Justo entre las impresionantes ‘Un Hombre Atrapado’ y ‘Los Verdugos También Mueren’, Fritz Lang dedicó buena parte de su tiempo a preparar ‘Moontide’, la cual empezó a rodar, y de repente a los cuatro días de rodaje abandonó el proyecto. Fue sustituido por un especialista en sustituir a directores que abandonaban, o les hacían abandonar, los rodajes. Archie Mayo era su nombre, un artesano que hizo infinidad de películas en los años 30 y 40. Mayo llegó a tomar el relevo de directores tan grandes como John Ford, Robert Florey o Michael Curtiz, aunque por supuesto no fue conocido sólo por eso. Sin ser uno de los grandes, era un director bastante solvente. Suyas son, por ejemplo, ‘El Bosque Petrificado’ o ‘Una Noche en Casablanca’ (probablemente la mejor película protagonizada por los Hermanos Marx en su etapa de decadencia).

‘Moontide’ narra la historia de Bobo, un vividor borrachín y mujeriego que un día amanece en un pequeño puesto de venta de cebos. Convencido por el dueño se queda allí a trabajar, y sospechando que su última noche de borrachera ha sucedido algo trágico y no lo recuerda con claridad. Un hombre ha sido estrangulado, y Bobo podría haber cometido el crimen. Conocerá a una joven mujer a la que salva de querer suicidarse, enamorándose de ella, y suponiendo para Bobo un cambio en su vida, sentar la cabeza y ser alguien decente.

Lang levantó el proyecto, pero sólo rodó durante cuatro días, por lo que la mayor parte de lo filmado pertenece a Mayo. De todos modos, es muy difícil certificar con total seguridad cuáles fueron las secuencias que rodó Lang y cuáles Mayo. Todo queda a la imaginación del espectador, o mejor dicho a sus deseos, el que tal o cual secuencia le hubiera gustado que fuera dirigida por uno u otro director. Personalmente pienso que ciertas secuencias nocturnas, en las que se ve un tratamiento en la fotografía excelente, y sus dramáticas situaciones parecen sacadas de cualquier otro film de Lang: un personaje enfrentándose a su inevitable destino.

‘Moontide’ intentó ser un vehículo para que el conocido actor francés Jean Gabin tuviese su espacio en el cine estadounidense, pero la película fue un fracaso. Tuvo un intento más al año siguiente con ‘El Falsario’, film made in Usa dirigido por Julien Divivier, pero el resultado fue el mismo, por lo que Gabin terminó por volver a su patria querida en la que aún hoy es uno de los actores más admirados de todos los tiempos, admiración que, subrayo, se extendió a todas partes del mundo. Probablemente Gabin era un actor demasiado francés, demasiado europeo, como para cuajar en el todopoderoso starsystem de Hollywood, pero Charles Boyer también lo era, por poner un ejemplo de la misma época, y cuajó perfectamente. Gabin compone un personaje muy a su medida, un perdedor por naturaleza cuyos máximos sueños son estar agarrado a una botella y olvidarse de lo puñetero que puede ser el mundo. Como contrapunto, una preciosa Ida Lupino, como tabla de náufrago, la única cosa por la que nuestro protagonista es capaz de cambiar radicalmente su triste vida. Ambos actores se compenetran a la perfección. El personaje de Gabin está lleno de multitud de matices, y la Lupino puede que irrumpa en la acción un poco forzosamente, y luego tal vez no tenga motivos demasiado claros para permanecer en el relato más allá de enamorar al personaje central, pero más tarde está muy bien aprovechada.

En aquellos años, concretamente 1942, era normal ver en una película a dos o tres secundarios de los considerados inmortales. En ‘Moontide’ tenemos a un Thomas Mitchell dando vida a un personaje realmente despreciable cuya forma de ser queda muy clara desde el inicio del film, y el genial Claude Rains (el eterno secundario por excelencia, tanto que la única vez que hizo un papel protagonista, era invisible) al otro lado con un personaje bondadoso, en cierto modo un ángel de la guarda del personaje de Gabin.

‘Moontide’ queda como una magnífica película de lo mejor rodado por Mayo, a pesar de haber sustituido a un grande como Lang, que sólo trabajó los cuatro día mencionados y dejó un material que prácticamente nadie podía estropear. Aún así Mayo tuvo que filmarlo, logrando un film cuasi perfecto, bastante desconocido que por supuesto no está disponible en dvd, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer en caso de que os interese. Supone todo un bálsamo para los cansados de la actual oferta cinematográfica.

