‘Extraordinary Measures’ resulta un título interesante cuando descubres que es un drama protagonizado por Harrison Ford y Brendan Fraser (Indiana Jones y su “hermano” Rick O´Connell metidos en un melodrama médico). Pero entonces ves ese cartel que está arriba. Y luego el otro, que está más abajo, quizá aún peor. Ahora cuesta mantener que esto sigue siendo interesante. ¿Es posible que hayan pagado a alguien para que diseñe estas cosas con la intención de atraer al público? No sé, igual a vosotros os parecen geniales, pero yo los voy a preseleccionar ya mismo para mi selección de los peores carteles del año.

Como nos contaba Beatriz hace tiempo, cuando se supo del proyecto, ‘Extraordinary Measures’ (que antes se iba a titular ‘Crowley’) se basa en hechos reales, los relatados en el libro ‘The Cure’, de la ganadora del premio Pulitzer Geeta Anand. La historia se centra en John Crowley y su mujer Aileen, en su lucha por salvar la vida de sus dos hijos pequeños, Megan y Patrick, a quienes se les diagnostica una rara enfermedad genética que les deteriora los músculos y los órganos.

Ford, que compró los derechos del libro y ejerce como productor de la película (debió quedar impresionado con la historia), interpreta al médico que tratará de dar con ese milagro al que se refiere el póster, mientras que Fraser encarna al padre de los pequeños; Keri Russell da vida a Aileen, su mujer. Tras las cámaras ha estado el director Tom Vaughan (‘Algo pasa en Las Vegas’).

La fecha del estreno de ‘Medidas extraordinarias’ es el 22 de enero de 2010.

Actualización: Incluyo también el tráiler, que ha salido hace unas horas. Pinta regular. Pa´mal.

PD: Es increíble que aún nos sigan vendiendo a Ford como un héroe de acción. Incluso en películas como ésta, donde interpreta a un doctor, nos lo tienen que sacar como si fuera a dar hostias al responsable de la enfermedad genética (¿va a darle una paliza a Dios?).

Vía | Impawards

La búsqueda del Grial no es arqueología. Es una carrera contra el mal. Si el Grial es capturado por los nazis, los ejércitos de la oscuridad marcharán sobre la faz de la Tierra, ¿me comprendes?

-Henry Jones Sr.

Estaba bastante claro que íbamos a conocer una tercera parte de las aventuras de Indiana Jones (lo que no estaba tan claro es que algún día llegase la cuarta…), por lo que la aparición, a finales de la década, de esta película fue algo poco sorprendente para todos. Lo que sí sorprendió fue que, al menos para el que esto firma, se trató de la mejor de todas ellas de lejos, pues no sólo es la más emocionante, y en la que Spielberg dirige con una mayor perfección, si no que es difícil encontrar una película de aventuras de esta calidad en la historia del cine. Así de sencillo.

Si con anterioridad el ‘mcguffin’ había tomado cuerpo en la presencia del Arca de la Alianza, o en las piedras sagradas de la cultura hindú, ahora, como todos sabemos, se trata de la copa de Cristo, más conocida como Santo Grial, un objeto codiciado por no pocos historiadores y que es utilizado, al mismo tiempo, como excusa argumental y como catalizador final de la apasionante relación que se establece entre Indiana y su padre, encarnados por dos genios de la interpretación: el instintivo y generoso Ford, y el entrañable viejo zorro Connery.

El exigente y distante padre, el vitalista y solitario hijo

De nuevo todo comienza con un prólogo en el que Indiana persigue un objeto inicial que nada tiene que ver con el principal. Ahora bien, dos características nuevas se añaden a los prólogos anteriores: que el objeto lo ha buscado Indy desde la infancia (con lo que se erige en una búsqueda personal que se pone en paralelo a la búsqueda personal del padre de encontrar el Grial), y que al conocer al distante progenitor del adolescente Indy, se introduce un componente emocional prácticamente desconocido en la trilogía.

Poquísima importancia reviste, por tanto, que nos expliquen, en una secuencia de acción absolutamente magnífica por cierto (con un comienzo que es un homenaje al western, y más concretamente a John Ford), de dónde viene el sombrero, la cicatriz, el látigo, o la fobia a las serpientes del protagonista. Esos chistes privados comienzan a perfilar este relato como un homenaje a la saga, corporeizados en la figura del malogrado River Phoenix, en un registro de comedia loca desconocido en él. De forma coherente, por cierto, Spielberg de momento no muestra el rostro del padre, tan solo sus manos, en una presentación idéntica a la de su hijo, del que en primer lugar siempre vemos sus manos. Muchos años más tarde, Indiana logra recuperar la Cruz de Coronado, convirtiéndose en la primera reliquia que vemos recuperar a Indy, pues siempre se contentaba con salvar la vida en sus aventuras previas.

Lo interesante, en verdad, es que este prólogo siembra la semilla de lo que va a ser la película, que no es otra cosa que la relación de Indiana con Henry Jones, un padre que al dejarle toda libertad se distanció de su hijo irremediablemente. Este es el corazón del relato, con un guión soberbio (sin duda el más redondo de todos los de la saga, el que más y mejor juega con situaciones y personajes, el que mejores diálogos posee, el de mayor progresión, escrito por el profesional Jeffrey Boam), muy del gusto de Spielberg, que filmó sin mucha gana ‘El templo maldito’, aventura que en gran parte le desagradó por su oscuridad, pero que aquí se siente muy cerca de la historia por contar algo que le interesa, y es que el maestro había aprendido que lo que importa en la aventura son los sentimientos e intereses vitales de los personajes.

Regresamos, por tanto, al tono de folletín de los años treinta de la primera película, a algunos de los personajes de la misma (Sallah, Brody), y se inicia un desarrollo de la humanidad de Indiana Jones, que en la segunda había mostrado, por así decirlo, su lado oscuro. Los escenarios del relato son aquí más numerosos que en las otras dos juntas, con Venecia, Austria, Berlín, Hatay e incluso Utah entre ellas. Pero, sobre todo, se introduce un tono de misticismo y de mitología ya perfilado en la primera aventura, pero que aquí va a influir de manera conmovedora en las peripecias de los personajes.

Un reparto formidable

En el momento de filmar este proyecto, Harrison Ford contaba cuarenta y seis años, y no podemos dejar de admirar su presencia, su esfuerzo en la acción y su inigualable instinto interpretativo. Cierto que es un personaje que interpretaba por tercera vez, pero aquí es capaz de restarle cinismo y añadirle compasión con toda naturalidad, mientras despliega el habitual estoicismo físico. Pero, además, en cuanto aparece Connery, pierde el control y la voluntad férreas de las otras entregas, aunque sin perder nada de interés ni coherencia. Siempre he pensado que Harrison Ford es un actor soberbio, que controla de manera ejemplar su ficisidad, a la vez que muy creíble y muy carismático. Este podría ser su mejor papel, o uno de los mejores.

A su lado Sean Connery es una presencia extraordinaria. Si Spielberg hizo Indiana Jones como respuesta a la frustración de no poder hacer James Bond, el padre del personaje debía ser el mismo James Bond. Por suerte para el cine, el actor aceptó el papel y ofreció una dimensión impagable a la película. Sólo doce años mayor que Ford, a sabiendas de que por entonces era ya una leyenda del cine, es imposible no enamorarse de este personaje, y Connery logra una insuperable fusión entre torpeza y habilidad, entre inteligencia y testarudez. Ambos, Ford y Connery, forman un dúo que es de lo mejor que Spielberg ha tenido jamás en sus manos.

El resto del reparto se muestra igualmente a la altura, en una cohesión que muy pocos han sabido, o querido, apreciar. Tanto Julian Glover (el astuto y fascinante Walter Donovan), como Alison Doody (Elsa, una estupenda femme fatale) como Michael Byrne (el cruel aleman de turno, llamado Vogel) o Kevork Malikyan (dando vida al equívoco Kazim) forman un grupo de actores en estado de gracia, dirigidos por Spielberg con mano maestra, elaborando con ellos traición, pasiones, maldades, sorpresas y frágiles alianzas.

