Primero había uno pequeño…luego otro más grande…¡Y luego uno enooooorme que estaba durmiendo!

-Mei

No es difícil recordar el panorama de la animación japonesa de mediados de los años ochenta. Lo que nos llegaba a España, que conocía un fabuloso éxito, eran series de muy pobre calidad, tanto en su escritura como en su formalización, y la mayoría de los analistas, que no tenían mucho interés en estudiar a fondo éste fenómeno más allá de nuestras fronteras, despreciaban estos productos y, por extensión, cualquier producto japonés. En aquel tiempo no sabíamos, pobres ignorantes, lo que podía dar de sí, estéticamente hablando, esa prodigiosa industria.

Sin embargo, algunos privilegiados (yo contaba unos diez años), pudimos ver dos películas creadas en aquel lejano país que nos dejaron asombrados. La primera fue ‘Akira’, que aún hoy resulta asombrosa en sus imágenes, y la segunda fue ‘Mi vecino Totoro’, que nos descubrió un talento ahora premiado en festivales internacionales y venerado como un gran maestro del cine, que aquí firmó una de sus más hermosas, libérrimas, inclasificables y conmovedoras películas.

Es duro ser niño

Más que ninguna otra película de su director, inclusiva la última de ellas, esta bella película indaga con gran sensibilidad y compasión en los misterios, no siempre luminosos, a menudo lóbregos, que rodean la más esencial de nuestras etapas vitales, la que algunos definen como la verdadera patria del hombre. Miyazaki observa a la niñez como el paradigma de libertad absoluta, entendida no sólo desde un concepto físico y social, sino sobre todo desde un plano netamente imaginativo o, incluso, espiritual. Los niños como poseedores únicos y exclusivos del mundo tal como es, incluidos todos sus secretos, espíritus y dioses.

Pero la niñez no está exenta de oscuridad, que para Miyazaki es el símbolo supremo de la infancia. La oscuridad o incluso la desesperación, consecuencia de lejanía o enfermedad de una madre, o de un cambio de residencia, traumas que las niñas intentan superar con la ayuda de un padre bondadoso y, sobre todo, de una naturaleza exhuberante, la verdadera protagonista de la película, capaz de refugiar a Satsuke y Mei, de divertirlas, de subyugarlas, de darles ilusión.

En cierto sentido, Totoro es una metáfora, un símbolo y una parábola al mismo tiempo. Representación de las necesidades y los anhelos más profundos de las dos niñas, fuerza liberadora de su aprendizaje emocional. Nos sentimos niños de nuevo (es decir, libres de nuevo) siguiéndolas por esta peripecia contemplativa y lúdica, despojada de todo prejuicio y convencionalismo, que existe por el mero objetivo de hacer sonreir. Y como Miyazaki es un hombre de una vasta humanidad, y de una amplísima cultura, que sabe aplicar ambos rasgos a una historia sencilla con unos personajes llenos de vida, sabe arrastrarnos al fondo de esta poco convencional historia de aprendizaje emocional sin atavismos formales y sin forzarnos a ir a donde no queremos. Porque queremos.

Con ‘Mi vecino Totoro’ se dan la mano el poderoso minimalismo visual de Yasujiru Ozu, con un desaforado sentido de la fantasía, más basado en la filosofía oriental tradicional que en los pastiches audiovisuales de su tiempo, todo mezclado con una ligera base de panteísmo y exacerbado respeto por la naturaleza, pues para Miyazaki es la conexión con la naturaleza, la aceptación de nuestra unión con ella, lo que nos salva, nos reconforta y nos hace libres, y los seres que en ella habitan los únicos que pueden guiarnos hacia es libertad.

Es una pena que este anhelado estreno cinematográfico haya conocido tan pocas copias y pases, y en tan pocas ciudades de nuestro país. Ya que decidían hacernos disfrutar, muchas más personas debían poder tener la opción de verla en pantalla grande. Pero ya se sabe con las distribuidoras españolas. Tarde mal y nunca.

Esta semana es algo floja en cuanto a novedades en el mercado del DVD, aunque salen a la venta bastantes clásicos, que cada día llenan más estanterías (para desgracia de las carteras de los cinéfilos). Los lanzamientos más destacables son los del thriller ‘Señales del futuro’, en tres ediciones, la nueva joya de Miyazaki, ‘Ponyo en el acantilado’, y un clásico del cine negro, ‘El parador del camino’, que me permitirá añadir una más del gran Widmark a mi modesta colección. Hay más, echad un ojo:

• ‘Señales del futuro’

Durante la inauguración de un nuevo colegio, los estudiantes guardan en una cápsula del tiempo varios objetos; Lucinda, una de las niñas, guarda un papel en el que ha escrito extraños números. Cincuenta años después, la cápsula del tiempo es desenterrada y Caleb, el hijo de John Koestler (Nicolas Cage), un profesor de astronomía viudo, recibe la misteriosa nota de Lucinda. John descubrirá enseguida que esos números esconden predicciones escalofriantes, algunas de las cuales ya han sucedido mientras que otras aún no…

Entretenido thriller de ciencia ficción que no sabe aprovechar el gran punto de partida, muy explosivo para la floja inventiva de la maquinaria industrial hollywoodiense. Alex Proyas logra algunos momentos inquietantes y Cage sorprende con un personaje mucho más contenido de lo habitual, en una película que parecía aspirar a quedar en la memoria, pero donde lo único inolvidable es su desastroso desenlace. Se ponen a la venta tres ediciones diferentes. Una sencilla, de un disco, sin nada destacable; una especial, con un segundo disco que contiene un making of y “comentarios del director” (¿una entrevista?); y una última para coleccionistas, con los dos discos más unos fotogramas originales, una alfombrilla para el ratón y un libreto ilustrado.

