De un tiempo a esta parte, veo más cine clásico que nunca. Cuando tuve la suerte de conocer al señor Alberto Abuín, y tuvimos nuestras primeras charlas cinéfilas, me animó a olvidarme de tanto cine moderno, aun cuando yo siempre buceaba más allá de las fronteras norteamericanas; desde entonces, presté mucha más atención a los clásicos, y poco a poco me ha ido conquistando hasta que, ahora, es rara la semana en la que no vea unas cuatro películas filmadas antes de los años setenta (¿podemos considerar esa década como barrera?). Y si no veo más es porque tengo que (y quiero) estar pendiente de lo que se estrena cada viernes.

Pero es ya casi un hecho (faltaría algún tipo de medida científica que lo demostrara, pero parece algo indiscutible) que si un cinéfilo sólo consume estrenos, acaba desfalleciendo poco a poco y, eventualmente, muriendo, o lo que es lo mismo, mutando en otro tipo de consumidor, con encefalograma plano. Así que acudir al DVD (y a lo otro que dicen que es ilegal, y conste que sigo hablando de cine) es la única vía para que el cinéfilo siga sano y vivo. En una de mis últimas visitas a cierto centro comercial que este mes dispone de unas irresistibles rebajas, adquirí un puñado de películas entre las que se encontraba la apetitosa ‘El sorprendente Dr. Clitterhouse’.

La película, dirigida por el ucraniano Anatole Litvak (entre cuyos trabajos se encuentran ‘Ciudad de conquista’, ‘Voces de muerte’ o ‘La noche de los generales’), cuenta con un cartel en el que destacan los rostros de Edward G. Robinson, Humphrey Bogart y Claire Trevor, envueltos en una trama de misterio, suspense y crimen (en teoría), por lo que es una compra de lo más interesante, teniendo también en cuenta que la Warner ha cuidado bastante las ediciones de sus clásicos, acompañándolos de una serie de contenidos extra que se agradecen mucho (lo normal en estos casos es el menú y unas escuetas fichas informativas).

‘El sorprendente Dr. Clitterhouse’ (‘The Amazing Dr. Clitterhouse’, 1938) fue primero una exitosa obra de teatro escrita por Barré Lyndon, cuyo libreto fue convertido en guión de cine por John Huston y John Wexley. La película nos presenta a un hombre fascinado por el crimen y por las consecuencias físicas y psicológicas que éste provoca en quienes lo cometen. El Dr. Clitterhouse (Robinson), un adinerado y prestigioso doctor de la ciudad de Nueva York va a ir más allá de lo que aconseja el sentido común y está dispuesto a correr todos los riesgos cuando decide experimentar por sí mismo la delincuencia, con la intención de mejorar su investigación y que sus resultados sean indiscutibles.

Así que el doctor se convierte en poco tiempo en un hábil e impecable ladrón de joyas, aprovechando sus excelente relación con la alta sociedad, lo que le libera de toda sospecha. La policía está perdida y los robos siguen produciéndose. Sin embargo, Clitterhouse tiene un problema: ¿cómo se deshace de las joyas robadas? A través de sus contactos policiales, consigue ponerse en contacto con Jo Keller (Trevor) y formar parte de su banda.

En ese banda también está el duro “Rocks” Valentine (Bogart), a quien no le cae bien el doctor, especialmente desde que descubre que la jefa se está fijando mucho en él. Valentine desconfía de las intenciones de Clitterhouse, a pesar de que sus planes son infalibles y se están forrando con los robos. Tras uno de esos trabajos, donde el criminal intenta deshacerse del doctor, éste decide que su investigación está completa; deja la banda y vuelve a su consulta, con la esperanza de terminar su inminente obra. Pero ha dejado un rastro que Valentine va a seguir…

