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Howard Shore

'La invención de Hugo', la fábrica de los sueños

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Fragmento del cartel promocional de 'La invención de Hugo'

Estoy convencido de que la práctica totalidad de los lectores de esta página sienten una gran pasión por el séptimo arte. Puede que no pase por su mejor etapa y que cada vez abunden más producciones manufacturadas que ni siquiera consiguen satisfacer el mínimo exigible de servir como entretenimiento, pero siempre tendremos la fe de encontrar de vez en cuanto una película que nos remueva por dentro, recordándonos los motivos que nos llevaron a amar el cine. Resulta curioso que hayan coincidido en el tiempo dos propuestas en las que este sentimiento resulta esencial para entender su mera existencia. La primera de ellas es ‘The Artist’, la cual ya todos habéis tenido la ocasión de ver, y la segunda es ‘La invención de Hugo’, que al fin estrena este próximo viernes en los cines de toda España.

Por su parte, hay unos cuantos cinéfilos que no están demasiado convencidos con el rumbo que lleva la carrera de Martin Scorsese en los últimos tiempos, en especial porque echan de menos esa fuerza característica de sus primeras obras, algo que es cierto que ha ido desapareciendo con el paso del tiempo. Sin embargo, esta alusión me recuerda mucho a esa afirmación que decía que la peor película de un autor siempre estará por encima de la mejor de alguien que no lo es, ya que parece que sea la única excusa para relativizar los logros de sus cintas posteriores a ‘Casino’. Lo cierto es que su carrera no ha mostrado el más mínimo síntoma de agotamiento, demostrando una gran capacidad para oscilar entre propuestas con un mayor clasicismo formal (‘El aviador’) y otras donde la modernidad (‘Infiltrados’) se apropiaba de un género al que él se había acercado de forma más sosegada en el pasado. Además, resultaba poco probable la idea de que ‘La invención de Hugo’ pudiera ser ese traspiés, pero ¿hasta qué punto nos encontramos ante otra buena película de Scorsese o algo más?

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Oscar 2012: Las bandas sonoras, el favoritismo de Ludovic Bource y las olvidadas

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Uno año más, aunque quizás este con especial énfasis, las nominaciones al Oscar proclamadas por Hollywood se mueven en la complacencia, el aburrimiento, la falta de riesgo y de justicia. Nada nuevo sobre el cielo, aunque centrándonos en el apartado de las bandas sonoras esto se hace aún más evidente.

Tenemos a una favorita, que como al film que acompaña, suena a imposible creer que no ganará la dorada estatuilla. A un genio que hace doblete, otro habitual que se cuela sin mucho ruido y a nuestro favorito. Y no sólo por un compositor patrio. Pero desgranemos las nominaciones, escuchando de fondo las bandas sonoras nominadas al Oscar 2012 y veamos sus posibilidades reales y las olvidadas.

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'El Hobbit: Un viaje inesperado', tráiler y primer cartel

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Ocho años después del estreno de ‘El señor de los anillos: El retorno del rey’ (‘The Lord of the Rings: The Return of the King’), Peter Jackson nos invita a visitar de nuevo la Tierra Media. Ya está aquí el primer tráiler de ‘El Hobbit: Un viaje inesperado’ (‘The Hobbit: An Unexpected Journey’), una de las dos partes en las que se ha dividido la adaptación de la novela ‘El hobbit’ de J.R.R. Tolkien. La película se estrena el 14 de diciembre de 2012 (¡queda casi un año!); y ‘The Hobbit: There and Back Again’, la segunda mitad, llegará a los cines el 13 de diciembre de 2013. Ambas podrán verse en 2D y 3D.

