‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’

Dirección: Kathryn Bigelow

Intérpretes: Ralph Fiennes, Anthony Mackie, Jeremy Renner, Guy Pearce, Brian Geraghty

Sinopsis: Narra el día a día de una brigada estadounidense de desactivación de explosivos desplegada en Irak. Una unidad de élite de artificieros que se ve inmersa dentro de una caótica ciudad donde cualquiera puede ser un enemigo potencial y cualquier objeto puede ser una bomba. El grupo está liderado por el sargento Thompson. Cuando éste fallece en el transcurso de una misión, se queda al mando el impredecible y temerario sargento James (Jeremy Renner). El imprudente comportamiento de éste hará que sus dos subordinados, el sargento Sanborn (Anthony Mackie) y el especialista Eldridge (Brian Geraghty), valoren seriamente el riesgo que corren en su trabajo y se planteen si realmente les merece la pena continuar. Cuando una misión rutinaria en una ciudad se convierta en una auténtica ratonera para James y sus hombres, la verdadera personalidad del sargento aflorará, haciendo que sus vidas cambien para siempre.

Excelente ocasión para llevarse a casa una de las películas del año —realmente habría que decir una de las mejores películas del 2008— en una edición con menos extras de los que cabría esperar. Entrevistas, un making of y poca cosa más.

Críticas en Blogdecine:

• ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’. La tensión
• ‘En tierra hostil’, la adicción al peligro
• Sitges 09 | Asuntos pendientes (I) | ‘Grace’ aburre, ‘Ip Man’ y ‘The Hurt Locker’ dan lo que prometen
• Kathryn Bigelow y la guerra

• Oscars 2010: ‘En tierra hostil (The Hurt Locker)’, el cine es una droga

‘Historias de San Valentín’

Dirección: Garry Marshall

Intérpretes: Jessica Alba, Kathy Bates, Jessica Biel, Bradley Cooper, Hector Elizondo, Patrick Dempsey, Jamie Foxx, Jennifer Garner

Sinopsis: En ‘Historias de San Valentín’ veremos cómo se cruzan varias historias durante este señalado día: una oficial del ejército (Julia Roberts) que abandona Iraq y que viaja hasta Los Ángeles en un vuelo en el que también va un homosexual (Bradley Cooper), siendo la pareja de éste un jugador de fútbol americano que aún no ha salido del armario; el dueño de una floristería (Ashton Kutcher) que le propone matrimonio a su chica (Jessica Alba) y que, sin embargo, se percata de que está enamorado de una amiga cercana (Jennifer Garner) cuyo novio está en realidad casado; una jubilada (Shirley MacLaine) que le desvela a su marido que mantuvo un largo romance con otra persona; una mujer (Anne Hathaway) que trabaja en la agencia de talentos más importante de la ciudad y que está saliendo con un empleado de una oficina de correos; y, finalmente, una desafortunada publicista (Jessica Biel) que no tiene con quien quedar el día de San Valentín.

Marshall casi siempre da en la diana de las películas románticas actuales, lo cual no quiere decir mucho pero ahí está año tras año intentado repetir el éxito de su popular ‘Pretty Woman’ (id, 1990). Reparto espectacular e historias cruzadas todas ellas sobre el amor evidentemente. DVD sin demasiados extras, por no decir ninguno.

‘La herencia Valdemar’

Dirección: José Luis Alemán

Intérpretes: Laia Marull, Óscar Jaenada, Daniele Liotti, Silvia Abascal, Paco Maestre, Paul Naschy

Sinopsis: Luisa Lorente es una experta tasadora de casas antiguas que acude a la mansión Valdemar en lo que parece ser otro trabajo rutinario. Pero, al llegar allí, desaparece sin dejar rastro. Su jefe, Maximilian, contrata los servicios del detective Nicolás Tremel para encontrarla lo antes posible. Tremel se enfrentará entonces a la leyenda de Valdemar, una tragedia que ocurrió hace más de un siglo pero cuyas consecuencias siguen vigentes en la actualidad.

La última interpretación de nuestro Paul Naschy en un film que no obtuvo demasiado éxito —qué raro en el cine de terror español— y que ahora nos llega en una edición para DVD con un extra que llama la atención: los primeros diez minutos de su secuela. Eso es marketing y lo demás son chorradas.

‘Cube

Dirección: Vincenzo Natali

Intérpretes: Maurice Dean Wint, David Hewlett, Nicole de Boer, Nicky Guadagni, Andrew Miller, Julian Richings, Wayne Robson

Sinopsis: Seis personas atrapadas en un espacio cerrado intentan encontrar una salida dentro de un extraño laberinto irreal delimitado por las seis caras de un cubo. Cada uno utiliza su ingenio con el objetivo de resolver el enigma que les conduzca a la libertad.

Puede que me gane unos cuantos enemigos —que se pongan a la cola— por lo que voy a decir, pero me parece un film muy malo, aburrido e incluso estúpido, de inmerecido prestigio entre las nuevas estirpes de cinéfilos. El DVD no viene con demasiados extras destacados. Audiocomentario del director, alguna entrevista y poca cosa más.

