Esta semana hay donde elegir si uno prefiere deleitarse con el mercado casero cinematográfico antes que asistir a una sala de cine. Para todos los gustos (que sí, sí hay escrito sobre ello, y mucho) y colores. Desde una buena oferta clásica para los que les interesa el cine, hasta estrenos más o menos recientes para aquellos que se arrastran por el cine mediático. Se acerca el verano y una buena forma de combatir el desesperante calor es darse una buena ración de cine.

‘Concierto macabro’

Director: John Brahm

Intérpretes: Laird Cregar, Linda Darnell, George Sanders, Glenn Langan, Faye Marlowe, Alan Napier

Una de las obras maestras del hoy desconocido John Brahm, cuya inspiración en el caso de Jack el destripador es más que evidente. De todos modos, su principal protagonista, el maravilloso Laird Cregar (su historia personal es de las más tristes de Hollywood) ya había protagonizado a las órdenes de Brahm ‘Jack el destripador’ (‘The Lodger’) un año antes. Sin embargo, esta especie de versión no oficial la supera hasta la perfección. Además, podemos disfrutar de las presencias de Linda Darnell, la inolvidable protagonista de ‘Pasión de los fuertes’ (‘My Darling Clementine’) de John Ford, y de George Sanders. DVD sin extras lamentablemente.

‘Woodstock’

Director: Michael Wadleigh

Excelente oportunidad para disfrutar de esta cinta mítica que recogió un concierto no menos mítico. Además, está dirigido por uno de esos autores que no se prodigaron tanto, como es Michael Wadleigh, director de una maravilla titulada ‘Lobos humanos’ (‘Wolfen’), una de las mejores película sobre hombros-lobo que se han hecho (evidentemente para quien esto firma, con el permiso de patidifusa que luego me tira de las orejas). Tendremos una edición de lujo, de ésas que deberíamos disfrutar en muchos más títulos. Cuatro discos llenos de documentales, del Woodostock que no aparece en la película, del rodaje, etc. Y cómo no, la película.

‘Amantes’

Director: Vicente Aranda

Intérpretes: Maribel Verdú, Jorge Sanz, Victoria Abril, Mabel Escaño, Enrique Cerro, Jose Escano, José Cerro, Saturnino García, Gabriel Latorre

Las película de Vicente Aranda siempre me han parecido un poco insoportables y hasta de mal gusto. Curiosamente ‘Amantes’, uno de sus mayores éxitos, es de las que más me convencen. Esta pasional historia de amor al menos no tiene las típicas salidas de tono del señor Aranda. El DVD viene sin extras, para variar. No entiendo esa manía de algunas distribuidoras de no gastarse dinero en ediciones como Dios manda, o como los cinéfilos queremos, que somos los que pagamos.

‘Bienvenidos al Norte’

Director: Dany Boon

Intépretes: Dany Boon, Kad Merad, Zoé Félix, Anne Marivin, Lorenzo Ausilia-Foret, Guy Lecluyse, Philippe Duquesne, Michael Galabrou

Doble edición en DVD, con una simple y la otra de coleccionistas en la que se incluye un disco extra con un “making off”. Menuda edición de coleccionista. A su lado las de cuatro discos de ‘Ben-Hur’ o ‘Titanic’ no tienen nada que hacer.

Crítica en Blogdecine:

• Bienvenidos al humor facilón

‘Cazador de forajidos’

Director: Anthony Mann

Intérpretes: Henry Fonda, Anthony Perkins, Mary Webster, John McIntire, Betsy Palmer, Michel Ray, Neville Brand

Anthony Mann fue uno de los grandes del western (¿qué tal os parecería un análisis de dicho género en Blogdecine?) con películas tan memorables como ‘El hombre del Oeste’ o ‘Winchester 73’. ‘Cazador de forajidos’ no está a la altura de ésas, pero es un western curioso con un joven Perkins en un notable personaje. DVD con extras raquíticos, en este caso las filmografías del director y actores.

‘Flame y Citron’

Director: Ole Christian Madsen

Intérpretes: Thure Lindhardt, Stine Stengade, Peter Mygind, Mads Mikkelsen, Christian Berkel, Jesper Christensen

Sinopsis: Copenhague, 1944. Mientras la población danesa desea que la guerra acabe cuanto antes, Bent Faurschou-Hviid, de 23 años y cuyo nombre de guerra es Flame (por su cabello rojo) y Jørgen Haagen Schmith, de 33 años y cuyo nombre de guerra es Citron (al parecer, en parte, porque había trabajado como mecánico en la fábrica de Citroën), ponen sus vidas en riesgo para luchar en el grupo de resistencia Holger Danske que combate clandestinamente contra los nazis y sus colaboradores daneses.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Flame y Citron’, héroes de la Resistencia

‘Rio Conchos’

Director: Gordon Douglas

Intérpretes: Richard Boone, Stuart Whitman, Anthony Franciosa, Jim Brown, Wende Wagner, Edmond O´Brien

En los 60, Sam Peckinpah (¿futuro análisis en Blogdecine?) inauguró la vertiente crepuscular del western, pero no fue el único. Directores como Richard Brooks con ‘Los profesionales’, o Gordon Douglas con la presente tienen su lugar en la historia. Un film violento, audaz, trepidante y lleno de emoción. Ya no se hacen películas así, aunque tampoco hablamos de una obra maestra. DVD sin extras, para no variar.