‘El Hobbit’ narra el emocionante viaje de Bilbo Bolsón y trece enanos a la Montaña Solitaria para reclamar el tesoro robado por el dragón Smaug. Guillermo del Toro, Philippa Boyens, Fran Walsh y Jackson se han encargado de escribir el guion, Howard Shore pone la música y Andrew Lesnie firma el trabajo de fotografía. Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Evangeline Lilly, Andy Serkis, Elijah Wood, Orlando Bloom, Hugo Weaving, Stephen Fry, Lee Pace, Luke Evans y Benedict Cumberbatch son los protagonistas de una de las películas que deberían arrasar en taquilla el año que viene. A continuación os dejo también el teaser o primer cartel de ‘El Hobbit: Un viaje inesperado’ que ha lanzado Warner Bros. Yo estoy deseando verla, ¿y tú?

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'Un método peligroso', mentes fascinantes

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¿Por qué esforzarnos tanto por reprimir nuestros más básicos instintos naturales?

Desde el pasado viernes ya tenemos por fin en nuestras carteleras el esperado nuevo trabajo de David Cronenberg, ‘Un método peligroso’ (‘A Dangeorus Method’), un drama histórico que fue presentado en la 68ª edición del festival de Venecia, a principios de septiembre. La película, una coproducción de Reino Unido, Alemania y Canadá que ha necesitado el apoyo de hasta 14 entidades diferentes para reunir un ajustado presupuesto de 15 millones de euros, traslada a la gran pantalla una obra teatral de Christopher Hampton, ‘The Talking Cure’ (“La cura del habla”), basada a su vez en la novela ‘A Most Dangerous Method’ (“El método más peligroso”) escrita por John Kerr. Hampton se encargó también del guion de la película, que en un principio iba a estar protagonizada por Christian Bale y Christoph Waltz; otros rodajes lo impidieron (Cronenberg ha revelado que el dinero fue una cuestión fundamental para el segundo) y finalmente sus papeles acabaron en manos de Michael Fassbender y Viggo Mortensen. Keira Knightley completa el trío protagonista.

“Estructuralmente, la película es un ménage à trois“, ha dicho Cronenberg, que a sus 68 años sigue sorprendiendo por su lucidez artística. ‘Un método peligroso’ trata, efectivamente, sobre las conflictivas y apasionantes relaciones que se establecen entre Sabina Spielrein, Carl Jung y Sigmund Freud, aunque claro, solo los dos primeros llegarán a mantener contacto sexual. La película arranca a principios del siglo pasado presentando a Sabina (Knightley), una joven rusa internada contra su voluntad en un hospital psiquiátrico, donde se convierte en paciente de Jung (Fassbender). Gracias a la aplicación del psicoanálisis, Jung consigue ayudar a Sabina, creándose durante el proceso un poderoso vínculo que el joven psiquiatra, casado y padre de una hija, intentará mantener en un nivel profesional y amistoso; lo consigue durante un tiempo. Jung comunica sus progresos al admirado Freud (Mortensen), con el que también llega a iniciar una intensa relación, como de padre e hijo. Más adelante, Sabina, interesada igualmente en el estudio de las enfermedades mentales, se acercará también a Freud, con el que compartirá ideas y reflexiones pese a la oposición inicial de un celoso Jung. Puede entenderse por tanto esta historia como un peculiar ménage à trois psicológico, donde lo principal es el intercambio de conocimientos, experiencias y ejercicios mentales, sin poder evitar durante el proceso la creación de vínculos sentimentales o emocionales, subrayando las imperfecciones de estos brillantes pensadores.

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David Cronenberg: 'Spider', identidad enferma

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Ella es una furcia barata. ¡Mataste a mi madre, asesino!

Seguimos con el especial dedicado a la fascinante carrera de David Cronenberg, a solo unos días del estreno de su último trabajo, ‘Un método peligroso’ (‘A Dangerous Method’, 2011). Tras haber leído y visto entrevistas sobre ‘Spider’ (2002), me ha resultado muy llamativo el intenso interés que sintió el director canadiense por este proyecto. Con 58 años, en la cima de su carrera, mantiene la coherencia que caracteriza su trayectoria artística, al margen de la industria, y decide apostar por la pequeña historia de un hombre esquizofrénico. Una historia que le llegó en forma de guion junto a una carta donde Ralph Fiennes se comprometía a interpretar el papel principal. Cronenberg llevaba tiempo deseando trabajar con el actor y solo tuvo que leer unas páginas para quedar atrapado por las redes de Spider, un personaje creado por el escritor Patrick McGrath en una novela publicada en 1990, que él mismo se encargó de adaptar para el cine.

