Qué alegría comprobar que ya queda menos para poder ver lo nuevo de Wes Anderson, casi dos años después del estreno en España de la divertida ‘Fantástico Sr. Fox’ (‘Fantastic Mr. Fox’, 2009). Aquí os dejo el primer tráiler de ‘Moonrise Kingdom’, el séptimo trabajo de este peculiar director, cuyo rodaje os adelanté en marzo del pasado año. El vídeo es exactamente lo que cabe esperar, dos minutos de situaciones y diálogos genuinos del universo creativo de Anderson, quien ha podido contar de nuevo con un reparto espectacular.

Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Jason Schwartzman, Jared Gilman y Kara Hayward, entre otros, protagonizan una película que han escrito Wes Anderson y Roman Coppola; por si fuera poco, Alexandre Desplat se encarga del score original. La historia de ‘Moonrise Kingdom’ está ambientada durante los años 60 en una localidad de Nueva Inglaterra, y gira en torno a dos chicos enamorados; cuando se ven obligados a huir juntos, lejos de quienes les rodean, todo el pueblo se moviliza para encontrarlos, destapando en el proceso viejos rencores y relaciones secretas. Llegará a los cines en el mes de mayo, al menos en Francia y EE.UU. ¿Qué os parece? tiene buena pinta, ¿no? Ya sé que no hay inmensas explosiones, coches volando por los aires, bobas supermodelos meneando el trasero ni tipos con abdominales perfectos luciéndose mientras dan puñetazos, pero oye, los raros también tenemos derecho a ver cine. Ya era hora.

PD: Murray ha intervenido en todas las películas de Anderson excepto en una, su opera prima, ‘Ladrón que roba a otro ladrón’ (‘Bottle Rocket’, 1996).

Bill: No sé nada de Ray, pero no todos son asesinos en Garrison.

Freddy: No, solo cierran los ojos y se quedan callados, igual que yo.

Seguimos también en agosto con la sección de Críticas a la carta, en la que los lectores eligen la película a comentar. Curiosamente, la seleccionada en esta ocasión es ‘Cop Land’ (1997), un relato sobre corrupción policial, justo ahora que los medios están volcándose con los disturbios que están agitando Londres. De hecho, la ficción, escrita y dirigida por James Mangold (fue su segundo trabajo tras debutar en 1995 con ‘Heavy’), arranca con la polémica muerte de dos chicos negros por parte de un policía, tratando sus compañeros de encubrirlo (incluso colocando un arma en el coche de los fallecidos de manera descarada) mientras el escándalo sacude la ciudad de Nueva York, que exige transparencia y justicia.

Es un inicio potente, en el que se respira violencia, fatalidad (acertada música de Howard Shore) y nerviosismo, de lo más inspirado de toda la película, con actores como Harvey Keitel, John Spencer y Robert Patrick adueñándose del escenario, el puente de George Washington (conecta los estados de Nueva York y Nueva Jersey). Esta secuencia con la que nos atrapa Mangold, y que nos deja con ganas de más, se alterna con otra mucho más relajada y anodina en la que nos presentan al que será el obligado héroe de ‘Cop Land’, un sheriff medio sordo, de aspecto descuidado y mirada atontada, al que da vida un Sylvester Stallone que deseaba demostrar al mundo que era algo más que una estrella de acción, que podía actuar, haciéndose con un papel para el que engordó unos 15 kilos. Su notable tripa (hay una escena exclusivamente dedicada a ella) fue lo que más llamó la atención en su momento, cuando se estrenó este intento de Mangold por crear un sólido western moderno. Se recuerda la película, en general, como algo que aspiraba a ser grande pero se quedó a medio camino. Y así va a seguir.

La historia, narrada por un agente de Asuntos Internos encarnado por Robert de Niro, para intentar aportar seriedad y verosimilitud a los hechos, está ambientada en una ficticia localidad de Nueva Jersey llamada Garrison, donde la mayoría de los residentes son policías de Nueva York (algo que jamás podría ocurrir en la realidad, como se encargan de aclarar en los créditos finales, quizá para tranquilizar a los espectadores). Stallone interpreta al sheriff del lugar, Freddy Heflin (por Van Heflin y su papel en ‘El tren de las 3:10’, cuyo remake, por cierto, filmaría el mismo Mangold en 2007), un hombre al que nadie toma en serio, puesto ahí para que no haga nada, excepto dirigir el tráfico y poner alguna multa. Y es que Garrison es un refugio de policías corruptos, un pueblo construido con dinero de la mafia donde la palabra de Ray Donlan (Keitel) es ley. Asuntos Internos no puede meter la nariz más allá del río Hudson y Freddy es un pelele que confía en los falsos discursos de Ray, dando por bueno el podrido bienestar del pueblo.

La tranquila existencia de Ray, y su grupo, entrará en crisis con el incidente ya comentado. Su sobrino, Murray Babitch (Michael Rapaport), un joven policía conocido como “Superboy”, conduce de vuelta a casa tras una noche de fiesta y se cruza con dos tipos agresivos que chocan con él y le apuntan con algo que cree que es una pistola; alterado, confundido, Murray abre fuego. El resultado son dos negros acribillados por un policía blanco, y ningún arma en el coche de los primeros. Los agentes corruptos tratan de apoyar la versión de su compañero, pero esta vez no cuela, el vehículo ya había sido registrado y el intento por colar una automática provoca un enfrentamiento inmediato, interrumpido cuando Murray salta del puente, supuestamente con la intención de suicidarse. El cuerpo no aparece, los cadáveres alteran a la comunidad afroamericana y la ciudad se vuelca con el caso, poniendo en duda la honestidad del departamento de policía; mientras tanto, Murray permanece oculto en casa de Ray, y todos lo saben en Garrison, pero nadie puede o quiere hacer nada.