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‘El Parador del Camino’ (‘Road House’, 1948) fue realizada por Jean Negulesco justo después de su famosa ‘Belinda’, y tenía en su haber 8 películas habiendo empezando cuatro años antes a dirigir, eso si no contamos su labor no acreditada en la estupenda ‘Ciudad de Conquista’ de Anatole Litvak en 1940. La presente película fue una más que ayudó a cimentar su prestigio crítico en el que es considerado como un de los directores más elegantes del cine norteamericano, especializado sobre todo en melodramas, muchos de ellos con tintes de thriller.

‘El Parador del Camino’ narra la historia de Lily Stevens, una cantante contratada por Jefty Robbins, el dueño de un parador para comprobar si le va mejor en su negocio. Contra todo pronóstico, ya que Lily no posee una voz especialmente dotada para la canción, la chica se convierte en todo un éxito del lugar logrando que cada vez acuda más gente a verla, hipnotizados por la capacidad de transmitir de ella sin tener buena voz. Robbins se enamora de ella, pero ella se fija en Pete Morgan, su mejor amigo, y los problemas empiezan.

Lo que sorprende especialmente de la película, es la facilidad con la que su argumento, que parte de una premisa totalmente típica (un triángulo amoroso), se va enredando cada vez más, centrándose sobre todo en la obsesión del personaje interpretado por Richard Widmark en la que era su tercera película como actor. Además, es curioso como su personaje empieza siendo de lo más simpático y amable, para terminar convirtiéndose en alguien odioso, una imagen más acorde con el magnífico actor, que solía bordar los papeles de villano (su debut en el cine es inolvidable). Es en esta parte donde la película presenta sus mejores cartas, ya que consigue hacer creíble e interesante algo tan estúpido como los celos, gracias a la portentosa labor de Widmark y el giro que su personaje da.

El trío protagonista está completado por Cornel Wilde, actor bastante menor a Widmark quien se lo come en todas las escenas que comparten, además su rol carece de la profundidad de aquél, algo que no le pasa al personaje central femenino, al que da vida una excelente Ida Lupino, ofreciendo una mezcla de mujer fatal y todo lo contrario, de lo más convincente. Lupino además interpreta una serie de canciones de una forma un tanto atípica debido a lo poco cualificado de su voz para el canto, pero que dota al personaje de una extraña fascinación, la cual evidentemente levanta las pasiones de sus personajes masculinos (lo dice y repite uno de ellos: “ella es diferente”). Claro que con Ida Lupino sería raro el no sentirse alterado por su presencia, y es que esta mujer, sin ser ninguna preciosidad, poseía una imagen turbadora que supo aprovechar muy bien.

Jean Negulesco va directo al grano con pulso firme, enrareciendo cada vez más la atmósfera del film, tanto argumentalmente (a pesar de ciertas obviedades), como en la puesta en escena, en la que los lugares filmados parecen ir acorde con la trama. Obsérvese los inicios en el parador, un lugar tranquilo y sin problemas, la sala de juicios, otra vez el parador, y finalmente un pantano que augura un desenlace dramático, y en consonancia con los estados de ánimo de los personajes, sobre todo el de Jefty, camaleónicamente interpretado por Widmark y su risa mítica.

Una buena película que mejora según va avanzando, algo que es de agradecer porque al principio de la impresión de que veremos la típica historia de amor a tres bandas, pero cuando los celos hacen acto de presencia podemos llegar a ver la enorme capacidad destructiva de los mismos, en el posterior estudio que Negulesco hace del lado oscuro del ser humano, mucho más interesante, cinematográficamente hablando, que el lado bueno. La película no está editada en dvd, así que en caso de que os interese, ya sabéis el método a utilizar.

‘El Último Refugio’ (‘High Sierra’, 1941) se centra en Roy Earle, que gracias a su buena conducta, sale de la prisión antes de finalizar su condena, bajo fianza prestada por Big Mac, jefe de la banda a la que perteneció Earle. A la salida de la cárcel le espera otro miembro de la banda para informarle que Big Mac le espera en California para un nuevo golpe. Earle no puede resistirse, pese a su intención de cambiar de vida. Cruza el continente en coche, y por el camino entabla amistad con una humilde familia de granjeros, cuya nieta, Vilma, con un problema de nacimiento en un pie, conquista su corazón. Earle decidirá que el trabajo merece la pena si puede ayudar a la joven.

Hay actores y actrices, leyendas, mitos, que con poco que hagan ya consiguen que te sumerjas en el mágico y maravilloso mundo del cine. Humphrey Bogart es, sin duda, uno de ellos. Sólo con protagonizar la que para muchos es la mejor película de la Historia, ‘Casablanca’, con el final antológico en el aeropuerto, ya le bastaría, pero es que su trabajo en títulos magistrales como ‘Tener y no Tener’, ‘El Halcón Maltés’, ‘La Senda Tenebrosa’, ‘Más Dura Será la Caída’ o la que nos ocupa, no es menos brillante ni memorable.