‘Transporter 3’

Director: Olivier Megaton

Intérpretes: Jason Statham, Natalya Rudakova, Ronert Knepper, Jeroen Krabbe, Yann Sundberg

Tercera entrega sobre carismático transportador al que da vida un Statham que sin duda es lo mejor de la saga, la cual cada vez ha ido a peor, llegando a unos niveles realmente preocupantes. Lo triste del asunto es que como ha sido un éxito, una curta entrega podría ser más que posible. Habrá dos ediciones, una simple y otra de coleccionistas con un segundo disco de extras, entre los que hay el típico making off, escenas eliminadas y entrevistas varias.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Transporter 3’, un megatón de acción

• ‘Transporter 3’, Jason Statham y nada más

‘Solo en la noche’

Director: Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes: John Hodiak, Nancy Guild, Lloyd Nolan, Richard Conte, Josephine Hutchinson, Fritz Kortner, Margo Woode

Mankiewicz fue uno de los grandes. Películas como ‘Eva al desnudo’ o ‘La huella’ lo atestiguan, films en los que el guión era lo más importante de todo, junto con la elegante puesta en escena del director. ‘Solo en la noche’ es uno de sus films menos conocidos, un thriller denso y lleno de suspense. DVD sin extras.

‘La semilla del mal’

Director: David S. Goyer

Intérpretes: Odette Yustman, Gary Oldman, Meagan Good, Idris Elba, Jane Alexander, James Remar, Carla Gugino

El guionista Goyer sigue intentando demostrar que puede ponerse tras las cámaras, tras las lamentables ‘Blade: Trinity’ y ‘lo que no se ve’. De la presente, que aún no he visto pero veré, se comenta que es uno de los films más delirantes en el género de terror de los últimos años. No sé, pero ver a Oldman desmelenado en un film de éstos debe tener su precio. El DVD es anunciado como una versión no vista en el cine, pero la realidad es que uno de los extras son escenas eliminadas.

Más información | Zona DVD

Antes de hablar de ‘Infierno de cobardes’, la siguiente película en el especial que le estamos dedicando a Clint Eastwood, he creído conveniente hablar de ‘Incidente en Ox-Bow’, una de las películas favoritas del director de ‘Sin perdón’, cuya influencia es probablemente la que más se nota en su cine. Este film, dirigido por William A. Wellman en 1943, tiene en la obra de Eastwood director una presencia mucho más notable que las maneras heredadas de Sergio Leone o sus homenajes a John Ford. Eso puede verse sobre todo en los cuatro westerns que dirigió, en ‘Mystic River’ y en ‘Cartas desde Iwo Jima’.

Si el protagonista de ‘Harry el sucio’ mereció alguna vez la etiqueta de director clásico fue por tener presente esta película más que por otra cosa. En ella están reunidos algunos de los temas que más han interesado a Eastwood a lo largo de su trayectoria cinematográfica. El equivocado sentido de la justicia, el crimen sin castigo, o la apatía del ciudadano al no impedir un hecho abominable sobre el que no habrá marcha atrás posible, es de lo que habla ‘Incidente en Ox-Bow’.

‘Incidente en Ox-Bow’ narra la historia de un linchamiento. En un pueblo en el que la oleada de robo de ganado se ha incrementado hasta límites insospechados, se corre la voz de que un importante ganadero ha sido asesinado. Pronto se organiza una partida de hombres para ir en busca de los asesinos y aplicar la justicia que la ley tarda tanto en aplicar.

Esta premisa argumental recuerda con creces a varios de los films de Eastwood. Sus continuas críticas hacia el sistema judicial (las tardanzas y las argucias legales con las que peligrosos delincuentes pueden salir en libertad), hacia la aplicación de la ley (casi siempre con retraso), y sobre todo a la vagancia popular y administrativa, no haciendo nada por impedirlo, tienen su origen en esta poderosa película, cuyo visionado es de los que no se olvidan. ‘Incidente en Ox-Bow’ no sólo narra una historia, además invita a la reflexión, remueve conciencias, y deja ese mal sabor que dejan las grandes obras, al estamparnos delante de nuestras narices lo mísero, débil y cobarde que puede llegar a ser el ser humano. William A. Wellman nos abofetea con la verdad, y eso es algo que siempre le ha gustado hacer al director de ‘Million Dollar Baby’, contarnos historias tan humanas que duelen.

Wellman, con su cámara casi invisible, pero sutilmente utilizada (otra de las características de Eastwood director), nos acerca a una galería de personajes de la más diversa índole, realizando un excelente estudio del ser humano en prácticamente todas sus facetas, y como éste responde a situaciones límite. La película rompe esquemas desde el momento en el que no ofrece una sola concesión al sufrido espectador, el cual tiene un nudo en la garganta casi desde el inicio. Henry Fonda, que había presenciado de niño las consecuencias de un linchamiento, se aseguró de que cierta frase que le dijo su padre se introdujese en el guión. “El linchamiento es el negocio de cualquier hombre que hay alrededor”, sentencia en cierto momento el personaje al que da vida Fonda. Con ello expresa lo cotidiano del hecho en sí, lo que lo hace aún más terrible.

Las razones que llevan a los hombres a cometer un acto tan brutal son de una enorme variedad. Desde la pura diversión (atención al personaje que está todo el tiempo bromeando con una soga), hasta los deseos de venganza (la mayor parte de los personajes desean vengar la muerte de un hombre muy querido en el pueblo, y esto es utilizado de excusa para paliar la impotencia que sienten por ser víctimas de continuos robo de ganado, el principal medio de subsistencia de la zona), pasando por los meramente racistas (uno de los tres hombres apresados es un mexicano de turbio pasado, por lo que todas las miradas están concentradas en él), los de demostrar la fuerza sólo porque se posee (el oficial que no quiere que su único hijo tenga sensibilidad, y decide hacerle un hombre obligándole a tomar parte en el linchamiento), hasta los del temor a ser inculpado (el amigo del personaje central teme por esa mala suerte durante todo momento). Los bajos instintos hace presencia en ciudadanos respetables convirtiéndolos en algo tan abominable que ni siquiera hay palabras para describirlo.