A partir de ahí, desde que la cámara nos revela lo que ocurre realmente con Murray (no hacía falta que nos mostraran que Ray lo esconde, era evidente), la acción se detiene y fluye con lentitud para que conozcamos mejor a los personajes y experimentemos el día a día en el pueblo. Durante un nudo que se siente excesivamente prolongado, lleno de aclaraciones y subrayados, con el que Mangold no consigue mantener la tensión, lo más valioso son las aportaciones interpretativas de un plantel que se siente cómodo en los zapatos de sus respectivos personajes. Keitel y De Niro están algo sobreactuados, quizá porque Mangold los respetaba demasiado como para frenarlos, pero lo compensan con su carisma y saber estar; por su parte, Spencer, Patrick, Rapaport, Ray Liotta, Janeane Garofalo, Noah Emmerich, Peter Berg y Annabella Sciorra se defienden estupendamente, mientras que Stallone alterna escenas convincentes con otras lamentables (ojo al momento en el que Liotta se desespera viendo a la chica quemada, y Stallone parece estar en su mundo, desconectado totalmente de la acción).

Me parece forzado el proceso por el cual Freddy de pronto se harta de todo y decide que debe actuar, que debe ejercer verdaderamente de sheriff y enfrentarse a Ray, pero el personaje está escrito con cariño (esa triste historia con su amada Liz) y está bien plasmado cómo lo van dejando solo. El clímax, que parece devolvernos al salvaje oeste, cumple a medias; la recreación más o menos aproximada de cómo lo oye y lo vive todo el protagonista no queda mal, al menos se sale de lo convencional, y hay buenos momentos (la frase que le suelta Freddy a Ray al final), pero se nota la falta de experiencia del director en la puesta en escena del tiroteo y creo que la cámara lenta es una mala decisión, habría quedado mucho mejor algo más rápido, crudo y feroz, en la línea de la secuencia del principio. Se agradece el intento de crear un relato amargo y adulto, violento, crudo y desolador, pero la película no llega a satisfacer lo que promete en sus primeros compases, volviéndose obvia y previsible, un drama policial más. Al final, ‘Cop Land’ entretiene, pero no cautiva.

Aquí os traigo los resultados de la última encuesta, centrada en frases de cine. Si recordáis, el cuestionario estaba dividido en cuatro categorías, frase más emocionante o inspiradora, mejor reflexión, diálogo más contundente y ocurrencia más divertida oída en una película. Como era de esperar, ha habido mucha igualdad, no hay ninguna opción que se haya llevado más de un cuarto del total de votos. Y como siempre, hay sorpresas, ganadores previsibles y ausencias notables, echad un vistazo a ver qué os parece:

• Frase más emocionante o inspiradora:

Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”

La mágica ‘Blade Runner’, con el memorable monólogo que inventó para la película el actor Rutger Hauer, se lleva el triunfo en este apartado con el 25% de los votos, siendo el título más votado de todo el cuestionario, incluyendo todas las preguntas. En segundo lugar, ha quedado la oscarizada ‘Braveheart’ (”Puede que nos quiten la vida, pero jamás nos quitarán… ¡¡la libertad!!“), con el 12% de votos, y completa el podio ‘Star Wars’ o ‘La guerra de las galaxias’ (gracias a su mítico “Que la fuerza te acompañe.”), con el 10%.

• Mejor reflexión:

“Cuando matas a alguien no sólo le quitas todo lo que tiene, sino también lo que podría llegar a tener”

La frase es de Clint Eastwood en ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’), una de sus películas más famosas y aplaudidas. Queda en primer lugar con el 17% de los votos; el 11% votó una frase de ‘El caballero oscuro’ (”Lo que no te mata, solo te hace más extraño.”) y el 10% prefirió una reflexión de ‘El tercer hombre’ (”En Italia, en 30 años de dominación de los Borgia hubo guerras, terror, sangre y muerte, pero surgieron Miguel Angel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. En Suiza hubo amor y fraternidad, 500 años de democracia y paz y ¿que tenemos? El reloj de cuco.”), que parece que sirvió de inspiración para uno de los diálogos de ‘Destino oculto’ (‘The Adjustment Bureau’), cuando uno de los “vigilantes” habla de lo que ocurre en el mundo cuando ellos no intervienen.

• Frase más contundente:

Aquí me tienen, cascándomela en la ducha. Para mí el mejor momento del día. A partir de aquí, todo va a peor”

El 13% de los lectores se ha decantado por esta frase de Kevin Spacey en ‘American Beauty’, escrita por Alan Ball. El 12% votó por ‘Apocalypse Now’ (“Hueles eso? ¿Lo hueles muchacho? Es napalm. Nada en el mundo huele así. ¡Qué delicia oler napalm por la mañana! Un día bombardeamos una colina y cuando todo acabó, subí. No encontramos un solo cadáver de esos chinos de mierda. ¡Qué pestazo a gasolina quemada! Aquella colina olía a… victoria.”) y el 10% prefirió ‘Lo que el viento se llevó’ (“Francamente, querida, me importa un bledo.”), la película más veterana entre las más votadas.