Rasgos estilísticos

Si en la primera parte había propuesto una revisión de los viejos seriales de aventuras, logrando un delicado equilibrio, y en la segunda parte había tirado por la borda ese equilibrio en favor del frenesí y el caos, en esta tercera parte Spielberg se muestra más sólido que nunca, olvidando la mixtura genérica, y entregándose con vehemencia a la mitología del personaje, consciente de que ya no necesita mirarse en otros espejos más que en el que él, y Lucas, crearon.

De tal forma que, por supuesto, tenemos acción, pero tenemos el que quizá es el más afortunado tono humorístico de toda su carrera. Así, Indiana y su padre forman un dúo en la mejor tradición de la “screwball comedy” norteamericana. Es mérito de Spielberg alcanzar a mezclar ese tono con en el de un relato sobre la fe religiosa, sin la menor fisura en su desarrollo. Las aventuras con Jones padre pueden llegar a ser desternillantes, pero también de gran ingenio y dinamismo. Ejemplos hay muchos, y sólo el genio de Connery como intérprete asegura su eficacia: intentando quemar sus ligaduras, provoca un incendio; encontrando una salida secreta, provoca que su hijo caiga aparatosamente por las escaleras.

Por otra parte, decir que Spielberg narra portentosamente la acción, a estas alturas resulta un eufemismo. Hay varias persecuciones (en lancha, en moto, en avión) que pueden ser, fácilmente, de lo mejor del género. Pero mención especial merece la del dirigible, con el graciosisimo chiste de “más peligroso imposible” pronunciado por Connery, justo cuando una bomba les cae casi encima y destruye su automóvil. Hay una alegría y un amor de Spielberg por sus personajes en el momento de la playa que resulta difícil de describir. Desde el mismo principio, padre e hijo se han mostrado dolorosamente divergentes, comenzando por la brillante broma del jarrón, y con el clímax de la conversación en el dirigible. Pero la demostración de audacia con el avión que está a punto de rematarles, provoca un respeto y una admiración que podemos palpar en esta hermosa secuencia.

Spielberg volvió a contar con tres colaboradores cuya aportación resulta inestimable: el montador Michael Kahn, el músico John Williams y el operador Douglas Slocombe. El primero dotó a la película de un equilibrio rítmico difícilísimo de obtener. El segundo pudo colocar su granito de arena (granazo…) a la hora de mezclar tonos, y el tercero volvió a demostrar su gran profesionalidad con una fotografía que seguía en cierta medida los pasos de las antecesoras, pero mucho más rica y mucho más elegante. De hecho, la palabra elegante le cuadra a esta película como a pocas. Si Spielberg se merece el rango de maestro, sobre todo es por cómo compone sus secuencias, al estilo de sinfonías, con unos movimientos de cámara y una planificación visual al alcance de muy pocos, que aquí se puede describir como majestuosa.

Conclusiones

‘La última cruzada’ puede ser, fácilmente, la mejor película de Steven Spielberg desde ‘Tiburón’. Con ella culmina un estilo de hacer aventuras que parece que luego Spielberg no podría igualar con la serie de ‘Parque Jurásico’, ni en intención ni en ejecución. Posee, además de las mejores secuencias de acción de todas ellas, una solidez inusitada.

Pero no sería la última película de Spielberg en esa década. La cerraría con un extraño remake que adelantaría la irregularidad de los años noventa.

En Blogdecine:

• ‘Indiana Jones y la Última Cruzada’, la búsqueda de la identidad

¡Kali Ma nos protege! ¡Somos sus hijos! Le ofrecemos nuestra devoción y un sacrificio de sangre… ¡y carne!

-Indiana Jones

La secuela de ‘Raiders’ tenía que llegar, era inevitable. Ya se había hecho un preacuerdo entre Lucas, Spielberg y Ford, y después del asombroso éxito de ‘E.T.’ (que sería, hasta la llegada de ‘Parque Jurásico’, la película más taquillera de todos los tiempos) Spielberg tuvo que agachar la cabeza y regresar a una saga a la que no le apetecía volver en aquel momento de feliz creatividad, después de una película tan personal. Sin embargo, y a pesar de que ‘El templo maldito’ no añade nada a su filmografía (como sí lo hará ‘La última cruzada’), fue una jugada inteligente seguir esforzándose en la construcción de este icono de aventuras.

Si la primera rendía tributo a Michael Curtiz, esta se acerca más a un Hawks o un Sturges desatados e hiperbólicos. Auténtico cómic supervitaminado, ‘Indiana Jones y el templo maldito’ es la más frenética e intensa de todas las películas de Indy, la de las secuencias más repulsivas, y la del tono más siniestro. Nuevos personajes y nuevos escenarios para una historia muy del gusto de Lucas, que nos lleva a la India para pasar miedo, asco, para reirnos y para soltar adrenalina a chorros. No es el mejor Spielberg, pero es un Spielberg que cumple con nota el encargo de dirigir una secuela loca.

Lucas tuvo no una, sino varias ideas

Como suele suceder con Lucas, no era cierto que tuviera tres historias en la cabeza cuando se pusieron con el primer Indy (como no fue cierto que tuviera seis películas de ‘Star Wars’ preparadas…), pero no se puede negar que cuando se pone a ello, su fertilidad imaginativa es notable. Muchísimas ideas que tuvo fueron descartadas por un Spielberg bastante renuente a realizar la segunda película, aún a sabiendas de que debía hacerlo. Esta vez, el asombroso equilibrio de la primera parte se vería reemplazado por una historia mucho más exagerada.

Si el trasfondo de la primera aventura era la religión cristiana, aquí es la religión hindú y sus numerosos dioses. A los rasgos áridos y africanos de Túnez se superponen ahora las coordenadas frondosas y asiáticas de Sri-Lanka (no pudieron rodar en el norte de India porque el gobierno encontró, lógicamente, ideas racistas en la trama). Si antes el objeto a recuperar era el Arca de la Alianza de los hebreos, ahora es la piedra sagrada de un pueblo en las montañas más pobres de India. No repite Marion Ravenwood, sino que tenemos nueva “chica Indy” con Kate Capshaw (por la que Spielberg dejaría a su mujer, y que es su esposa desde entonces) cuya Willie (así se llamaba el perro de Spielberg, para seguir la tradición de Lucas…) es el contrapunto cómico a tanta sangre y tanta oscuridad.

Lo que algunos no saben es que, en teoría, esta película es una historia previa a la primera película. Así lo aseguraron sus responsables. La razón es que no querían meter nazis en las tres películas. Pero salvo ese pequeño, e intrascendente detalle, nadie la percibe como previa. Y esta saga carece del carácter temporal y progresivo de ‘Star Wars’, por lo que tal carácter previo carece de importancia. Por otro lado, con la India de fondo, ¿alguien se pregunta dónde están los nazis?.

Muchos miembros del equipo volvieron a caer enfermos durante el rodaje (casi una tradición en esta saga) y la filmación fue, de nuevo, dura y complicada, pero Spielberg terminó en el tiempo y el presupuesto previstos. La película iba a ser un nuevo éxito, como nadie dudaba que fuera.

El lado oscuro del arqueólogo

Realmente, si te aburres…es que estás muerto.

La montaña de la Paramount vuelve a convertirse en un objeto real, esta vez en el bajo relieve de un gong ritual, que da paso a una escena musical sobre la canción ‘Anything Goes’, de Cole Porter, versionada algo excesivamente por John Williams y cantada en mandarín por Capshaw. Ya desde que aparece esta actriz advertimos el tono jocoso, el sano cachondeo y la hilaridad que van a presidir gran parte de la trama. Estamos en el terreno del cine de los años treinta, bajo la mirada de un Spielberg feliz y algo atolondrado.

Este es un bloque de preámbulo, a la manera de la primera película, que nada tiene que ver con la historia principal. Y cuando decimos que vamos a ver el lado oscuro del arqueólogo, no nos referimos sólo al momento final en el que Indiana se transforma por beber sangre demoníaca, sino a que este es un Indiana más violento y amoral que el anterior. No sólo amenaza con matar a Willie con un cuchillo si no le dan el diamante prometido, sino que una vez envenenado, ensarta a un enemigo con un hierro ardiendo, y para despejarse golpea sin rubor a una camarera que pasaba por allí...