Henry Fonda (actor interpretativamente hablando muy parecido a Eastwood), Harry Morgan, Dana Andrews (que al año siguiente interpretaría la inolvidable ‘Laura’ de Otto Preminger), Anthony Quinn, Frank Conroy, Jane Darwell, William Eythe y Harry Davenport, entre otros, realizan apasionadas interpretaciones que terminan de redondear el producto. Andrews, que da vida a uno de los tres inculpados por el furioso populacho, ofrece uno de los momentos más inolvidables de la película; aquél en el que le dejan escribir una carta para su mujer, la cual quedará viuda por culpa de un estúpido malentendido. Dicha carta estará presente en el último tercio del film como un elemento secundario, hasta que Fonda la lee en presencia de todos los que han cometido la barbarie (Eastwood hace algo parecido en ‘Cartas desde Iwo Jima’, cambiando de contexto la situación, pero con idéntica intención). En ese instante, la planificación de Wellman alcanza momentos sublimes, enfocando los rostros, y con ellos los pensamientos, de todos los presentes. Incluso cuando tiene que enfocar a Fonda, le oculta los ojos (esos que se negaron a ver lo evidente) con el ala del sombrero de su compañero. Nunca un plano fue tan sutil y expresivo.

‘Incidente en Ox-Bow’ no deja lugar para la esperanza, por mucho que veamos a Fonda partir hacia el horizonte en busca de la mujer de uno de los ahorcados para entregarle la carta de su difunto esposo. Nos ha sacudido tan brutalmente que esa mera anécdota nos sabe a poco, ni siquiera nos importa y mucho menos nos consuela. El arrebatador lirismo con el que Wellman nos lo relata todo queda impreso en nuestras retinas durante sus 75 minutos de duración (otro ejemplo de cómo contar una historia llena de matices en tan sólo una hora y cuarto, sin dejarse nada en el tintero).

Clint Eastwood no se cansa de citar esta película en numerosas entrevistas. Ha sabido asimilar su influencia, y adaptarla a su estilo, y rendirle tributo como sólo las obras maestras se merecen. Tomando el testigo, en cierto modo, para seguir haciendo que el cine sirva como catalizador de las grandes historias nacidas del hombre corriente.

DVD:

‘Incidente en Ox-Bow’ está editado en DVD por la Fnac. No trae extras de importancia. No así la copia que puede adquirirse en Amazon, la cual trae un extensísimo documental sobre Henry Fonda, y un audiocomentario del hijo de Wellman.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’

• ‘Joe Kidd’

Sin lugar a dudas, el estreno de dvd de la semana, al menos en lo que respecta entre las películas que se ponen a la venta, es el de ‘Venganza’, que mientras aquí la podremos disfrutar en la intimidad de nuestro hogar, en las américas no va nada mal en la taquilla. Sin embargo, para un servidor, la noticia más importante al respecto es la de la edición de una de las joyas del genial Otto Preminger: ‘Tempestad sobre Washington’, que también irá incluida en un pack sobre el director. Si alguno de vosotros no está contento con la oferta cinematográfica, ese pack es una buena ocasión para reconciliarse con el cine.

‘Venganza’

Director: Pierre Morel

Intérpretes: Liam Neeson, Famken Janssen, Maggie Grace, Xander Berkeley, Leland Orser, Katie Cassidy, David Warshofsky, Holly Valance

Un film de acción a la europea, que bebe tanto de los thrillers de los 70, hoy un tanto olvidados, como de la serie de televisión ‘24’ o la saga Bourne. Un dvd con pocos extras: un documental que recoge la filmación de la película. Lo mejor sin duda, es presenciar como Liam Neeson se mosquea y reparte estopa allá por donde va.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Venganza’, Liam Neeson es Jack Bauer y Jason Bourne

• ‘Venganza’ (‘Taken’), no te llevarás a la hija de Liam Neeson

‘Cinturón rojo’

Director: David Mamet

Intérpretes: Max Martini, Alice Braga, Chiwetel Ejiofor, Matt Cable, Cathy Cathlin Ryan, Jose Pablo Cantillo, Randy Couture, John Machado

Una película de David Mamet siempre es interesante, aunque sus mejores logros en el séptimo arte han sido siempre como guionista y no como director. Es una pena que ésta no esté a la altura de otros trabajos suyos más inspirados como ‘El último golpe’. Dvd con pocos extras, co0mentarios del director y un par de documentales.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Cinturón rojo’, David Mamet, el cine negro y el honor

• ‘Cinturón Rojo’ (‘Redbelt’), la integridad en un mundo sin ideales

‘Che. El argentino’

Director: Steven Soderbergh

Intérpretes: Benicio Del Toro, Julia Ormond, Rodrigo Santoro, Demián Bichir, Franklin Díaz, Armando Suárez Cobián, Yul Vázquez, Jsu García

Primera parte de un díptico sobre la mítica figura del Che Guevara del que a finales de este mes nos llegará su segunda parte (‘Che. Guerrila’), que en nuestro país se ha saldado con un excelente resultado comercial, e incluso le han entregado el Goya al mejor actor (lo cierto es que Benicio del Toro está sensacional en tan jugoso personaje). Dvd con los típicos extras, como un making of y poco mas.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Che. El argentino’, el individuo desde la distancia

Colección Laurel y Hardy

Directores: William A. Seiter, James Parrott, Lloyd French, James W. Horne, Alfred J. Goulding, George Marshall, Charley Rogers, Harry Lachman

De pequeño, cuando Internet era un sueño y las cadenas de televisión se dividían entre la primera y la segunda, me tragué prácticamente todos los trabajos protagonizados por los entrañables Stan Laurel y Oliver Hardy, probablemente la pareja más famosa del cine mudo. Una ocasión única para recuperar algunos de aquellos trabajos. Un pack de cinco discos que suponen un total de 24 películas. No hay extras.