• Frase más divertida:

Bueno, no empecemos a chuparnos las pollas todavía.

De nuevo aparece ‘Pulp Fiction’ como sorprendente ganadora en una de nuestras encuestas; hace poco también ganó en “inicio más inesperado”. La película que le proporcionó un Oscar a Quentin Tarantino se lleva el triunfo con la frase del Sr. Lobo (Harvey Keitel), votada por el 22% de los lectores; el 15% votó por una frase de ‘Los hermanos Marx en el Oeste’ (”No piense mal de mí, señorita. Mi interés por usted es puramente sexual”) y el 9% se decantó por una de ‘Die Hard’ o ‘Jungla de cristal’ (“15 millones de terroristas en el mundo y mato a uno que tiene pies de mujer.”), dejando fuera del podio a Woody Allen.

PD: Mañana espero poder publicar la siguiente encuesta, la número 20 ya. Como de costumbre, tendré en cuenta vuestras sugerencias.

Santanico Pandemonium: Te voy a secar por completo. Te vas a morir por mí. Vas a ser mi esclavo. Vas a vivir para mí. Vas a comer bichos si te lo mando. ¿Por qué? Porque no creo que te merezcas sangre humana. Te alimentarás con la sangre de perros callejeros. Serás el taburete para mis pies. Y a una orden mía, lamerás la mierda de perro del tacón de mis botas. Cuando te conviertas en mi perro te llamaré Spot. Bienvenido a la esclavitud.

Seth: No gracias. Ya estuve casado.

Con el reciente estreno de ‘Machete’ (id, 2010), se confirma lo que llevo pensando mucho tiempo: que el mexicano Robert Rodríguez, quien hace bastantes años era una especie de promesa del cine de acción y aventuras con un cierto toque chicano y desvergonzado, se ha revelado como una decepción completa de cineasta. Cuando presentó la divertida y vibrante ‘El mariachi’ (id, 1992) fue inmediatamente fichado por las majors de Hollywood, y tras un par de trabajos televisivos, realizó la secuela/remake de su primera película (muy inferior), dirigió el mejor episodio (absolutamente delirante e inolvidable) de ‘Four Rooms’ (id, 1995), y a continuación ‘Abierto hasta el amanecer’ (‘From Dusk Till Dawn’, 1996), sobre guión de su ya amigo (al parecer son como hermanos) Quentin Tarantino, que se reservó un papel bastante importante en la cinta. Y creo que con esa dirigió su mejor película, muy superior a prácticamente todo lo que ha hecho después, en una carrera que actualmente va en caída libre.

‘Abierto hasta el amanecer’, al menos, es una más que divertida y estimulante aventura, con momentos realmente muy buenos, en los cuales la habilidad de Rodríguez para el dinamismo y la energía visual aún era notable, no como ahora en la que sus películas de acción son farragosas y sin la menor fuerza. Un filme con mucha acción, mucha sangre, buena violencia, mucho humor vulgar y completamente disfrutable, algunos intérpretes estupendos (aunque en registros menores) y sin el menor complejo, sabiendo perfectamente en todo momento qué clase de producto es. Es decir, totalmente autoconsciente. Una hora y cuarenta y ocho minutos de salvajismo y carcajadas que no engañan a nadie, a pesar de que la recta final de la película quede tan floja.

Por supuesto que este largometraje está incrustado en plena época de fervor inicial con el cine tarantiniano, ya que dos años después de ‘Pulp Fiction’ (id, 1994) todavía se sentía su estela con fuerza. Tanto es así que muchos están seguros de que los mejores momentos de la película los dirigió el propio Tarantino. Yo no sé si es cierto, pero sí que el guión que escribió es bastante inferior a otros suyos, y que aún así es capaz de dibujar dos buenos personajes como lo son Seth Gecko (George Clooney) y Jacob Fuller (Harvey Keitel) y algunos buenos diálogos (otros bastante alargados y sin sentido). Un guión en el que lo más interesante sucede en la primera parte, mientras que la segunda deja poco espacio para la inventiva y la narración, como finalmente sucedió. El contraste entre la brillantez polvorienta de la primera parte, y la barrabasada guiñolesca de la segunda es enorme. Muchos espectadores se sentían estafados por semejante cambio genérico a mitad de metraje. No es de extrañar. Otros disfrutaban con esta enorme broma gore.

El arranque está muy bien, es lo suficientemente irónico y salvaje. Le sigue la secuencia de la violación y asesinato en off de la mujer secuestrada por parte de Richard Gecko, luego descubierto por su hermano Seth Gecko y mostrado con una muy buena solución de montaje directamente plagiada (y a mucha honra) de ‘El graduado’ (‘The Graduate’, Mike Nichols, 1967). Hay buena tensión y oscuridad en toda esta parte, y nos creemos perfectamente a la familia Fuller, con el atormentado Jacob renegando de Dios por la muerte de su mujer, y sus dos hijos, siendo todos secuestrados por los Gecko para poder cruzar la frontera mexicana. Hasta aquí todo perfecto. Rodríguez no deja caer el ritmo en ningún momento y la película se sigue más que bien. Creo que Tarantino está francamente horrible como el hermano pirado de Clooney, que a su vez está fantástico como anti-héroe de acción. Clooney es la película: físicamente pletórico, con una mirada y una voz que se comen a todos los compañeros de reparto con facilidad, incluso a un apocado Keitel o a una como siempre sensual e interesante Juliette Lewis.