‘Infierno en las nubes’

Dirección: Nicholas Ray

Intérpretes: John Wayne, Robert Ryan, Don Taylor, Janis Carter, Jay C. Flippen, William Harrigan, James Bell, Barry Kelley, Maurice Jara

Sinopsis: Corre el verano de 1942: en una isla del océano Pacífico, el Mayor Kirby se hace cargo del mando de una cuadrilla de bombarderos. Desde el primer momento sus pilotos le dan muestras de hostilidad, ya que todos ellos confiaban que el capitán Griffin, un veterano del grupo, mucho menos duro que Kirby, fuera el elegido para ocupar ese puesto. Por éste y otros motivos, los métodos de ambos oficiales entran pronto en conflicto.

Ray siempre fue un director muy solvente y por muy flojas que fueran algunas de sus películas siempre tenían algo que merecía la pena. La presente no es una de sus cintas más memorables pero ver a Wayne y Ryan es un placer. El DVD vendrá con uno de esos librillos en el que algún crítico hace un análisis del film, algo que deberían tener todas las ediciones en DVD.

‘Love Happens’

Dirección: Brandon Camp

Intérpretes: Aaron Eckhart, Jennifer Aniston, Dan Fogler, John Carroll Lynch, Martin Sheen, Judy Greer, Frances Conroy, Joe Anderson

Sinopsis: Burke Ryan (Aaron Eckhart) es un exitoso autor de libros de autoayuda que enseña cómo enfrentarse al dolor, pero es incapaz de seguir sus propios consejos. De mala gana, Burke vuelve a Seattle, ciudad que abandonó tras morir su mujer, para impartir una serie de conferencias y cerrar un importante acuerdo publicitario. Allí conoce inesperadamente a Eloise (Jennifer Aniston), una fl orista algo desencantada con el amor que, poco a poco y sin proponérselo, se convierte en la única persona capaz de ayudar a Burke a encontrarse a sí mismo; a la vez que él cada vez será más indispensable para Eloise.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Love happens’ o cómo superar la muerte de un ser querido

‘La casa en la sombra’

Dirección: Nicholas Ray

Intérpretes: Ida Lupino, Robert Ryan, Ward Bond, Charles Kemper, Anthony Ross, Ed Begley, Ian Wolfe, Sumner Williams, Gus Schilling

Sinopsis: Jim Wilson, un antiguo atleta convertido en policía, es enviado por su capitán a un lejano pueblo para que ayude a capturar al principal sospechoso de un asesinato y alejarle así, de paso, de una comisión de ciudadanos que claman contra sus violentos métodos. Allí, conoce a la hermana del joven sospechoso, Mary Malden, una chica ciega, que le ayuda a esconderse. Jim logra convencerla de que su hermano debe entregarse pero, una vez más, los mecanismos de la fatalidad empujan a los protagonistas hacia su final trágico.

Doblete del gran Ray esta semana con una de sus películas más intensas. La maravillosa Ida Lupino no sólo protagonizó el film, también lo codirigió. DVD con librillo analizando la película.

‘El caserón de las sombras’

Dirección: James Whale

Intérpretes: Boris Karloff, Melvyn Douglas, Charles Laughton, Lilian Bond, Ernest Thesiger, Eva Moore, Raymond Massey, Gloria Stuart

Sinopsis: Durante una noche de tormenta un grupo de viajeros se ve obligado a buscar refugio en una mansión habitada por una extraña familia. A lo largo de su estancia sufrirán una serie de extraños sucesos que pondrán en peligro sus vidas.

Dentro de nada os hablaré más extensamente de esta maravilla del director de ‘Frankenstein’ y ‘La novia de Frankenstein’, con un reparto espectacular, una atmósfera irreal muy lograda. DVD distribuido por Vellavisión, especialistas en recuperar joyas del cine clásico en algunas ediciones muy cuidadas. En este caso incluye un libreto con un análisis de la película.

‘Nausicaä del valle del viento’

Dirección: Hayao Miyazaki

Sinopsis: La historia se sitúa en un futuro lejano, después de que gran parte del mundo haya sido destruído en un holocausto nuclear llamado “Los siete días de fuego”. Los sobrevivientes están divididos en varios reinos que luchan entre sí en torno al Mar de la Corrupción, un inmenso bosque que emite gases venenosos y ocupa la mayor parte del planeta. Nausicaa es la princesa del Valle del Viento, que se encuentra repentinamente inmerso en la guerra entre los reinos. En su afán por salvar su valle de la destrucción, Nausicaa llegará a descubrir el secreto del Mar de la Corrupción.