‘El cardenal’

Director: Otto Preminger

Intérpretes: Tom Tryon, Romy Schneider, Carol Lynley, Jill Haworth, Raf Vallone, John Saxon, Burgess Meredith, Josef Meinrad, John Huston

Una de las últimas películas del gran Otto Preminger, y también una de las más difíciles de ver debido a su extensa duración. Vida y obra de un humilde párroco que llega hasta las más altas esferas del Vaticano, a través de un montón de problemas personales. Dvd sin extras.

‘El niño con el pijama de rayas’

Director: Mark Herman

Intérpretes: Assa Buterfield, Zack Mattoon O´Brien, Demonkos Németh, Henry Kingsmill, Vera Farmiga, Cara Horgan, Zsuzsa Holl, Amber Beattie, Lazslo Aron

Mark Herman, director de la reivindicable ‘¡Qué pasada!’, dirige la adaptación del best seller de John Boyne, y que narra la amistad entre un niño alemán y otro judío en especiales circunstancias durante la Segunda Guerra Mundial. Exitazo taquillero en nuestros cine, que sin duda se repetirá en el mercado del dvd, y es que las películas con el holocausto judío como telón de fondo, suelen tener un buen respaldo por parte del público. Dvd con el típico making of y unas cuantas escenas eliminadas.

Crítica en Blogdecine:

• ‘El niño con el pijama de rayas’, el incomprensible mundo de los adultos

‘Eskalofrío’

Director: Isidro Ortiz

Intérpretes: Junio Valverde, Blanca Suárez, Jimmy Barnatán, Mar Sodupe, Francesc Orella, Laia Alemany, Paul Berrondo, Ariadna Cabrol, Josep María Doménech

Una supuesta oferta original dentro del panorama del cine de terror patrio, que termina cayendo en todos los clichés conocidos y por conocer, y eso que contiene alguna escena bastante conseguida. Dvd con extras como el sempiterno making of, una entrevista con el director y poco más.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Eskalofrío’, un kiero y no puedo

‘Tempestad sobre Washington’

Director: Otto Preminger

Intérpretes: Henry Fonda, Charles Laughton, Franchot Tone, Gene Tierney, Lew Ayres, Peter Lawford, Walter Pidgeon, Paul Ford

La elección como Secretario del Estado de alguien que no tiene muchos simpatizantes provoca enfrentamientos de todo tipo entre las altas esferas del Gobierno de los Estados Unidos. Película política densísima que se encuentra entre lo mejor de Preminger, con un reparto espectacular, en el que podemos encontrar a la actriz más bella de todos los tiempos, al menos para quien esto firma, Gene Tierney, en su última colaboración con el director de ‘Laura’. Dvd sin extras.

Preminger Essential

Pack editado por Manga Films dedicado a la figura de Otto Preminger, uno de los grandes directores del cine americano, realizador de obras maestras como ‘Laura’ o ‘Abnatomía de un asesinato’, que por pertenecer a otra productora, no están incluidas en este pack. La morbosa ‘Cara de ángel’, la extraña ‘Santa Juana’, la más larga que un día sin pan ‘El cardenal, y la impresionante ‘Tempestad sobre Washington’ son las cuatro películas del pack. También podremos encontrar un documental dedicado a la obra del cineasta.

Vía | Zonadvd

John M. Stahl fue uno de esos directores del Hollywood clásico, hoy un tanto olvidados injustamente. Suyas son películas tan importantes como ‘Que el cielo la juzgue’ o ‘Las llaves del reino’. El gran Douglas Sirk (ése al que algún director español dice parecerse, con todo el morro del mundo) realizó sendos remakes de dos de las obras de Stahl: ‘Imitación a la vida’ y ‘Sublime obsesión’, logrando con ello, además de enseñar cómo debe hacerse un remake, descubrir a muchos cinéfilos parte de la obra de Stahl.

Casi siempre interesado en hacer melodramas, Stahl se caracterizó por un estilo sencillo, muy intimista. ‘El sargento inmortal’ es uno de sus trabajos menos conocidos, y eso que en su reparto están actores de la talla de Henry Fonda y Maureen O´Hara, en aquel año (1943) en la cresta de sus carreras. Más el primero que la segunda, quien tuvo superiores éxitos. Actores Fordianos por excelencia, resulta curioso que sólo coincidieran dos veces en una película para el cine, siendo ésta la primera de ellas (la otra muchos años después en ‘Fiebre en la sangre’ de Delmer Daves).

‘El sargento inmortal’ narra la odisea de un pequeño comando británico en el desierto durante la Segunda Guerra Mundial. Un grupo de hombres en una rutinaria misión que terminan perdiéndose y tendrán que luchar contra todo tipo de adversidades para salir con vida de allí. Uno de ellos, Colin Spence, recordará su vida de civil en Londres, la mujer de la que estaba enamorado, y las circunstancias que le llevaron a alistarse.

John M. Stahl juega con tres frentes en su film. Por un lado todo lo que le sucede al comando, enfrentado no sólo a un enemigo, los alemanes, si no también al mismo desierto, con un calor sofocante que hará estragos en los ánimos de los hombres. En segundo lugar, todos los recuerdos del personaje al que da vida Henry Fonda, y por último, algo que el guionista parece sacarse de la manga y que tiene que ver con lo narrado en la parte de guerra, por así llamarla. Un cambio de tono que hace alusión al título del film y que, en cierta manera, conecta con la forma de hacer cine de Stahl.

