Aquí os traigo los resultados de la encuesta de la semana pasada, que como recordaréis estaba centrada en el tema “parejas de cine”. Como de costumbre, las opciones más votadas por los lectores son muy llamativas, echad un ojo:

• La mejor pareja romántica de la historia del cine es Humphrey Bogart e Ingrid Bergman en ‘Casablanca’ (1942). Bueno, no puede calificarse de sorpresa, pero desde luego es toda una alegría que no haya ganado una pareja de una película más actual. Bogart y Bergman se llevaron casi el 20% de los votos, un 5% más que Leonardo DiCaprio y Kate Winslet en ‘Titanic’ (1997).

• Tom Hanks y Tim Allen (Woody y Buzz) en ‘Toy Story’ (1995) es la mejor del cine de acción/aventuras. Los carismáticos juguetes de Pixar son los favoritos en este apartado para un 24% de los lectores; el 18% votó por Harrison Ford y Sean Connery en ‘Indiana Jones y la última cruzada’ (Indiana Jones and the Last Crusade, 1989).

• La mejor pareja cómica es Jack Lemmon y Tony Curtis en ‘Con faldas y a lo loco’ (Some Like It Hot, 1959). ¡Otro clásico! Los protagonistas del film de Billy Wilder superaron por un corto 4% de los votos a la siguiente pareja, mucho más actual, Will Smith y Tommy Lee Jones en ‘Men in Black’ (1997).

• Christian Bale y Heath Ledger (Batman y Joker) en ‘El caballero oscuro’ (The Dark Knight, 2008) forman la mejor pareja de rivales. La peculiar relación de enemistad y necesidad que se estableció en el film de Christopher Nolan ha sido la más votada por los lectores, superando en más de un 10% a la siguiente pareja, la formada por Jodie Foster y Anthony Hopkins en ‘El silencio de los corderos’ (The Silence of the Lambs, 1991).

¿Qué os han parecido los resultados? ¿Alguien votó por las cuatro parejas ganadoras?

PD: Mañana tendréis otra encuesta en portada. Sigo recopilando sugerencias.

“De todos los tugurios, de todas las ciudades, de todo el mundo, ella tenía que entrar en el mío…”

-Rick

Hay cosas que no permiten mucha discusión. Como que si ‘Star Wars’ se hiciera hoy día, sería recibida con gran escepticismo, y quizá hasta con virulencia (por mucho que sus numerosos fans no puedan concebirlo) o que ‘Casablanca’ es el resultado de una mítica que ya no existe en el cine, posiblemente porque, mal que les pese a algunos, el pasado no retorna. Considerada como el “clásico entre los clásicos” por varias generaciones de cinéfilos, es ya una vaca sagrada, una intocable, sobre la que se ha escrito ya de todo, y acerca de la cual no caben más comentarios críticos.

Pero ‘Casablanca’ demuestra también (como ‘Star Wars’) que las películas son hijas de su tiempo, y que han de verse en un determinado contexto, lo cual no es nada fácil, en lugar de hacer lo de siempre: convenir que es una “obra maestra” y acudir a ella como se acude a una capilla, sin cuestionar ni reflexionar acerca de nada, diciendo “amén, Jesús”. No hay duda de las muchas y muy loables virtudes de este filme de Michael Curtiz; como tampoco la hay de que el cine, por suerte, ha pasado a una etapa más interesante, menos encorsetada y academicista, más real, menos teatral, aunque seguramente menos romántica e ingenua.

‘Casablanca’ es el cine concebido como ilusión suprema, como mentira maravillosa, algo a lo que se entregan, desgraciadamente, el 99% de los espectadores. Realizando un impertinente paralelismo, imaginemos algo similar en la actualidad, cambiando la Segunda Guerra Mundial por la Guerra de Irak, y situando allí una historia de amor parecida, con una preciosa y bucólica ciudad iraquí de fondo. Pues es exactamente lo mismo. Un ejercicio de trivialidad, pero un ejercicio de trivialidad extraordinario, que eleva las claves del melodrama a la categoría de género propio. En la actualidad, tal ejercicio sería impensable, y da que pensar sobre la humillante dependencia del espectador que sufre el cine, y sobre la posiblidad de que, dentro de treinta años, sean impensables muchas de las películas de hoy, cuando el arte, en verdad, ha de ser universal y atemporal.

La oscuridad del héroe

La primera opción fue William Wyler, pero no estaba disponible, y hubo que echar mano del artesano de origen húngaro Michael Curtiz, que durante los años treinta había filmado algunas obras maestras del cine de aventuras, y que se llevaría el Oscar por este trabajo. Tendría que filmar un guión por el que habían pasado varios escritores, y al que debería dotar de una unidad que se les escapaba hasta entonces. Pero debieron superar muchos contratiempos, desde la exagerada estatura de Ingrid Bergman comparada con Bogart, hasta una producción bastante chapucera que un trabajo de chinos terminó resultando un modelo para futuras producciones de Hollywood.

El alma de la película es, por supuesto, Rick, y su local, el Rick’s. El diseño de producción de Carl Jules Weyl, que ya había trabajado con Curtiz con anterioridad, es realmente sensacional, y nos traslada a una capital económica marroquí de cuento, casi de Aladino, como de cuento es el París (realmente, los mismos decorados rediseñados en el mismo plató) de los flash-backs. Escenarios que van a servir para el viaje de redención y perdón de Rick, el cínico con el corazón roto, que comienza dándoselas de duro con los oficiales y los banqueros alemanes, para luego ser un anti-héroe, lejos de la ideología de Víctor, pero igualmente sacrificado, porque ¿no sacrifica su amor por Ilsa a cambio de un bien mayor, como es la libertad? Cómo ha cambiado el mundo y el cine.