De reciente paso por nuestras carteleras en uno de esos estrenos más rápidos que el viento, llega ahora la oportunidad de poseer una de las películas más admiradas —¿cuál no lo es?— de Miyazaki para la topoderosa —con permiso de Pixar— Ghibli. Dos ediciones como casi siempre, una sencilla y la otra llena de extras

Crítica en Blogdecine:

• ‘Nausicaä del valle del viento’: Miyazaki declara su amor a la naturaleza con esta gran aventura

‘Los amantes de la noche’

Dirección: Nicholas Ray

Intérpretes: Cathy O’Donnell, Farley Granger, Howard Da Silva, Jay C. Flippen, Helen Craig, Will Wright, William Phipps, Ian Wolfe, Harry Harvey

Sinopsis: Tres hombres acaban de evadirse de una prisión del estado de Texas, entre ellos el joven Bowie. Condenado injustamente por un homicidio involuntario, Bowie no es un delincuente habitual como los otros dos, pero se suma a su huida para conseguir dinero y poder demostrar su inocencia. Tras diversos incidentes, van a esconderse al garaje del hermano de uno de ellos, donde un sentimiento de amor muy intenso une a la hija de éste, Keechie, a Bowie, que siente lo mismo por ella. Pero la tragedia está en marcha y por mucho que intenten escapar juntos a un lugar apartado, no podrán escapar de su fatal destino.

Tercera película de Nicholas Ray que nos llega esta semana. Una nueva edición para este clásico del Film Noir, género al que le dedicaremos un especial en Blogdecine un año de estos. DVD con librillo que contiene un análisis de la película, como debe ser.

Vía | Zona DVD

Todavía haces tu trabajo en 8 segundos

En algunos de los libros dedicados a la figura de Sam Peckinpah, a excepción de la maravilla escrita por Garner Simmons —lectura que recomiendo a todo cinéfilo— se suele hablar poco de una película como ‘Junior Bonner’ (id, 1972) tal vez porque en su momento tuvo una pobre recepción crítica, y tampoco fue un éxito de taquilla. Con el paso del tiempo —esa cosa que dicen pone todo en su sitio aunque no siempre sea así— la película ha ido ganando en apreciación sobre todo por parte del sector crítico, pero aún así creo que no se le ha hecho la justicia que merece. Parece como si no se le perdonara a su autor el salirse de los límites de todo aquello a lo que nos tenía acostumbrados, pero lo cierto es que hay mucho de Peckinpah en una película en la que, por primera vez en su carrera, no incidía en la violencia, al menos en una violencia física visual.

Sam Peckinpah se encontraba en Inglaterra montando ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs, 1971) cuando recibió la oferta de dirigir ‘Junior Bonner’, basada en un guión de Jeb Rosebrook, y que según su productor, Joe Wizan, respondía exactamente a lo que tanto Peckinpah como Steve McQueen demandaban en ese momento de sus respectivas carreras. McQueen buscaba una película diferente y Peckinpah un film más tranquilo. ‘Junior Bonner’ es precisamente ambas cosas y también la película que algunos pensaban que Peckinpah no era capaz de hacer.

El argumento es prácticamente inexistente, y parte de un breve y sencilla premisa que viste las andanzas de un experimentado cowboy (JR. Bonner) de rodeo en su pueblo natal. Allí volverá a encontrarse con su desintegrada familia, un hermano que sólo piensa en hacerse rico, un padre perdedor siempre en busca de grandes oportunidades y perdiendo dinero en todos lados, y en medio una madre resignada a perder a los hombres de su vida. Bonner participará en el festival de rodeo de su pueblo en el que intentará hacer una última proeza por la que ser recordado.

El personaje de Bonner es el típico dentro del universo de Sam Peckinpah, un perdedor nato que sólo vive para hacer lo único que ama, montar, lo demás son meras experiencias externas a una forma de vida por la que lo daría todo. El rodeo ha marcado su existencia desde su nacimiento, pasión heredada de su padre ahora perdido en sueños de grandeza prácticamente imposibles de alcanzar. Bonner asiste en su propio lugar natal a la muerte de una época que no volverá, todo ello reflejado en la figura de su padre, cuya casa es destruida por el progreso, secuencia filmada por Peckinpah en ralenti que añade unas gotas de amargura que se extienden al resto del metraje.

Así pues, el director de ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch, 1969) evoca viejos y mejores tiempos, los del western, género que él manejó tan bien y sobre el que volvería al año siguiente con ‘Pat Garret y Billy the Kid’ en la que terminaría de plasmar todo lo propuesto aquí pero desde dentro del género propiamente dicho. Y es que ‘Junior Bonner’ parece una antecedente de dicho film, una especie de borrador del mismo, aunque por supuesto tiene vida propia al margen de ello. Peckinpah se muestra esta vez más melancólico y poético que en otras ocasiones. Lo que a ratos se veía en su magistral ‘La balada de Cable Hogue’ impregna aquí todo un relato en el que como siempre apenas hay lugar para la esperanza.