Críticas en Blogdecine:

‘Señales del futuro’, inquietante pero frágil thriller fantástico

‘Señales del futuro’, ambiciosa pero fallida

‘Señales del futuro’, Alex Proyas mezclando a Spielberg y Shyamalan

• ‘Ponyo en el acantilado’

Sosuke, un niño de cinco años, se encuentra, cuando juega en la playa, una pececita de colores llamada Ponyo, con la cabeza atascada en un tarro de mermelada. Sosuke la rescata y le dice que la protegerá. Sin embargo, el padre de Ponyo, un hechicero que vive en lo más profundo del océano, la obliga a regresar con él a las profundidades del mar. Ponyo, decidida a convertirse en una niña y regresar con Sosuke, escapa…

Nueva y fantástica película del Studio Ghibli y el genial Hayao Miyazaki, tras ‘El viaje de Chihiro’ y ‘El castillo ambulante’. La película narra la tierna relación que se crea entre un niño y una mágica y pequeña criatura marina (una especie de sirenita). Visualmente excepcional, el único “pero” que podemos encontrarle es que no es tan disfrutable para los adultos como para los niños, pero bueno, dejemos una joya para los peques, que los pobres no tienen mucho (de calidad) donde elegir. Si queremos adquirir ‘Ponyo en el acantilado’ vamos a encontrar dos ediciones, una sencilla de un disco y una especial con dos; la diferencia, aparte del estuche y el precio, son dos tráileres y el storyboard completo de la película, imagino que un “extra” imprescindible para los amantes de la animación.

Críticas en Blogdecine:

‘Ponyo en el acantilado’, el encanto de la niña pez

‘Ponyo en el acantilado’, un tsunami de animación

‘Ponyo en el acantilado’, la imaginación al poder

Ponyo, la sirenita de Hayao Miyazaki

• ‘Susurros del corazón’

Shizuku es una adolescente aficionada a la lectura que tiene como plan pasar sus vacaciones de verano leyendo en la biblioteca y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, sus planes dan un giro cuando descubre que hay un mismo nombre, Seji Amasawa, en las fichas de los libros que coge en la biblioteca. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que la llevará a la tienda donde Seji trabaja como aprendiz de luthier. Seji le cuenta a Shuzuku que su sueño es llevar su arte a Italia, animándola también a escribir libros. A partir de entonces Shizuku y Seji prometen que estarán siempre juntos.

‘Ponyo’ no es la única perla del Studio Ghibli que se pone a la venta esta semana en nuestro país. También podremos adquirir ‘Susurros del corazon’, que también cuenta con la participación de Hayao Miyazaki, quien adaptó la historia para que fuera dirigida por Yoshifumi Kondo. La edición en DVD incorpora un documental sobre el proceso de animación y el storyboard completo de la película. Echo en falta, como en la anterior, alguna entrevista con los responsables, pero bueno, tampoco es cuestión de pedir demasiado, ya es una gran noticia que podamos conseguir este tipo de películas en España.

• ‘La cuestión humana’

Simon (Mathieu Amalric) trabaja como psicólogo en el departamento de recursos humanos de una gran multinacional petroquímica. Su labor consiste en la organización de raves y juegos de rol donde los jóvenes empresarios son llevados a la extenuación para detectar sus flaquezas y aptitudes. La fría y calculadora vida de Simon se ve alterada cuando, un día, uno de los directivos le encarga una misión confidencial: investigar al director general de la empresa, al que creen perturbado mentalmente. Inmerso en una extraña conspiración, Simon irá viendo cómo su existencia se va resquebrajando, invadida por los ecos de un pasado siniestro que le harán enfrentarse a la “cuestión humana”.

Típica atracción para el público que busca algo diferente, reflexivo y denso. A mí me engañó, fue una gran pérdida de tiempo, no encontré más que un mediocre relato pseudo-intelectual sobre la deshumanización; cine “prestigioso” para minorías, que sospecho que a veces sólo ven, sufren y se duermen viendo estas películas para reafirmar su convicción de que son diferentes de los demás. En cualquier caso, todos tenemos nuestros gustos personales, nuestra forma favorita de pasar el tiempo, y nuestros momentos raros que nos influyen al ver una película, así que entiendo perfectamente que esta cosa haya recibido aplausos. ‘La cuestión humana’ sale a la venta en una cuidada edición de dos discos, que incluye una entrevista con Nicolas Klotz y Elisabeth Perceval.

Críticas en Blogdecine:

‘La cuestión humana’, la cuestión del público

‘La cuestión humana’, demoledora y monumental obra maestra

• ‘Road House (El parador del camino)’

Jefty (Richard Widmark) dirige una bolera-cabaret. En uno de sus viajes conoce a Lily (Ida Lupino), una cantante de voz áspera pero sensual a la que contrata para que anime el local. Su socio y mejor amigo Pete (Cornel Wilde) se opone, pero Jefty está locamente enamorado de ella y no cede. Tras algunas fricciones, Pete y Lily se enamoran y comienzan una relación. Jefty, loco de celos, acusa a Pete de robar las ganancias del bar…

Uno de esos clásicos que debe estar en la estantería de todo cinéfilo. El elegante Jean Negulesco a los mandos y unos excelentes Widmark y Lupino al frente del reparto (también está Cornel Wilde, vale, la película no es perfecta) ofrecen un apasionante y tenso thriller sobre el amor y los peligrosos celos. Cine negro de calidad, del que se hacía antes y no envejece. La película sale a la venta en una edición sencilla que apenas incorpora un menú y los subtítulos en castellano (algo imprescindible que aún no sé cómo no se incluyen en un buen puñado de clásicos).