Hay diálogos geniales, como ese tan famoso de “si pensara alguna vez en tí...probablemente te despreciaría”, y una fotografía muy interesante, muy visual, pues Curtiz quería contar la historia con sombras y planos, más que con exposiciones de tramas. De todas formas, y aunque hay una gran inventiva en el uso de sombras y movimiento de cámaras, y a pesar de la influencia del expresionismo alemán, permanece el convencionalismo de la época en detalles como los primeros planos de Ingrid Bergman, siempre con filtros suaves, tan típicos de aquellos años. Lo que no era tan típico es que una producción tan cara no tuviera un final cerrado en el rodaje, pues nadie sabía con quién se quedaría finalmente Ilsa.

Y es que a pesar de tratarse de una producción tan convencional, tan de aquellos tiempos, hay algo inasible en su continuo secuencial, un no sé qué de improvisación, una extraña energía que llena de vida el fotograma, como si los problemas de producción o la indefinición del guión ayudaran a que la historia se volviera más emocionante, más impredecible, a pesar de haberla visto tantas veces ya. Curtiz, maestro del cine de aventuras, sabe electrizar la pantalla, hace casi setenta años, como otros no saben hacer hoy día, y el último tercio se convierte en una memorable carrera contra el tiempo, en la que un hombre bueno, aunque oscuro, ha de tomar una grave decisión vital.

Qué más da que a estas alturas Bogart nos parezca un actor tan teatral y anticuado, que Bergman crea que está en una película para su propio lucimiento, que Renault sea tan incoherente como personaje. Lo mejor en estos casos en los que el cine va de maravilloso y mentiroso, es dejarse engañar, entrar en su juego una vez más, y dejarles lo sublime de lo real a los Rossellini o De Sica, que para eso están. Ahí están esas frases como “¿son los cañones alemanes, o los latidos de mi corazón?”, que dichas en otra película sería para echarse a reir, pero que aquí, milagrosamente, no desentonan. A veces, está bien soñar sueños románticos.

Imagino que lo habréis notado. Es algo que puede comprobarse fácilmente cuando te paras delante de un kiosko y echas un vistazo a las portadas de las revistas. Los que mandan en esto del cine, que es un arte pero también un importante negocio, están cambiando a los protagonistas masculinos de sus películas, los que deben encabezar los repartos de las grandes historias, los grandes romances, los hombres que cautivan, fascinan y enamoran tanto dentro como fuera de la pantalla. Sí, los están cambiando, los están rejuveneciendo.

Hace poco se celebró en la ciudad de Granada, donde me encuentro actualmente, la segunda edición del Festival de Cine Clásico, Retroback, y la imagen este año era la de Humphrey Bogart, icono del cine donde los haya. Puede que fuera por falta de publicidad, porque hay demasiada gente que es incapaz de ver películas en blanco y negro, más aún si están subtituladas (un sacrilegio en este país que adora el doblaje), o porque sencillamente no tenían ni pajolera idea de lo que se proyectaba, pero lo cierto es que la sensación general era de absoluto, y triste, desinterés. Pienso en esto cuando paseo por un centro comercial, y oigo por enésima vez los grititos de un puñado de chicas alrededor de librillos, carteles y DVDs con la imagen de uno de los guapos de moda: Robert Pattinson.

El fenómeno Twilight

Pattinson es sin duda el referente de la nueva ola de galanes modernos. Su nombre está en todas partes y su rostro aparece en todas las revistas; es, en definitiva, el triunfo del marketing, que ha convencido a millones de niñas, adolescentes y mujeres (y jóvenes gays) de que éste es el tipo más atractivo del planeta, ergo, deben morirse por sus huesos. Recuerdo que cuando estuve en Londres para el estreno mundial de ‘Cuento de navidad’, el mismísimo Jim Carrey bromeó diciendo que estaba muy nervioso porque le habían dicho que el protagonista de ‘Crepúsculo’ estaba por allí, y su mayor deseo era poder liarse con él. Es todo tan absurdo que el propio Pattinson ha declarado a menudo sentirse abrumado por el “boom” mediático montado a su alrededor, así como sorprendido por los comportamientos de sus fans más perturbadas.

No olvidemos que estamos hablando de un chico que pronto cumplirá los 24, y que de la noche a la mañana ha sido convertido en uno de los rostros más deseados del planeta, incluso cuando muchas de sus seguidoras tienen edad para ser su madre. Claro que como apunta la ley de Murphy, todo se puede empeorar. Ahí está para demostrarlo Taylor Lautner, su compañero de reparto en ‘Crepúsculo’ y ‘Luna nueva’. Tras una gran preparación física y llevarse media película sin camiseta (sin una verdadera razón) es ya otro de los “sex-symbols” del momento. Así de fácil. Hace nada podía verse en todas partes un anuncio en el que sorteaba pasar un día con él, como si eso fuera algo interesante. ¿Edad? 18.

Veinteañeros por cuarentones

El suyo es quizá el caso más flagrante de la nueva tendencia, pero los demás no andan muy lejos; Hollywood, o mejor dicho, los expertos en marketing de los que se fían los magnates de Hollywood, han visto lo que el púbico joven femenino puede lograr en la taquilla, y están como locos por explotar eso. Sin ir más lejos, ¿cuál fue la película que desbancó a ‘Avatar’ del primer puesto? ‘Querido John’, un melodrama romántico con Channing Tatum al frente del reparto. Tatum, 29 años. Pero hay más. Se está preparando el reinicio de la franquicia de ‘Spider-Man’ y ya han asegurado que el protagonista irá al instituto (suena fuerte el nombre de Logan Lerman, 18 añicos); dos de las películas que más expectación están generando en la red son ‘Tron: Legacy’ (la secuela de ‘Tron’) y ‘Beastly’ (una versión actual de ‘La bella y la bestia’), protagonizadas respectivamente por Garrett Hedlund (25) y Alex Pettyfer (20). Lo raro es que todavía no hayan convencido a Cristiano Ronaldo (25) para hacer sus primeros pinitos en el cine.