Pero, desde luego, empieza otra película una vez llegan al ‘Titty Twister’, y sensiblemente inferior a pesar de algunos buenos momentos, pues a partir de entonces, sobre todo, Rodríguez empieza a perder el ritmo de lo que está contando, y los altibajos son fortísimos. Desaparecida la tensión de que los Gecko sean apresados por los federales o de que asesinen a los Fuller, tardamos demasiado en recuperar algo de la fuerza narrativa del primer tercio de la película. Al menos, dirán algunos, tenemos el baile erótico de Salma Hayek, pero creo que hay poco erotismo en esa mujer y hasta agradezco que la liquiden pronto. Por supuesto, se inicia una escalada de sangre, vísceras y órganos desparramados. Caos total, en el que Rodríguez se supone da lo mejor de sí mismo, y sin embargo hay poca inventiva visual, los vampiros dan más asco que miedo, y la situación desesperada de los personajes protagonistas, aunque bastante conseguida, es previsible, y todo se va diluyendo a gran velocidad.

En cuanto a la atmósfera del local, lo cierto es que está bastante bien. Mérito de la diseñadora de producción Cecilia Montiel y del director artístico Mayne Berke, el aspecto meramente visual, con la cámara del buen operador Guillermo Navarro, se regocija en detalles luctuosos y siniestros realmente conseguidos. Entre ellos y George Clooney, salvan el tercio final de un desastre de puesta en escena y planificación bastante notorio, así como de una vagancia manifiesta a la hora de indagar un poco lo que el último plano sugiere de vampiros aztecas, que hubiera sido muy estimulante desarrollar o profundizar siquiera unos minutos. Una pena, porque creo que esta historia podría haber dado mucho más de sí a pesar de lo ajustado de su presupuesto y de la gamberrada que significa su mera concepción. Porque gamberrada es poner en tantos papeles al colega Cheech Marin (con uno de los monólogos más disparatados de la historia), o los cutres efectos visuales, o los chistes en plan comic juvenil.

Conclusión

Digna película de aventuras y de humor grueso, que en comparación con los desastres que hace actualmente Rodríguez, contiene hasta buen cine. Con ella, Clooney se la jugaba después de cautivar en la estupenda serie ‘Urgencias’ (‘ER’, 1994-2009), pero salió triunfante y se hizo un hueco rápidamente en Hollywood. No es para menos, pues él es el verdadero motor de la historia y la presencia más enérgica y notable de la película. A menudo se le tacha de actor limitado, lo que creo que es bastante injusto. A Tarantino, sin embargo, le dieron lo suyo por un papel exagerado e insoportable hasta la médula. Rodríguez, por su parte, aún haría una película muy disfrutable con ‘The Faculty’ (id, 1998) antes de echar a perder su carrera de director de acción. A ver si el tiempo demuestra lo equivocado que estoy.

Ya ha aparecido en la red el cartel definitivo de la tercera parte de ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’, 2000), una secuela titulada originalmente ‘Little Fockers’ que llegará a nuestros cines rebautizada como ‘Ahora los padres son ellos’. La comedia ha sido dirigida por Paul Weitz (‘Un niño grande’, ‘In Good Company’, ‘El circo de los extraños’) y como podéis ver en el póster, la idea ha sido volver a reunir a los protagonistas de las dos anteriores películas, según parece, para cerrar el círculo y terminar definitivamente con la historia de los Fockers (los Follen, en español). No estaría mal…

Ben Stiller y Teri Polo vuelven a dar vida a Greg y Pam, que ya son padres de dos pequeños Fockers; Robert de Niro y Blythe Danner vuelven a encarnar a los padres de ella, Dustin Hoffman y Barbra Streisand a los de él. Escrita por John Hamburg y Larry Stuckey, la trama de ‘Ahora los padres son ellos’ gira en torno a una reunión familiar para organizar la fiesta de cumpleaños de los hijos mellizos de Greg y Pam, lo que volverá a ocasionar conflictos entre Greg y Jack, su desconfiado suegro; para complicar un poco las cosas, aparecerá en escena el ex-novio de Pam. Owen Wilson, Jessica Alba, Harvey Keitel y Laura Dern completan el reparto. La película se estrena en España el próximo 22 de diciembre; os recuerdo que ya salió el tráiler, por si queréis echarle un vistazo.

PD: Se confirma que Hoffman aparece brevemente en el film; en un principio se dijo que no estaría, por un desacuerdo económico con Universal Pictures, pero otras fuentes aseguran que el problema eran sus escenas, que tuvieron que reescribirse.

Vía | Impawards

En una entrada sobre David Cronenberg, mencionaba el otro día su posible adaptación de ‘Campos de Londres‘, de Martin Amis. Esto me hizo pensar en la suerte que ha corrido el autor inglés con las traslaciones de sus obras a la gran pantalla y con su participación directa en determinadas películas.