Crítica en Blogdecine:

‘El Parador del Camino’, el poder de los celos

• ‘La torre de los ambiciosos’

Cuando, de repente, el presidente de una importante empresa de muebles muere, dos vicepresidentes inician una lucha por ocupar el cargo de mayor importancia. Su particular conflicto sacará a la luz lo implacable y la corrupción de la vida empresarial. William Holden, Barbara Stanwyck, Fredric March, June Allyson, Walter Pidgeon, Shelley Winters, Paul Douglas y Louis Calhern, entre otros, encabezan el gran reparto de este tenso drama dirigido por Robert Wise (‘Ultimátum a la Tierra’, ‘West Side Story’, ‘Sonrisas y lágrimas’) en 1954. La edición en DVD sale pelada de extras, para variar.

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  ‘Madame Bovary’

Emma Bovary es la insatisfecha mujer de un médico rural que ansía pertenecer a la alta sociedad francesa. Sus ambiciones y un apasionado romance con un joven aristócrata la conducirán a una situación que prevé trágicas consecuencias.

Basada en la mítica novela del francés Gustave Flaubert, y protagonizada por Jennifer Jones y Van Heflin, el film es una crítica de los falsos valores de la burguesía rural francesa del siglo XIX. Como novedad, cabe destacar que en esta adaptación, Vincente Minnelli introdujo un prólogo y un epílogo en el que el propio escritor, interpretado por James Mason, se convertía en el narrador de la historia. No he encontrado detalles de la edición, supongo que traerá lo mínimo.

• ‘Alma de bailarina’

Basada en la novela de James Warner Bellah, Joan Crawford canta y baila en esta comedia musical donde encarna a una bailarina que no acaba de decidirse entre su manager y un seductor profesional. La película, dirigida por Robert Z. Leonard, cuenta con un reparto de lujo en el que también figuran Clark Gable, los cómicos “The Three Stooges” y, en un papel secundario, el legendario Fred Astaire, que debutaba en la gran pantalla. Edición simple en DVD.

• ‘Huracán de emociones’

Convertido ya en un icono del cine de aventuras por inolvidables títulos como ‘El halcón y la flecha’ (1950) y ‘El temible burlón’ (1952), Burt Lancaster protagoniza este título rodado en las islas del Pacífico Sur y ambientado en plena Segunda Guerra Mundial. La película es una adaptación de la obra teatral de William M. Rankin, llevada a la gran pantalla por el realizador Arthur Lubin. Filmada en blanco y negro, Lancaster, que ofrece su lado más dramático, se acompañará de la increíble belleza de Virginia Mayo.

• ‘El noviazgo del padre de Eddie’

Un niño de seis años está harto de que su padre siga viudo y sin compromiso. Decidido a solucionar el problema, el joven Eddie prepara citas para su padre y supervisa la selección de la posible candidata. La película, adaptación de la novela de Mark Toby, es la clásica comedia ligera de los 60, simpática, tontorrona y eficaz, que se ve con una sonrisa. De nuevo volvemos a encontrar al siempre interesante Vincente Minelli en la dirección, mientras que el reparto está encabezado por Shirley Jones y Glenn Ford, uno de esos actores que aportaron magia al séptimo arte.

Vía | ZonaDVD

Studio Ghibli ha firmado un acuerdo con una distribuidora de nuestro país para editar en DVD sus grandes clásicos, incluyendo varios que no se habían estrenado en cine ni habían aparecido en ningún tipo de formato. Tras diversas experiencias no del todo satisfactorias, la productora Ghibli ha sido muy cautelosa en la elección del distribuidor.

La campaña comenzará el 28 de octubre con un lanzamiento doble. Saldrá a la venta la última obra maestra de Hayao Miyazaki, ‘Ponyo en el acantilado’. Más adelante, este film verá la primera edición en Blu Ray que se hace de una película de Ghibli en el mundo, ya que hasta ahora no se había autorizado.

Actualización del 3 de septiembre: ‘Mi vecino Totoro’ se podrá disfrutar en salas comerciales, a partir del 30 de octubre por tiempo limitado, y como preludio de su edición en DVD, el próximo 9 de diciembre.

Actualización del 20 de octubre: Ghibli lanza su página web oficial española.

Al mismo tiempo que ‘Ponyo en el acantilado’, aparecerá uno de los animes no editados en nuestro país: ‘Mimi wo sumaseba’ (1995). El título japonés significa literalmente “si escuchas atentamente”. En inglés se conoce como ‘Whisper of the Heart’ y de ahí sale la traducción española: ‘Susurros del corazón’. Está dirigida por el animador Yoshifumi Kondo sobre un guión de Hayao Miyazaki, que adapta el manga de Aoi Hîragi. A continuación se puede ver el tráiler:

‘Susurros del corazón’ nos cuenta la historia de Shizuku, una adolescente aficionada a la lectura, que pasa sus vacaciones en la biblioteca leyendo y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, descubre que siempre aparece el nombre de Seji Amasawa en las fichas de los libros que toma prestados. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que la llevará a la tienda donde Seji trabaja como aprendiz de luthier. Seji le cuenta a Shuzuku que su sueño es llevar su arte a Italia, animándola también a escribir libros. A partir de entonces Shizuku y Seji prometen que estarán siempre juntos.

Curiosa la versión en japonés de la canción ‘Country Roads’ que ameniza el tráiler de ‘Susurros del corazón’. La marca del estudio Ghibli queda tan clara en esta producción que podría decirse que es otra creación más de Miyazaki.