Pattinson, Lautner, Tatum, Lerman, Hedlund, Pettyfer y, entre otros, Zac Efron (22) o Daniel Radcliffe (20), cuyas imágenes llevan años explotándose. La pregunta que me parece más obvia ahora es: ¿no hay alternativas entre los tipos maduros? Desde luego que las hay. A bote pronto, ahí tenemos a Clive Owen, Eric Bana, Colin Farrell, Hugh Jackman, John Cusack, Jude Law, Ethan Hawke, Matt Dillon, Jim Caviezel o Aaron Eckhart, por decir sólo diez. En torno a los 40, que perfectamente podrían protagonizar los dramas o las comedias románticas que la maquinaria hollywoodiense desee poner en marcha. ¡Y son actores! No son sólo tipos atractivos. Pero ahí está una de las claves de todo el asunto: la interpretación ya no importa lo más mínimo. Los estudios han dado por buena la teoría de que el público es una masa de borregos, que no piensa, que no es capaz de diferenciar a los buenos de los malos actores, y que sólo quieren que alguien les diga qué deben ver, y a quién deben considerar bueno o malo.

Cambio cultural

No estoy exagerando ni un pelo. Vosotros lo sabéis. La cuestión, en realidad, es que con todo este proceso de rejuvenecimiento puede que tengan razón. No os miento en absoluto cuando os cuento esto, una anécdota que creo que viene al caso, que espero no veáis simplemente como una chorrada para rellenar (os aseguro que no gano nada por escribir más): hace un par de días estaba paseando con “mon amour” en busca de un lugar donde tomar unas tapas, cuando no pude evitar escuchar parte de la conversación que mantenían dos muchachas muy alegres que venían detrás; estaban hablando de un chico y una de ellas dijo “Pero, ¿no es muy niño”, a lo que la otra le respondió “¿Y qué, si lo que quiero es restregármelo?”. Las potentes ondas sonoras de sus maquiavélicas risotadas casi me tiran al suelo.

Lo que quiero decir es que quizá todo esto que han montado los de marketing tenga algo de sentido, a fin de cuentas el culto a la juventud es algo muy antiguo, los “asaltacunas” no se inventaron ayer. Tradicionalmente se ha visto como algo normal que un hombre se relacione con una mujer más joven, incluso mucho más joven (ya que lo hemos mencionado, Bogart era 25 años mayor que Lauren Bacall cuando se casaron). Quizá estemos ya en el momento en el que también lo contrario es algo de lo más normal, o puede que ya simplemente dé igual la edad. De hecho, Robert Pattinson está rodando actualmente ‘Bel Ami’, un drama en el que mantiene un romance con Uma Thurman (40). ¿Pura casualidad?

Dicen que cualquier tiempo pasado fue mejor. Más allá de que suena bien, no estoy nada de acuerdo con eso, pero cuando se echa la vista atrás y se fija uno en actores de la talla de Bogart, Clark Gable, Cary Grant, John Wayne, Henry Fonda, James Stewart, Gary Cooper, Burt Lancaster, Kirk Douglas, Richard Widmark, Gregory Peck, Robert Mitchum, Marlon Brando, Montgomery Clift, Glenn Ford, Charlton Heston o Paul Newman, y luego se compara con los chavalines que hay ahora… Vaya, puede que sea cierto.

‘Resacón en Las Vegas’

Sinopsis: ‘Resacón en Las Vegas’ (The Hangover) es la historia de una desmadrada despedida de soltero en la que el futuro novio y sus tres amigos, dos días antes de la boda, se montan la juerga padre en Las Vegas. Doug (Justin Bartha) viaja a la ciudad del juego con sus mejores amigos Phil (Bradley Cooper) y Stu (Ed Helms), así como su futuro cuñado Alan (Zach Galifianakis). La juerga es de campeonato y, como era de esperar, a la mañana siguiente tienen una resaca monumental. El problema es que, siendo incapaces de recordar nada de lo ocurrido durante la noche anterior, se encuentran con que el prometido ha desaparecido, topándose en su lugar con otras dos sorpresas en la suite del hotel: un tigre y un bebé.

Una de las comedias más taquilleras (signo de calidad según algunos castores) y mejor valoradas de los últimos años, aunque a mí no me pareció gran cosa; ‘Old School’ (‘Aquellas juergas universitarias’), del mismo director, es bastante mejor. El DVD incluye tomas falsas y un par de reportajes. Una compra recomendable para los que creen que el cine más divertido es el que se hace ahora.

Críticas de la película en Blogdecine:

‘Resacón en Las Vegas’, rebelándose contra la madurez
‘Resacón en Las Vegas’, rejuveneciendo la comedia

‘Agallas’

Sinopsis: Sebastián, un delincuente de poca monta recién salido de prisión, decide buscar empleo en una pequeña empresa de Galicia. Pero no por vocación desde luego, sino porque algo le dice que el dueño de la empresa, Regueira, no se ha pagado el Jaguar con cangrejos. Mediante una astucia, se hace amigo de un encargado, Raúl, y consigue que le contraten. Regueira se lo cree sólo a medias, pero comprueba muy rápidamente que aquel joven de dientes mellados tiene agallas y decide convertirlo en su ayudante. Poco a poco, Sebas cambia de aspecto, se gana ropa nueva, nuevos dientes y sobre todo la confianza de su jefe. Parecerá haber llegado a la cumbre… o casi. Pero, Sebastián, tan listo y despiadado, ignora que forma parte de un juego que le supera.

Una comedia negra que se vendió como un thriller gangsteril para lucimiento del ídolo de las adolescentes Hugo Silva. En realidad, el que sale mejor parado es un excelente Carmelo Gómez, que consigue que a ratos la película resulte entretenida. Bastante ingenua, con demasiados momentos ridículos, se queda en bastante menos de lo que pudo haber sido. El DVD incluye un “cómo se hizo” y un videoclip con Silva cantando el tema central del film, con karaoke para que sus fans mojen la ropa.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Agallas’, mafiosos de pacotilla

‘Crank: Alto Voltaje’

Sinopsis: En esta segunda parte, Jason Statham se enfrenta a un mafioso chino que ha robado su corazón y lo ha sustituido por un artefacto con batería que requiere frecuentes descargas de electricidad para continuar funcionando.