El mundo del rodeo que muestra Peckinpah, el cual llegaron a tildar de estar apartado de lo que de verdad era, no es más que una excusa para narrar la historia de unos personajes que aguantan los golpes de la vida tal como Bonner se enfrenta a los de su propio trabajo, los cuales probablemente duelen menos. Pero Junior Bonner es el único que permanece fiel a sus principios, mientras su hermano se adapta y su padre se pierde en recuerdos de gloria alimentados finalmente por un hijo no compasivo —que es lo que es el otro—, sino por un hijo que acepta y comprende la forma de ser de su padre, aquel que le dio la vida y su pasión.

‘Junior Bonner’ contó con un excelente reparto encabezado por Steve McQueen en el que es, sin duda alguna, uno de sus mejores trabajos interpretativos. Como anécdota cabe señalar que el actor era famoso por reescribir las frases de su personaje para que tuvieran más importancia en la trama; esto enfadaba a Peckinpah, famoso por llevarse mal con todo el mundo —llegaba a despedir a más de 20 personas por rodaje, incluida su propia hija—, pero tanto estrella como director querían terminar una película en la que creían firmemente y llegaron a llevarse bien. Ben Johnson, actor Fordiano por excelencia y ex-campeón mundial de rodeo, tiene un personaje más bien breve y quizá poco aprovechado, pero quienes brillan con luz propia son Robert Preston e Ida Lupino, que interpretan a los padres del personaje principal. Su conversación final y esa última noche juntos en fuera de campo forman parte de los muchos sensibles momentos que la película tiene y en los que Peckinpah hace gala de un contenido lirismo.

La película no fue bien recibida entre otras cosas porque muchos esperaban ver un film de Sam Peckinpah con Steve McQueen lleno de tiros y violencia. Ambos debieron pensar, ¿queréis hostias? Pues tomadlas, e hicieron ‘La huida’ (‘The Getaway’, 1972).

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético
• ‘Duelo en la alta sierra’
• ‘Mayor Dundee’
• ‘Grupo salvaje’
• ‘La balada de Cable Hogue’

• ‘Perros de paja’

Ida Lupino fue una de las grandes actrices norteamericanas de los años 40, siendo protagonista de clásicos tan sólidos como ‘La pasión ciega’, ‘El último refugio’ o ‘El lobo de mar’. Trabajó hasta finales de los 70, sobre todo en series de televisión, y en algún que otro papel destacado como el de ‘Junior Bonner’ de Sam Peckinpah, y también desarrolló su faceta en el campo de la dirección en un puñado de películas casi todas desconocidas, productos de serie B con muchas cosas interesantes algunas de ellas.

‘Outrage’ es su segunda película en solitario tras las cámaras, y en ella se narra una historia sorprendentemente moderna en lo que respecta al atrevimiento de su trama. Precisamente, la Lupino solía caracterizarse como realizadora por el duro contenido de sus films, y aquí no se queda atrás, poniendo siempre toda la carne en el asador, aunque en este caso se le haya ido la mano por querer abarcar demasiadas cosas.

‘Outrage’ narra la historia de una joven que está a punto de casarse con un joven emprendedor al que acaban de ascender en su trabajo. Tras pedir la mano de la chica, ésta verá como su padre acepta pero con muchas reservas. Ilusionada vuelve a su trabajo y un día, saliendo tarde del mismo, es perseguida por un hombre y violada. A partir del día siguiente, y por la vergüenza que tendrá que aguantar, las cosas cambiarán drásticamente.

La primera parte de la película, sus primeros 30 minutos, más o menos, son magistrales. En ese tiempo, Lupino presenta a los personajes en una sola escena en la que quedan muy claras las personalidades de la joven pareja dispuesta a casarse. Mientras la acción avanza y vemos la vida de la chica, personaje en el que siempre se centra en el film, no dejándolo ni un sólo instante, la directora va presentándonos a los demás personajes, haciendo hincapié en el violador, cuya identidad queda siempre clara de cara al espectador. Un personaje excelentemente bien introducido en la trama, y sobre el que se va creando una creciente tensión que culmina en la escena de la violación, de impecable factura. Lupino se las ingenia para que el personaje femenino jamás vea el rostro de su perseguidor y agresor, cerrando la secuencia con un travelling perfecto, que tal y como decía Godard, es una cuestión moral. La cámara se aleja de la escena, vemos una ventana en la que alguien se asoma y vuelve a meterse sin hacer caso de los gritos de la muchacha, sabemos de sobra lo que sucede fuera de campo. El movimiento de cámara realza la escena y provoca en nosotros toda una serie de sentimientos encontrados al ser conscientes de lo que va a ocurrir después.

Ahí se termina la grandeza de ‘Outrage’. De repente y tras unas escenas lógicas y esperadas, Lupino cambia radicalmente de tono y lugar. La muchacha huyendo de la humillación, y siendo incapaz de soportar la presión moral termina en un pueblo donde es acogida por una familia, siendo muy bien tratada por un reverendo. Ya no importa el caso de violación ni que sea descubierta la identidad del asesino. Lupino empieza a hablar de otros temas, como el sentimiento de culpa, el amor desinteresado, la tentación, la redención, llenándolo todo de una carga de inocencia totalmente incoherente con lo visto hasta ese momento. La película termina siendo más tópica de lo que empezó, incluso con alguna que otra concesión ilógica. Esa segunda parte está muy desequilibrada y carente de fuerza, aun a pesar de sugerir ciertas cosas que en aquella época eran tabú para el 90% de la humanidad.