La suerte es que por muchos actos tremendos que pueda hacer, Harrison Ford es capaz de dotar de credibilidad y carisma a un personaje que podría haber resultado abyecto, o directamente absurdo. Siempre he creído que es un gran actor, instintivo y verosímil, y nunca forzado. Cuando decide ayudar al pueblo de India, parece más movido por la codicia que por otra cosa (“fortuna y gloria”...), confirmada por el brillo de los ojos al coger no sólo esa piedra, sino también las otras dos. Por eso es tan aterrador verle poseído y encandenando a Willie en el templo, porque nos lo creemos después de todo lo visto. Eso sí, todo terminará con un emotivo intercambio de sombreros entre él y Tapón (señor tapón).

Rasgos estilísticos

Más que rasgos estilísticos, observamos una serie de secuencias de gran complejidad técnica que intentan ofrecer un “más difícil todavía” meritorio, mezclado con un tono de humor grueso que no siempre funciona igual de bien. Podemos comentar un poco cada bloque:

1. La llegada a India comienza con un plano alucinante en el que el trío protagonista se lanza de una avioneta subidos a una lancha que se va hinchando a medida que cae, momento recogido por Spielberg…¡en un solo plano sin cortes, desde el avión hasta la superficie nevada de la montaña! Luego caerán por un precicipio hasta un río, pero aquí habrá tres cortes. La bajada por los rápidos es un claro homejane a ‘La reina de África’ (Huston, 1951). El encuentro con los hindúes respira un aliento místico indescriptible, gracias también a la opresiva música de Williams y a la magnífica fotografía de Slocombe.

2. La historia de los niños secuestrados tiene ciertos ecos de holocausto judío, prefigurando futuros intereses del director de tratar ese tema. Y su clímax tiene lugar en pleno proceso de redención de Indiana, que abandona toda pretensión de fortuna y gloria, y después de haber visto tanto horror (como Oskar Schindler), no se va de Pankot sin sacar de allí a todos los niños.

3. El viaje en elefante aúna, por primera vez, lo tenebroso con lo hilarante, sobre todo gracias a una Willie (rubia y tonta y torpe) que da pie a todo tipo de momentos graciosos que se irán repitiendo, con más o menos brillantez, a lo largo de la película, sobre todo en su aversión a bichos de toda clase. Y bichos vamos a ver hasta hartarnos, con dos secuencias cumbre en este sentido: la de la cena y la de la celda-trampa, siendo muchísimo mejor, en ritmo e ingenio, la segunda, que termina destrozándonos los nervios, con un montaje perfecto.

4. Las dos secuencias de sacrificio son de lo más oscuro que ha filmado Spielberg jamás, siendo la segunda mucho más larga y terrible, aunque, cosa curiosa, la segunda vez Mola-Ram (un alucinante Amrish Puri) no le arranca el corazón a Willie… En este escenario es vital la lava y el fuego, que ofrecen resplandores rojos infernales, así como mucho humo. Parece un lugar gigantesco, pero no lo era tanto, sino que la cámara de Spielberg sabía hacerla mucho más grande.

5. El bloque final es un muy meritorio compendio de escenarios, a cada cual recorrido de forma más frenética. En las minas liberan a los niños, después Indiana se enfrenta a un nuevo gigante, seguido de la brutal (y poco creíble) persecución por las vías, y culminado todo por la famosa secuencia del puente suspendido sobre un río infestado de cocodrilos. Más difícil imposible.

Es mérito de Spielberg sostener un relato que, sobre el papel, era insostenible, con un ritmazo que jamás decae, salvo en un par de fisuras. Son muchas las ideas increíbles, que hay que creerse con un esfuerzo de voluntad, como la cantidad ingente de agua que sale de un pozo y que anega completamente varios kilómetros de vías para intentar ahogarles. A esas alturas, a uno le da igual que le metan eso doblado.

Esta película no añade nada nuevo a la trayectoria ascendente de Spielberg, pero pocas veces una locura tan desparramada había gozado de tan impecable narración.

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• ‘Indiana Jones y el Templo Maldito’, Steven Spielberg y el ritmo perfecto

Marion, no mires el Arca. Cierra los ojos. ¡No la mires, pase lo que pase!

-Indiana Jones

Steven Spielberg siempre había soñado con hacer una película de James Bond. Pero George Lucas tenía una idea en la recámara que, a su juicio, era aún mejor. Nada de espías británicos, sino un profesor de arqueología que en sus ratos libres se dedica a buscar importantes reliquias que contienen misteriosos poderes. De este modo, ambos cineastas se embarcaron, con ayuda de Philip Kaufman y Lawrence Kasdan, en uno de los proyectos más famosos de la carrera de ambos, que se alargaría a lo largo de tres películas más, y que se convertiría en un icono tan grande como Groucho o Vito Corleone.

Porque un icono es el sombrero, por supuesto, heredado de Humphrey Bogart y Spencer Tracy, pero también el látigo, y la famosa fanfarria compuesta por el insigne John Williams. Tras el relativo fiasco de ‘1941’, Spielberg se arriesgaba (más de lo que puede parecer ahora mismo, por supuesto) con otra pieza de época, pero esta vez repleta de acción frenética, de guiños cinéfilos, de violencia elegante y de ganas de diversión por la diversión. Spielberg y Lucas, grandes amigos, tenían intención de pasárselo en grande, y con ellos el público. Y desde luego lo consiguieron.

Génesis del proyecto y producción

Es notoria la capacidad de Lucas para hacernos creer que tenia muchas historias en la cabeza antes de escribirlas. En esta ocasión no era una historia, por mucho que él lo asegurara, sino un personaje. Quizá él mismo podría haberlo llevado a la pantalla, pero según sus propias palabras “era demasiado vago para desarrollar todo eso, además de ‘Star Wars’“. Así que decidió ofrecérselo al único amigo cineasta que había confiado en que su “space opera” tendría éxito. Aunque en un principio el director que él pensaba que llegaría a hacerlo era Philip Kaufman, un buen cineasta, con películas muy interesantes como ‘Quills’ o ‘Henry & June’.

Pero no pudo ser, y entró Spielberg en el proyecto. Entre los tres, y con la ayuda del excelente guionista, y peor director, Lawrence Kasdan, que ya había colaborado en el gran guión de ‘El imperio contraataca’, intentaron introducir las ideas más divertidas que se les ocurrieron. Kasdan debía elaborar un guión que, para Lucas, debería ser una pieza de acción ininterrumpida. Es mérito de este escritor construir un relato que a pesar de que cumple este requerimiento, contiene los suficientes elementos de interés como para no caer en la banalidad dramática. Y esto gracias a unos personajes realmente muy bien dibujados.

Spielberg fue muy inteligente eligiendo a Norman Reynolds como diseñador de producción, que había ganado el Oscar por la dirección artística de ‘Star Wars’, y que volvería a ganarlo por ésta película, pues con su labor se pudieron unificar con mayor coherencia todos los ambientes de esta película, que viaja de Suramérica a Nepal, y de ahí a Túnez (en teoría El Cairo). La labor de Reynolds, y la de la diseñadora de vestuario Deborah Nadoolman, era la de dotar de realismo y vida a ese relato tan exagerado, y lo lograron con nota.

También fue muy inteligente haciéndose con los servicios del ya por entonces veterano director de fotografía británico Douglas Slocombe (que aún vive, con cerca de cien años de edad), de dilatada filmografía, que supo darle al director la imagen de aventura antigua que él requería, además de un brillante uso de la luz, que contribuyó sobremanera a la atmósfera de un filme de presupuesto moderado. Supo sacar el máximo partido a cada escenario con ingenio. Utilizando lentes anamórficas Panavisión, con un aspecto de 2.39:1, tan sólo se le puede achacar poco detalle en las sombras, pero aún hoy se considera una fotografía ejemplar para cine de aventuras.

El rodaje tuvo sus complicaciones, como la larga secuencia con las serpientes, o la dura estancia en Túnez, en la que gran parte del equipo cayó enfermo debido a la comida y el calor extremo, pero la fotografía principal terminó incluso antes de lo previsto, y todo estuvo listo para finales de primavera de 1981. El público tenía el primer contacto con un hito del cine.