En ‘El Último Refugio’, Bogart continúa con el rol de villano que le había estado acompañando hasta ese momento de su carrera (la mencionada obra maestra de Huston cambió esta dinámica, ya iniciada con esta obra de Walsh, donde es el absoluto protagonista), pero va mucho más allá. Roy “Mad Dog” Earle no era precisamente un personaje de “malo” corriente (que ya bordó en ‘El Bosque Petrificado’) y exigió de la estrella dar el máximo de su talento en la pantalla. Earle es un personaje lleno de matices y aunque es un criminal experimentado y sin solución, en todo momento sentimos que no es para tanto, que es un buen hombre que ha tenido mala suerte y que puede vivir en paz lo que le queda de vida. Evidentemente, el ejemplar guión de John Huston y W.R. Burnett, basado en una novela de éste último, es fundamental, pero la labor de Bogart es impagable. Si ahora uno de estos actores tan populares que tenemos en mente porque casi a diario son noticia, se marcase una interpretación como la de Bogart en ‘El Último Refugio’ se llevaría el Oscar sin discusión. Para el vídeo típico que ponen en las nominaciones, antes de dar el premio, yo pondría el momento en el que lee el periódico y descubre que le han llamado “Perro Loco”. Su furiosa reacción, contenida hasta entonces, es para romper a aplaudir. Menos mal que George Raft se equivocó.

En el reparto también destaca Ida Lupino, actriz y directora, excelente en ambas facetas, en el papel de la mujer que se enamora del tipo duro que interpreta Bogart. No lo tendrá fácil, porque Earle la compara con su anterior vida, la que le llevó a la prisión donde no concibe volver, pero su atención, su incondicional admiración y su coraje la acercarán cada vez más a él. Lupino está sencillamente perfecta y sin ser una de esas bellezas radiantes que nublaban la vista, consigue encarnar a una mujer de atractiva personalidad que atrapa la atención al instante. Sus momentos con Bogart, llenos de tensión y romanticismo, contienen algunos de los mejores diálogos de la película. En cuanto al resto de intérpretes, no quiero que se me escape, y de nuevo aunque suene a burla, al encantador perrico que sigue a Bogart a todas partes. Trabajo extraordinario el que hicieron para que el animal resultase creíble en todo momento, más aún cuando su presencia es fundamental y no un mero adorno del fondo.

Raoul Walsh aprovecha al máximo el potencial del libreto de Huston y Burnett, así como la entrega de Bogart, y gracias a su experto sentido del espectáculo y su conocimiento del género de gangsters, nos narra con elegancia una oscura historia que va progresando en intensidad constantemente, hasta llegar a un clímax impresionante, en la alta sierra del título original. En definitiva, ‘El Último Refugio’ es un ejemplar thriller dramático que contribuye a engrandecer la figura de una leyenda irrepetible. Bogart está inmenso, arrastrándonos a uno de los finales más tristes y memorables de la Historia del cine. Una compra obligada.

La gran Ida Lupino no sólo tiene su lugar en el cine por haber sido una excelente actriz, vista en películas como ‘El Último Refugio’ o ‘El Lobo de Mar’, por citar sólo dos ejemplos, también tiene su lugar, aunque quizá más pequeñito, como directora de algunas películas realmente interesantes. En su momento os hablé de ‘El Autoestopista’, curioso film de suspense que influyó poderosamente en películas como ‘Carretera al Infierno’ (la buena, evidentemente). El mismo año, 1953, realizó ‘El Bígamo’, protagonizada por el mismo actor de aquélla, Edmund Gwenn, también con poco presupuesto, y de una modernidad impresionante para la época. Su título os puede dar una pista de por dónde van los tiros.

Un hombre acude con su esposa a solicitar ser los posibles padres de un niño adoptado. Como éste es un tema que se mira con lupa se realizan todas las investigaciones posibles sobre la pareja para poder decidir si son o no unos padres más que perfectos. El jefe de la agencia de adopción sospecha que el marido actúa de forma extraña, y pronto descubrirá en otra ciudad que está casado con otra mujer y es padre de un niño. Asombrado escuchará la historia del hombre de cómo llegó a esta situación.