‘Outrage’ no es ni mucho menos de la calidad de otros films dirigidos por la Lupino, pero al menos es entretenida y conserva esa sinceridad que caracterizó sus obras. Y cómo no, un excelente trabajo de las actrices muy bien dirigidas por la directora, que conocía muy bien el trabajo de la interpretación. Mala Powers, que falleció el año pasado, aguanta muy bien todo el peso de la película, y en un papel secundario podemos ver a Rita Lupino, hermana de Ida, en uno de sus pocos papeles para el cine; el séptimo arte no debía ser lo suyo.

En Blogdecine:

• ‘El Autoestopista’, el cine negro según Ida Lupino
• ‘El Bígamo’, la modernidad de Ida Lupino

Justo entre las impresionantes ‘Un Hombre Atrapado’ y ‘Los Verdugos También Mueren’, Fritz Lang dedicó buena parte de su tiempo a preparar ‘Moontide’, la cual empezó a rodar, y de repente a los cuatro días de rodaje abandonó el proyecto. Fue sustituido por un especialista en sustituir a directores que abandonaban, o les hacían abandonar, los rodajes. Archie Mayo era su nombre, un artesano que hizo infinidad de películas en los años 30 y 40. Mayo llegó a tomar el relevo de directores tan grandes como John Ford, Robert Florey o Michael Curtiz, aunque por supuesto no fue conocido sólo por eso. Sin ser uno de los grandes, era un director bastante solvente. Suyas son, por ejemplo, ‘El Bosque Petrificado’ o ‘Una Noche en Casablanca’ (probablemente la mejor película protagonizada por los Hermanos Marx en su etapa de decadencia).

‘Moontide’ narra la historia de Bobo, un vividor borrachín y mujeriego que un día amanece en un pequeño puesto de venta de cebos. Convencido por el dueño se queda allí a trabajar, y sospechando que su última noche de borrachera ha sucedido algo trágico y no lo recuerda con claridad. Un hombre ha sido estrangulado, y Bobo podría haber cometido el crimen. Conocerá a una joven mujer a la que salva de querer suicidarse, enamorándose de ella, y suponiendo para Bobo un cambio en su vida, sentar la cabeza y ser alguien decente.

Lang levantó el proyecto, pero sólo rodó durante cuatro días, por lo que la mayor parte de lo filmado pertenece a Mayo. De todos modos, es muy difícil certificar con total seguridad cuáles fueron las secuencias que rodó Lang y cuáles Mayo. Todo queda a la imaginación del espectador, o mejor dicho a sus deseos, el que tal o cual secuencia le hubiera gustado que fuera dirigida por uno u otro director. Personalmente pienso que ciertas secuencias nocturnas, en las que se ve un tratamiento en la fotografía excelente, y sus dramáticas situaciones parecen sacadas de cualquier otro film de Lang: un personaje enfrentándose a su inevitable destino.

‘Moontide’ intentó ser un vehículo para que el conocido actor francés Jean Gabin tuviese su espacio en el cine estadounidense, pero la película fue un fracaso. Tuvo un intento más al año siguiente con ‘El Falsario’, film made in Usa dirigido por Julien Divivier, pero el resultado fue el mismo, por lo que Gabin terminó por volver a su patria querida en la que aún hoy es uno de los actores más admirados de todos los tiempos, admiración que, subrayo, se extendió a todas partes del mundo. Probablemente Gabin era un actor demasiado francés, demasiado europeo, como para cuajar en el todopoderoso starsystem de Hollywood, pero Charles Boyer también lo era, por poner un ejemplo de la misma época, y cuajó perfectamente. Gabin compone un personaje muy a su medida, un perdedor por naturaleza cuyos máximos sueños son estar agarrado a una botella y olvidarse de lo puñetero que puede ser el mundo. Como contrapunto, una preciosa Ida Lupino, como tabla de náufrago, la única cosa por la que nuestro protagonista es capaz de cambiar radicalmente su triste vida. Ambos actores se compenetran a la perfección. El personaje de Gabin está lleno de multitud de matices, y la Lupino puede que irrumpa en la acción un poco forzosamente, y luego tal vez no tenga motivos demasiado claros para permanecer en el relato más allá de enamorar al personaje central, pero más tarde está muy bien aprovechada.

En aquellos años, concretamente 1942, era normal ver en una película a dos o tres secundarios de los considerados inmortales. En ‘Moontide’ tenemos a un Thomas Mitchell dando vida a un personaje realmente despreciable cuya forma de ser queda muy clara desde el inicio del film, y el genial Claude Rains (el eterno secundario por excelencia, tanto que la única vez que hizo un papel protagonista, era invisible) al otro lado con un personaje bondadoso, en cierto modo un ángel de la guarda del personaje de Gabin.