Rasgos estilísticos

Después del descontrol formal de ‘1941’, que había rebajado el impacto de las tremebundas ‘Tiburón’ y ‘Encuentros en la tercera fase’, Spielberg necesitaba una cierta sobriedad que diera respuesta a esa desmesura formal. Y la encontró en la creación de una película en la que, a pesar de que sus elementos son bastante exagerados, demostró una elegancia visual y narrativa en verdad formidable, y todo sin dejar de demostrar su pericia en la puesta en escena de grandes piezas de acción o suspense. Varios ejemplos:

1. La introducción. Con la montaña de la Paramount transfigurándose (al igual que en las otras tres películas) en una montaña real, comienza una aventura, en la que dos ayudantes siguen a un misterioso personaje con sombrero (Indiana). Es interesante por muchas cosas: Indiana es presentado sin mostrar su rostro, sólo su espalda y sus manos (es notable el uso, en toda su carrera, de las manos por parte de Harrison Ford). Cuando uno de sus colaboradores intenta dispararle por la espalda, usará su látigo, movimiento recogido de manera magistral por Spielberg en cuatro planos: plano detalle demano que se acerca al látigo, plano detalle de mano que lo echa hacia detrás, plano medio de mano que lo lanza fuera de foco con Alfred Molina en segundo término y enfocado, plano general con escorzo del atancante que se ve desarmado. A continuación, y con enfática música de Williams, veremos aparecer el rostro del aventurero al acercarse a la luz.

2. Secuencia de explicación del cabezal del bastón de Ra. En ella, Indiana y su colega Brody (un sobrio y estupendo Denholm Elliot) hablan con dos miembros de la inteligencia norteamericana del arca de la alianza, más que posible objetivo de los nazis (no olvidemos que estamos en 1936). Se trata de una secuencia magníficamente planificada, y con hermosa e inquietante música de Williams, que es el inicio de la historia central, y que logra fascinarnos con ese objeto sacro que estaría mucho mejor enterrado.

3. Secuencia del Nepal. Con gran astucia, Spielberg adapta algunos métodos de su admirado Michael Curtiz, y dota de gran belleza visual una secuencia muy larga. Como detalles inolvidables tenemos esa sombra que Marion (maravillosa Karen Allen, un verdadero cruce entre Irene Dune y Claudette Colbert) observa en la pared y que reconoce como la de Indiana en un segundo (casi parece invocar a la sombra, borracha y con las manos en las sienes), o el plano en que Indiana se despide, momentáneamente, con el rostro en sombras y sólo los ojos visibles.

4. El Cairo. Se nota cierto apresuramiento (rodaron en 4 semanas y media un material para 6) para algunas ideas, pero tanto la persecución en pos de Marion (que cree muerta erróneamente), como la larga secuencia del camión, han sido copiadas infinidad de veces en cientos de películas de aventuras de los últimos 25 años. En cuanto al pozo de almas y la sala de mapas, Spielberg sabe apretar la tensión del ocultismo, poniéndonos la carne de gallina con la aparición del rayo solar que descubre la ubicación del arca, o con el angustioso cautiverio junto a miles de serpientes. Pero antes de eso, hay un momento espectacular, justo cuando abren el escondite del objeto, en el que parece que Dios está furioso por el descubrimiento, y el cielo se cubre de nubes y rayos.

Spielberg logra el prodigio de ejecutar escena de acción tras escena de acción, y cada vez de manera más rápida, sin cansar al espectador, demostrando una imaginación maravillosa y una alegría por el mero hecho de filmar que luego echaríamos de menos en cierta saga jurásica. Es, así mismo, la primera vez que tiene personajes nazis en su cine, una figura muy importante (siendo él, además, judío) que, como todos sabemos, cristalizará en ‘La lista de Schindler’, y que es objeto aquí de una interesante crueldad, como por ejemplo en la escena en la que un nazi es triturado por el camión que conduce el mismo Indiana.

Es interesante también observar cómo, aunque Indiana goza de un estoicismo y una voluntad tremendas, el cierre del relato es un anti-clímax muy arriesgado, pues en él no vence Indiana, sino que se limita a no mirar el Arca, al contrario de sus enemigos, cuando ésta es abierta, destruyendo a todos los nazis alrededor. Una idea repetida en algunas de sus películas es que mirar, conocer, mata o destruye, como veremos en ‘La guerra de los mundos’ o ‘El imperio del sol’, y que aquí tiene lugar cuando Indiana le pide a Marion que, como él, cierre los ojos. Incluso hay un plano muy significativo en el que el operador de cámara nazi termina con los ojos quemados.

Muchas de las películas de Spielberg contienen un trasfondo espiritual (más que religioso) que la mayoría de sus detractores, e incluso admiradores, parece pasar por alto. Aquí, por mucha acción y aventura, queda un poso de inequívoca y oscura espiritualidad, como si el feroz Dios de los hebreos hubiera sido retratado por un brillante cineasta que, en un principio, sólo quería filmar aventuras a lo James Bond.

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• ‘En Busca del Arca Perdida’, el nacimiento de un mito

Es gay, es gay… Okay.

Esa línea, rapeada de forma desganada por Snoop Dogg, uno de los famosos invitados que participan en la canción con la que se acaba la película, resume perfectamente la indiferencia que llega a causar, demasiado pronto, el nuevo personaje creado por Sacha Baron Cohen. Tres años después del éxito de ‘Borat’, el cómico británico se vuelve a aliar con Larry Charles para repetir la misma fórmula y tratar de obtener el mismo resultado, dando vida esta vez a un reportero austriaco, gay, obsesionado con el sexo, la moda, el culto al cuerpo… Su nombre es Brüno. Sin el efecto sorpresa, la película debía superar a la anterior en incorrección, crítica y humor, pero finalmente es mucho más floja e inofensiva.

Llevar a la gran pantalla a Brüno Gehard (el apellido se pronuncia como “gay hard”, creo que no necesita traducción), personaje creado por Cohen para la televisión en 1998, parecía la continuación lógica de aquel otro polémico periodista de Kazajistán, cuyas aventuras por Norteamérica sorprendieron y escandalizaron al público en 2006. Sin embargo, la tercera incursión de las criaturas de Cohen en el cine (el rapero Ali G fue el primero, en 2002) está exenta de la frescura y la sorpresa que sí había en ‘Borat’; además, el personaje se agota enseguida, resultando que sus “travesuras” son menos agudas y provocadoras de lo que cabía esperar.

‘Brüno’ empieza sin concesiones ni titubeos, presentándonos adecuadamente al bizarro protagonista que encarna , un presentador de un programa de moda de la televisión austriaca. En poco tiempo se nos da una descripción bastante exacta de quién es este tal Brüno, qué hace, qué le gusta, qué no, etcétera. Y ya desde el principio se puede ver el principal problema de la película, que a Sacha Baron Cohen le gusta demasiado su personaje y no sabe cuándo parar, creyendo que cualquier cosa que hace es graciosa o tiene algún valor. No es así, y ya en los primeros minutos asistimos a escenas que duran más de lo necesario (como todo lo que gira en torno al desfile de Agatha Ruiz de la Prada, explotadísimo antes del estreno por lo que ya es difícil reírse con algo de lo que se ve aquí) o que sencillamente sobran (como lo del saludo repetido a los espectadores del programa).

Ya en este primer tramo se ve que Cohen va a aprovechar al máximo las posibilidades que le da tener a un personaje gay totalmente descontrolado, deseoso de mostrar sus encantos y su sexualidad al público. Desde el principio no se corta un pelo, y durante el resto de la película asistiremos a todo tipo de comportamientos exagerados que van desde mostrarnos las burradas que hace con su pequeño novio (de nombre Paul Gasoil, si no recuerdo mal) a un primer plano de su supuesto pene bailando y dando vueltas (una escena que sobraría, por aburrida, si no fuera por el toque final, que me hizo estallar en carcajadas). Este tipo de situaciones, evidentemente, espantará a un público desinformado que no sabía donde se metía, pensando que iban a ver la última película que se ha puesto de moda, y que podríamos clasificar en dos grupos: el primero, padres y madres con sus críos, que no deberían perder ni un segundo para salir pitando de la sala; el segundo, homófobos, a los que Cohen dirige sus ataques, y oye, si se han sentido ofendidos y dolidos por lo que han visto, por mí genial, me gustaría pensar que incluso han tenido pesadillas donde son perseguidos por un hombre que les intenta atacar con dos consoladores.