A causa del empleo de su padre, McGrath pasó su infancia en una institución para criminales psicópatas, y posteriormente llegó a trabajar en un centro para enfermos mentales. Sin duda, sus experiencias fueron de gran ayuda para crear, entender y dar coherencia al personaje protagonista de su relato, para convertirlo en alguien real, humano, con el que poder sentir empatía (a pesar de todo). Cronenberg ha confesado repetidamente que se sintió muy identificado con ese solitario hombre enfermo apodado Spider (“Araña”), y que sin embargo le interesó poco el retrato de la esquizofrenia que éste sufre. En 2001, el cineasta se reunió con McGrath para discutir el guion, que al parecer no necesitó de grandes modificaciones; lo más importante fue la supresión de la voz en off, que Cronenberg considera un recurso demasiado literario. En la versión cinematográfica, Spider no habla de sí mismo, no se explica, no se dirige al espectador, simplemente existe. Y la cámara trata de captarlo, de expresar su realidad (la única que él puede experimentar). De este modo, la película nos propone un sombrío viaje al interior de la mente humana, ver y sentir el mundo a través de Spider.

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Cinco bandas sonoras que deben sorprendernos

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cinco bandas sonoras que deben sorprendernos - blogdecine

En lo que llevamos de año nos hemos encontrado, en lo referente a las bandas sonoras, con agradables sorpresas, algunos chascos, pero en general, queda la sensación que lo mejor está por llegar. Aún quedan algunos títulos que entre este final de año y comienzo del que viene nos deben sorprender, esperemos que gratamente.

Son títulos muy esperados, películas que deben alcanzar gran notoriedad y que vienen acompañadas de compositores que podrían haber puesto lo mejor de sí mismos para ayudar al éxito de estos films. Por ello, vamos a repasar cinco bandas sonoras que deben sorprendernos, que podrían elevar la satisfacción a los aficionados a la música de cine.

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David Cronenberg: 'M. Butterfly', la terrible ilusión del amor

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Los días que pasé contigo fueron los únicos en los que he existido realmente.

(Song Liling)

Mientras se desarrollaba el rodaje de la imposible adaptación de ‘El almuerzo desnudo’ (‘Naked Lunch’, 1991), David Cronenberg comenzó a discutir con el productor Jeremy Thomas la realización de otro apasionante reto, llevar a la gran pantalla la novela ‘Crash’ de J.G. Ballard. Sin embargo, no fue ése el siguiente trabajo del cineasta canadiense. Se encontraba lleno de energía y deseaba lanzarse cuanto antes a dirigir otra película, una que no necesitara tanto tiempo de pre-producción ni otra problemática búsqueda de financiación. Y se encontró con el proyecto de trasladar al cine ‘M. Butterfly’, una exitosa obra de teatro escrita por David Henry Hwang, que al parecer fue ofrecida en primera instancia a Peter Weir. Tal como desvela Cronenberg en el único “extra” que incluye la edición de la película en DVD, la historia le cautivó especialmente al descubrir que estaba basada en hechos reales, y se reunió con el productor David Geffen para convencerle de que él era el director apropiado para el puesto.