En DVD, esta distribuidora ha editado ya títulos emblemáticos como ‘Cuentos de Terramar’ (‘Gedo senki’, 2006), de Goro Miyazaki; ‘Mis vecinos los Yamada’ (‘Hôhokekyo tonari no Yamada-kun (1999)’) y ‘Las Aventuras de Panda y sus Amigos’ (‘Panda kopanda’, 1972), ambas de Isao Takahata, cofundador, junto con Miyazaki, de la productora Ghibli; y ‘Puedo escuchar el mar’ (‘Umi ga Kikoeru’, 1993), de Tomomi Mochizuki. ‘El catillo ambulante’, la penúltima obra del propio Miyazaki padre, ya ha aparecido a la venta

Entre 2009 y 2010 se va a editar en DVD nueve películas, totalmente remasterizadas y en ediciones especiales. No sabemos si serán las únicas que aparezcan o si se continuará en los próximos años con más títulos. Seis de estos animes están dirigidos por Hayao Miyazaki y son los siguientes:

‘El Castillo en el Cielo’ (‘Tenkû no shiro Rapyuta’, 1986). Además de tener uno de los títulos que más problemas podrían dar si se pasasen directamente al español (a Miyazaki le ocurre un par de veces más), es una película bellísima en la que la noción fantástica de poder volar junto con tu hogar sirve de punto de partida para grandes aventuras. Si acaso se puede decir algo malo de Miyazaki, es que a veces la narración de los finales se le desfonda y este film puede ser uno de los que tienen ese pequeño defecto.

‘Mi Vecino Totoro’ (‘Tonari no Totoro’, 1988) puede ser la más lenta, pero también fascinante película de Miyazaki. Durante mucho tiempo ha sido la que se consideraba más de culto del director japonés.

‘Nicky, La Aprendiz de Bruja’ (‘Majo no takkyûbin’, 1989) Lo más notable es la recreación de las ciudades europeas de la zona de Suiza. Su historia es sencilla, pero los personajes son entrañables.

‘Pòrco Rósso’ (‘Kurenai no buta’, 1992). De las de Miyazaki, es una de las pocas películas de aventuras clásica, casi como si fuese de Hollywood o como si la hubiese firmado Howard Hawks. El final es muy elegante. Pero no le falta el punto fantástico, pues el protagonista se convierte en cerdo por una maldición.

‘La Princesa Mononoke’ (‘Mononoke Hime’, 1997) es como una auténtica pesadilla lúcida, llena de violencia y de enorme calidad. Miyazaki tiene algunas películas donde la narración se entiende peor que en otras porque son más oníricas o surrealistas. Ésta podría estar entre ellas, junto con ‘El castillo ambulante’ o ‘Totoro’.

‘Nausicäa del Valle del Viento’ (‘Kaze no tani no Naushika’, 1984), que es la única de Miyazaki que no he visto, así que me vendrá muy bien esta edición para recuperarla.

Además de la ya comentada ‘Susurros del Corazón’ (‘Mimi wo Sumaseba’), saldrán otras dos películas que no son de Miyazaki para completar los nueve títulos mencionados: ‘Recuerdos del Ayer’ (‘Omohide Poro Poro’, 1991), de Isao Takahata; que se conoce internacionalmente como ‘Only Yesterday’. De esta película lo que más me llamó la atención fue una escena en la que la familia come una piña como si fuese una cosa de otro planeta. La otra es ‘Pompoko’ (‘Heisei Tanuki Gassen Pompoko’, 1994), también de Takahata.

Las fechas de los demás lanzamientos se irán anunciando según se vayan acercando. Igor Ibeas, Director General Adjunto de Aurum Producciones, confiesa que están “aún definiendo, junto con Studio Ghibli, los plazos y los contenidos de los que vamos a disponer, empezando a trabajar en nuevos doblajes,etc… por lo que no queremos aún anunciar ninguna fecha concreta. Queremos tenerlo todo muy atado y que no vuelva a pasar lo que históricamente ha pasado con las películas de Ghibli. Los tiempos son distintos a los de otros lanzamientos, ya que además Ghibli supervisará todos los pasos que emprendamos. Lo que sí podemos asegurar es que este mismo año una parte de el catálogo estará disponible y que en el 2010 se editarán todas las demás películas. No descartamos incluso la posibilidad de estrenar en cine alguno de los títulos más emblemáticos”.

Vía | Aurum.

Tengo tan descuidadas mis colaboraciones en La Alternativa de Cope Catalunya, que ya ni recuerdo de lo que hablo en algunos programas. Antes de recargar las baterías, y empezar a colgar alguna de las colaboraciones que también hago en Punto Radio en el programa de Ana García Lozano, aquí os traigo los audios de los tres últimos programas de La Alternativa, que como bien sabéis, está conducido por vuestra locutora favorita, Olga.

En ellos hablamos apaciblemente sobre películas como ‘La sombra del poder’, entretenida cinta de suspense; ‘Déjame entrar’, esa joya atemporal de corte vampírico; la última maravilla de Hayao Miyazaki, ‘Ponyo en el acantilado’; un rápido repaso a la última edición de Cannes en el que Olga se niega por problemas de censura (la Cope, ya sabéis) a nombrar el título del nuevo largometraje de Lars Von Trier, la esperadísima ‘Anticristo’; y sobre ‘Ángeles y demonios’, que esta vez no ha levantado absurdas opiniones fundamentalistas en contra.

A continuación, los audios:

‘De cine’ (24-04-09, audio, mp3, 4´2 MB)

‘De cine’ (11-05-09, audio, mp3, 2´4 MB)

‘De cine’ (24-05-09, audio, mp3, 17´4 MB)

He querido empezar este artículo con el cartel norteamericano de ‘Ponyo en el acantilado’ porque, aparte de gustarme, me parece muy gracioso. Si os fijáis, en un lugar destacado aparece “Walt Disney”. El nombre de Hayao Miyazaki queda en lo más alto del todo, donde pocos miran, justo arriba de una línea de nombres de actores conocidos para el gran público, que evidentemente no saben (ni tienen que saber) quién es Miyazaki. De hecho, es muy probable que crean que es otra película de la factoría Disney; ya les gustaría.