Lo que más llama la atención de ‘El sorprendente Dr. Clitterhouse’ es su inusual mezcla de géneros y de tonos, resultando que a lo largo de sus ajustados noventa minutos hay sitio para el cine negro, la comedia, el suspense e incluso el drama judicial. El cóctel es peligroso, pero Litvak consigue mantener el equilibrio, apoyado en un estupendo reparto en el que sobresale el extraordinario Edward G. Robinson, que una vez más se mete en su personaje de forma asombrosa. Curiosamente, parece ser que a Humphrey Bogart nunca le gustó esta película, y se refería a ella como ‘El sorprendente Dr. Clitoris’; lo cierto es que su trabajo es impecable, se le daban muy bien estos papeles antes de que Huston lo pusiera al frente de ‘El Halcón Maltés’, dando un giro a su carrera.

La película sale ganando en las secuencias donde Robinson se interna en el mundo criminal, culminando en la violenta y oscura secuencia del chantaje, y pierde fuerza con algunos momentos cómicos mal calzados. Por otro lado, se abusa de los diálogos explicativos, especialmente en boca de Clitterhouse, sobre su trabajo de investigación, y tampoco está muy acertada la secuencia del juicio, llegando a importar poco el importante veredicto del jurado. Pese a todo, los aciertos son mucho mayores que los errores, y la película se disfruta de principio a fin, presentando una interesante historia llena de sorpresas, tensión, humor y excelentes interpretaciones.

Jason Statham declaró recientemente en una entrevista que está trabajando en un proyecto que aún no ha sido anunciado oficialmente. Se trata de una película con guión de David y Janet Peoples, que tendrá un estilo similar al de ‘El Tesoro de Sierra Madre’ (‘The Treasure Of The Sierra Madre’), de John Huston.

El proyecto tiene como título provisional ‘The Grabbers’.

En ‘El tesoro de Sierra Madre’ (‘The Treasure Of The Sierra Madre’), Humphrey Bogart y Walter Huston eran dos buscadores de oro a los que les podía la avaricia. “No es un remake ni nada,” aclaró Statham. “Pero se parece un poco. Va sobre relaciones y sobre cómo la avaricia contamina las relaciones que tiene esta gente”.

Statham declaró que interpretaría a “un inglés loco que es bastante carismático”. Probablemente encarnará al equivalente del personaje que tenía Humphrey Bogart en la de Huston.

Aún no es seguro que se haga, “Espero que la hagamos. Estamos intentando reunir la financiación y espero que la tengamos antes de finales de año”, dijo el actor. “Si no, haremos otra cosa”, concluyó.

Los Peoples son autores del guión de ‘Doce monos’ (‘Twelve Monkeys’) y David escribió ‘Blade Runner’ y ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’), los cuales no son malos créditos para que empecemos a pensar en esta película como algo prometedor. Intentaré que el recuerdo sobre la última película sobre avariciosos buscadores de oro –da igual que en ese caso fuese negro, no somos racistas— no ensucie mi idea de que esto puede ser un buen film.

Walter Hill hizo un remake en 1992 titulado ‘El tiempo de los intrusos’ (‘Trespass’), con dos Bills: Paxton y Sadler, y dos Ices: Cube y T. Esto tampoco debería desanimarnos.

Fuente | Empire

Muchos habréis escuchado eso de que ‘Casablanca’ se rodó sin guión o que mientras se rodaba no se conocía cómo iba a acabar. No fue así, como muchos otros sabréis. Esto es sólo un rumor que se extendió accidentalmente. La historia de cómo se gestó el guión del film de Curtiz tiene mucha miga y es una demostración de cómo las reescrituras y revisiones del guión hacen que todo funcione mejor. A continuación podréis conocer muchos de los detalles, entre ellos, por qué corrió el rumor de que no había guión. Además, en este otro artículo podréis saber lo que se perdió en la traducción de ‘Casablanca’.

En un principio, ‘Casablanca’ fue concebida como una obra teatral que escribieron Murray Bennett y Joan Allison, con el título ‘Everyone Comes to Rick´s’ (todo el mundo viene al bar de Rick) basándose en experiencias propias de Bennett.