Cada cierto tiempo, aparecen films que logran dar a conocer, a un público más amplio de lo habitual, a excelentes autores literarios. Escritores como McEwan, Coetzee, McCarthy o Welsh han logrado una fama más que merecida merced a afortunadas adaptaciones de sus libros. Sin embargo, es curioso que uno de los autores en lengua inglesa más importantes de la segunda mitad del siglo XX haya tenido tan poca fortuna con el séptimo arte, como el mencionado Amis, autor de ‘Dinero‘, ‘Campos de Londres’, ‘Experiencia’ o ‘Casa de encuentros’, entre otras.

La extrañeza es mayor si tenemos en cuenta que, al igual que otros escritores de su generación – muchos de ellos amigos suyos –, Amis siempre ha tenido una gran fascinación y vínculo con el cine. Ya sea como actor, dialoguista, guionista e incluso crítico, Amis lleva más de cuarenta años coqueteando con el cine sin que su fama se extienda más allá de su innegable, aunque muchas veces controvertido, prestigio en los círculos literarios.

Un guionista fracasado

El primer contacto de Amis con el cine fue el interpretar el papel de uno de los niños secuestrados por un grupo de piratas en ‘Viento en las velas’, la incontestable obra maestra del gran Alexander Mackendrik. Su interpretación fue, siendo benévolos, discreta: “Me verás, pero no me oirás” decía Martin al recordar que, de los puros nervios, su voz se quebró y, al final, una niña tuvo que doblarle.

Quince años después, con un prestigio literario creciente tras la publicación de ‘The Rachel Papers’, viajó a Hollywood para ser el dialoguista en la película de Stanley Donen ‘Saturno 3’ (en la fotografía precedente). La reacción habitual de la mayoría de las personas que la han visto es de absoluto sonrojo. Cuesta creer que un film que mezcla los nombres de Stanley Donen, Harvey Keitel, Kirk Douglas o Martin Amis llegue a tal nivel de ridículo, pero así es. De la quema no se salvaron ni los propios diálogos de Amis, lo cual sirvió de munición a un grupo cada vez más creciente de detractores del escritor inglés —recordemos que Amis, desde su primera novela hasta nuestros días, siempre ha sido un personaje notoriamente polémico, atacado desde la derecha y la izquierda a causa de prácticamente todas sus obras—.

Sin embargo, de la lamentable experiencia de ‘Saturno 3’ surgió la materia prima para elaborar la que, sin duda, es la obra maestra de Amis y me atrevería a decir que el libro definitivo sobre lo que fue la cultura del éxito en la década de los 80. Estoy hablando de ‘Dinero’, un libro que narra las vicisitudes de un productor cinematográfico en constante viaje entre Los Ángeles y Londres mientras prepara una bazofia hollywoodiense que es, sin disimulos, ‘Saturno 3’. Periódicamente surgen intentos de adaptación al cine de ‘Dinero‘, pero todos se encuentran con una gigantesca barrera: ¿es traducible a imágenes la brillantez verbal de Amis?

Las dos adaptaciones

A día de hoy, sólo dos novelas de Amis han sido adaptadas al cine: ‘The Rachel Papers’ (en la fotografía anterior) y ‘Dead Babies’. En ambos casos, Amis participó inicialmente en la elaboración del guión pero, sistemáticamente, sus borradores eran rechazados.

«A veces me digo, “Es una pena que nunca haya escrito un guión propio“», declaraba Amis. «Ian McEwan también está muy desilusionado con su experiencia como guionista. Muchas veces, cuando ves un film, es como estar presente en una reunión de guionistas desesperados. Un personaje dice “podríamos intentar esto”, y notas que lo han intentado. Las películas están terriblemente infraescritas. Pero si tuviese la oportunidad de hacer un guión ahora, no sé si lo haría, porque quiero mantener el control hasta el final».

En cualquier caso, son adaptaciones insatisfactorias: ‘The Rachel Papers’ tiene buenas intuiciones a la hora de intentar atrapar el estilo de Amis, como las continuas interpelaciones del protagonista a la cámara. Incluso podría decirse que esa novela de un Amis primerizo es la que más se prestaba a ser adaptada al cine, por ser la que más se apoyaba en una «peripecia» clásica. Sin embargo, la película termina siendo excesivamente modesta. Tanto, que muchas veces su nivel de producción no se diferencia en exceso del de cualquier teleserie producida en el ’89. Ni tampoco su sentido del ritmo.

Peor es el caso de ‘Dead Babies’: la novela de Amis, a lo largo de un fin de semana pletórico de drogas, hacía una crítica feroz de la cultura de los primeros años ’70. Con el cambio temporal que hace la película – los primeros 2000 – la película queda reducida a una retahíla de secuencias «impactantes» que no parecen obedecer a un mayor propósito que el de escandalizar a quien quiera escandalizarse. Probablemente el productor pensaría que el éxito de ‘Trainspotting‘ – sin duda, la película inglesa más relevante de los últimos 20 años – habría allanado el camino a la desagradable visión de la naturaleza humana ofrecida por Amis en ‘Dead Babies’. Sin embargo, donde Boyle triunfó adaptando una novela que parecía inadaptable, el debutante William Marsh se queda a años luz. Un dato curioso: Amis disfrutó con ‘Dead Babies‘ (en la siguiente fotografía) y juzgó que «era fiel al espíritu de la novela».