Sin embargo, para los apasionados de la animación y, también, para los del cine en general, Hayao Miyazaki no necesita presentación. Quizá, para el segundo grupo, sí lo fuera antes de que la aclamada ‘El viaje de Chihiro’ (2002) lograra tanto el Oso de Oro berlinés como el Oscar norteamericano, arrebatándoselo a los productos de las poderosas Pixar y Dreamworks en su propia casa; desde entonces ya no hay excusa alguna. Y es que la firma del japonés es sinónimo de maestría, calidad, emoción y sorpresa, porque este genio sigue provocando sorpresas en el público con cada nueva obra.

Se suponía que iba a retirarse, que ya no veríamos otro trabajo nuevo con su sello, pero cerca ya de sus setenta años, Hayao Miyazaki se ha vuelto a revelar lúcido y brillante. Su última película, ‘Ponyo en el acantilado’, supone un retorno a los orígenes de la animación, en un momento en el que Hollywood comienza a vender la fórmula del 3D estereoscópico, en una época en la que parece que si no resulta explosivamente llamativo, no interesa. Pero sabe la verdad. Al público le interesan las novedades, desde luego, pero sobre todo, por encima del 3D y las pantallas gigantescas, busca historias. Historias que emocionen y que, cuando acaben, el espectador tenga la sensación de que ha disfrutado y contemplado algo especial.

Resulta inevitable, supongo, pensar que su última película es una obra “menor” dentro de la extraordinaria carrera de Miyazaki, tal como he leído en repetidas ocasiones. El hecho de ser un cuento infantil, decididamente destinada a los niños, y haber apostado por esa vuelta a la animación más tradicional, contribuyen a formar esa idea. No soy nadie para negarlo, y en realidad estoy de acuerdo en que ‘Ponyo’ no es una de las mejores películas del japonés (mi favorita es ‘Porco Rosso’, por cierto), pero también creo que hay que matizar un poco más ese tipo de declaraciones, entender mejor cómo se ha creado este nuevo trabajo, menos moderno que otros, pero no menos laborioso, y sí decididamente más hermoso.

Dice Miyazaki que el origen de ‘Ponyo’ está en “La dama de Shalott”, una pintura de John William Waterhouse. Quedó tan abrumado por la cantidad de detalles de la obra que sintió que era algo insuperable, por lo que se replanteó todo lo que se estaba haciendo en el legendario estudio Ghibli. Abandonar las últimas tecnologías de animación y volver a dibujar a mano, fue su decisión. Eso sí, Miyazaki pidió un esfuerzo máximo. Movimiento, velocidad y fondos llenos de detalles. Sin límites, sin cortapisas de ningún tipo. Y vaya sí se nota. Hay numerosas secuencias en la película que dejan sin aliento, y resulta imposible tratar de captar con la mirada todo lo que hay en la pantalla, lo que incluso puede resultar frustrante; la misma sensación que tuvo el cineasta al contemplar la obra de Waterhouse (es lo que tenéis a continuación).

Aunque ‘Ponyo’ va destinada al público infantil, al que Miyazaki comprende como nadie, me parece injusto rebajar (más de la cuenta) su nivel por este motivo, cuando en realidad es una película que puede disfrutarse a cualquier edad, porque todos hemos sido niños, y aunque se quiera negar, seguimos deseando que nos emocionen como cuando lo éramos, como cuando nos asombrábamos por todo y no hacíamos más que preguntar cosas a los adultos. No me cabe duda que muchos padres, aficionados al cine, deben estar muy agradecidos porque películas como ésta se sigan haciendo, permitiendo un disfrute en familia y resultando una experiencia más valiosa que la que proporcionan los productos supuestamente infantiles salidos de firmas con mayor poder de mercado, en mi opinión, más manipuladores (“american way of life”), vulgares y vacíos que otra cosa.

Adaptación sui generis de “La sirenita” de Hans Christian Andersen, ‘Ponyo en el acantilado’ nos devuelve al mundo mágico, inocente y de la infancia, resultando una película preciosa, espectacular y viva, un huracán de emociones, colores (con esos contrastes de tonos cálidos y fríos) y sonidos (fantástica composición del no menos genial Joe Hisaishi) que no podéis dejar pasar. Y ya sabéis, la lógica, el cinismo y los malos humos de la jornada diaria, mejor apagados, como el móvil, hasta que empiecen los créditos finales.

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Cuando el hijo de Hayao Miyazaki se puso a dirigir ‘Cuentos de Terramar’, hubo una serie de importantes discrepancias entre el padre (uno de los mayores genios de la animación mundial) y el hijo, hasta el punto de que se hicieron públicas no ocultando ambos su enfrentamiento. ‘Ponyo en el acantilado’ no sólo supone el regreso a la dirección de largometrajes por parte de Hayao Miyazaki (tras la magistral ‘El viaje de Chihiro’ se anunció a bombo y platillo que su director se retiraba); es además una película con bastantes datos autobiográficos que repasan la relación del realizador con su hijo. También supone uno de los films más sencillos de su autor, en el que la capacidad de síntesis brilla con gran intensidad.

‘Ponyo en el acantilado’ supone toda una apuesta a contracorriente dentro del actual panorama de la animación. Acostumbrados como estamos a que la 3D invada nuestras salas, con los últimos avances tecnológicos dispuestos a dejarnos con la boca abierta (cosa que casi siempre sucede en cada nueva película de Pixar), el film de Miyazaki retrocede dos décadas al menos, y nos presenta una animación tradicional en el más puro sentido de la expresión, pues todo cuanto hay en ella ha sido dibujado a mano.