Las diferencias principales entre la obra y la película son que Renault se llamaba Rinaldo, es decir, era italiano y no francés. Ilsa se llamaba Lois Marshall y era norteamericana y con una moral más distendida que la del personaje de Bergman: estaba dispuesta a acostarse con Rick por los visados y viajaba con Laszlo sólo por conveniencia, no porque admirase su entrega. Ugarte se llamaba Ugatti. El nazi, Captain Strasser, no se presentaba como un completo antagonista, ya que cuando se escribió la obra, en 1938, EE. UU. aún no estaba en guerra con Alemania. Rick era un abogado que no había tenido un pasado heroico luchando en España ni en Etiopía.

En cuanto a los parecidos, la pareja búlgara a la que Rick ayuda estaban ya en el libreto de la obra. Y también la emocionante escena en la que Laszlo anima a los parroquianos a cantar la Marsellesa desafiando a los nazis. El final también es igual. No creo que haya nadie que no haya visto ‘Casablanca’, pero, por si acaso: SPOILERS: Rick anima a Laszlo y Lois para que se vayan juntos. Pero cambia porque Rinaldo arresta a Rick. Y la mayor diferencia es que tenía lugar en una discoteca en lugar de en un aeropuerto. FIN DEL SPOILER

Uno de los analistas de guiones de la Warner Brothers´ encontró que la obra tenía potencial, pero que había que cambiar muchas cosas. No tenía suficientes escenas visuales y su personaje principal, Rick, resultaba pobre. Además, encontraban el final demasiado desolador para Hollywood. Aeneas McKenzie hizo una primera reescritura y le dio forma de guión de cine.

Posteriormente Jack Warner encargó otra revisión a los hermanos Julius y Philip Epstein. A los gemelos les pareció que la obra no era buena, pero sí la canción ‘As Time Goes By’ que, aunque en la versión que conocemos diga ‘El tiempo pasará’, significa “mientras pasa el tiempo”, matiz sutil en apariencia, pero que hace que cobre más sentido toda la letra. Esta letra (que podéis leer en los subtítulos del clip que abre el artículo) fue lo que más inspiró a los Epstein y decidieron que convertirían esa obra en una película que narrase, con sutileza y a través del subtexto, lo que dice la canción. Lo curioso es que la canción sólo se había incluido en la obra porque los autores querían dar publicidad al autor, Herman Hupfeld, que era amigo suyo.

A Max Steiner, el músico de ‘Casablanca’, no le gustó nada ‘As Time Goes By’. Su intención era volver a rodar la escena en la que Sam la toca para introducir una composición suya, pero Bergman ya se había cortado el pelo para rodar ‘Por quien doblan las campanas’ así que era imposible. Además, el contenido de ‘As Time Goes By’ estaba tan relacionado con la película que al final se le convenció de que escribiese la banda sonora basándose en la canción. Como habréis podido apreciar, también se basa en los himnos nacionales de los países en liza.

Los gemelos Epstein transformaron el guión con ayuda de Howard Koch, que se ocupó principalmente del personaje de Rick, por petición personal de Humphrey Bogart (en la fotografía superior), pues al actor le parecía que su protagonista era un llorica sin suficiente motivación a quien le daba igual que su amada se marchase con otro. Koch se inventó el pasado político de Rick e intensificó el conflicto con Strasser, a quien le dio un cargo superior que el que tenía en la obra.

Otros guionistas independientes ayudaron con más cuestiones del guión: el personaje de la dura protagonista femenina, Lois Marshall, se convirtió en la dulce e idealista, pero valiente, Ilsa Lund. Y se le dio la oportunidad a una actriz europea. Ingrid Bergman fue su primera elección, aunque también habían pensado en la bailarina Tamara Toumanova.