¿El futuro?

Los detractores de Amis se empeñan en decir de él que es, sencillamente, un estilista que disfruta escuchando cómo suena su propia voz. Que su despreocupación a la hora de crear personajes e historias es lo que impedirá que su obra encuentre un lugar en el cine.

Amis es un gigantesco estilista, sí, pero no es un estilo vacuo o sencillamente biensonante. Es un estilo que crea significado y propósito, y que aún está esperando una correcta traducción al cine. Muchas veces, Amis opta por distanciarse, cuestionar o hasta destrozar el concepto de narrador en primera persona al uso – su última novela, ‘The Pregnant Widow’ es un buen ejemplo – y saber entender, y adaptar, esas opciones estilísticas supone un esfuerzo suplementario.

Por ese motivo, los proyectos de adaptaciones siguen existiendo – Amis no se desanimó después de que su guión para ‘Mars Attacks!’, de Tim Burton, también fuese desestimado. Actualmente, la adaptación de la novela policiaca ‘Tren nocturno’ sigue su curso, aunque en fase de producción. El director escogido es Nicholas Roeg y que la actriz que dé vida a la detective Mike Hoolihan sea una adecuadísima Sigourney Weaver me llena de esperanza.

Por su parte, el guión de Amis para transformar el ‘Northanger Abbey’ de Jane Austen en una comedia adolescente contemporánea producida por Miramax, parece haber caído en el cajón de los proyectos no realizados. Confieso estar más que intrigada.

Pero, de entre todos los proyectos, el mayor culebrón es la adaptación de una de las obras mayores de Amis: ‘Campos de Londres’. Inicialmente, con la colaboración de Roberta Hanley, Amis redactó una primera versión del guión, siendo el director encargado de llevarlo a la pantalla el mismísimo David Cronenberg. Sin embargo, problemas constantes de financiación han hecho que este proyecto viva en un constante estado de cancelación y resurrección. Los datos actuales de imdb citan ahora como posible director a Michael Winterbottom, aunque Cronenberg nunca termina de descartarse.

Lo realmente interesante es que, actualmente, puede descargarse de Internet el guión escrito por Amis y Hanley. No sólo eso, también se puede ver parte de la airada discusión entre producción-guión-dirección a la hora de decir si el guión era válido o un desastre.

Como siempre, la controversia acompaña a Amis pero, de momento, el cine no ha logrado hacer llegar el debate sobre su apasionante figura a un público más amplio. A la espera de que ‘Tren nocturno’ o el señor Cronenberg puedan lograrlo, lo mejor seguirá siendo sumergirse en obras como ‘Dinero‘ y seguirse preguntando si lo de Martin Amis con el cine es un amor imposible o no.

Bueno, esto no da para más. Pero me juego un par de helados de vainilla (del Häagen-Dazs) a que será otro éxito de taquilla. Aquí os dejo el primer tráiler de ‘Little Fockers’, lo que en Universal Pictures entienden por exquisita comedia. Se trata de la tercera parte de ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’, 2000), y como ya conocimos también a los padres de él (‘Meet the Fockers’, 2004), ahora toca presentar a la nueva generación, los hijos de Greg y Pam Focker, de ahí el título de la nueva secuela, que traducido literalmente sería ‘Los pequeños Focker’ (a ver cómo la titulan finalmente aquí). La película se estrena en Estados Unidos el próximo 22 de diciembre (y no este verano, como estaba previsto en un principio), para aprovechar las vacaciones navideñas. Por ahora no hay fecha para España.

Diez años después de la primera aventura familiar, Greg, ahora padre de gemelos, deberá probar una vez más a su escéptico suegro que puede confiar en él, durante la fiesta de cumpleaños de los pequeños, el eje central de la trama en ‘Little Fockers’; para complicar un poco más las cosas, aparecerá en escena el ex-novio de Pam. Tras las cámaras se ha sentado Paul Weitz, director de ‘Un niño grande’, ‘In Good Company’ y ‘El circo de los extraños’ (aún inédita en nuestro país), que ha podido contar con un llamativo reparto encabezado por Ben Stiller, Robert de Niro, Owen Wilson, Teri Polo, Jessica Alba, Laura Dern, Barbra Streisand y Harvey Keitel, entre otros. Al parecer, Dustin Hoffman no aceptó volver a interpretar al padre de Greg Focker en esta entrega por desacuerdos con el estudio.

Actualización: La película se estrenará en nuestro país el 22 de diciembre con el título de ‘Ahora los padres son ellos’.

PD: Que nadie se sorprenda si la siguiente secuela está protagonizada por los pequeños Focker. Con muchos animalillos, y en 3D.

1985 fue un año de lo más fructífero para Clint Eastwood. Filmaba y estrenaba ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’), la película que probablemente marcó el primer punto de inflexión en su carrera, pues a partir de entonces muchos críticos empezaron a tomárselo en serio —otros seguirían ciegos hasta el estreno de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992)—, siendo precisamente los europeos los primeros en caer de la burra. Por otro lado cineastas de la talla de Steven Spielberg o Jean-Luc Godard expresaron siempre su admiración hacia el cine de Eastwood. El Rey Midas intentó contar con él como actor en ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975), pero al final no pudo ser y su sueño de verle como actor en alguna de sus películas parece haber desaparecido con el paso de los años, lo mismo que le ocurrió a cineastas como Sam Peckinpah —lo quería para ‘Pat Garrett y Billy The Kid’ (1973) y ‘Convoy’ (1978)—, Richard Brooks, que lo quiso para ‘Muerde la bala’ (‘Bite the Bullet’, 1975) o Francis Ford Coppola, que lo quiso para ‘Apocalypse Now’ (id, 1979).