Semejante sinopsis sólo sorprenderá a los que hayan tenido la suerte de no sufrir la demencial ‘Crank’ (2006), la primera vez que los directores Mark Neveldine y Brian Taylor atentaron al séptimo arte (‘Gamer’, estrenada el pasado 2009, es otro de sus productos). Una “película” sólo apta para los que disfrutaron con la anterior. El DVD incluye comentarios de los terroristas y un cómo se hizo.

‘La Jungla de Asfalto’

Sinopsis: Doc Erwin Riedenschneider (Sam Jaffe), un cerebro del crimen recién salido de la cárcel, trama el robo de una joyería para hacerse con un botín de un millón de dólares. Buscando apoyo financiero, propone la idea al abogado corrupto Alonzo D. Emmerich (Louis Calhern) a través del corredor de apuestas Cobb (Marc Lawrence). Para poner el plan en marcha cuentan con la ayuda del experto en cajas fuertes Louis Ciavelli (Anthony Caruso), el chofer Gus Minissi (James Whitmore) y el matón Dix Handley (Sterling Hayden). El éxito del atraco se verá truncado por Emmerich quien, arruinado, intentará apoderarse de las joyas robadas y huir con su joven amante Angela Phinlay (Marilyn Monroe).

Dirigida por el gran John Huston (‘El halcón maltés’, ‘El tesoro de Sierra Madre’), es una de las grandes joyas del cine negro norteamericano. De bella factura y con un guión fantástico, es una compra obligada para todo cinéfilo. Siempre y cuando no la tuviera ya, porque esta edición viene a sustituir otra anterior, de 2006, que al menos traía un libreto con información sobre el film. La nueva no trae nada, ni unas disculpas.

‘Jornada Desesperada’

Sinopsis: Errol Flynn y Ronald Reagan en un conmovedor drama cargado de acción de la Segunda Guerra Mundial. Un equipo de bombarderos de R.A.F., obligados a aterrizar en Alemania después de una exitosa incursión realizada por el comando, luchan para poder regresar a Inglaterra atravesando el corazón de Berlín. Mientras tanto, la Gestapo monta la mayor caza nunca antes vista por los campos de prisioneros, trenes hospitalarios y fábricas de municiones, los cinco fugitivos dejan un rastro de muerte y destrucción durante sus viajes desesperados hacia la frontera holandesa y sus libertades.

Una de las películas en las que Raoul Walsh dirigió a Errol Flynn (también juntos en ‘Murieron con las Botas Puestas’ o ‘Río de plata’, en venta desde la semana pasada). El gélido Reagan echa para atrás, pero sólo por Walsh ya tiene la etiqueta de imprescindible. Lástima que la edición, como la de tantos clásicos, sea tan seca.

‘No Eran Imprescindibles’

Sinopsis: Durante la campaña del Pacífico, una heroica compañía americana lucha contra el avance de las fuerzas japonesas en Filipinas, perdiendo cada vez más terreno. Dos oficiales de lanchas torpederas, en contra de la opinión de sus superiores, intentarán frenar el avance utilizando las viejas embarcaciones contra los barcos nipones.

Una de tantas en las que John Wayne fue dirigido por John Ford, uno de los nombres fundamentales en la Historia del cine (‘Las uvas de la ira’, ‘Centauros del desierto’). El film se sitúa en la época de la II Guerra Mundial, pero en lugar de contar una gran victoria, homenajea a los soldados que lucharon durante los primeros meses, en misiones menos populares. Compra obligada. También podéis regalársela a los fans de Stallone, diciéndoles que ‘The Expendables’ es un remake de ésta; puede ser divertido.

‘La Muchacha del Trapecio Rojo’

Sinopsis: Biopic de Evelyn Nesbit, una joven corista que, en el Nueva York de principios del siglo XX, realiza un número bastante comentado sobre un trapecio. Al paso de los años, la encontramos casada con un celoso millonario que no puede soportar los romances que tuvo su esposa en esa etapa disoluta de su vida.

Ray Milland, Farley Granger y Joan Collins al frente del reparto, y Richard Fleischer (‘Impulso criminal’, ‘El estrangulador de Boston’) tras las cámaras, en un dramático relato basado en hechos reales. Otra que hay que apuntarse. El DVD incluye la típica galería fotográfica (mira que son ratas hasta con esto, un puñado de fotos y ala, ¿para qué más?) y las habituales fichas informativas. Lo de siempre.

‘A Través de la Noche’

Sinopsis: Gloves Donahue está demasiado ocupado mirando la línea inicial de las carreras de caballos de Saratoga o buscando la forma de hacerse con una gran cantidad de dinero. Pero cuando alguien elimina al panadero viejecito que prepara la tarta de queso preferida de Gloves, ¡se desata la guerra! Humphrey Bogart disfrutó de este cambio de personaje que le supuso Gloves, y la diversión es contagiosa en esta parodia que le enfrentará a espías nazis.

Película inédita en España, así que su salida en DVD es una gran oportunidad para todo cinéfilo, especialmente para los seguidores del mítico Bogart (entre los que me incluyo), que parece que aquí realiza una interpretación muy peculiar. A destacar también la presencia de Conrad Veidt y Peter Lorre, en roles secundarios. La edición del DVD, como el anterior.

‘Pasaje a Marsella’

Sinopsis: Un francés que lucha en las fuerzas aéreas con base en Gran Bretaña confiesa, después de ser presionado, que ha escapado de la Isla del Diablo y en realidad quiere volver a Francia. Por otro lado, un periodista que está indagando sobre la guerra en el bando de los aliados descubre oscuros intereses militares.

Otra película protagonizada por Humphrey Bogart que sale a la venta en nuestro país, y otra que acabará en mi estantería próximamente (voy a tener que empezar a jugar a la lotería, ¿alguien ha probado con los números de Lost?). Tras las cámaras, Michael Curtiz (‘El Capitán Blood’, ‘Casablanca’). Sin extras relevantes, olor a plástico.