Toda la parte bélica está narrada con precisión. Los personajes se hacen muy cercanos, y cada uno representa varios estereotipos dentro del cine de género bélico. Tenemos al sargento, al que da vida un genial, como siempre, Thomas Mitchell (también actor Fordiano), un hombre lleno de valor y buena ideas que mantiene vivo al grupo. Está el “buen hombre”, entre comillas, al que la guerra le supera y prefiere no saber nada de tener responsabilidades de las que dependan la vida de los hombres del perdido grupo. Tenemos al cobarde, al gracioso, al veterano. Tópicos excelentemente interpretados y compenetrados, en escenas que resultan ser lo mejor del film, llegando a entretener sobremanera. Curiosamente esta parte se ve truncada por todas las interrupciones que suponen los flashbacks, y que nos llevan a la parte romántica del film. Maureen O´Hara y Henry Fonda protagonizan una historia de amor bastante previsible y típica, que se ve amenazada por la presencia de un hombre de éxito decidido. Así pues tenemos un triángulo amoroso sobre cuyo desenlace no hace falta ser un gran adivino. Supongo que estos intervalos valen para hablar de las motivaciones del personaje de Fonda, pero creo que son demasiado bruscos y terminan siendo redundantes. Además, había que introducir en la trama de alguna manera un personaje femenino (algo que sucedía con muchas películas de la época, como por ejemplo ‘Fuerza bruta’).

El tercer acto, en el que ya se desarrolla y culmina todo con la rapidez del rayo, termina lastrando las posibilidades de una película que hasta ese momento suponía un digno entretenimiento sin más. Un aspecto trascendental y de corte sobrenatural se incrusta en la trama de golpe y porrazo. Stahl se mueve como pez en el agua en ese tono que el film toma, pero rompe con todo lo narrado con anterioridad, y resuelve de forma demasiado fácil algunos de los apuntes más interesantes del relato, como por ejemplo, el miedo del personaje de Fonda a liderar un grupo de hombres (de nuevo encontramos un paralelismo con otro film de la época: ‘A bayoneta calada’). Así pues ‘El sargento inmortal’ toca demasiados puntos, y nunca termina de profundizar en ellos. A uno le queda un rara sensación, de ese tipo que dejan los films con posibilidades pero volubles, y que terminan quedándose en tierra de nadie.

Con motivo del estreno de ‘12’ de Nikita Mikhalkov, director capaz de lo mejor y de lo peor, me propuse revisar aquélla en la que se basa, ‘12 hombres sin piedad’, una de esas películas que cuando la ves ya no se te borra de la memoria pues su visionado va más allá del disfrute (y esto suena a poco cuando se habla de películas como ésta), siendo una obra de arte que lo proporciona a todos los niveles, uno de esos films que contienen una capacidad natural para adoctrinar al espectador sobre temas sociales siempre de actualidad.

‘12 hombres sin piedad’ siempre fue una de la película favoritas de su actor principal, Henry Fonda, al lado de otras dos obras capitales en la historia del cine americano: ‘Las uvas de la ira’ e ‘Incidente en Ox-Bow’, películas con las que la ópera prima de Sidney Lumet guarda algún parecido, pues son títulos de un abierto carácter ilustrativo. Por cierto, si todas las ópera primas fuesen así, otro gallo cantaría en esto del cine. Pocos debuts tan buenos se recuerdan como éste.

‘12 hombres sin piedad’ narra la historia de los componentes de un jurado, doce hombres, que se retiran a reflexionar sobre lo que parece un sencillo y claro caso de asesinato (un chico ha matado a su padre). Cuando parece que no van a tardar demasiado en decidir un veredicto, uno de ellos no lo tiene tan claro, tiene lo que se llama duda razonable, aquella que si surge es necesario e imprescindible dictaminar que el acusado es inocente (su vida depende de la decisión de estos doce hombres). Expondrá sus argumentos y pedirá una nueva votación para ver si alguien más se lo ha pensado. Poco a poco las duda comienzan a surgir.

Prácticamente toda la acción de ‘12 hombres sin piedad’ transcurre en la sala de deliberación, exceptuando el prólogo y el epílogo. En hora y media Lumet va creando una sensación de claustrofobia acorde con la psicología de los personajes. Para ello, va acercando cada vez más la cámara a sus personajes, y jugando con la lente obtiene dicho efecto. Con este sencillo truco, el espectador se ve inmerso en una historia sobre la que apenas tiene datos, pero que se van descubriendo, desvelándose con ello las distintas personalidades de los sujetos que decidirán si el chico vive o muere. Uno a uno van descubriendo sus cartas, y enseguida nos damos cuenta de aquéllos a los que verdaderamente les preocupa el caso y se toman con seriedad la responsabilidad que ha recaído sobre ellos, y a los que todo les importa un comino. Un claro reflejo de la vida real, ¿realmente todos los jurados del mundo actúan como debieran?

Los doce componentes del mencionado jurado representan al ser humano en general. Acertado es el detalle de que no sabemos la mayoría de sus nombres; o bien se dirigen a ellos por su número de miembro del jurado, o bien por su profesión. Hay desde un arquitecto (el primero en hacer saltar la liebre) hasta un publicista, pasando por un entrenador de fútbol, un contable, un vendedor, etc. Gente de a pie normal y corriente con la que es muy fácil identificarse, salvo quizá la del arquitecto, papel que le viene como anillo al dedo a Henry Fonda, pues parece poseer la verdad absoluta, algo que si existe es muy difícil de alcanzar. Un hombre recto, reflexivo, compasivo, inteligente, y que su inquietud le hace pensar más que los demás, algo que hará que los acontecimientos venideros tomen un curso bien distinto. Un curso en el que prejuicios de todo tipo salen a flote antes de que llegue el inevitable final, y todo porque la mayoría de los personajes, son incapaces en principio de dejar a un lado las experiencias personales (uno de ellos es racista con la gente de igual condición social que el acusado sólo porque ha tenido un par de encontronazos con ellos). Todos esos puntos de vista son desmontados cada vez que uno se va uniendo a la causa que el arquitecto (¿es casualidad que la profesión del personaje más llamativo sea la de alguien que hace planos, la base de toda construcción?) encabeza. Y el espectador se conmueve ante cada nueva pista descubierta, ante cada nuevo desmoronamiento de los prejuicios que todos poseemos. Al final queda la verdad, se ha hecho justicia y la sensación de haber hecho lo correcto, aunque para llegar a ello cada uno ha tomado caminos distintos.