‘Moontide’ queda como una magnífica película de lo mejor rodado por Mayo, a pesar de haber sustituido a un grande como Lang, que sólo trabajó los cuatro día mencionados y dejó un material que prácticamente nadie podía estropear. Aún así Mayo tuvo que filmarlo, logrando un film cuasi perfecto, bastante desconocido que por supuesto no está disponible en dvd, así que ya sabéis lo que tenéis que hacer en caso de que os interese. Supone todo un bálsamo para los cansados de la actual oferta cinematográfica.

En Blogdecine | Fritz Lang, Jean Gabin, Ida Lupino

‘El Parador del Camino’ (‘Road House’, 1948) fue realizada por Jean Negulesco justo después de su famosa ‘Belinda’, y tenía en su haber 8 películas habiendo empezando cuatro años antes a dirigir, eso si no contamos su labor no acreditada en la estupenda ‘Ciudad de Conquista’ de Anatole Litvak en 1940. La presente película fue una más que ayudó a cimentar su prestigio crítico en el que es considerado como un de los directores más elegantes del cine norteamericano, especializado sobre todo en melodramas, muchos de ellos con tintes de thriller.

‘El Parador del Camino’ narra la historia de Lily Stevens, una cantante contratada por Jefty Robbins, el dueño de un parador para comprobar si le va mejor en su negocio. Contra todo pronóstico, ya que Lily no posee una voz especialmente dotada para la canción, la chica se convierte en todo un éxito del lugar logrando que cada vez acuda más gente a verla, hipnotizados por la capacidad de transmitir de ella sin tener buena voz. Robbins se enamora de ella, pero ella se fija en Pete Morgan, su mejor amigo, y los problemas empiezan.

Lo que sorprende especialmente de la película, es la facilidad con la que su argumento, que parte de una premisa totalmente típica (un triángulo amoroso), se va enredando cada vez más, centrándose sobre todo en la obsesión del personaje interpretado por Richard Widmark en la que era su tercera película como actor. Además, es curioso como su personaje empieza siendo de lo más simpático y amable, para terminar convirtiéndose en alguien odioso, una imagen más acorde con el magnífico actor, que solía bordar los papeles de villano (su debut en el cine es inolvidable). Es en esta parte donde la película presenta sus mejores cartas, ya que consigue hacer creíble e interesante algo tan estúpido como los celos, gracias a la portentosa labor de Widmark y el giro que su personaje da.

El trío protagonista está completado por Cornel Wilde, actor bastante menor a Widmark quien se lo come en todas las escenas que comparten, además su rol carece de la profundidad de aquél, algo que no le pasa al personaje central femenino, al que da vida una excelente Ida Lupino, ofreciendo una mezcla de mujer fatal y todo lo contrario, de lo más convincente. Lupino además interpreta una serie de canciones de una forma un tanto atípica debido a lo poco cualificado de su voz para el canto, pero que dota al personaje de una extraña fascinación, la cual evidentemente levanta las pasiones de sus personajes masculinos (lo dice y repite uno de ellos: “ella es diferente”). Claro que con Ida Lupino sería raro el no sentirse alterado por su presencia, y es que esta mujer, sin ser ninguna preciosidad, poseía una imagen turbadora que supo aprovechar muy bien.

Jean Negulesco va directo al grano con pulso firme, enrareciendo cada vez más la atmósfera del film, tanto argumentalmente (a pesar de ciertas obviedades), como en la puesta en escena, en la que los lugares filmados parecen ir acorde con la trama. Obsérvese los inicios en el parador, un lugar tranquilo y sin problemas, la sala de juicios, otra vez el parador, y finalmente un pantano que augura un desenlace dramático, y en consonancia con los estados de ánimo de los personajes, sobre todo el de Jefty, camaleónicamente interpretado por Widmark y su risa mítica.

Una buena película que mejora según va avanzando, algo que es de agradecer porque al principio de la impresión de que veremos la típica historia de amor a tres bandas, pero cuando los celos hacen acto de presencia podemos llegar a ver la enorme capacidad destructiva de los mismos, en el posterior estudio que Negulesco hace del lado oscuro del ser humano, mucho más interesante, cinematográficamente hablando, que el lado bueno. La película no está editada en dvd, así que en caso de que os interese, ya sabéis el método a utilizar.

‘El Último Refugio’ (‘High Sierra’, 1941) se centra en Roy Earle, que gracias a su buena conducta, sale de la prisión antes de finalizar su condena, bajo fianza prestada por Big Mac, jefe de la banda a la que perteneció Earle. A la salida de la cárcel le espera otro miembro de la banda para informarle que Big Mac le espera en California para un nuevo golpe. Earle no puede resistirse, pese a su intención de cambiar de vida. Cruza el continente en coche, y por el camino entabla amistad con una humilde familia de granjeros, cuya nieta, Vilma, con un problema de nacimiento en un pie, conquista su corazón. Earle decidirá que el trabajo merece la pena si puede ayudar a la joven.