Sea como fuere lo cierto es que en estos momentos la relación de Spielberg con Eastwood es bastante buena, siendo el primero productor de algunas de las películas del segundo, tal es el caso de las dos producciones bélicas dedicadas a la batalla de Iwo Jima, ‘Los puentes de Madison’ (‘The Bridges of Madison County’, 1995) o la recién terminada ‘Hereafter’, un drama de terror con Matt Damon a la cabeza. El inicio de esta relación hay que buscarlo allá por el 85, cuando Spielberg llamó a Eastwood para que dirigiese uno de los episodios de la serie ‘Cuentos asombrosos’ (‘Amazing Stories’), la cual duró dos temporadas y que en nuestro país conoció incluso un estreno en salas de cine de un compendio de tres episodios. A principios de los 90 fue emitida por tve y pudimos comprobar cómo se desenvolvía Eastwood en terreno televisivo con una historia no actual y muy distinta al resto de los episodios.

‘Vanessa en el jardín’

Clint Eastwood tuvo un primer periodo de fama en el campo televisivo gracias a la serie ‘Látigo’ (‘Rawhide’), pero como director fue en la serie apadrinada y escrita por Spielberg la primera vez que manejaba material para la televisión. ‘Cuentos asombrosos’ fue la respuesta de Spielberg a su admirada ‘En los límites de la realidad’ (‘The Twilight Zone’) de la que también realizó su adaptación cinematográfica en 1983 acompañado de Joe Dante, George Miller y John Landis, directores unidos al género de la Sci-Fi. En ‘Amazing Stories’ —que vista hoy día no ha perdido nada de su frescura— Spielberg logró reunir a un buen número de realizadores de prestigio, tales como Martin Scorsese, Robert Zemeckis o Joe Dante, y escritores como el maravilloso Richard Matheson cuya contribución al género habla por sí sola.

Evidentemente, Eastwood fue uno de esos realizadores que aceptaron gustoso la propuesta de Spielberg, y lo hizo en el episodio titulado ‘Vanessa en el jardín’ (‘Vanessa in the Garden’) que protagonizaron Harvey Keitel, Sondra Locke y Beau Bridges. La historia nos lleva a la América de finales del siglo XIX; Byron Sullivan (Keitel) es un pintor que está a punto de conocer la fama gracias a la inestimable ayuda de su amigo y representante Teddy (Bridges). Antes de realizar una importante exposición, la mujer de Byron, Vanessa (Locke) muere en un accidente y aquél entra en una profunda depresión que le aleja de la pintura. Pero los deseos de volver a ver a su esposa con vida logran lo increíble, devolver la vida a Vanessa a través de los cuadros que pinta.

Dejando a un lado que la serie ya tiene unas determinadas pautas y elementos que se repiten en prácticamente todos los episodios, Eastwood logra imprimir su estilo en esta pequeña pieza con no pocos aciertos. Para empezar el personaje interpretado por Keitel no se aparta en demasía del universo de personajes del cine de Eastwood, un hombre solitario que parece estar por encima del bien y del mal. El tono fantástico de la trama sirve a Eastwood para juguetear una vez más con un género con el que equivocadamente no se le relaciona; el carácter onírico de muchas de las secuencias nos hacen pensar que tal vez todo esté en la cabeza del personaje central. Pero sobre todo ‘Vanessa en el jardín’ pone de relieve el hecho de que en los trabajos de Eastwood los personajes femeninos son vitales, a pesar que de que muchos cegatos han definido su cine como “de hombres”. Sondra Locke, por aquel entonces compañera sentimental del actor, da vida —y muerte— a una Vanessa con ecos de la Jennie de William Dieterle, otro cuento romántico sobre lo intemporal del amor.

Dentro de la filmografía de Eastwood ‘Vanessa en el jardín’ es cuanto menos una curiosidad, muy aceptable, entretenida y a ratos fascinante. Dentro de la serie ‘Cuentos asombrosos’ es uno de los cinco mejores episodios de toda la serie, lo cual no es poco.

‘Detective’

Creo que Jean-Luc Godard no necesita presentación para muchos de vosotros. Debutó en el cine con ‘Al final de la escapada’ (‘À bout de souffle, 1960) en la que participaron François Truffaut y Claude Chabrol, a los que un servidor prefiere infinitamente más que a Godard. Este tipo siempre se me ha atragantado con sus trabajos, los cuales el paso del tiempo ha revelado como poses artísticas, berrinches culturales con los que ir de listo. Anarquía pura y dura dentro de un cine que fue considerado vanguardista —cada vez que oigo esa palabra aplicada a cualquier cosa me entra la risa— debido a jugar con los elementos clásicos del cine. Por ejemplo, Godard siempre gustó de hacer un montaje en sus films con el que romper toda relación de espacio y tiempo. Historias caóticas en las que —dicen, yo no— los personajes respiraban pura emoción y fuerza.