‘Pinky’

Sinopsis: Patricia Johnson, más conocida como Pinky (Jeanne Crain), retorna después de años de estudio en la ciudad norteña de Boston en donde se graduó como enfermera, a la barriada de un pequeño pueblo del sur en donde todos sus habitantes son de raza negra. Ella, de raza blanca, pero con ascendencia negra, se encuentra con su abuela Dysey (Ethel Waters), la cual ha sufragado con mucho esfuerzo sus estudios. Poco después y tras un largo tiempo en el que ha pasado por blanca en la Universidad, conocerá el malsabor de volver a sentirse desplazada por la comunidad blanca, mayoritaria en la localidad.

Con Elia Kazan tras las cámaras (sustituyendo a John Ford, inicialmente previsto), podemos estar muy tranquilos. Se trata de un melodrama antiracial que adapta una novela de Cid Ricketts Summer, tan bien que sus tres actrices principales fueron nominadas al Oscar. El DVD viene pelado de contenidos extras.

Vía | ZonaDVD

De un tiempo a esta parte, veo más cine clásico que nunca. Cuando tuve la suerte de conocer al señor Alberto Abuín, y tuvimos nuestras primeras charlas cinéfilas, me animó a olvidarme de tanto cine moderno, aun cuando yo siempre buceaba más allá de las fronteras norteamericanas; desde entonces, presté mucha más atención a los clásicos, y poco a poco me ha ido conquistando hasta que, ahora, es rara la semana en la que no vea unas cuatro películas filmadas antes de los años setenta (¿podemos considerar esa década como barrera?). Y si no veo más es porque tengo que (y quiero) estar pendiente de lo que se estrena cada viernes.

Pero es ya casi un hecho (faltaría algún tipo de medida científica que lo demostrara, pero parece algo indiscutible) que si un cinéfilo sólo consume estrenos, acaba desfalleciendo poco a poco y, eventualmente, muriendo, o lo que es lo mismo, mutando en otro tipo de consumidor, con encefalograma plano. Así que acudir al DVD (y a lo otro que dicen que es ilegal, y conste que sigo hablando de cine) es la única vía para que el cinéfilo siga sano y vivo. En una de mis últimas visitas a cierto centro comercial que este mes dispone de unas irresistibles rebajas, adquirí un puñado de películas entre las que se encontraba la apetitosa ‘El sorprendente Dr. Clitterhouse’.

La película, dirigida por el ucraniano Anatole Litvak (entre cuyos trabajos se encuentran ‘Ciudad de conquista’, ‘Voces de muerte’ o ‘La noche de los generales’), cuenta con un cartel en el que destacan los rostros de Edward G. Robinson, Humphrey Bogart y Claire Trevor, envueltos en una trama de misterio, suspense y crimen (en teoría), por lo que es una compra de lo más interesante, teniendo también en cuenta que la Warner ha cuidado bastante las ediciones de sus clásicos, acompañándolos de una serie de contenidos extra que se agradecen mucho (lo normal en estos casos es el menú y unas escuetas fichas informativas).

‘El sorprendente Dr. Clitterhouse’ (‘The Amazing Dr. Clitterhouse’, 1938) fue primero una exitosa obra de teatro escrita por Barré Lyndon, cuyo libreto fue convertido en guión de cine por John Huston y John Wexley. La película nos presenta a un hombre fascinado por el crimen y por las consecuencias físicas y psicológicas que éste provoca en quienes lo cometen. El Dr. Clitterhouse (Robinson), un adinerado y prestigioso doctor de la ciudad de Nueva York va a ir más allá de lo que aconseja el sentido común y está dispuesto a correr todos los riesgos cuando decide experimentar por sí mismo la delincuencia, con la intención de mejorar su investigación y que sus resultados sean indiscutibles.

Así que el doctor se convierte en poco tiempo en un hábil e impecable ladrón de joyas, aprovechando sus excelente relación con la alta sociedad, lo que le libera de toda sospecha. La policía está perdida y los robos siguen produciéndose. Sin embargo, Clitterhouse tiene un problema: ¿cómo se deshace de las joyas robadas? A través de sus contactos policiales, consigue ponerse en contacto con Jo Keller (Trevor) y formar parte de su banda.

En ese banda también está el duro “Rocks” Valentine (Bogart), a quien no le cae bien el doctor, especialmente desde que descubre que la jefa se está fijando mucho en él. Valentine desconfía de las intenciones de Clitterhouse, a pesar de que sus planes son infalibles y se están forrando con los robos. Tras uno de esos trabajos, donde el criminal intenta deshacerse del doctor, éste decide que su investigación está completa; deja la banda y vuelve a su consulta, con la esperanza de terminar su inminente obra. Pero ha dejado un rastro que Valentine va a seguir…

Lo que más llama la atención de ‘El sorprendente Dr. Clitterhouse’ es su inusual mezcla de géneros y de tonos, resultando que a lo largo de sus ajustados noventa minutos hay sitio para el cine negro, la comedia, el suspense e incluso el drama judicial. El cóctel es peligroso, pero Litvak consigue mantener el equilibrio, apoyado en un estupendo reparto en el que sobresale el extraordinario Edward G. Robinson, que una vez más se mete en su personaje de forma asombrosa. Curiosamente, parece ser que a Humphrey Bogart nunca le gustó esta película, y se refería a ella como ‘El sorprendente Dr. Clitoris’; lo cierto es que su trabajo es impecable, se le daban muy bien estos papeles antes de que Huston lo pusiera al frente de ‘El Halcón Maltés’, dando un giro a su carrera.

La película sale ganando en las secuencias donde Robinson se interna en el mundo criminal, culminando en la violenta y oscura secuencia del chantaje, y pierde fuerza con algunos momentos cómicos mal calzados. Por otro lado, se abusa de los diálogos explicativos, especialmente en boca de Clitterhouse, sobre su trabajo de investigación, y tampoco está muy acertada la secuencia del juicio, llegando a importar poco el importante veredicto del jurado. Pese a todo, los aciertos son mucho mayores que los errores, y la película se disfruta de principio a fin, presentando una interesante historia llena de sorpresas, tensión, humor y excelentes interpretaciones.