Regresa así Miyazaki con esta película a los orígenes. La historia, sencilla hasta decir basta, narra la relación entre un niño de cinco años y un pez con cara de niña, que desea ser humana. Ecos de ‘La sirenita’, y cómo no de ‘La cabalgata de las valkirias’ de Wagner, bañan sin complejo ninguno ‘Ponyo en el acantilado’, que muchos se han aventurado a etiquetar de “obra menor” dentro de la filmografía de Miyazaki. Tal vez la sencillez que desprende la película, alejada de la densidad de ‘El viaje de Chihiro’ o ‘La princesa Mononoke’ ha servido para extender una idea, a mi parecer, equivocada. Para poner un ejemplo de lo que quiero decir, hace poco un amigo mío se refirió A ‘Gran Torino’ como la más sencilla de las obras maestras de Clint Eastwood. Dicha afirmación, acertada desde mi punto de vista, sirve perfectamente para definir una película como ‘Ponyo en el acantilado’.

La película está llena de pequeños detalles, claros como el fondo del océano retratado en la misma, que hacen grande su historia. Por un lado tenemos a las criaturas que no desean tener contacto con el hombre, el cual siempre es visto como el mayor enemigo de la Naturaleza, algo que no nos resulta nada difícil de creer dado el mal trato que le damos a nuestro planeta, y que tarde o temprano acabará costándonos caro. No obstante, dicho elemento de abierto carácter ecológico, está sutilmente retratado en la figura del padre de Ponyo, un ser que no quiere saber nada de los hombres, y al mismo tiempo no cargan las tintas en el mismo, de forma que lo que podría acabar siendo un panfleto en favor de la naturaleza, termina por unirse en armonía con los demás elementos del film.

‘Ponyo en el acantilado’ habla además del amor puro, reflejado en dos niños opuestos pero complementarios que se entregan el uno al otro sin ningún tipo de rubor o prejuicio, asombrados y maravillados por lo que cada uno ve en el otro. El maravilloso mundo del que proviene Ponyo es aceptado sin fisuras por el joven protagonista, sin necesidad de adaptación, sin tener que aceptar que allá fuera existe la magia, lo distinto, otros mundos. Miyazaki alcanza aquí la maestría, al ser capaz de hacernos creer cualquier cosa que se le pase por la cabeza, logrando que cualquier adulto que visione su película se desvista de toda la lógica acumulada durante el crecimiento de toda persona, y se entregue cual niño a sus historias, probablemente la mejor cualidad de Miyazaki como director, y que en el presente film alcanza su punto álgido.

Con claros elementos autobiográficos (el retrato del personaje masculino, que Miyazaki hizo pensado en su propio hijo, la ausencia del padre marinero, tal y como Miyazaki confesó que hizo con su hijo), ‘Ponyo en el acantilado’ no habla también del valor de los padres en todo niño, poniendo la figura de la madre como la más importante. Atención a la madre del niño, que es la única que le cuida y aconseja debido a esa falta paterna; y también a la madre de Ponyo que aparece justo cuando hay que tomar una determinación ante todo lo que está pasando. Hay una conversación entre ambos personajes que el espectador nunca llega a oír, pero que comprende perfectamente su significado. Las madres, tan distintas y próximas como en este film, comprenden mejor a sus retoños, y a ellas les corresponde el ser testigos directos de su crecimiento. Toda una declaración de principios por parte de Miyazaki.

‘Ponyo en el acantilado’, en su completa sencillez, atrapa desde el primer fotograma al último, y Miyazaki logra que se den la mano momentos tan portentosos como el de la cabalgada sobre las olas, instante de abierto carácter fantástico en el que la música del genial Joe Hisaishi cobra gran importancia, con otros más íntimos como aquél en el que Ponyo descubre maravillada un hecho tan cotidiano como preparar una comida. Y todo ello, narrado con un excelente ritmo por parte de Miyazaki, al mismo tiempo que no escatima en dar rienda suelta a su imaginación, la que todos los niños poseen, ésa que hace que podamos disfrutar de un film como éste, obra de un niño de 68 años.

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Cuando a finales de los años 90, el venerado director de esta película, que todavía no contaba sesenta años, anunciaba su retirada, para consternación de los millones de seguidores que tiene en el mundo, tuvimos suerte de que esa retirada (que luego fue de nuevo anunciada con cada nuevo proyecto) no se haya hecho realidad, pues aunque con la descorazonadora ‘La princesa Mononoke’ pareció haber tocado su techo, la trilogía de relatos con protagonista infantil que nos ha regalado son un tesoro del cine de animación por numerosas razones. Y de todas ellas la más conmovedora y entrañable quizá sea ‘Ponyo en el acantilado’.

Película libérrima y hermosa, en las antípodas de gran parte del cine de animación japonés que allí se exhibe y que se vende a medio mundo como ejemplo de modernidad, de ficción científica extrema, o de fantasía heróica ultraviolenta, que sorprende inicialmente (una vez más) por su inocencia y alteridad, y que finalmente obliga a rendirse y a bajar los brazos de los prejuicios adultos, entregándose por completo a una fábula a medio camino entre lo místico y lo mitológico, impetuosa en su ejecución y sorprendente en su júbilo desatado, pleno e ilógico.

El imaginario de Miyazaki conforma un cosmos polimórfico y subyugante, que al fin se ha visto despojado de toda razón o prejuicio interno, para abandonarse en el placer que provoca la animación más desenfadada, que conquista a base de ingenio y de sencillez lo que gran parte del cine de animación japonesa no logra a base de virtuosismo técnico y violencia salvaje. A su lado, otros logros del director parecen ahora meros borradores que esperaban transformarse en esta plenitud animada. Pienso en la fundacional ‘Mi vecino Totoro’, viaje hacia la liberación de los miedos infantiles, que nos hizo descubrir una mirada única a principios de los años 90.