Se quería encontrar un final que no fuese tan trágico como el de la obra: además de no quedarse con su amada, Rick es detenido, lo que, encima de todo, convertiría a Renault (en la fotografía izquierda) en un personaje demasiado malo y no era ésa la intención de los autores. Por otro lado, si ella dejaba a su marido, la comisión de censura Hayes no lo aprobaría. Se dice –y aquí es donde resulta difícil separar mito de realidad— que a los guionistas les estaba costando tanto encontrar un buen final, que no lo tuvieron claro mientras se empezó a rodar. Pero se dice también con mayor autoridad que esto no fue así, sino que se sabía desde el principio cómo acabaría. Una idea que se dice que se barajó –y no sé si será verdad— era que el nazi mataba a Laszlo, pero se descartó porque sería muy desolador. Tampoco creo que sea real que fueron los actores quienes sugirieron que Rick no matase a Strasser a sangre fría, sino en defensa propia. Me imagino que esto estaba en el guión.

Jack Warner quería rodar un final alternativo por si el que tenían resultaba muy triste, pero David O. Selznick, quien había permitido que Ingrid Bergman, que estaba contratada por él, rodase para Warner, le recomendó que no lo hiciese porque le encantaba el final que tenían. Además de que volvía a tener el problema del pelo de Bergman.

El caso es que ya llegó el momento del rodaje y Michael Curtiz se encontró con lo que supone un regalo para cualquier director: una película que podía rodar en el orden cronológico del guión. Lo normal es que las escenas de las películas se agrupen por intérpretes, por localización, por momento del día o por otras cuestiones y que se rueden en desorden. Esto lo pone difícil para que los actores construyan a sus personajes, pero facilita y abarata los rodajes, además de hacer que resulten más rápidos.

Ya que Curtiz tenía esta oportunidad única, quiso sacarle un mayor partido y decidió no contarles a los actores el guión de la película hasta el momento en el que tocaba rodar cada escena. Sólo Bogart estaba al corriente de todo porque colaboró en la escritura de los diálogos de Rick. Por ejemplo, la frase “Of all the gin joints in all the towns in all the world, she walks into mine”, que significa “de todos los garitos donde se bebe ginebra de todas las ciudades de todo el mundo, tiene que entrar en el mío”; en realidad como estaba escrita era con la palabra “cafés” y fue Bogart quien sugirió decir “gin joints” (“garitos ginebreros”). Y esto da otra idea completamente diferente del personaje de Rick.

Pero Bergman no sabía con qué hombre se quedaría finalmente su personaje, lo que hacía que su trabajo diese un mejor resultado porque para un intérprete es muy difícil no expresar con su actuación (miradas, suspiros, lenguaje corporal…) lo que está oculto para los espectadores, pero que él o ella ya sabe. Esto tuvo el efecto sutil de que su interpretación fuese más convincente emocionalmente. Por eso, la actriz comentó que no sabía de qué hombre tenía que enamorarse y esto se malinterpretó y se corrió el rumor de que estaban rodando una película que no sabían cómo iba a acabar. Esta creencia de que ‘Casablanca’ no tenían un final claro mientras se filmaba es una falacia basada en este rumor.

El productor Hal Wallis había pensado en un principio en William Wyler para dirigir ‘Casablanca’, pero éste no estaba disponible y se la ofreció a Michael Curtiz, un emigrante húngaro judío. En cuanto a los actores, también hay algunas curiosidades, como que Conrad Veidt (en la fotografía izquierda, sentado), quien interpreta al Major Strasser, es decir, a un nazi, en realidad también era un judío y había huido de Alemania como enemigo del Reich, pues además era homosexual. Y os digo una cosa: si te fijas en su personaje sabiendo esto, lo ves de forma muy diferente que si no lo sabes. Por mucho que en el guión lo convirtiesen en un auténtico antagonista, está interpretado con mayor dulzura y flexibilidad que la mayoría de los nazis que hemos visto en el cine. Claude Rains (en la fotografía izquierda, apoyado), actor inglés, hace de Louis Renault sin poner acento francés –otros personajes sí tienen fuertes acentos— y, sin embargo, nos parece que es francés por sus gestos de la cara, especialmente por el arqueo de las cejas.