Jason Statham declaró recientemente en una entrevista que está trabajando en un proyecto que aún no ha sido anunciado oficialmente. Se trata de una película con guión de David y Janet Peoples, que tendrá un estilo similar al de ‘El Tesoro de Sierra Madre’ (‘The Treasure Of The Sierra Madre’), de John Huston.

El proyecto tiene como título provisional ‘The Grabbers’.

En ‘El tesoro de Sierra Madre’ (‘The Treasure Of The Sierra Madre’), Humphrey Bogart y Walter Huston eran dos buscadores de oro a los que les podía la avaricia. “No es un remake ni nada,” aclaró Statham. “Pero se parece un poco. Va sobre relaciones y sobre cómo la avaricia contamina las relaciones que tiene esta gente”.

Statham declaró que interpretaría a “un inglés loco que es bastante carismático”. Probablemente encarnará al equivalente del personaje que tenía Humphrey Bogart en la de Huston.

Aún no es seguro que se haga, “Espero que la hagamos. Estamos intentando reunir la financiación y espero que la tengamos antes de finales de año”, dijo el actor. “Si no, haremos otra cosa”, concluyó.

Los Peoples son autores del guión de ‘Doce monos’ (‘Twelve Monkeys’) y David escribió ‘Blade Runner’ y ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’), los cuales no son malos créditos para que empecemos a pensar en esta película como algo prometedor. Intentaré que el recuerdo sobre la última película sobre avariciosos buscadores de oro –da igual que en ese caso fuese negro, no somos racistas— no ensucie mi idea de que esto puede ser un buen film.

Walter Hill hizo un remake en 1992 titulado ‘El tiempo de los intrusos’ (‘Trespass’), con dos Bills: Paxton y Sadler, y dos Ices: Cube y T. Esto tampoco debería desanimarnos.

Fuente | Empire

Muchos habréis escuchado eso de que ‘Casablanca’ se rodó sin guión o que mientras se rodaba no se conocía cómo iba a acabar. No fue así, como muchos otros sabréis. Esto es sólo un rumor que se extendió accidentalmente. La historia de cómo se gestó el guión del film de Curtiz tiene mucha miga y es una demostración de cómo las reescrituras y revisiones del guión hacen que todo funcione mejor. A continuación podréis conocer muchos de los detalles, entre ellos, por qué corrió el rumor de que no había guión. Además, en este otro artículo podréis saber lo que se perdió en la traducción de ‘Casablanca’.

En un principio, ‘Casablanca’ fue concebida como una obra teatral que escribieron Murray Bennett y Joan Allison, con el título ‘Everyone Comes to Rick´s’ (todo el mundo viene al bar de Rick) basándose en experiencias propias de Bennett.

Las diferencias principales entre la obra y la película son que Renault se llamaba Rinaldo, es decir, era italiano y no francés. Ilsa se llamaba Lois Marshall y era norteamericana y con una moral más distendida que la del personaje de Bergman: estaba dispuesta a acostarse con Rick por los visados y viajaba con Laszlo sólo por conveniencia, no porque admirase su entrega. Ugarte se llamaba Ugatti. El nazi, Captain Strasser, no se presentaba como un completo antagonista, ya que cuando se escribió la obra, en 1938, EE. UU. aún no estaba en guerra con Alemania. Rick era un abogado que no había tenido un pasado heroico luchando en España ni en Etiopía.

En cuanto a los parecidos, la pareja búlgara a la que Rick ayuda estaban ya en el libreto de la obra. Y también la emocionante escena en la que Laszlo anima a los parroquianos a cantar la Marsellesa desafiando a los nazis. El final también es igual. No creo que haya nadie que no haya visto ‘Casablanca’, pero, por si acaso: SPOILERS: Rick anima a Laszlo y Lois para que se vayan juntos. Pero cambia porque Rinaldo arresta a Rick. Y la mayor diferencia es que tenía lugar en una discoteca en lugar de en un aeropuerto. FIN DEL SPOILER

Uno de los analistas de guiones de la Warner Brothers´ encontró que la obra tenía potencial, pero que había que cambiar muchas cosas. No tenía suficientes escenas visuales y su personaje principal, Rick, resultaba pobre. Además, encontraban el final demasiado desolador para Hollywood. Aeneas McKenzie hizo una primera reescritura y le dio forma de guión de cine.

Posteriormente Jack Warner encargó otra revisión a los hermanos Julius y Philip Epstein. A los gemelos les pareció que la obra no era buena, pero sí la canción ‘As Time Goes By’ que, aunque en la versión que conocemos diga ‘El tiempo pasará’, significa “mientras pasa el tiempo”, matiz sutil en apariencia, pero que hace que cobre más sentido toda la letra. Esta letra (que podéis leer en los subtítulos del clip que abre el artículo) fue lo que más inspiró a los Epstein y decidieron que convertirían esa obra en una película que narrase, con sutileza y a través del subtexto, lo que dice la canción. Lo curioso es que la canción sólo se había incluido en la obra porque los autores querían dar publicidad al autor, Herman Hupfeld, que era amigo suyo.

A Max Steiner, el músico de ‘Casablanca’, no le gustó nada ‘As Time Goes By’. Su intención era volver a rodar la escena en la que Sam la toca para introducir una composición suya, pero Bergman ya se había cortado el pelo para rodar ‘Por quien doblan las campanas’ así que era imposible. Además, el contenido de ‘As Time Goes By’ estaba tan relacionado con la película que al final se le convenció de que escribiese la banda sonora basándose en la canción. Como habréis podido apreciar, también se basa en los himnos nacionales de los países en liza.