En su cosmos cohabitan toda suerte de criaturas fantásticas que, por lo general, sufren sus propios problemas en una rutina a menudo acuciante, y con una serie de responsabilidades que se ven alteradas por la presencia de los humanos. Con la sola excepción de ‘Porco Rosso’ (una ejemplar película de aventuras con un trasfondo político y moral más complejo de lo que parece a simple vista), las criaturas mitológicas habituales de Miyazaki observan la presencia humana como una molestia con la que tienen que lidiar, y que cambia su mundo (el mundo) para siempre.

Así sucede con la inoportuna comilona de los padres de Chihiro, o con la destrucción del bosque en ‘La princesa Mononoke’. El hombre se encuentra en el filo, y la naturaleza, con todos sus terribles poderes, se dispone a defenderse de él. En ese sentido, Miyazaki, más que ecologista, es terriblemente pesimista, porque sabe que sólo del pesimismo nace, en el último instante, la esperanza. Una esperanza que sitúa, sin falsedad ni manipulación, del lado del ser humano, al que siempre ofrece una oportunidad de redención. Pero Miyazaki no es un humanista, es, más bien, un poeta enamorado de la naturaleza que sabe que el ser humano tiene varias asignaturas pendientes con su entorno.

Sus dioses, a menudo benévolos y a veces furibundos, sus espíritus bonachones, sus brujos o brujas demacrados, se relacionan por tanto con personas que han de aprender normas secretas, pactos que les unen, códigos de comportamiento, en experiencias catárticas y muy intensas. Se vale Miyazaki, para contar estas historias, de un sentido del ritmo en verdad admirable, que en opinión de quien esto escribe es una de las dos o tres virtudes más importantes de un verdadero artista del cine. La forma de fijar y recoger al mismo tiempo el flujo del tiempo, su devenir y su irregularidad constante, es en Miyazaki un prodigio de naturalidad, más aún por tratarse de animación.

Animación construida, en Ponyo, como si de una acuarela preñada de buenos sentimientos (que no llegan, nadie sabe cómo, a la ñoñería) se tratase, de colores primordiales, de trazo sencillo que logra captar muy bien el sentido de lo maravilloso, expresar la verdad de mundos muy diferentes que se complementan entre sí con asombrosa facilidad. Miyazaki consigue un logro que es una conquista mayor: la de la infancia como precursora del ingenio del gran cine.

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‘Ponyo en el acantilado’, el encanto de la niña pez

Hayao Miyazaki dirige ‘Ponyo en el acantilado’ (‘Gake no ue no Ponyo’, 2008), un film de animación tradicional en el que Sosuke, un niño que vive con su madre en una casa de un acantilado, encuentra a un pez rojo, con cara de niña, a quien pone el nombre de Ponyo. Ponyo tiene poderes mágicos, así que las ancianas del asilo en el que trabaja la madre de Sosuke se alegran de verla, pero una de ellas teme que provoque un tsunami, pues eso presagia la tradición sobre los peces con cara. A pesar de la advertencia, Sosuke decide quedarse con ella.

A diferencia de otras películas del japonés, ‘Ponyo en el acantilado’ sólo tiene la intención de enternecernos y de hacernos disfrutar. Por ese motivo, no presenta conflictos graves, sino que, muy al contrario, el devenir de los hechos se desarrolla sin apenas importunar a los protagonistas, quienes rápidamente encuentran soluciones para lo que está ocurriendo. Todo esto que, en otros film sería una carencia, en la presente es perfectamente válido, pues lo único que queremos mientras vemos la película es ver a Ponyo y sentirnos bien con los maravillosos dibujos que estamos contemplando.

Por este motivo, se trata de una película que gustará a quienes tengan un espíritu capaz de emocionarse con las cosas lindas y de disfrutar como en la niñez. Cuando se dice que un film es infantil o juvenil, se suele hacer alusión a historias tontas, poco trabajadas y con contenido insuficiente, pero en este caso no es para exigir menos en cuanto al argumento para lo que tenemos que retrotraernos a la infancia, sino para ser capaces de vivir en una emoción constante, dejándonos llevar por la preciosidad de Ponyo. Pero esto también significa que es la película de Miyazaki que con más comodidad podrían ver los niños y niñas, pues es la que tiene una progresión de los acontecimientos más ordenada y más clara. Las intenciones del autor de crear nada más que ternura se demuestran sin disimulo en esa canción final semejante a los karaokes que incluyen todas las series de anime.

Eso no significa que no existan, como en todas las películas de Miyazaki padre, momentos que nos dejan con el ceño fruncido de extrañeza. Me refiero a esas escenas que de repente parecen inexplicables o que se ven como una salida de tono. Lo curioso es que la secuencia que más sorprende en este sentido –la escena sobre un bebé lactante y sus padres que aparece en la imagen superior— fue añadida a posteriori por el autor con la intención de hacer ver que la protagonista era capaz de comportarse en sociedad y de pensar en los demás.

Mantiene Miyazaki esa imaginación desbordada –y en este film el término se aplica incluso literalmente— que suele mostrar en otros films. Los componentes oníricos que siempre le acompañan están aquí presentes creando, de nuevo, sueños más bellos que los que nuestra mente jamás nos pueda proporcionar. Los juegos visuales que le permiten estos despliegues del subconsciente, como la diosa de los mares, las olas creadas con bancos de peces o las hermanitas de Ponyo, son increíblemente arrebatadores. El estilo del dibujo y la suavidad de la animación convencional completan el milagro.

