuera más de lo mismo, pero no que fuera peor.

La película nos sitúa en un presente alternativo en el que el Papa ha muerto y en el Vaticano se preparan para elegir a su nuevo líder espiritual. Mientras tanto, muy lejos de allí, en un laboratorio secreto se realizan experimentos para crear antimateria; cuando por fin tienen éxito, alguien entra ilegalmente, asesina a uno de los científicos y roba uno de los frascos. He aquí la primera gran secuencia inverosímil y ridícula de ‘Ángeles y demonios’. Aparte de que Howard se dedica a marearnos durante demasiado rato mostrando monitores, gráficos y rostros inexpresivos, uno no puede evitar sentir vergüenza ajena ante el tratamiento que se hace sobre esta investigación. Casi se espera que, de un momento a otro, se produzca una explosión y aparezca un gigante verde o un chaval lanzando telarañas.

Pero sigamos. Evidentemente, hay una relación entre lo que sucede en el Vaticano y el robo en el laboratorio. La Iglesia recurre pronto al famoso profesor y experto en simbología religiosa Robert Langdon. Robert, le dicen, eres nuestra única esperanza. Al parecer, una antigua secta, los Illuminati, ha preparado una complicada venganza, ahora que todo el mundo está pendiente de la elección del nuevo Papa. Dicen haber secuestrado a cuatro cardenales y que los matarán uno a uno, para causar el máximo revuelo público. La guinda será usar la antimateria robada para destruir el Vaticano.

Tras pensarlo durante el tiempo que se tarda en levantar una ceja, Robert acepta ayudarles. Al fin y al cabo, estaba aburrido, nadando en la piscina, sin nada que hacer, ya que para terminar su nuevo libro necesitaba, casualmente, ciertos documentos de la biblioteca privada del Vaticano, a los cuales no le dejaban acceder. Gracias a este nuevo trabajillo de action-man intelectual, el hombre podrá resolver sus dudas y, de paso, refrescar su ingenio para resolver enigmas ocultos. Lo de menos es que no le paguen un duro por la misión, que incorpora peligro de muerte a cada minuto. Una vez en Roma, recibe más información y descubre que cuenta con aliados (suerte, una cuenta con la elegante figura de Ayelet Zurer) y que hay gente que sólo está ahí para obstaculizar su trabajo (en especial, Stellan Skarsgard, en un papel que podría interpretar un gorila, debidamente vestido).

Igualmente, Robert conoce a un importante miembros de la Iglesia, el camarlengo Patrick McKenna, al que interpreta un cada vez más irreconocible Ewan McGregor; físicamente se le reconoce, claro está, pero como actor uno se pregunta en qué pensaba el escocés. Me parece lamentable que este actor, de tanto talento, a veces parezca estar más preocupado por acumular dinero, como una hormiga ante la llegada inminente del invierno, que por la dificultad o la entidad de los personajes con cuya piel se viste. También es verdad que protagoniza lo que a mí me parece lo mejor de toda la película, esa parte final que sorprende por lo fantástico y delirante de los acontecimientos (el cielo en llamas es espectacular y lo del paracaídas es antológico), pero no es menos cierto que el señor Armin Mueller-Stahl tiene mucha menos presencia y a nadie se le ocurre pensar, en ningún momento, que el actor no está en su sitio o que suelta una frase que no encaja.

A partir de la llegada a Roma, la película se convierte en una apresurada y caótica carrera por diferentes localizaciones, algunas reales, otras no (pero lo parecen, y es para aplaudir), que se vuelve de lo más repetitiva y aburrida. Ron Howard ofrece su peor versión, no logrando imprimir emoción o suspense alguno, limitándose a meter a los protagonistas en coches y subir el volumen de la música para animar al público y darles algo de acción, cuando en realidad no son más que cortos planos de maniobras automovilísticas y rápidos vistazos a los rostros de los implicados en la escena en concreto, que tratan de aparentar sorpresa e impacto cada vez que llegan al lugar donde muere (o debe morir) uno de los cardenales secuestrados. Curiosamente, siempre llegan un par de minutos antes de la hora límite, menuda puntería.

Además de todo eso, que la película sea tan esquemática, que los personajes sean tan vacíos, que muchos giros te los veas venir (incluyendo quién es el traidor), y que haya tantos diálogos que dan risa cuando no deberían, me parece que se pierde la poca salsa que tenía la del código, todo esa trama llena de misterios y explicaciones fantasiosas, todo eso de ir uniendo pistas y avanzar poco a poco hasta llegar a una conclusión más descabellada que la anterior. Aquí se trata más bien de correr y llegar antes que el asesino, que por cierto, menuda tarea la que lleva a cabo el hombre, cuidado al máximo todos los detalles. Como dije al respecto de otro de los peores blockbusters de lo que llevamos de 2009, ‘X-Men orígenes: Lobezno’, ésta es de las típicas películas que sales del cine y no puedes parar de destriparla, comentando lo absurdo del guión (firmado por Akiva Goldsman y David Koepp, ojo).

En definitiva, lo mejor de esta producción es la cuidadísima dirección artística, la banda sonora de Hans Zimmer, que es más de lo mismo pero, hay que reconocerlo, es muy efectiva, y el primer tráiler que sacaron, que me parece intrigante y espectacular, justo lo que debería que ser un avance de una película de este tipo (aunque sea un poco tramposo, es verdad). Os lo dejo abajo, para que no se diga que sólo me quedo con lo malo.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Ángeles y demonios’, mejorando lo presente

Supongo que esta noticia sólo interesará a los que disfrutaron tanto con ‘The Dark Knight’ (‘El Caballero Oscuro’) que esperan que en la noche de los Oscars, caigan varias estatuillas doradas del lado de la lujosa producción dirigida por Christopher Nolan. Bueno, esto puede ocurrir, pero una candidatura, de las que en un principio podríamos señalar como “muy probable”, ya ha sido descartada.

Al parecer, el comité ejecutivo de la Academia ha descalificado la banda sonora de ‘The Dark Knight’ compuesta por Hans Zimmer y James Newton Howard. Aunque la Academia aún no ha hecho público los motivos por los que no va a considerar premiar esta obra, pero se ha filtrado la información, y ya circula por internet, muchas veces, la mejor forma de que todos en este planeta nos enteremos de algo.

Según parece, el motivo que ha impedido que ‘The Dark Knight’ pueda optar al Oscar a la mejor banda sonora es que Zimmer y Newton Howard son autores de sólo el 60 % del score de la película, en lugar del 70 que exige la Academia. El 40 % restante, por lo visto, ha sido creado por otros tres señores: Alex Gibson, editor, Mel Wesson, ambientador musical, y Lorne Balfe, compositor.

Vuelve a repetirse, por tanto, lo ocurrido hace tres años, cuando la composición musical para ‘Batman Begins’ también se quedó fuera en la carrera por el Oscar.

A continuación, algunos tracks de la banda sonora en cuestión, el disco que más veces he escuchado este año:

• 1. “Why so serious?”

• 2. “I´m not a hero”

• 3. “Harvey Two Face”

*11. “Agent of caos”

Pd: Independientemente de esta candidatura, ¿creéis que la Academia va a premiar una película como ‘The Dark Knight’? Ojalá me equivoque, pero apostaría a que dejarán fuera de las nominaciones incluso a Heath Ledger.

Vía | LasHorasPerdidas