Hay actores y actrices, leyendas, mitos, que con poco que hagan ya consiguen que te sumerjas en el mágico y maravilloso mundo del cine. Humphrey Bogart es, sin duda, uno de ellos. Sólo con protagonizar la que para muchos es la mejor película de la Historia, ‘Casablanca’, con el final antológico en el aeropuerto, ya le bastaría, pero es que su trabajo en títulos magistrales como ‘Tener y no Tener’, ‘El Halcón Maltés’, ‘La Senda Tenebrosa’, ‘Más Dura Será la Caída’ o la que nos ocupa, no es menos brillante ni memorable.

En ‘El Último Refugio’, Bogart continúa con el rol de villano que le había estado acompañando hasta ese momento de su carrera (la mencionada obra maestra de Huston cambió esta dinámica, ya iniciada con esta obra de Walsh, donde es el absoluto protagonista), pero va mucho más allá. Roy “Mad Dog” Earle no era precisamente un personaje de “malo” corriente (que ya bordó en ‘El Bosque Petrificado’) y exigió de la estrella dar el máximo de su talento en la pantalla. Earle es un personaje lleno de matices y aunque es un criminal experimentado y sin solución, en todo momento sentimos que no es para tanto, que es un buen hombre que ha tenido mala suerte y que puede vivir en paz lo que le queda de vida. Evidentemente, el ejemplar guión de John Huston y W.R. Burnett, basado en una novela de éste último, es fundamental, pero la labor de Bogart es impagable. Si ahora uno de estos actores tan populares que tenemos en mente porque casi a diario son noticia, se marcase una interpretación como la de Bogart en ‘El Último Refugio’ se llevaría el Oscar sin discusión. Para el vídeo típico que ponen en las nominaciones, antes de dar el premio, yo pondría el momento en el que lee el periódico y descubre que le han llamado “Perro Loco”. Su furiosa reacción, contenida hasta entonces, es para romper a aplaudir. Menos mal que George Raft se equivocó.

En el reparto también destaca Ida Lupino, actriz y directora, excelente en ambas facetas, en el papel de la mujer que se enamora del tipo duro que interpreta Bogart. No lo tendrá fácil, porque Earle la compara con su anterior vida, la que le llevó a la prisión donde no concibe volver, pero su atención, su incondicional admiración y su coraje la acercarán cada vez más a él. Lupino está sencillamente perfecta y sin ser una de esas bellezas radiantes que nublaban la vista, consigue encarnar a una mujer de atractiva personalidad que atrapa la atención al instante. Sus momentos con Bogart, llenos de tensión y romanticismo, contienen algunos de los mejores diálogos de la película. En cuanto al resto de intérpretes, no quiero que se me escape, y de nuevo aunque suene a burla, al encantador perrico que sigue a Bogart a todas partes. Trabajo extraordinario el que hicieron para que el animal resultase creíble en todo momento, más aún cuando su presencia es fundamental y no un mero adorno del fondo.

Raoul Walsh aprovecha al máximo el potencial del libreto de Huston y Burnett, así como la entrega de Bogart, y gracias a su experto sentido del espectáculo y su conocimiento del género de gangsters, nos narra con elegancia una oscura historia que va progresando en intensidad constantemente, hasta llegar a un clímax impresionante, en la alta sierra del título original. En definitiva, ‘El Último Refugio’ es un ejemplar thriller dramático que contribuye a engrandecer la figura de una leyenda irrepetible. Bogart está inmenso, arrastrándonos a uno de los finales más tristes y memorables de la Historia del cine. Una compra obligada.

La gran Ida Lupino no sólo tiene su lugar en el cine por haber sido una excelente actriz, vista en películas como ‘El Último Refugio’ o ‘El Lobo de Mar’, por citar sólo dos ejemplos, también tiene su lugar, aunque quizá más pequeñito, como directora de algunas películas realmente interesantes. En su momento os hablé de ‘El Autoestopista’, curioso film de suspense que influyó poderosamente en películas como ‘Carretera al Infierno’ (la buena, evidentemente). El mismo año, 1953, realizó ‘El Bígamo’, protagonizada por el mismo actor de aquélla, Edmund Gwenn, también con poco presupuesto, y de una modernidad impresionante para la época. Su título os puede dar una pista de por dónde van los tiros.

Un hombre acude con su esposa a solicitar ser los posibles padres de un niño adoptado. Como éste es un tema que se mira con lupa se realizan todas las investigaciones posibles sobre la pareja para poder decidir si son o no unos padres más que perfectos. El jefe de la agencia de adopción sospecha que el marido actúa de forma extraña, y pronto descubrirá en otra ciudad que está casado con otra mujer y es padre de un niño. Asombrado escuchará la historia del hombre de cómo llegó a esta situación.