Las mitologías que confluyen en la historia de Ponyo son varias, aunque la más clara es la de las sirenas y Poseidón. En el inicio de la película, la trama central presenta similitudes con el manga de Osamu Tezuka, ‘Tritón’, que también echa mano de la figura de las sirenas y los tritones y del antagonista rey de los mares, para crear una historia ecologista y llena de momentos apasionantes.

Ponyo presenta varios estados diferentes: pez con cara, anfibia y niña. En todos ellos, es un personaje con un inmenso encanto y una forma de comportarse simpática y traviesa. El personaje que más destaca por detrás de Ponyo es el de la madre de Sosuke, una mujer de armas tomar, que conduce su coche como Takuma Sato y que se comporta con toda la naturalidad cuando su hijo le dice lindezas como: “había una niña corriendo encima de las olas”. La escena en la que hace Morse a su marido, marino, para regañarle por no venir a pasar la noche es inmensa, así como aquella en la que le comunica por radio que están en casa “Sosuke, Ponyo y yo”, como si el hombre conociese de sobra a la pequeña invitada.

Como se ha podido apreciar, esta crítica es una visión encendida y muy poco objetiva sobre una película que me ha emocionado sobremanera. Es posible que los fans de Miyazaki más adultos e intelectuales consideren ‘Ponyo’ una obra inferior a otras más oscuras, pero si yo me quedo únicamente con los sentimientos que me ha producido, tendría que decir que es la mejor, aunque sepa que existen algunas más adultas, rompedoras y susceptibles de ser llamadas obras maestras.

Más información en Blogdecine sobre ‘Ponyo en el acantilado’

Mi puntuación:

Para hablar de Hayao Miyazaki hay que poner incienso y hacer las reverencias oportunas a uno de los más grandes realizadores de animación de la historia del cine. Su galardonada trayectoria le avala y su última película, ‘Ponyo en el acantilado’ llegará a las salas españolas el próximo 24 de abril, lo cual es una agradable noticia.

Nueva producción del Studio Ghibli, del que han salido algunas magníficas películas, y que tras su paso por festivales ha vuelto a demostrar que el realizador japonés Miyazaki sigue siendo un maestro. ‘Ponyo en el acantilado’ cosechó los más destacados elogios de todo lo exhibido en la pasada edición del Festival de Venecia, lo que hace crece la expectación de todos los aficionados a la animación en general y al cine de Miyazaki en particular, que en el plena era digital, retoma una historia con animación tradicional.

La película cuenta la historia de Sosuke, un niño de cinco años que vive en un acantilado y mientras juega en una playa rocosa se encuentra con una pececita de colores llamada Ponyo. Tras rescatarla por estar atascada en un tarro de mermelada, la guarda en un cubo y comparten fascinación mutua. Ponyo sueña con ser humana y no quiere regresar a su hogar, obligada por su padre, un hechicero del océano. Tras la imposición, Ponyo se escapa y se desata el caos, con enormes maremotos que envuelven al pueblo de Sosuke. Una historia de amistad, responsabilidad con el mar como escenario, que, aparentemente va destinado a niños, pero que necesariamente debería disfrutar todo tipo de público.

Vía | Aurum

Continuan sucediéndose las jornadas en la Mostra de Venecia, el glamour y los flashes van iluminando la ciudad de los canales y algunos cineastas se van destacando en la aspiración al premio final. Es el caso del mexicano Guillermo Arriaga, cuyo debut en la dirección suscitaba enorme expectación, con ‘The Burning Plain’, y parece que ha sabido mantener su extrema sensibilidad y el estilo patente en sus trabajos como guionista para González Inárritu. Eso se llama ser fiel a sí mismo, y demostración que no siempre los buenos guiones son fruto de la inspiración pasajera aderezada de la suerte de productor decente. Parece que Arriaga tiene mucho que contar y sabe cómo hacerlo bien. Espero ansioso su estreno.

La película ha gustado mucho y sus sufridos protagonistas han conseguido sobrecoger. Para ello ha contado con la bellísima Charlize Theron (una lección de elegancia y glamour en la alfombra roja) y la veterana e igualmente atractiva Kim Basinger, que han realizado un trabajo brillante.

Por otra parte el maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki ha vuelto a demostrar con su último trabajo ‘Ponyo en el acantilado del mar’ es un nuevo ejemplo de su talento. La película, que cuenta la historia de amor entre un niño y un pez rojo que quiere ser humano, ha supuesto un soplo de aire fresco en el festival y ha logrado el aplauso de la crítica.

Por contra, quienes se han vestido de decepción entre sonrisas son los reputados directores Jonathan Demme y Barbet Schroeder. El alemán ha patinado con ‘Inju, la bestia en la sombra’ que cuenta la historia de un escritor de novelas policíacas de gran éxito que viaja a Japón para conocer a un misterioso amigo al que nadie conoce. La crítica se ha cebado con el veterano realizador, calificando su trabajo de ridículo.

A su vez, Jonathan Demme, en otra época glorioso y brillante realizador, no parece que esté acompañado de las musas. Por mucha Anne Hathaway que pose junto a él y protagonice su última película: ‘Rachel getting married’. Rodada con cámara en mano y que ha sido tachada de caos expresivo, compleja y sosa. Un trabajo con el que ha querido coquetear con el experimentalismo y que suena a decepción.

Para terminar, no quería pasar por alto la aparición de Natalie Portman en el festival de Venecia, que no sólo vino a dejarse fotografiar y deslumbrar a los presentes, sino para acompañar su debut como realizadora, con el cortometraje ‘Eve’, que se proyectaba fuera de concurso. Ha gustado mucho (el corto también).