Fonda encabeza un reparto que funciona al igual que el guión, como un mecanismo de relojería, destacando por su peso en la trama Ed Begley (increíble cuando lo dejan solo por sus prejuicios racistas), Lee J. Cobb (amargado por la relación con su propio hijo, por lo que el caso le toca la vena sensible, su cambio de pensar tiene un dramatismo que bien puede considerarse el clímax de la cinta), E.G. Marshall (el detalle de las gafas es abrumador) y Robert Webber (su pasotismo y sus idas y venidas en su forma de pensar asustan más que cualquiera de los otros).

Al final de ‘12 hombres sin piedad’ uno tiene la sensación de haber asistido a algo más que una gran película. Una de esas experiencias de las que sacar algo en limpio, una lección de vida. Una obra maestra.

En los meses de Mayo y Junio, la mejor revista de Cine publicada en español, Dirigido Por, hace uno de sus excelentes estudios a los que tan bien nos tienen acostumbrados. Esta vez le toca el turno a John Ford, aclamado por muchos como el mejor director de todos los tiempos. Con críticos tan expertos en el tema, como el excelente Quim Casas, autor del estupendo libro John Ford: el arte y la leyenda, hacen un viaje por toda la filmografía del director, separando, lógicamente su etapa muda de la sonora, y a su vez dividiéndolo por temas.

Así pues, llega hora de una de esas listas ya conocidas por todos vosotros, en las que he procurado resumir en diez películas lo grande que era Ford, uno de esos directores a los que recurrir cuando uno empieza a perder la fe en el cine debido a los pésimos estrenos que nos llegan (salvo excepciones, por supuesto). Aclarar que sólo me he centrado en las películas de su etapa sonora, ya que en la muda muchas de ellas no las he visto por ser difíciles de encontrar, aunque me gustaría citar films como ‘Tres Hombres Malos’ o ‘El Caballo de Hierro’ (de reciente edición en dvd en nuestro país), obras maestras de un director que curiosamente en su etapa muda no tuvo tanta repercusión como otros directores de la talla de Fritz Lang o King Vidor.

Las películas están en orden cronológico. Y cuidado, hay SPOILERS.

• ‘La Diligencia’

La película que lanzó a la fama a John Wayne, y también empezó a cimentar la condición de maestro de John Ford. Obra cumbre del western y un film casi claustrofóbico, algo impensable para la época, por poner a todos los personajes metidos en una diligencia. En todos ellos está representado el ser humano con sus distintos matices. Casi podríamos decir que es un film coral, de esos que tanto gustan ahora, pero en un espacio reducido. Curiosamente en el film hay saltos de eje, en la persecución de los indios a la diligencia. Ford se defendió de ello diciendo que quería enfrentarlos. En cualquier caso es uno de los trabajos más representativos de su autor, con unas interpretaciones prodigiosas, y aún hoy desprende una gran fascinación.

• ‘Las Uvas de la Ira’

La obra de John Steinbeck dio lugar a un buen puñado de grandes películas, y ésta es sin lugar a dudas una de ellas. El propio Steinbeck se declaró fan de la película, diciendo que la portentosa interpretación de Henry Fonda le hacía creerse sus propias palabras. Esta historia de unos campesinos que cultivan uvas y que buscan un lugar donde establecerse durante la represión de los años treinta, está narrada impecablemente, gracias a la total falta de maniqueísmo, con su típico gusto por el detalle y el lirismo. Por supuesto que la mencionada interpretación de Fonda, y la maravillosa fotografía de Gregg Toland hicieron mucho. Segundo Oscar como director para Ford (el primero fue por ‘El Delator’).

• ‘La Ruta del Tabaco’

Una de las primeras películas que un servidor vio de Ford,y con la que se quedó completamente embobado, aunque a lo mejor, la salvaje belleza que Gene Tierney desprende en el film, tuviese mucho que ver. Durante mucho tiempo sufrió el ser comparada con la anteriormente citada película, pues guarda mucho puntos en común con ella. Sin embargo, hoy día es bien visible que no tiene nada que envidiarle al film protagonizado por Henry Fonda. Ford acentúa su extrema sensibilidad para narrar, con esos toques nostálgicos tan típicos de él. Además, añadió un humor que hace que el film también sea muy divertido, cuando la historia que cuenta es de lo más triste. Imperdonable que aún no la tengamos editada en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’

Ford ganó su tercer Oscar por esta impresionante película costumbrista que refleja la vida minera en el Gales del siglo XIX. Dotada de una extrema sensibilidad, jamás cae en la sensiblería. Roddy McDowall en el papel más recordado de su niñez, excelentemente dirigido por Ford, sirve como nexo de unión a las distintas historias que se cuentan, protagonizadas por los distintos miembros de una familia. Un prodigio en todos los aspectos, tiene ese sello inconfundible que tiene muy pocas películas: cuando la vez por segunda vez, o tercera, o cuarta, o vigésimo sexta, es como si fuera la primera vez.

• ‘Pasión de los Fuertes’

Uno de los mejores westerns jamás hechos, relata el famoso duelo del O.K. Corral, en la que probablemente sea la mejor versión del mismo, pues Ford se basó en mucha documentación de la época, además de conocer en su juventud al famoso Wyatt Earp, quien le narró los hechos, y el director procuró ser fiel, añadiendo leves cambios. Una vez más, la fuerza lírica del relato es evidente, y Ford fue capaz de arrancar una interpretación sobresaliente de Victor Mature, actor muy mediocre. Eso sí, nunca volvió a trabajar con él. La desconocida Cathy Downs, preciosa como la Clementine de su título original, y Fonda como siempre, inmenso.