Con un impecable ritmo Ida Lupino ahonda en la moral americana a través de la atrevida historia de un hombre casado con dos mujeres a la vez, manteniendo dos vidas distintas al mismo tiempo. Es curioso que el planteamiento, casi de telenovela hoy en día, esté tratado con pasmosa modernidad en plenos años 50, y más en los Estados Unidos. Parece mentira que esta película tenga ya más de 50 años, y sin duda está adelantada a su tiempo, algo que la puede convertir en una especie de rareza, como les sucedió a otros títulos a los largo y ancho de la historia del cine. No obstante, a pesar de lo arriesgado del asunto, Lupino aprueba con nota alta la operación, consiguiéndola hacer muy creíble gracias a sus personajes, perfectamente dibujados, y prácticamente todos huyendo del tópico.

Al contrario que ‘El Autoestopista’, aquí Ida Lupino no sólo se reserva las tareas de dirección, sino que también interpreta uno de los personajes centrales en una jugada bastante inteligente al “enfrentarse” directamente con Joan Fontaine, que siempre ha tenido cara de niña buena y poco despierta, por así decirlo. Ésta interpreta a la primera mujer del protagonista, la cual no puede tener hijos (de ahí su punto de partida). La Lupino hace de mujer más despierta, aunque desengañada por experiencias amorosas no muy fructíferas, un ser con más vida. La fragilidad y la delicadeza contra la entereza y la viveza, llegando incluso a leves y sutiles sugerencias sexuales, marcando una clara diferencia en ese aspecto entre las dos mujeres. Dos mujeres que serán las verdaderas protagonistas de la historia, en su sorprendente (por atrevido e inusual) final, cuando las cartas son puestas sobre la mesa.

A su lado, Edmund Gwenn, posiblemente un pelín por debajo de las dos actrices, las cuales aguantan mejor el peso de la función, a pesar de que el personaje masculino es el eje central de toda la historia. Aunque aparezca más en pantalla, y entendamos perfectamente algunas de sus decisiones, hay otras que no terminan de convencer, sin duda uno de los puntos flacos del film, y me refiero evidentemente a lo narrado al principio del flashback, que suena un poco forzado. Edmund O´Brien, uno de esos secundarios de lujo, interpreta al jefe de la agencia de adopción, en un papel poco sustancioso, pero al menos podemos disfrutar de la presencia de este gran actor.

Una buena película, que no ha perdido ni un ápice de frescura, por lo menos temáticamente hablando. Por otro lado es una pena que títulos como éste no tuvieran más repercusión en su momento, siendo hoy un film prácticamente olvidado. Menos mal que hace bien poco ha sido editada en dvd en nuestro país por Suevia Films, en una edición de la que no me fiaría demasiado, pero menos da una piedra.

El argumento es bien sencillo, y muy probablemente sirvió de inspiración a cierta película también de culto de los años 80, ‘Carretera al Infierno’, de la que precisamente han hecho un remake aún inédito en nuestras salas. Un misterioso autoestopista va matando a todo aquél que le recoge. Pronto será recogido por una pareja de amigos que se han ido de fin de semana, y entre los tres se establecerá un peligoroso juego de superviviencia en el que manda aquel que tenga una pistola. Las autoridades, mientras tanto van estrechando el cerco del insaciable asesino.

La película está realizada con muy pocos medios, tres actores principales, un cohe, mucho desierto, y un argumento que son prácticamente tres líneas, más unos ajustados 70 minutos de duración. Lupino sorprende en la utilización de todos esos elementos, exprimiéndolos al máximo, y hasta donde la simplicidad de la historia le permite. Conocedora a la perfección del ambiente de cine negro, gracias a todas las películas que protagonizó, viste al film de un ambiente opresivo muy conseguido, jugando con la luz tanto en las escenas nocturnas, que son numerosas, como las hechas a la luz del día, donde la presencia del desierto parece un personaje más.

Los tres actores principales se compenetran a la perfección, aunque quien se lleva la palma es William Tallman, componiendo un personaje fascinante lleno de maldad y en momentos bastante terrorífico. Atención a cierto detalle argumental que tiene que ver con uno de sus ojos, de una sencillez increíble y de resultados extraordinarios. A su lado, el eterno secundario Edmond O´Brien, que trabajaría a las órdenes de Lupino en otra película más, quizá no está tan bien como en otras ocasiones, pero su sola presencia llega. Y por último, Frank Lovejoy, quizá el peor de los tres, sin resultar malo.

Una buena película, que merece la pena ser descubierta y reivindicada, con la que se pasa un rato fantástico a pesar de algunas cosas, como su secuencia final, un poco ridícula, o que en ciertos momentos la economía de medios pesa demasiado sobre la película. Aún así, ya les gustaría a muchos directores masculinos tener el pulso narrativo de la Lupino y ser capaces de atemorizar, y entretener, con tan poca cosa. Ahora, a esperar que alguna de sus otras películas como directora se editen en dvd, pero por Dios, en mejores condiciones.