Con un impecable ritmo Ida Lupino ahonda en la moral americana a través de la atrevida historia de un hombre casado con dos mujeres a la vez, manteniendo dos vidas distintas al mismo tiempo. Es curioso que el planteamiento, casi de telenovela hoy en día, esté tratado con pasmosa modernidad en plenos años 50, y más en los Estados Unidos. Parece mentira que esta película tenga ya más de 50 años, y sin duda está adelantada a su tiempo, algo que la puede convertir en una especie de rareza, como les sucedió a otros títulos a los largo y ancho de la historia del cine. No obstante, a pesar de lo arriesgado del asunto, Lupino aprueba con nota alta la operación, consiguiéndola hacer muy creíble gracias a sus personajes, perfectamente dibujados, y prácticamente todos huyendo del tópico.

Al contrario que ‘El Autoestopista’, aquí Ida Lupino no sólo se reserva las tareas de dirección, sino que también interpreta uno de los personajes centrales en una jugada bastante inteligente al “enfrentarse” directamente con Joan Fontaine, que siempre ha tenido cara de niña buena y poco despierta, por así decirlo. Ésta interpreta a la primera mujer del protagonista, la cual no puede tener hijos (de ahí su punto de partida). La Lupino hace de mujer más despierta, aunque desengañada por experiencias amorosas no muy fructíferas, un ser con más vida. La fragilidad y la delicadeza contra la entereza y la viveza, llegando incluso a leves y sutiles sugerencias sexuales, marcando una clara diferencia en ese aspecto entre las dos mujeres. Dos mujeres que serán las verdaderas protagonistas de la historia, en su sorprendente (por atrevido e inusual) final, cuando las cartas son puestas sobre la mesa.

A su lado, Edmund Gwenn, posiblemente un pelín por debajo de las dos actrices, las cuales aguantan mejor el peso de la función, a pesar de que el personaje masculino es el eje central de toda la historia. Aunque aparezca más en pantalla, y entendamos perfectamente algunas de sus decisiones, hay otras que no terminan de convencer, sin duda uno de los puntos flacos del film, y me refiero evidentemente a lo narrado al principio del flashback, que suena un poco forzado. Edmund O´Brien, uno de esos secundarios de lujo, interpreta al jefe de la agencia de adopción, en un papel poco sustancioso, pero al menos podemos disfrutar de la presencia de este gran actor.

Una buena película, que no ha perdido ni un ápice de frescura, por lo menos temáticamente hablando. Por otro lado es una pena que títulos como éste no tuvieran más repercusión en su momento, siendo hoy un film prácticamente olvidado. Menos mal que hace bien poco ha sido editada en dvd en nuestro país por Suevia Films, en una edición de la que no me fiaría demasiado, pero menos da una piedra.

El argumento es bien sencillo, y muy probablemente sirvió de inspiración a cierta película también de culto de los años 80, ‘Carretera al Infierno’, de la que precisamente han hecho un remake aún inédito en nuestras salas. Un misterioso autoestopista va matando a todo aquél que le recoge. Pronto será recogido por una pareja de amigos que se han ido de fin de semana, y entre los tres se establecerá un peligoroso juego de superviviencia en el que manda aquel que tenga una pistola. Las autoridades, mientras tanto van estrechando el cerco del insaciable asesino.

La película está realizada con muy pocos medios, tres actores principales, un cohe, mucho desierto, y un argumento que son prácticamente tres líneas, más unos ajustados 70 minutos de duración. Lupino sorprende en la utilización de todos esos elementos, exprimiéndolos al máximo, y hasta donde la simplicidad de la historia le permite. Conocedora a la perfección del ambiente de cine negro, gracias a todas las películas que protagonizó, viste al film de un ambiente opresivo muy conseguido, jugando con la luz tanto en las escenas nocturnas, que son numerosas, como las hechas a la luz del día, donde la presencia del desierto parece un personaje más.

Los tres actores principales se compenetran a la perfección, aunque quien se lleva la palma es William Tallman, componiendo un personaje fascinante lleno de maldad y en momentos bastante terrorífico. Atención a cierto detalle argumental que tiene que ver con uno de sus ojos, de una sencillez increíble y de resultados extraordinarios. A su lado, el eterno secundario Edmond O´Brien, que trabajaría a las órdenes de Lupino en otra película más, quizá no está tan bien como en otras ocasiones, pero su sola presencia llega. Y por último, Frank Lovejoy, quizá el peor de los tres, sin resultar malo.

Una buena película, que merece la pena ser descubierta y reivindicada, con la que se pasa un rato fantástico a pesar de algunas cosas, como su secuencia final, un poco ridícula, o que en ciertos momentos la economía de medios pesa demasiado sobre la película. Aún así, ya les gustaría a muchos directores masculinos tener el pulso narrativo de la Lupino y ser capaces de atemorizar, y entretener, con tan poca cosa. Ahora, a esperar que alguna de sus otras películas como directora se editen en dvd, pero por Dios, en mejores condiciones.