• ‘El Hombre Tranquilo’

Cuarto y último Oscar para Ford por uno de sus títulos más famosos entre el público de todas las generaciones. Mil veces imitado y homenajeado (el homenaje más famoso, el de Spielberg en ‘E.T.’). Un boxeador que mata a un rival en un combate se retira del deporte y se marcha a su Irlanda natal para intentar rehacer su vida. Una vez más, costumbrismo, serenidad, historia de amor, humor socarrón (genial Barry Fitzgerald) y todo mezclado de una forma que sólo Ford sabía hacer, dando la sensación de que hacer una película era algo fácil (aunque él siempre decía que sí). La química entre John Wayne y Maureen O´Hara pocas veces ha sido igualada.

• ‘Cuna de Héroes’

Muchos la tratan como una obra menor, y sin embargo en ella se encuentran todas las virtudes de su director, aunque tratadas de forma un poco más grandilocuente, lo cual no le resta calidad. Inspirada en hechos reales, sobre la vida de un hombre que fue toda una leyenda en la Academia de West Point, el film es también un tributo a la vida militar, tan del agrado de Ford. El muchas veces endeble Tyrone Power realizó una de las interpretaciones de su vida, aguantando muy bien las más de doras de metraje. Acaba de salir editada en dvd en nuestro país, así que es una buena ocasión para redescubrir este film, injustamente denostado en la filmografía del maestro.

• ‘Centauros del Desierto’

Para muchos, la mejor película de su director. Son varios los elementos que la engrandecen. Primero, el hecho de que Wayne realice un papel algo atípico en su carrera, con un desarrollo psicológico sobre el mismo de los que hacen escuela, y eso que el director no le quería para el personaje por considerarlo un poco mayor. Luego, Ford en su puesta en escena se aparta un poco de su estilo, componiendo un film, rico en matices pictóricos, y con un uso del color extraordinario. Una road movie con múltiples lecturas, y uno de los mejores finales de la historia.

• ‘El Sargento Negro’

Muy atacada por cierto sector de la crítica, debido entre otras cosas al uso de flashbacks que pueden dar lugar a confusiones en el argumento, hay que observarla detenidamente, para darse cuenta que dentro de su falsa sencillez se encuentra un film extraordinario, con una historia que engancha, la del falso culpable que las tiene todas contra él. Ford dirige a los actores impecablemente, y hasta Jeffrey Hunter está a la altura. Los escenas de exterior, rodadas en escenarios naturales, se emparejan con el provecho que Ford le saca a las escenas de interior, la mayor parte de ellas en una sala de justicia. Hace poco se editó en dvd en nuestro país.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’

Para mí la obra cumbre de Ford, la obra maestra entre sus obras maestras. La filmación pura y dura, sin lugar para las concesiones, del equilibrio entre realidad y leyenda, más toda una declaración a una época que se estaba acabando, en claro tono crepuscular. John Wayne y James Stewart, que con más de 50 años daba vida a un joven licenciado en derecho, se disputan a Vera Miles, y de paso representan el pasado y el futuro, la verdad que permanecerá oculta y la mentira que será mucho más bonita. Los tres encabezaban un enorme reparto, lleno de secundarios míticos, pertenecientes muchos de ellos al universo del director, y gloriosa fotografía de William H. Clothier. Indispensable.

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‘La Venganza de Frank James’ (The Return of Frank James, 1940) es la continuación directa de ‘Tierra de Audaces’ realizada un año antes por Henry King. El gran Fritz Lang tuvo la oportunidad de filmar aquí su primer western adentrándose todavía más en la cultura norteamericana que tanto admiraba el famoso director, y sobre la que se permitió el lujo de hablar en sus películas de una forma directa, concisa y sin reservas. Este film, además es la primera película en color de Lang y el primer título en el que aparecía una de las más bellas y mejores actrices de todos los tiempos: Gene Tierney.

‘La Venganza de Frank James’, como su título bien indica, versa sobre los deseos de venganza por parte del hermano de Jesse James después de que éste fuera asesinado por el cobarde Robert Ford. Frank saldrá de su retiro para buscar justicia aplicándola como mejor sabe. Para ello tendrá ayuda de todos aquellos que simpatizaban con los hermanos James, y más concretamente de un muchacho con aires de grandeza, y una joven periodista, hija del dueño de uno de los periódicos más importantes del país, y que se sentirá fascinada por todo el mundo que rodea a Frank James.

El film es una continuación en toda regla, partiendo de la última escena que cerraba ‘Tierra de Audaces’, en la que un apuesto Tyrone Power daba vida al legendario Jesse James. Tanto es así que da la sensación de que ambas películas se rodaron seguidas cuando no fue así, y eso que no les separa ni un año, pero en aquella época un mismo actor o director eran capaces de rodar varios títulos en un solo año. No obstante enseguida vemos el cambio de director, gracias a la excelente puesta en escena de Lang, la cual puede verse un poco afectada por un guión que tal vez no esté a la altura de las circunstancias, una simple historia de venganza con pocas ramificaciones y sin demasiadas complicaciones, aunque en determinados momentos vemos la mano crítica de su director dotando con su propia personalidad alguno de los pasajes de la película.

Una vez más Lang nos habla de la justicia, de lo mal que puede acabar uno si se deja llevar por los deseos de venganza, casi siempre destructivos y de fatales consecuencias para todos. El director consigue reunir todo eso en un solo personaje, Frank James, la verdadera estrella de la función, que no sólo piensa en que se haga justicia, y para ello tenga que atracar bancos, sino en todo el que le rodea y si sus acciones pueden influirles en manera alguna. El personaje está interpretado por un soberbio, como casi siempre, Henry Fonda, quien aquí tiene oportunidad de lucirse todo lo que no pudo en el anterior film, en el que su personaje quedaba un poco desdibujado. Fonda está soberbio, impresionante, componiendo un rol lleno de matices que enriquece con simples gestos o miradas, o su forma de caminar.