Geffen, al igual que todos los no conocen de verdad la obra de Cronenberg, no entendía qué interés podía tener el director de ‘La mosca’ (‘The Fly’, 1986) en el texto de Hwang, así que el canadiense tuvo que hacer un ejercicio de introspección y explicarle por qué se sentía atraído por ‘M. Butterfly’. Vista la película, resulta bastante evidente; la identidad, la metamorfosis, la construcción de una realidad alternativa, la ambigüedad sexual… son elementos que podemos encontrar en otros relatos “cronenbergianos”. Geffen quedó convencido y dejó la película en sus manos. Se rodó en 1992, en localizaciones de China, Hungría y Francia para las escenas exteriores, y en Canadá para las interiores, y se estrenó en 1993 tras ser presentada en el festival de Toronto. No obtuvo el éxito esperado y hoy es uno de los títulos más olvidados del realizador. Él culpa a las circunstancias, a que el público tenía muy recientes otras películas de argumentos similares con enfoques más suaves y accesibles. Supongo que eso debió influir, quizá ahora habría obtenido una respuesta más entusiasta, pero sinceramente creo que Cronenberg fue muy ingenuo, su película no es nada comercial y lo más normal es que provocara rechazo. Señal de que lo hizo bien.

No sigas leyendo si no has visto la película.

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'La invención de Hugo', tráiler definitivo y últimos carteles

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Uno de los directores más legendarios de nuestro tiempo te embarca en una extraordinaria aventura…

Ya ha aparecido un nuevo tráiler de ‘La invención de Hugo’, la primera película que ha dirigido Martin Scorsese en 3D, y esta vez la cosa pinta mucho mejor. A diferencia del primer avance, este segundo está enfocado a un público más amplio que no se va a interesar con la enésima comedia infantil en la que los adultos se golpean contra todo tipo de cosas, pero sí con un relato lleno de misterios y aventuras. Llevando la firma del director de ‘Taxi Driver’ o ‘Infiltrados’ (‘The Departed’), para mí esto era imprescindible de cualquier modo, aunque pareciera ‘Solo en casa 7’, pero lo cierto es que ahora después de ver este nuevo tráiler, estoy mucho más tranquilo. La mala noticia es que en España no podremos ver la película hasta finales de enero, cuando en Estados Unidos se estrena el próximo 23 de noviembre. Dos injustificables meses de retraso.

John Logan (‘Gladiator’, ‘Rango’) firma el guion de ‘La invención de Hugo’ (en EE.UU. se titula simplemente ‘Hugo’), adaptación de la obra infantil de Brian Selznick cuya historia tiene lugar en el París de los años 30, donde un niño huérfano que vive entre las paredes de la estación de tren debe resolver un enigma relacionado con su padre, una llave y un robot. Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Sacha Baron Cohen, Ben Kingsley, Jude Law, Ray Winstone, Christopher Lee, Helen McCrory, Richard Griffiths, Frances de la Tour, Emily Mortimer y Michael Stuhlbarg encabezan el estupendo reparto de la película, a la que pone música Howard Shore. Os dejo también los dos últimos carteles que han aparecido en la red, uno bastante más sugerente y llamativo que el otro.

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David Cronenberg: 'El almuerzo desnudo', adicción y creación

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Quiero que escribas unas palabras en mí... palabras que te dictaré. La primera frase es: “La homosexualidad es la mejor tapadera que un agente pueda tener”. Oh, vamos, Bill, ¡no seas tan marica! Dame fuerte. Hazme daño… Me encanta…

Cuando se comenta una película que adapta una novela, normalmente se tiene la necesidad de hacer comparaciones, de buscar las diferencias y de analizar las omisiones, los tramos o personajes del texto original que han sido modificados o suprimidos, pues se suele partir de un material demasiado extenso, o de un presupuesto excesivo para poder plasmar determinados pasajes en la pantalla. El caso de ‘El almuerzo desnudo’ (‘Naked Lunch’) es muy singular, ya que si uno lee el libro de William S. Burroughs (publicado en 1959) y luego ve la película que dirigió David Cronenberg, notará enseguida que prácticamente son dos obras diferentes. El cineasta canadiense no se ciñe a lo que se narra en el libro para crear su película, intenta plasmar su espíritu, sirviéndose para ello de otras obras de Burroughs y de la propia vida del escritor, al que admiraba desde muy joven. En otras palabras, no es una adaptación fiel del texto original, pero su sangre recorre las venas del film de Cronenberg.