Los gemelos Epstein transformaron el guión con ayuda de Howard Koch, que se ocupó principalmente del personaje de Rick, por petición personal de Humphrey Bogart (en la fotografía superior), pues al actor le parecía que su protagonista era un llorica sin suficiente motivación a quien le daba igual que su amada se marchase con otro. Koch se inventó el pasado político de Rick e intensificó el conflicto con Strasser, a quien le dio un cargo superior que el que tenía en la obra.

Otros guionistas independientes ayudaron con más cuestiones del guión: el personaje de la dura protagonista femenina, Lois Marshall, se convirtió en la dulce e idealista, pero valiente, Ilsa Lund. Y se le dio la oportunidad a una actriz europea. Ingrid Bergman fue su primera elección, aunque también habían pensado en la bailarina Tamara Toumanova.

Se quería encontrar un final que no fuese tan trágico como el de la obra: además de no quedarse con su amada, Rick es detenido, lo que, encima de todo, convertiría a Renault (en la fotografía izquierda) en un personaje demasiado malo y no era ésa la intención de los autores. Por otro lado, si ella dejaba a su marido, la comisión de censura Hayes no lo aprobaría. Se dice –y aquí es donde resulta difícil separar mito de realidad— que a los guionistas les estaba costando tanto encontrar un buen final, que no lo tuvieron claro mientras se empezó a rodar. Pero se dice también con mayor autoridad que esto no fue así, sino que se sabía desde el principio cómo acabaría. Una idea que se dice que se barajó –y no sé si será verdad— era que el nazi mataba a Laszlo, pero se descartó porque sería muy desolador. Tampoco creo que sea real que fueron los actores quienes sugirieron que Rick no matase a Strasser a sangre fría, sino en defensa propia. Me imagino que esto estaba en el guión.

Jack Warner quería rodar un final alternativo por si el que tenían resultaba muy triste, pero David O. Selznick, quien había permitido que Ingrid Bergman, que estaba contratada por él, rodase para Warner, le recomendó que no lo hiciese porque le encantaba el final que tenían. Además de que volvía a tener el problema del pelo de Bergman.

El caso es que ya llegó el momento del rodaje y Michael Curtiz se encontró con lo que supone un regalo para cualquier director: una película que podía rodar en el orden cronológico del guión. Lo normal es que las escenas de las películas se agrupen por intérpretes, por localización, por momento del día o por otras cuestiones y que se rueden en desorden. Esto lo pone difícil para que los actores construyan a sus personajes, pero facilita y abarata los rodajes, además de hacer que resulten más rápidos.

Ya que Curtiz tenía esta oportunidad única, quiso sacarle un mayor partido y decidió no contarles a los actores el guión de la película hasta el momento en el que tocaba rodar cada escena. Sólo Bogart estaba al corriente de todo porque colaboró en la escritura de los diálogos de Rick. Por ejemplo, la frase “Of all the gin joints in all the towns in all the world, she walks into mine”, que significa “de todos los garitos donde se bebe ginebra de todas las ciudades de todo el mundo, tiene que entrar en el mío”; en realidad como estaba escrita era con la palabra “cafés” y fue Bogart quien sugirió decir “gin joints” (“garitos ginebreros”). Y esto da otra idea completamente diferente del personaje de Rick.

Pero Bergman no sabía con qué hombre se quedaría finalmente su personaje, lo que hacía que su trabajo diese un mejor resultado porque para un intérprete es muy difícil no expresar con su actuación (miradas, suspiros, lenguaje corporal…) lo que está oculto para los espectadores, pero que él o ella ya sabe. Esto tuvo el efecto sutil de que su interpretación fuese más convincente emocionalmente. Por eso, la actriz comentó que no sabía de qué hombre tenía que enamorarse y esto se malinterpretó y se corrió el rumor de que estaban rodando una película que no sabían cómo iba a acabar. Esta creencia de que ‘Casablanca’ no tenían un final claro mientras se filmaba es una falacia basada en este rumor.

El productor Hal Wallis había pensado en un principio en William Wyler para dirigir ‘Casablanca’, pero éste no estaba disponible y se la ofreció a Michael Curtiz, un emigrante húngaro judío. En cuanto a los actores, también hay algunas curiosidades, como que Conrad Veidt (en la fotografía izquierda, sentado), quien interpreta al Major Strasser, es decir, a un nazi, en realidad también era un judío y había huido de Alemania como enemigo del Reich, pues además era homosexual. Y os digo una cosa: si te fijas en su personaje sabiendo esto, lo ves de forma muy diferente que si no lo sabes. Por mucho que en el guión lo convirtiesen en un auténtico antagonista, está interpretado con mayor dulzura y flexibilidad que la mayoría de los nazis que hemos visto en el cine. Claude Rains (en la fotografía izquierda, apoyado), actor inglés, hace de Louis Renault sin poner acento francés –otros personajes sí tienen fuertes acentos— y, sin embargo, nos parece que es francés por sus gestos de la cara, especialmente por el arqueo de las cejas.

Para el papel de Sam se había pensado en una importante cantante, como, por ejemplo, Ella Fitzgerald o Hazel Scott. Pero los Epstein querían hacer algo muy rompedor para la época que era poner por primera vez en una película la amistad entre un negro y un blanco. Y el añadir la connotación de que fuese una mujer les pareció demasiado. Finalmente se eligió a Dooley Wilson (en la fotografía inferior), un baterista que no sabía tocar el piano, que en la época era celebérrimo.