Cohen sabe que si ‘Borat’ triunfó fue porque trasladó a su personaje a Estados Unidos, así que vuelve a repetir la jugada. Brüno mete la pata, es despedido, y hundido en la miseria decide viajar a Los Angeles a buscar la fama y recuperar el prestigio que creía tener. La película, que ya se estaba estancando nada más empezar, retoma el vuelo y parece encaminarse bien, lanzándose a poner en evidencia la moralidad, las costumbres y la educación de los todopoderosos norteamericanos, esa sociedad que tantas veces ha sido puesta como ejemplo en las películas de Hollywood, pero que en realidad puede dar más miedo que un puñado de alcaldes con mayoría absoluta. Así que, como si fuera la versión “loca” de Michael Moore, Brüno cruza el Atlántico y lleva a su personaje al país donde mejor rendimiento le puede sacar…

O eso parecía. Como en la primera parte, Cohen se lía solo y no sabe cuándo parar, arruinando gran parte de las ideas que vemos en la pantalla. Si uno ha visto el tráiler de la película ya ha visto los mejores momentos de Brüno de Estados Unidos. Poco más hay que rascar ahí. Lo mejor: alguna frase de las entrevistas a los padres que llevaban a sus bebés a una sesión de fotos, la sesión nocturna junto a los tres rudos cazadores (que aunque también dura demasiado, tiene un par de chispazos que provocan la risa descontrolada) y con la visita de Brüno a una fiesta de intercambio de parejas, donde se muestra más cariñoso de la cuenta con los hombres que con las mujeres (igualmente, sobran minutos ahí, como cuando ensaya posturas fuera de la casa).

Luego viene el salto a Oriente Medio, donde se logra arrancar alguna sonrisa entre incontables bostezos, y poco más, quedando al descubierto la falta de dirección de la película, repetitiva y cansina, que avanza de forma penosa hasta acabar en casi una hora y media; cuesta mantenerse despierto, atento. Por otra parte, aquí falla algo fundamental, que en ‘Borat’ no cantaba tanto, y es la verosimilitud de los secundarios que rodean a Brüno, presentados al público como si fueran personas reales en situaciones reales (claro, no son robots en entornos digitales, eso seguro); hay demasiados comportamientos increíbles, actuaciones forzadas (como toda la presentación de OJ, por ejemplo), y eso es letal para el disfrute de esta comedia. El resultado es que hay que ser muy ingenuo, demasiado. Es como tragarse lo que pasó con Eminem en los premios de la MTv, una broma más del irreverente Sacha Baron Cohen, que consiguió confundir a muchos medios, los cuales llegaron a contar el suceso como si el suceso fuera real, como una noticia.

Planificada de otra forma, con ideas más afiladas y objetivos más definidos, ‘Brüno’ podría haber sido no sólo una acertada continuación de ‘Borat’, sino también una gran burla hacia la sociedad “moderna”, obsesionada por la fama y el culto al cuerpo, y no sólo un escupitajo en pleno rostro a todos los ceporros que aún atacan la homosexualidad y se escandalizan ante ella, que es en lo que se queda finalmente este amago de película (por cierto, ¿en qué se han gastado los 30 millones del presupuesto?). En resumen, y en pocas palabras, que Brüno es gay, muy gay, alocadamente gaaaaaaaaay… Vale, ¿y qué?

Otra crítica en Blogdecine:

‘Brüno’, sólo para fans de Borat

Habrá ‘Indiana Jones 5’. Lo ha confirmado Shia LaBeouf, como recordaréis, uno de los protagonistas de ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’, la cuarta entrega de la saga. Durante una entrevista, con motivo del próximo estreno de ‘Transformers: La venganza de los caídos’, LaBeouf desveló que Steven Spielberg (productor de las dos películas sobre los robots) ya ha hablado con él sobre la posibilidad de una quinta película de Indiana Jones.

Steven me ha dicho que ha dado con la historia, y creo que están preparándolo todo.

Eso es todo. Pero eso es mucho. Tal como lo veo yo, que quizá ya he tomado más café de la cuenta, Spielberg lleva tiempo pensando en una buena historia para sacar otra película del arqueólogo más famoso de la Historia del cine, y por fin ha dado con una, y la cosa es tan seria (o sea, está tan entusiasmado) que ya está hablando con todos los implicados en la cuarta parte, quizá, con la esperanza de rodar antes de que Harrison Ford cumpla los 70 años (es decir, antes de julio de 2012).

En realidad, y a pesar de todos los mosqueos que va a provocar esta noticia, la cosa es bastante comprensible. Quiero decir, la película fue todo un éxito de taquilla, recaudó casi 800 millones de dólares en todo el mundo, sin olvidar que a muchos nos pareció un fantástico regreso al cine de aventuras que se hacía antes. ¿Cómo no intentarlo otra vez? Por supuesto, siempre y cuando los creadores quieran hacerlo, y todo apunta a que sí.

Lo más interesante, y recuerdo lo del café, es que Steven Spielberg haya ideado la historia él solo, sin contar con George Lucas. Ya sabéis todo lo que dijo el señor Lucas sobre que Spielberg y Ford no hacían más que interferir en sus ideas, y que por eso tardaron tanto en hacer la cuarta parte. Si el director de ‘Salvar al soldado Ryan’ toma las riendas y le deja su historia a un buen guionista, y Lucas se queda al margen, supervisando los efectos digitales y todo ese rollocon los ordenadores… ¿no es posible que la quinta supere a la cuarta?

Mientras os lo pensáis, aquí os dejo con los tráileres de las cuatro películas anteriores. La piel de gallina… ¡y cómo pasa el tiempo!

PD: Los chicos de South Park piensan que Spielberg y Lucas violaron a la Indy con la cuarta parte. Literalmente. No me dejan compartir el vídeo, pero podéis verlo en Youtube (aviso: posible trauma incurable).

Críticas de la saga en Blogdecine:

‘En busca del arca perdida’, el nacimiento de un mito

‘Indiana Jones y el Templo Maldito’, Steven Spielberg y el ritmo perfecto

‘Indiana Jones y la Última Cruzada’, la búsqueda de la identidad

‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’, en busca del cine perdido

‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’, efectivamente, no era la segunda venida de Cristo

‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’, puro entretenimiento

‘Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal’, el sabor de la nostalgia

‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’, popurrí de Spielberg

Vía | Empire

Antes que nada, una advertencia: no escribo mi crítica sobre ‘Blade Runner’ en este blog (ya he escrito otros textos sobre ella aquí y en otros blogs) para justificarme ante algunos comentarios que “me exigían” argumentos después de leer que la considero sobrevalorada. Más bien este texto me va a servir para dejar las cosas claras de una vez, y va a ejercer de pozo de indignación de todos aquellos fanáticos que oyen nombrar el título de esta película y si a continuación no se dice obra maestra se te tiran a la yugular. Así podré enlazarla en el futuro, y cada vez que diga que está sobrevalorada, o algo por el estilo, aquí el lector podrá leer mis argumentos.

Tampoco es mi intención escribir un texto con el ánimo de ofender a nadie. Sí con el de provocar polémica, la madre de todas la buenas ideas de este mundo. No es lo mismo una cosa que la otra. Yo creo sinceramente que el tercer largometraje del director más creído de la historia del cine es una ficción científica aburrida y confusa, además de poseer, claro que sí, una formulación plástica fascinante, y algunos buenos momentos aislados que no logran levantar un conjunto pesado, autocomplaciente e insatisfactorio. Mi única exigencia es escribir lo que pienso.

Allá por 1982 se estrenaba esta película, en la que algunos no confiaban demasiado, a pesar de estar dirigida por un tipo cabezota y brillante, con muchas ideas de fotografía, que ya había sorprendido al mundo entero con una obra maestra: ‘Alien, el octavo pasajero’. Nadie sabía por entonces, como es lógico, que nunca más repetiría, ni siquiera se acercaría, a aquella perfección. Y su siguiente película iba a empezar a confirmarlo. En un rodaje caótico, con un guión mutante (mil veces reescrito) sobre una novelita insustancial, con Harrison Ford harto de tener que esperar horas para hacer una mísera toma, el director acabó pidiendo varias semanas de retomas para retocar la luz y la misma historia.