A su lado, actuando por primera vez delante de una cámara, la maravillosa y única Gene Tierney, y que para un servidor supone la gran decepción de la película. Dejando a un lado que el papel es de lo más típico, por mucho que la vistan de periodista interesada en asuntos serios, no deja de ser la típica comparsa femenina, sin la más mínima fuerza, algo extraño en el cine de Lang, en el que hay verdaderas piezas maestras sobre el universo femenino. La Tierney está bastante sosa e inexpresiva, resultando su interpretación bastante floja, algo impensable en una actriz de ese talante. Menos mal que pronto llegarían los personajes inmortales que Tierney nos dejó y por los que algunos le rendimos amor eterno. Pero las cosas como son, y aquí no son demasiadas buenas en este punto verdaderamente crucial. Una pena.

Citar, como no, a dos secundarios como Jackie Cooper, el inolvidable compañero de Wallace Beery en alguna que otra inolvidable película, aquí a punto de ser un hombre, acompañando a Frank James en sus correrías; el actor está simplemente correcto, pero desprendiendo una enorme simpatía. Y como Robert Ford, el inolvidable John Carradine, haciendo gala de sus dotes para este tipo de personajes malvados, destacando por encima de todo la fanfarronería y la cobardía del personaje, dos características que Carradine borda como ninguno.

Una buena película que no se encuentra entre las grandes obras de Lang, aunque su sello queda bien impreso. Se acercaría dos veces más al género del western, en la menor ‘Espíritu de Conquista’ al año siguiente y en la laureada ‘Encubridora’, en los años 50. ‘La Venganza de Frank James’ no se encuentra editada en dvd en nuestro país, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer en caso de que os interese verla.

La semana que viene se estrena entre nosotros ‘El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’, enémisa versión cinematográfica sobre uno de los bandidos más famosos del lejano oeste: Jesse James. El cine ya ha tratado con anterioridad las andanzas del mítico bandido, y una de las más famosas es esta ‘Tierra de Audaces’, que el solvente Henry King dirigió en 1939, y que recoge a Tyrone Power en uno de sus papales más recordados.

La historia de ‘Tierra de Audaces’ recoge el relato sobre los hermanos James, Jesse y Frank, los cuales se dedicaron a robar trenes y bancos, después de intentar ser engañados para apoderrase de sus tierras y de que la madre de ambos fuese asesinada. El film, por supuesto se centra en la figura de Jesse, dejando un poco de lado al hermano, el cual por cierto, tendría todo el protagonismo en la secuela del film, dirigida por Fritz Lang, ‘La Venganza de Frank James’. Y evidentemente, da una visión del personaje muy hollywoodiense, da igual que estemos ante un bandido, sus hechos tienen justificación, y el espectador va a estar siempre de su lado. Esto no estropea la película, ni muchísimo menos. Está claro que los hechos o el enfoque en algunos casos han de ser cambiados para que resulte más cinematográfico.

La película está dirigida por Henry King, director cuyas mejores películas son westerns. Al lado de la que nos ocupa podemos encontrarnos en su filmografía, con títulos tan míticos como ‘El Pistolero’ o ‘El Vengador sin Piedad’, curiosamente las dos con Gregory Peck. Realizó otro tipo de películas en otros géneros, e incluso firmó un clásico del cine de piratas, ‘El Cisne Negro’, por la que también es recordado, pero no hay duda de que su nombre va ligado al género de western, en el cual se encontraba muy cómodo. King dota a la película de un ritmo excelente, sobre todo en su primera mitad. Tal vez, en su media hora final, la cosa se resiente un poco, por querer la película abarcar demasiadas cosas, las cuales sólo toca de refilón. Por ejemplo, el personaje del hermano está un poco descuidado en dicha parte, la cual también intenta navegar un poco entre ficción y realismo, no encontrando siempre un equilibrio.

Pero antes de que el bandido encuentre su fatídico final, en una secuencia servida con una sencillez asombrosa, consiguiendo un impacto brutal, King nos regala algunos momentos antológicos, como la presentación de personajes principales, donde hay espacio para el humor, o como no, los atracos que llevan a cabo los dos hermanos con su banda, teniendo especial relevancia una secuencia en la que Jesse camina por el techo de un tren en marcha.

Tyrone Power es Jesse James. El actor estaba en pleno apogeo, que curiosamente duró hasta el año de su repentina muerte en 1958, aquí en España, de un ataque al corazón. Power era uno de esos actores que cuando estaban debidamente dirigidos podían llegar a marcarse interpretaciones antológicas. Aquí está bastante bien, aunque la insistencia de querer dar una imagen de “guaperas de la película” juega un poco en su contra (a ver si Brad Pitt es capaz de alejarse de esa imagen en la nueva versión). A su lado, un Henry Fonda simplemente fantástico, tanto que cada vez que comparte escena con Power se lo come literalmente. El personaje de Frank James es a todas luces mucho más interesante, gracias a la soberbia interpretación de Fonda. Quizá ahí está la respuesta al descuido del personaje.

En el apartado de secundarios, tenemos a un Randolph Scott, muchos antes de sus inolvidables colaboraciones con Budd Boetticher, en un personaje quizá demasiado benevolente y por momentos da la sensación de que está de adorno. Y como villanos, dos actores de altura, y uno más que otro. Por un lado, Brian Donlevy (de quien hace poco os hablé de su interpretación en ‘The Great McGuinty’), logrando crear un personaje odioso, que en cierta medida desencadena el destino de los dos hermanos. Y el grandísimo John Carradine, con el personaje de Robert Ford, un cobarde y un traidor, que encuentra en Carradine el actor perfecto para darle vida, y es que este actor era único cuando tenía entre sus manos un personaje vil y malvado.

‘Tierra de Audaces’ es una buena película, rodada además en un maravilloso color de la época. La tenéis editada en dvd por Fox a un precio ridículo, y todavía más si vais al kiosko más próximo y pedís una de las últimas entregas de una colección dedicada al Western, viene con otra película a un precio por el que no hay ni que pensárselo.