Quizá habría que dejar para otro artículo, en forma de crítica, el análisis del guión en profundidad, pero adelantaré que su mayores méritos están en el subtexto que tienen todos sus diálogos y en el dinamismo con el que éstos funcionan –es una película muy divertida, aunque no sea ésa la imagen que tenemos de ella—; y en el personaje de Rick, un anti-héroe que, no sólo nunca demuestra sus sentimientos, sino que se muestra todo lo borde que puede, pero en quien adivinamos una enorme generosidad gracias a sus acciones. En realidad, con todos los personajes se llegó al gran acierto de no convertirlos en maniqueos, como acabo de mencionar refiriéndome a Strasser. Centrarse en detalles de análisis de la realización o el guión de ‘Casablanca’ sería, como digo, extenso y encajaría mejor en otro artículo. Pero cabe mencionar que la escena de partida, rodada como un NO-DO, se hizo así ni más ni menos que para disimular una enorme mentira que es en la que se sostiene todo el film: los refugiados no esperaban en Casablanca, no hacían ese recorrido desde Marsella…

La influencia que ha tenido ‘Casablanca’ en el cine posterior es inmensa. Algunas películas, como ‘Havana’, han tratado de emularla en vano. La impresionante ‘Tener y no tener’ remeda el tipo de relación de Bogart con la protagonista femenina, en este caso, Lauren Bacall… Y se han hecho parodias como la de los hermanos Marx ‘Una noche en Casablanca’. Muchas más son las influencias, pero no quiero detenerme en este aspecto. Quizá es más curioso señalar la influencia que han tenido algunas de las frases de la película. Por ejemplo, el “play it, Sam”, se convirtió en ‘Play it Again, Sam’ para el título de la película de Woody Allen que aquí nos llegó como ‘Sueños de seductor’ y que se hizo tan célebre que ha llevado a muchas personas a la confusión de pensar que en ‘Casablanca’ se dice “tócala otra vez, Sam”, palabras que nunca se pronuncian. ‘Sospechosos habituales’, que no sólo es el título del excelente thriller de Bryan Singer, sino también una frase de uso común en inglés, “the usual suspects”, también viene del diálogo final de ‘Casablanca’.

Más información en Blogdecine sobre ‘Casablanca’, Humphrey Bogart.

Fuentes (entre otras) | Robert McKee´s, ‘Story’, Peers, Wikipedia.

‘El Último Refugio’ (‘High Sierra’, 1941) se centra en Roy Earle, que gracias a su buena conducta, sale de la prisión antes de finalizar su condena, bajo fianza prestada por Big Mac, jefe de la banda a la que perteneció Earle. A la salida de la cárcel le espera otro miembro de la banda para informarle que Big Mac le espera en California para un nuevo golpe. Earle no puede resistirse, pese a su intención de cambiar de vida. Cruza el continente en coche, y por el camino entabla amistad con una humilde familia de granjeros, cuya nieta, Vilma, con un problema de nacimiento en un pie, conquista su corazón. Earle decidirá que el trabajo merece la pena si puede ayudar a la joven.

Hay actores y actrices, leyendas, mitos, que con poco que hagan ya consiguen que te sumerjas en el mágico y maravilloso mundo del cine. Humphrey Bogart es, sin duda, uno de ellos. Sólo con protagonizar la que para muchos es la mejor película de la Historia, ‘Casablanca’, con el final antológico en el aeropuerto, ya le bastaría, pero es que su trabajo en títulos magistrales como ‘Tener y no Tener’, ‘El Halcón Maltés’, ‘La Senda Tenebrosa’, ‘Más Dura Será la Caída’ o la que nos ocupa, no es menos brillante ni memorable.

En ‘El Último Refugio’, Bogart continúa con el rol de villano que le había estado acompañando hasta ese momento de su carrera (la mencionada obra maestra de Huston cambió esta dinámica, ya iniciada con esta obra de Walsh, donde es el absoluto protagonista), pero va mucho más allá. Roy “Mad Dog” Earle no era precisamente un personaje de “malo” corriente (que ya bordó en ‘El Bosque Petrificado’) y exigió de la estrella dar el máximo de su talento en la pantalla. Earle es un personaje lleno de matices y aunque es un criminal experimentado y sin solución, en todo momento sentimos que no es para tanto, que es un buen hombre que ha tenido mala suerte y que puede vivir en paz lo que le queda de vida. Evidentemente, el ejemplar guión de John Huston y W.R. Burnett, basado en una novela de éste último, es fundamental, pero la labor de Bogart es impagable. Si ahora uno de estos actores tan populares que tenemos en mente porque casi a diario son noticia, se marcase una interpretación como la de Bogart en ‘El Último Refugio’ se llevaría el Oscar sin discusión. Para el vídeo típico que ponen en las nominaciones, antes de dar el premio, yo pondría el momento en el que lee el periódico y descubre que le han llamado “Perro Loco”. Su furiosa reacción, contenida hasta entonces, es para romper a aplaudir. Menos mal que George Raft se equivocó.

En el reparto también destaca Ida Lupino, actriz y directora, excelente en ambas facetas, en el papel de la mujer que se enamora del tipo duro que interpreta Bogart. No lo tendrá fácil, porque Earle la compara con su anterior vida, la que le llevó a la prisión donde no concibe volver, pero su atención, su incondicional admiración y su coraje la acercarán cada vez más a él. Lupino está sencillamente perfecta y sin ser una de esas bellezas radiantes que nublaban la vista, consigue encarnar a una mujer de atractiva personalidad que atrapa la atención al instante. Sus momentos con Bogart, llenos de tensión y romanticismo, contienen algunos de los mejores diálogos de la película. En cuanto al resto de intérpretes, no quiero que se me escape, y de nuevo aunque suene a burla, al encantador perrico que sigue a Bogart a todas partes. Trabajo extraordinario el que hicieron para que el animal resultase creíble en todo momento, más aún cuando su presencia es fundamental y no un mero adorno del fondo.

Raoul Walsh aprovecha al máximo el potencial del libreto de Huston y Burnett, así como la entrega de Bogart, y gracias a su experto sentido del espectáculo y su conocimiento del género de gangsters, nos narra con elegancia una oscura historia que va progresando en intensidad constantemente, hasta llegar a un clímax impresionante, en la alta sierra del título original. En definitiva, ‘El Último Refugio’ es un ejemplar thriller dramático que contribuye a engrandecer la figura de una leyenda irrepetible. Bogart está inmenso, arrastrándonos a uno de los finales más tristes y memorables de la Historia del cine. Una compra obligada.