Para el papel de Sam se había pensado en una importante cantante, como, por ejemplo, Ella Fitzgerald o Hazel Scott. Pero los Epstein querían hacer algo muy rompedor para la época que era poner por primera vez en una película la amistad entre un negro y un blanco. Y el añadir la connotación de que fuese una mujer les pareció demasiado. Finalmente se eligió a Dooley Wilson (en la fotografía inferior), un baterista que no sabía tocar el piano, que en la época era celebérrimo.

Quizá habría que dejar para otro artículo, en forma de crítica, el análisis del guión en profundidad, pero adelantaré que su mayores méritos están en el subtexto que tienen todos sus diálogos y en el dinamismo con el que éstos funcionan –es una película muy divertida, aunque no sea ésa la imagen que tenemos de ella—; y en el personaje de Rick, un anti-héroe que, no sólo nunca demuestra sus sentimientos, sino que se muestra todo lo borde que puede, pero en quien adivinamos una enorme generosidad gracias a sus acciones. En realidad, con todos los personajes se llegó al gran acierto de no convertirlos en maniqueos, como acabo de mencionar refiriéndome a Strasser. Centrarse en detalles de análisis de la realización o el guión de ‘Casablanca’ sería, como digo, extenso y encajaría mejor en otro artículo. Pero cabe mencionar que la escena de partida, rodada como un NO-DO, se hizo así ni más ni menos que para disimular una enorme mentira que es en la que se sostiene todo el film: los refugiados no esperaban en Casablanca, no hacían ese recorrido desde Marsella…

La influencia que ha tenido ‘Casablanca’ en el cine posterior es inmensa. Algunas películas, como ‘Havana’, han tratado de emularla en vano. La impresionante ‘Tener y no tener’ remeda el tipo de relación de Bogart con la protagonista femenina, en este caso, Lauren Bacall… Y se han hecho parodias como la de los hermanos Marx ‘Una noche en Casablanca’. Muchas más son las influencias, pero no quiero detenerme en este aspecto. Quizá es más curioso señalar la influencia que han tenido algunas de las frases de la película. Por ejemplo, el “play it, Sam”, se convirtió en ‘Play it Again, Sam’ para el título de la película de Woody Allen que aquí nos llegó como ‘Sueños de seductor’ y que se hizo tan célebre que ha llevado a muchas personas a la confusión de pensar que en ‘Casablanca’ se dice “tócala otra vez, Sam”, palabras que nunca se pronuncian. ‘Sospechosos habituales’, que no sólo es el título del excelente thriller de Bryan Singer, sino también una frase de uso común en inglés, “the usual suspects”, también viene del diálogo final de ‘Casablanca’.

Más información en Blogdecine sobre ‘Casablanca’, Humphrey Bogart.

Fuentes (entre otras) | Robert McKee´s, ‘Story’, Peers, Wikipedia.

Inmerso en la gozosa tarea de contentar a los amigos que piden más cine clásico en este blog, recientemente me puse a ver, en compañía inmejorable, ‘El Último Refugio’, una de tantas películas que voy comprando y apilando con la esperanza de que no se queden con el plástico puesto antes del último suspiro. El film está dirigido por Raoul Walsh y protagonizado por uno de los iconos más famosos de la Historia del Cine, el ilustre señor Humphrey Bogart. Es posible que el título de mi crítica suene un poco a coña, pero realmente el perrito que aparece en ‘El Último Refugio’ es fundamental en el desarrollo de la historia. El cariñoso destino que nos persigue. Sé que puedo sonar pesado al decir esto, pero creo que también es obligado: no podéis dejar pasar esta magnífica película. Uno no sólo disfruta el visionado, también se enriquece.