Disiento. Y el ejemplo de hoy me sirve perfectamente para decir lo que quiero. ‘Detective’ (Détective, 1985) es un intento de homenajear al cine negro americano por parte de alguien que representó como nadie ese timo llamado Nouvelle Vague, en el que se pretendía romper con todo lo establecido, huyendo del cine convencional o de formas narrativas clásicas. ¿Y por qué esta película en un especial dedicado a Clint Eastwood? Muy sencillo, Godard tuvo la brillante idea de dedicar esta película a John Cassavetes, Edgar G. Ulmer y Clint Eastwood, pues consideraba que estos tres directores eran los máximos representantes del cineasta independiente. Totalmente de acuerdo, películas como ‘Detour’, ‘Faces’ o ‘Honkytonk Man’ confirman dicha aseveración, pero es una pena que ‘Detective’ no esté a la altura de lo homenajeado, el cine negro y la aportación de los mencionados directores al género.

‘Detective’ es uno de los trabajos más pretenciosos de su autor, lo cual a mí me toca especialmente las narices. Sí, en ella se pueden reconocer todos los elementos del cine negro. Un caso de difícil solución, perdedores en busca de su última oportunidad, mujer fatal, etc. Pero ni uno sólo de ellos me importa lo más mínimo, lo cual creo que es una diferencia importante con otras películas del mismo género —subrayemos que Godard siempre huía de etiquetas o de géneros— pues que el espectador sienta empatía con alguno de los personajes creo que es vital. Aquí no me interesan las andanzas de unos vividores que quieren timar a la mafia, o lo intrigante de unos personajes obsesionados con la misteriosa muerte de un hombre en un hotel. No encuentro la más mínima pasión en sus vidas, sólo me parecen tópicos con los que Godard juega a capricho intentado tal vez provocar.

Aburrida, soporífera y con unos actores más perdidos que los protagonistas de ‘Lost’ —sí, es un chiste muy facilón— entre los que podemos encontrar a Johnny Halliday o Jean-Pierre Léaud, uno de los actores fetiche de Truffaut con quien desde luego era mejor actor, no aporta absolutamente nada al género. Y afortunadamente no influye ni lo más mínimo en la trayectoria de Eastwood, un cineasta totalmente alejado —para fortuna de todos— de las inquietudes de Godard. Me gustaría saber qué opina el director de ‘Million Dollar Baby’ de ‘Detective’.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’

• ‘El jinete pálido’

Gary Oldman (crack universal), Malin Akerman (‘Watchmen’) y Milo Ventimiglia (popular por la serie ‘Heroes’) han firmado esta semana para protagonizar un film independiente con temática de cine negro que se titulará ‘Criminal Empire for Dummys’ (‘Imperio criminal para tontos’). Los tres actores acompañarán a los previamente contratados Michael Clarke Duncan (‘La milla verde’) y Harvey Keitel (otro crack indiscutible), formando un reparto de lo más interesante.

‘Criminal Empire for Dummys’ será el debut como director del actor Cliff Dorfman, quien también ha escrito el guión. La película se centra en un joven carismático (Ventimiglia, en un error de casting clamoroso, este chico es terriblemente soso) que relata los pros y los contras de llevar una carrera criminal, a través de flashbacks que muestran su propio ascenso, pasando de una infancia trágica en un barrio pobre a convertirse en un gángster para llegar luego a lo más alto de un imperio basado en el tráfico de drogas. Parece otra versión de ‘Scarface’. El rodaje comenzará a finales de este mismo mes en Nueva Orleans.

PD: Al parecer, las películas favoritas de Ventimiglia son ‘El padrino’, ‘El padrino II’, ‘Uno de los nuestros’ y… ‘Matrix’.

Vía | Cinematical

Aquí tenéis la primera imagen de ‘Little Fockers’ (2010), nada más y nada menos que la tercera parte de ‘Meet the Parents’, aquella comedia en la que Ben Stiller no dejaba de hacer el tonto en casa de Robert de Niro. La película, titulada en España como ‘Los padres de él’ ‘Los padres de ella’, fue un gran éxito y tuvo una secuela, ‘Meet the Fockers’, en la que Dustin Hoffman metía mano a Barbra Streisand; aquí se estrenó como ‘Los padres de él’.

Robert de Niro, Ben Stiller, Barbara Streisand, Dustin Hoffman, Owen Wilson y Teri Polo regresan en esta nueva entrega, a la que se han incorporado tres importantes novedades: Harvey Keitel, Laura Dern y Jessica Alba. La película, escrita por John Hamburg y Victoria Strouse, y dirigida por Paul Weitz (‘Un niño grande’, ‘In Good Company’), se centra en las dificultades que deben superar los Follen cuando tienen su primer bebé. Imagino que el título es un pequeño spoiler, y que luego descubrirán que son gemelos, por lo que sus “tronchantes problemas” se multiplicarán.

La fecha del estreno de ‘Little Fockers’ es el próximo 30 de julio, aunque a los cines españoles no llegará hasta casi un mes más tarde, el 20 de agosto. Sospecho que esta vez a nadie le va a molestar el retraso.

PD: A ver cómo titulan aquí la tercera, se admiten apuestas: ¿‘Los niños de ellos’, ‘Los pequeños Follen’...? Ya veremos, siempre nos sorprenden.