Esos retoques se prolongan hasta la actualidad, pues durante más de dos décadas el director ha estado vendiéndonos varias versiones de esta película. No como un verdadero “work in progress”, sino como un evidente intento de satisfacer la curiosidad de los seguidores de la película, a los que les han sacado, una y otra vez, el dinero del bolsillo. Yo no he visto la ultimísima versión (mi compañero Alberto me asegura que no hay ningún cambio sustancial, salvo un lavado de cara…bien, eso no es una nueva versión según mi diccionario), por eso sobre lo que voy a escribir es sobre la primera y sobre los interesantes cambios que se introdujeron en la segunda. Todo lo demás es aire y marketing. Yo de marketing no hablo, me pagan para hablar de cine.

Y hay cine en ‘Blade Runner’, aunque amorfo y demasiado consciente de su propia importancia, como si desde el primer plano quisiera dejarnos bien clarito la obra maestra que debe ser, y que desde luego nunca será para mí. Scott, como buen hijo de la publicidad, comienza con dos planos que podrían haber formado parte de un comercial fastuoso: las chimeneas de un L.A. infernal escupiendo fuego, y esa misma imagen reflejada en un ojo en primerísimo primer plano, o en plano detalle, mejor dicho, de su iris azul. La excesiva y engolada música de Vangelis hace enseguida acto de aparición. Hemos llegado a un futuro distópico, en permanente lluvia y claroscuro.

En este comienzo, y en diversos intervalos, veremos grandes planos generales de una ciudad futurista que según muchos ha influenciado a la mayoría del cine posterior de ficción científica. En realidad es una amalgama de logros anteriores de creadores mucho más originales. El aspecto arquitectónico es deudor de una obra fundacional de la ficción científica cinematográfica: ‘Metrópolis’, de Fritz Lang, cincuenta y cinco años anterior, y el aspecto cyber-punk es algo que en Japón llevaba muchos años en cómics y películas. Es decir, ni Scott ni su fabuloso equipo (porque era un equipo técnico de primer orden) inventaron nada. Y en cuanto a su repercusión posterior, yo no la encuentro.

Películas posteriores, y muy superiores, como ‘Strange Days’ o, sobre todo, ‘Hijos de los hombres’, por hablar de dos películas recientes con futuros distópicos. De ambas, y otras, han dicho que siguen la estela de la película de Scott. Y no es cierto. En concreto la de Cuarón se aleja premeditamente, con grandísimo acierto, de los postulados preciosistas y grandilocuentes de Scott, y se centran en algo que él no puede: las personas. Siempre he pensado que el cine va sobre las personas, no sobre los escenarios. No tengo ningún problema en asignar a Scott el título de mejor escenógrafo de la historia. Nadie puede superarle a la hora de armar el juego de luces, reflejos y humos dentro de un cuadro. Al menos en algo es el número uno.

Pero Scott, aunque algunos no quieran o no puedan verlo, no es ni un humanista, ni un filósofo, ni un intelectual, ni un poeta. Pocas veces hemos asistido a un desaprovechamiento tan brutal de un director de tanto talento, a causa de un ego desmedido y de una ambición comercial que, como prioridades, han dejado en la cuneta a la coherencia y la personalidad. Y todas las carencias, y todo el truquerío con el que maquilla esas carencias, comienzan a evidenciarse ya en ‘Blade Runner’. Y viéndola hoy, casi tres décadas después, si uno no es un fanático intransigente, las oquedades son obvias, y es que todo acaba cayendo por su propio peso.

Deckard y los replicantes
La voz en off que desapareció en la segunda versión, la verdad es que ofrecía algo de unidad a un relato tendente a la dispersión. Era una voz en off desengañada y estoica, muy de agradecer, que nos metía con bastante acierto en un estilo noir que esta historia está pidiendo a gritos. La segunda versión, sin él, parece aún más sosa y gélida que la primera, y carece, como aquélla, del nervio y de la fuerza expresiva suficiente como para funcionar con tantos silencios, tantas miradas y tantos vacíos. Yo hubiera dejado la voz en off, pues una nueva versión debe ser algo que cambios de ésta índole, que huelen a ir probando qué queda mejor.

Además, Deckard no es un personaje precisamente fascinante (como sí lo es Roy), y es una suerte que lo interpretara un esquivo y acerado Harrison Ford (que siempre he pensado que es un actor instintivo, muy físico y muy natural) que parece tan aburrido y harto como seguramente lo estuviera en el rodaje. Lo malo del asunto es que en ningún momento podemos sentir, o eso me parece a mí, ninguna empatía por él. Es decir, a mí personalmente no me produce ningún dolor, ni siquiera preocupación, lo que pueda pasarle a este hombre, y su gran dilema, tan pésimamente tratado, de matar replicantes y sentirse como un asesino, parece un tema de videoclip, disciplina a la que se debería haber dedicado Scott, antes de firmar una obra tan fallida.

El momento en que mata a su primer replicante, la salvaje Zhora (interpretada por Joanna Cassidy, que varios años más tarde encarnaría a uno de los personajes más excéntricos de la inolvidable ‘Six Feet Under’) es un ejemplo perfecto. Deckard, en su voz en off (algo es algo) nos cuenta cómo se siente, o lo intenta, pero nunca entramos en su estado anímico. Ridley no incluye el rostro de su protagonista en primer plano, para ver cómo se siente, pero sí una fastuosa secuencia de persecución, con la replicante rompiendo con su cuerpo varias paredes de cristal. Eso sí le importa a Ridley mostrarlo muy bien.

Pero menos importa aún la muerte del siguiente replicante (al final, parecen más un mcguffin que personajes de entidad) la cual ocurre muy poco después, a manos de Rachel (insípida, pero guapísima Sean Young). Esta es la excusa para que comience una historia de amor cuyos integrantes, Ford y Young, carecen de la más mínima química juntos. Cómo se nota lo mal que se llevaron y lo distintos que son. Es imposible creerse que surja un amor desesperado entre ambos (qué diferente es el amor desesperado y maravilloso de Sarah Connor y Kyle Reese en ‘The Terminator’), aunque guapos y melancólicos son un rato. Si la caza de los replicantes carece de toda fuerza o intensidad, la historia de amor es de una frialdad que asusta.

Menos mal que nos queda Roy.

Dios y la mortalidad
Lo más convincente de este batiburrillo de ideas amorfas que es ‘Blade Runner’ está integrado por Roy, encarnado por un Rutger Hauer impresionante, bello y terrorífico. Su aventura es la que alcanza momentos de mayor firmeza y catarsis emocional. La magnífica secuencia del asesinato de su creador te causa una sensación de inquietante agobio y existencialismo. La imagen de este gran actor bajando en el ascensor, y el plano del techo del mismo, con un cielo oscuro y vacío de esperanza, posee una fuerza sorprendente, que le encoge a uno el corazón. Cuando regresa, el asesino Deckard ya ha acabado con su amante, Pris (una desaprovechada Daryl Hannah), en otra escena carente de emoción. Roy es es el que tiene sentimientos en esta historia, y él debería ser el protagonista, pues el dilema de Deckard no son más que palabras, sin actos que lo muestren.

Y tiene la suerte esta película de que su última gran secuencia sea precisamente el clímax final, en el que por fin Roy y Deckard se encuentran. Nos identificamos más con Roy que con Deckard, pero a quien seguimos en este final es al poli, de modo que es imposible saber con quién debemos situarnos. Por supuesto vence el replicante, pero en el último segundo decide no matar a Deckard y morir en paz. Este es uno de esos finales más recordados por los fanáticos, y que según ellos define a la perfección lo que significa ser un mortal. Hauer improvisó las mejores escenas del mismo, con Scott en contra. El impertérrito Ford asiste a su final sin mostrar la menor emoción, una vez más. La paloma que sujetaba Roy (???) sale volando, corporeizando una metáfora del alma recién adquirida de Roy, que sube al cielo. Una figura tosca y pueril.