‘El Último Refugio’ (‘High Sierra’, 1941) se centra en Roy Earle, que gracias a su buena conducta, sale de la prisión antes de finalizar su condena, bajo fianza prestada por Big Mac, jefe de la banda a la que perteneció Earle. A la salida de la cárcel le espera otro miembro de la banda para informarle que Big Mac le espera en California para un nuevo golpe. Earle no puede resistirse, pese a su intención de cambiar de vida. Cruza el continente en coche, y por el camino entabla amistad con una humilde familia de granjeros, cuya nieta, Vilma, con un problema de nacimiento en un pie, conquista su corazón. Earle decidirá que el trabajo merece la pena si puede ayudar a la joven.

Hay actores y actrices, leyendas, mitos, que con poco que hagan ya consiguen que te sumerjas en el mágico y maravilloso mundo del cine. Humphrey Bogart es, sin duda, uno de ellos. Sólo con protagonizar la que para muchos es la mejor película de la Historia, ‘Casablanca’, con el final antológico en el aeropuerto, ya le bastaría, pero es que su trabajo en títulos magistrales como ‘Tener y no Tener’, ‘El Halcón Maltés’, ‘La Senda Tenebrosa’, ‘Más Dura Será la Caída’ o la que nos ocupa, no es menos brillante ni memorable.

En ‘El Último Refugio’, Bogart continúa con el rol de villano que le había estado acompañando hasta ese momento de su carrera (la mencionada obra maestra de Huston cambió esta dinámica, ya iniciada con esta obra de Walsh, donde es el absoluto protagonista), pero va mucho más allá. Roy “Mad Dog” Earle no era precisamente un personaje de “malo” corriente (que ya bordó en ‘El Bosque Petrificado’) y exigió de la estrella dar el máximo de su talento en la pantalla. Earle es un personaje lleno de matices y aunque es un criminal experimentado y sin solución, en todo momento sentimos que no es para tanto, que es un buen hombre que ha tenido mala suerte y que puede vivir en paz lo que le queda de vida. Evidentemente, el ejemplar guión de John Huston y W.R. Burnett, basado en una novela de éste último, es fundamental, pero la labor de Bogart es impagable. Si ahora uno de estos actores tan populares que tenemos en mente porque casi a diario son noticia, se marcase una interpretación como la de Bogart en ‘El Último Refugio’ se llevaría el Oscar sin discusión. Para el vídeo típico que ponen en las nominaciones, antes de dar el premio, yo pondría el momento en el que lee el periódico y descubre que le han llamado “Perro Loco”. Su furiosa reacción, contenida hasta entonces, es para romper a aplaudir. Menos mal que George Raft se equivocó.

En el reparto también destaca Ida Lupino, actriz y directora, excelente en ambas facetas, en el papel de la mujer que se enamora del tipo duro que interpreta Bogart. No lo tendrá fácil, porque Earle la compara con su anterior vida, la que le llevó a la prisión donde no concibe volver, pero su atención, su incondicional admiración y su coraje la acercarán cada vez más a él. Lupino está sencillamente perfecta y sin ser una de esas bellezas radiantes que nublaban la vista, consigue encarnar a una mujer de atractiva personalidad que atrapa la atención al instante. Sus momentos con Bogart, llenos de tensión y romanticismo, contienen algunos de los mejores diálogos de la película. En cuanto al resto de intérpretes, no quiero que se me escape, y de nuevo aunque suene a burla, al encantador perrico que sigue a Bogart a todas partes. Trabajo extraordinario el que hicieron para que el animal resultase creíble en todo momento, más aún cuando su presencia es fundamental y no un mero adorno del fondo.

Raoul Walsh aprovecha al máximo el potencial del libreto de Huston y Burnett, así como la entrega de Bogart, y gracias a su experto sentido del espectáculo y su conocimiento del género de gangsters, nos narra con elegancia una oscura historia que va progresando en intensidad constantemente, hasta llegar a un clímax impresionante, en la alta sierra del título original. En definitiva, ‘El Último Refugio’ es un ejemplar thriller dramático que contribuye a engrandecer la figura de una leyenda irrepetible. Bogart está inmenso, arrastrándonos a uno de los finales más tristes y memorables de la Historia del cine. Una compra obligada.