En el insulso “making of” que se incluye en la edición española en DVD de ‘El almuerzo desnudo’, el productor Jeremy Thomas cuenta que conoció al director de ‘Videodrome’ en 1983 durante el festival de Toronto, y éste le comentó su intención de llevar al cine la controvertida novela de Burroughs. Thomas pensaba que ‘El almuerzo desnudo’ era imposible de adaptar, pero al hablar con Cronenberg cambió de idea y compró los derechos de la obra, animando al canadiense a ponerse a trabajar cuanto antes. Diferentes circunstancias impidieron tal cosa y no fue hasta 1991 cuando, por fin, pudo comenzar el rodaje de la película, y no se pudo filmar en Tánger como se deseaba, pues era allí donde vivía Burroughs cuando escribió los retazos que acabaron formando ‘El almuerzo desnudo’, por lo que tuvieron que representarse en una nave industrial de Toronto los escenarios que el protagonista relaciona con el mundo irreal de la Interzona. Otro ejercicio habitual cuando se trata de adaptaciones cinematográficas es imaginar qué otro director podría haber llevado a cabo la tarea, quizá con mejores resultados. Por su probada osadía temática y visual, Cronenberg resultaba una opción lógica para adentrarse con éxito en la obra de Burroughs; entendió que la mejor manera de hacer el trabajo era fundir su mundo creativo con el del escritor, y dar origen a algo nuevo, único.

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David Cronenberg: 'Inseparables', una mente y dos cuerpos

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“Al instrumento no le ocurre nada, es el cuerpo. ¡El cuerpo de la mujer está completamente mal!”

Beverly Mantle (Jeremy Irons)

Parece ser que en su momento causó sorpresa que David Cronenberg dirigiera ‘Inseparables’ (‘Dead Ringers’, 1988), justo después de ‘La mosca’ (‘The Fly’, 1986), llegándose a decir que el canadiense estaba abandonando el (infravalorado) terror fantástico para adentrarse en el “mainstream”, en un cine más accesible a todo el mundo, como si buscase mayor reconocimiento. Desde luego, no hay en la película una criatura monstruosa como “Brundlefly” o alguien con las extraordinarias habilidades de los “scanners”, pero, como el propio realizador ha manifestado alguna vez, sí que hay cierta atmósfera de terror y matices de ciencia-ficción en ‘Inseparables’, un relato tenebroso y enfermizo que solo podía llevar su firma. Ya lo he comentado anteriormente, Cronenberg no se mueve entre géneros, y da igual la trama, él narra a su manera, introduciendo elementos e imágenes que le resultan interesantes, proporcionando a sus trabajos un enfoque singular.

Quizá lo que puede llegar a despistar al espectador de ‘Inseparables’ es que la historia está inspirada en hechos reales, no parte de un argumento ficticio o una idea original del cineasta. Así es, los gemelos Mantle existieron, aunque verdaderamente su apellido era Marcus. En 1975, la policía encontró a los cadáveres de los dos hermanos en el suelo de su apartamento, rodeados de basura; los Marcus eran ginecólogos centrados en el tratamiento de la fertilidad que cayeron en la adicción a las drogas, como los personajes a los que da vida Jeremy Irons. A Cronenberg le resultó interesante una novela basada en la escandalosa vida de estos hermanos, ‘Twins’ (1977), escrita por Bari Wood y Jack Geasland, y quiso llevarla a la gran pantalla a principios de los 80. Sin embargo no fue hasta 1988, después de estrenar otras tres películas, y una vez resultas numerosas discusiones con los productores, cuando por fin se consiguió financiación y pudo dar comienzo el rodaje de uno de los trabajos más recordados, oscuros y perversos, de David Cronenberg.

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