Pienso que el principal problema de esta película es que se queda a medio camino entre el cine de autor, y el cine comercial más noble. Al intentar combinar ambas, se acaban matando entre sí. Muy pocos directores han fusionado el estilo más personal con la ambición comercial y han salido triunfantes. Coppola, Lean, Spielberg o Cameron son de los pocos. Scott, no. Como dice Harry, el sucio, lo que mejor es conocer tus propias limitaciones.

La ficción científica es mucho más que un aburrido ejercicio de autocomplacencia, que un impostado truquerío de maquetas y fondos matte que buscan una forzada poesía. Su valor es el de proporcionarnos una verdad que acontecerá en el futuro, como sigamos así. ‘Blade Runner’ podría haber sido prodigiosa. Y aunque tiene buenos momentos se queda en eso, un aburrimiento confuso y encantado de haberse conocido.

En Blogdecine:

• ‘Blade Runner’, mágica obra de arte sobre la condición humana

La revista Forbes ha publicado una lista con los actores que más dinero ganaron desde junio de 2008 a junio de este año, y los resultados son, por lo menos, curiosos.

En lo más alto está el veterano Harrison Ford, y si os estáis preguntando qué hizo para ser el actor mejor pagado, la respuesta es que solamente necesitó interpretar a Indy una vez más. Gracias a ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’, Ford fue el actor que más dinero obtuvo en un año, la friolera de 65 millones de dólares.

Repito, 65 millones para él solico. Y eso para que os preguntéis por qué narices se hizo una cuarta parte, cuando al parecer nadie la pedía (luego se demostró que sí que la queríamos, fue un rotundo éxito de taquilla en todo el mundo). Menos mal que por lo menos no fue un peñazo lleno de efectos especiales, como sí es otra cuarta entrega de la que no viene a cuento hablar ahora.

Volviendo a la lista de los mejor pagados, encontramos que en segundo lugar está Adam Sandler, que se llevó 55 millones gracias a su trabajo en ‘Zohan: Licencia para peinar’, ‘Más allá de los sueños’ y ‘Funny People’ (aún por estrenar). Al margen de la calidad de los productos en los que ha intervenido, esto resulta mucho más razonable; son tres películas y Sandler es un tipo que asegura buena taquilla (al menos, en Estados Unidos, donde es un ídolo de masas), pagarle esa cantidad entra dentro de lo normal en Hollywood.

Seguimos bajando. Tercera posición para Will Smith, por protagonizar la comedia con superhéroe ‘Hancock’, otro éxito de taquilla más en su carrera, y el drama ‘Siete almas’, que aunque no fue nada mal en cuanto a recaudación (para ser lo que es), no le sirvió para lograr el Oscar que tanto desea. Sorpresón (al menos para mí) en el cuarto puesto. Nada más y nada menos que el señorito Eddie Murphy, que sigue haciendo churros del mismo calibre sin que su salario vaya decreciendo, al parecer. Cabe destacar que su altísima posición se la debe simplemente a haber protagonizado una cosa llamada ‘Atrapado en un pirado’, que no me atreví a ver ni cuando me pagaban la entrada y las palomitas (normalmente eso vale para tragarme cualquier cosa). ¿Qué me decís, la habéis visto vosotros?

En el quinto puesto de la lista nos encontramos con Nicolas Cage, una de las estrellas más activas de Hollywood, y es que tiene hasta seis películas pendientes de estreno (más las que tiene en el horizonte). Sin embargo, sus trabajos, aun siendo taquilleros (relativamente, algunos más que otros), suelen ser bastante criticados, tanto por el público como por la crítica. Creo que ya sabéis perfectamente mi opinión sobre este señor, que me cae particularmente bien a pesar de haber algunos títulos realmente lamentables (‘Ghost Rider’ o ‘La búsqueda 2’).

Pero me parece injusto que se le tache de ser uno de los peores intérpretes del planeta, por el efecto de esos bodrietes que ha protagonizado, cuando igualmente tiene estupendos trabajos en su filmografía y nadie parece querer recordarlos; curiosamente, Cage es el único de los cinco primeros que tiene un Oscar. Además, hay que tener mucho sentido del humor para hacer algo como ‘Wicker Man’, una de las comedias más extrañas que he visto en años…

Fuera ya de los primeros puestos, y entre las sorpresas más llamativas, cabe destacar que alguien como Johnny Depp no aparezca hasta el décimo puesto, cuando el año anterior (de 2007 a 2008) se embolsó la escandalosa cifra de 72 millones de dólares por su trabajo frente a las cámaras. No resulta extraño que Depp esté como loco por volver a encarnar a Jack Sparrow, según las declaraciones del productor Jerry Bruckheimer, quien recientemente ha adelantado que ya se está escribiendo el guión de ‘Piratas del Caribe 4’, y que Disney la ha puesto entre sus prioridades.

Igualmente, sorprende bastante que Ben Stiller sólo se haya embolsado 14 millones durante el pasado año, cuando es otro de los actores más rentables de la industria, uno de los favoritos del público. Seguro que sube unos puestos el año que viene.

Por último, me da cierta lástima (cierta, poca, alguna) ver al gran Will Ferrell seguir bajando posiciones. Este año ya está en la número 20, y es que, como os decía, su gancho para la taquilla ya no es el que era, no hay más que ver la “pobre” recaudación de su última película, ‘El mundo de los perdidos’, en comparación con otra comedia como ‘The Hangover’ (‘Resacón en Las Vegas’ se titulará en España, manda nueces), que le arrebató el primer puesto incluso a ‘Up’, lo nuevo de Pixar y Disney.

PD: Al margen de la taquilla y los sueldazos (madre mía, con lo que cuesta ganar mil euricos), ¿cuál de las estrellas señaladas os parece mejor actor?

‘The Other Man’ es una película que ya tiene un año, y su estreno se ha visto relegado a ser vista en algún festival, mientras que su pase por los cines estadounidenses aún se producirá en septiembre, y de forma limitada. Aquí os traemos un cartel del film que está interpretado por Liam Neeson (¿para cuando un Oscar para este actor, tal vez ‘Lincoln’ de Spielberg?), Antonio Banderas (cuya filmografía en suelo americano empieza a estar llena de despropósitos) y Laura Linney (una extraordinaria actriz a la que también tendría que caerle una estatuilla un año de estos).

La película narra la historia de un hombre que descubre que su difunta esposa tuvo un amante durante años, por lo que viajará por distintos países europeos en busca de ese hombre para conocer la verdad. ‘The Other Man’ ha sido dirigida por Richard Eyre, director de películas como la floja ‘Iris’ o la correcta ‘Diario de un escándalo’.

Como casi siempre, no se sabe la fecha de estreno en nuestro país, pero no me extrañaría nada verla una día editada en DVD, como le pasa, y seguirá pasando a algunas películas que extrañamente no consiguen estreno en nuestras salas comerciales. No creo que exista una razón de peso al respecto. Las distribuidoras jamás han dado ni la más mínima explicación, y así seguirán.

‘Cheri’ es una película que al menos tiene fecha de estreno, no como la anterior que corre el riesgo de dormir el sueño de los justos. Eso sí, será bastante tarde, el 9 de noviembre, y teniendo en cuenta que este mes se estrena en los USA, y que ya ha pasado por el festival de Berlín, el retraso es incomprensible, como siempre (que nadie me venga con las temporadas veraniegas, navideñas, prenavideñas, Semana Santa, previernes festivos, y demás vainas, por favor). Stephen Frears, Michelle Pfeiffer y Christopher Hampton han vuelto a reunirse tras ‘Las amistades peligrosas’ que tan buen sabor de boca dejó.

La película narra una historia ambientada en el París de 1920, en el que un joven es obligado a dar por finalizada su relación con una mujer mucho mayor que él, y que le ha instruido en el arte del amor. Este personaje está interpretado por Rupert Friend, que le da la réplica a la maravillosa Michelle Pfeiffer. Kathy Bates también se deja ver por el film. Ya veremos si Frears sigue en la misma forma que en su anterior trabajo cinematográfico, la estupenda ‘The Queen’.

‘Crossing Over’ tiene a Harrison Ford en su reparto y aún así nada se sabe de la fecha de estreno en nuestro país y eso que en suelo estadounidense se edita en DVD este mismo mes(en serio, esto es una epidemia). Se trata de la nueva película de Wayne Kramer, el mismo responsable de la excelente ‘The Cooler’ y la fallida ‘La prueba del crimen’, y su trama nos recuerda sobremanera a ‘Crash’ (ya sabéis, la magnífica cinta de Paul Haggis que le robó literalmente el Oscar a la mejor película a ‘Brokeback Mountain’). El film versa sobre los problemas de la inmigración en Estados Unidos, con las distintas historias de varios personajes que en algún momento se cruzarán.

A Harrison Ford le acompañan Ray Liotta, Ashley Judd, Jim Sturguess, Cliff Curtis y Alice Braga, y como sigan retrasando su estreno, me temo que muchos la verán por vías alternativas en muy buena calidad, además. Luego las distribuidoras y nuestra iluminada ministra de cultura hablarán sin ton ni son de las bajadas de la red, del top manta y de los mejillones en escabeche, que para el caso es lo mismo. Ya sabéis mi opinión al respecto. Y ojo, no defiendo la piratería, pero la veo muy lógica.

Vía | Impawards

Me enviaban al peor sitio del mundo, y ni siquiera lo sabía.
(I was going to the worst place in the world and I didn’t even know it yet)

-Willard

Como no podía ser de otra manera, cuando por fin le dan su misión, encuentran a Willard en las últimas, moral y físicamente. Es interesante, sin embargo, que los dos sufridos correos deben estar acostumbrados a encontrarse con casos parecidos. Ese “we got a dead one” no quiere decir otra cosa que: aquí tenemos a otro colgado, compañero. Por supuesto, Coppola se ha encargado de remarcar que nosotros vemos a traves de los ojos de ese “colgado”, pues cuando sacan los papeles de su misión, la cámara adopta una mirada subjetiva: nosotros también nos vamos en esa misión. Los avezados soldados le arrastan literalmente hasta una ducha fría que nos duele ver. El grito de Willard se ahoga con el sonido de un nuevo helicóptero, el que le lleva a conocer su misión.

Vamos a analizar a continuación la que sin duda es una de las mejores secuencias de diálogo, sino la mejor, que ha filmado Coppola en su vida. Es aquella en la que a Willard le dan a conocer cuál va a ser su misión. Daría para un libro.

Porque Coppola, como es natural, habida cuenta de que ha filmado una veintena de películas, tiene unas cuantas escenas largas de diálogo en su haber, pero muy pocas como esta. Después de la locura del comienzo es necesario que el relato se asiente un poco, al menos durante unos minutos, y nos haga coger con ganas el largo paseo hacia el infierno. A Willard, muy serio, muy formal, en contraste con sus primeras imágenes, le recibe una figura apocada y algo torpe de movimientos, el coronel Lucas (un Harrison Ford casi irreconocible). La cámara, en lugar de recoger la escena en plano general, como suele suceder en una narración convencional, se sitúa a un lado, metida en un pasillo cuya esquina divisamos.

Y esa cámara sólo empieza a moverse, en un lentísimo travelling (marca de Coppola, como ya advertimos varias veces en el largo análisis de los dos primeros padrinos…), sólo cuando Willard efectúa un paso adelante y se cuadra delante de los presentes, que como veremos después del reencuadre, son tres. Parece una cámara pudorosa, a la que le da miedo introducirse en un ambiente tan cargado, sabedora quizá del privilegio que tiene al asistir a una reunión de tan alto secreto. Y lo que se respira, incluso en las presentaciones, es una atmósfera de poder. Una irrespirable sensación de poder casi ilimitado, corporeizado en las dos presencias que acompañan al coronel.

Es un momento filmado, sin embargo, con gran elegancia en el tratamiento de la luz. Storaro se basa únicamente en la iluminación que entra por las ventanas. Una luz suave para un ambiente sosegado que no consigue otra cosa que desasosegarnos. Más aún cuando la cámara de Coppola tiene la mala costumbre de colocarse frente a la mirada del actor, de modo que este o mira a cámara directamente, o al filo de su objetivo. Sentimos el escrutinio implacable del general Corman (soberbio G.D. Spradlin). La primera parte de la conversación se prolonga hasta que Lucas da un recorrido por la supuesta carrera como asesino de Willard. Él lo niega todo, tenso. Y parece que eso le basta al general. Del tercer personaje, un oscuro tipo cetrino e inexpresivo con la corbata desanudada, apenas notamos su presencia, y eso es lo peor de todo.

El general comienza la pantomima, y con ella la segunda parte de la secuencia. El nudo, por así decirlo. La cámara del travelling inicial se acerca un poco más, perdiendo parte del pudor. El nudo se tensa. Detrás de Willard aparece una mesa con cubiertos, en la que no habíamos reparado antes, y todos menos Lucas se sientan. En sus primeros planos, Willard parece ahora con bastante mala cara. Nos sentimos tan incómodos como él. En el intento del general y sus secuaces de hacerle bajar la guardia, lo que logran es ponerle más alerta, más nervioso. A partir de este momento, los planos que no sean de Willard, son subjetivos suyos, representan lo que él mira, en su práctica totalidad. Willard debe estar pensando “si me ofrecen roastbeef y marisco, es que me van a dar la peor misión de mi vida”.

Algunas cosas se van perfilando. Como que el coronel es una especie de perrillo faldero de los otros dos, pues a pesar de su alto rango se dedica a ayudarles a comer y a darle el play a la cinta de audio, así como de comunicar finalmente a Willard el asunto en sí. Por supuesto que en cuanto empiezan a comer, le (nos) pasa la foto de Kurtz (al que reconocemos enseguida como Marlon Brando), pues si traga la comida igual traga con todo. Y enseguida le ponen un audio (imposible no retrotraerse a ‘La convsersación’) y entonces la suave e hipnótica voz de Brando inunda por completo la película. Durante dos minutos no hay más sonido que sus desvaríos y sus críticas a los altos mandos del gobierno de su país. Aquí alcanza Coppola una precisión difícil de describir.

El coronel desaparece, pues carece de importancia, el general parece escandalizado o deprimido por las palabras que están escuchando. Y el tercer hombre (¿de la inteligencia norteamericana?) parece no escuchar la cinta. Un plano detalle magistral se centra en su plato de marisco y panoramiza hacia sus ojos glaucos sin vida, sin emoción. Willard, por su parte, parece no entender qué quieren de él. Es posible que muchas de las palabras de Kurtz las comparta. A fin de cuentas ambos han conocido los horrores de la guerra, al contrario que el resto de presentes en la sala, tiburones de despachos del pentágono. Por eso cuando la cinta concluye, y el general comienza un demencial discurso en torno al límite de la mente humana, Willard le mira como pensando “¿qué sabrás tú, niño mimado, si nunca estuviste en la jungla?”. Pero lo que ya me parece maravilloso es cómo concluye el general su monólogo, definiendo el estado mental de Kurtz como “unsound”, que aquí en España se tradujo adecuadamente como insano. Pero ahí está la referencia al sonido, como si Kurtz estuviera “distorsionado”. Y es que la obsesión de Coppola por el sonido es más que notable.

Por muy afectadas que sean las palabras del general, se corta de repente y observa al coronel: “venga, chaval, ya he cumplido, suéltale el rollo”. Y el coronel, entre numerosos carraspeos, se lo dice: “termine usted con su mando”. Willard le responde al general, no al coronel: “¿terminar, yo, al coronel?”. Digamos que se les ha descarriado una poderosa oveja, y que en lugar de llevar a cabo la locura de la guerra, lleva a cabo su particular guerra en su particular locura. Y eso no lo pueden consentir. Tiene razón Kurtz en la cinta: son unos mentirosos. El hombre del traje por fin dice su única frase: “terminar con él, sin ningún prejuicio”, y vuelve a darle la foto a Willard, clavándole la mirada.

Si durante toda la secuencia los actores han mirado prácticamente a cámara, sí tenemos la sensación de que se miran entre ellos. Sin embargo la última mirada de Willard es a cámara, concretamente al espectador. Es una mirada de desconcierto, de complicidad también. Viene a decir: “¿podéis creeros en qué lío me he metido?. Lo cierto es que de alguna manera, y después de ver su secuencia inicial, Willard se ha ganado el derecho de viajar hasta el último peldaño de la locura y el horror moral. Él quería una misión, y cuando acabara…nunca querría otra.

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