Un hit de los ochenta tan mítico y de culto como ‘Los cazafantasmas’ (‘Ghostbusters’, Ivan Reitman, 1984) lleva mucho tiempo rondando en la mente de los productores para sacar adelante una tercera parte que retomara el éxito de antaño. La tarea no es fácil –si se quiere hacer bien (y rentable)–, y por ello hay muchos comentarios desde hace meses. Movimientos para reunir de nuevo al reparto, para elaborar un guión con garantías, repitiendo director... pero de momento el asunto anda más bien estancado. O al menos en reserva.

Ante esta situación, y a sabiendas que hay hordas de fans entusiasmados con la idea de volver a disfrutar de esta comedia fantástica, parece que los productores quieren pulsar la opinión y entusiasmo los espectadores actuales. Como si no se fiaran de la acogida. Y en un movimiento singular y original van a reestrenar en salas la original, la primera entrega que solo ha vivido malas ediciones en formato doméstico, ahora se podría disfrutar más de 25 años después y remasterizada digitalmente. Así lo han manifestado en la página oficial de la película en Facebook, donde lo anuncian con rotundidad.

Aunque como no hay mucha más información al respecto habrá que ser cautos. Parece lógico que quieran ver la acogida para saber si apuestan o no por la cacareada tercera entrega. De momento, el tráiler que se exhibe en dicha página de Facebook muestra al final el relanzamiento y según algunos, se estrenaría para Halloween con una copia restaurada. ¿Gusta la idea? Claro. Ya quisiéramos que también se hiciera este estreno extensivo en el resto del planeta y que llegara a España. Lo que no tengo tan claro es si me gustaría que llegase la tercera parte después de todo.

Vía | Firstshowing
En Blogdecine | ‘Los cazafantasmas’, vulgar diversión televisiva

Cuando, hace algunas semanas, escribí el análisis de una de las comedias norteamericanas más desvergonzadas de los años ochenta, la divertidísima ‘Golpe en la pequeña China’ (‘Big Trouble in Little China’, John Carpenter, 1986), y lamenté su fracaso en taquilla (así como la ceguera por parte de muchos críticos), que tantos problemas posteriores le han proporcionado al bueno de Carpenter, saqué a colación dos cintas muy inferiores (sobre todo la segunda, que también se reía, pero sin la menor gracia, de misticismos orientales) que sí conocieron un grandioso y, para mí, significativo éxito: ‘Los cazafantasmas’ (‘Ghostbusters’, Ivan Reitman, 1984) y ‘El chico de oro’ (‘The Golden Child’, Michael Ritchie, 1986). Las nombré por ser también muy cercanas en el tiempo al filme de Carpenter, y por erigirse en iconos de lo comercial de esa década lamentable. Muchos lectores se echaron las manos a la cabeza: ¿cómo se atreve el ignorante de Massanet a vilipendiar públicamente una de las películas de nuestra infancia? Aunque probablemente nadie me crea, mi intención sólo era la de establecer un paralelismo entre algunas películas y un sucinto bosquejo de la incontestable degradación del cine de aventuras que se llevaba a cabo por parte de directores, críticos y público.

Pero recojo el guante, ya que no pocos pidieron que argumentara mis ideas sobre ‘Los cazafantasmas’, una película que ya era vieja cuando nació, y hoy, después de un cuarto de siglo largo desde su estreno, lo es mucho más. En realidad, me da la sensación, es algo casi buscado o pretendido, cuando no una desgana o una desidia: la única motivación para hacer esta película es la de hacer grandes cantidades de dinero. Para eso está diseñada, orquestada y vendida. De modo que toca volver al viejo debate de si el cine comercial es necesariamente malo o despreciable. Yo creo que no. No es perjudicial (para nuestras neuronas) por definición que una película haga mucho dinero en los cines de todo el mundo. Lo que sí es al menos sospechoso, cuando no degradante, son ciertas estrategias comerciales muy descaradas, como es el caso que nos ocupa, elaborada para no molestar a nadie, absolutamente inocua y trivial, con caros y luminosos efectos especiales, que salta, con muy poca fortuna, del terreno de la comedia bufa al de la comedia romántica, de ahí, al terror sobrenatural, de ahí, a la sci-fi más chabacana, de ahí al fantastique más ramplón… No vaya a ser que se quede algún género sin tocar.

Tanto es así, que yo no sabría como definirla. Es cierto que los géneros no son más que etiquetas comerciales, diseñadas para que el espectador establezca unos gustos muchas veces basados en lugares comunes, lugares comunes que luego todos despreciamos. Pero pocas veces como en el caso de ‘Los cazafantasmas’ nos encontramos con un producto tan ávido de atraer a todo tipo de espectador, con tal de engordar las cifras de venta. Y debido a ello se resiente muchísimo un relato que avanza a trompicones (por decir algo suave), que sufre de recalcitrantes bandazos de tono y de ritmo (y careciendo por ello de cualquier tono y del menor ritmo), y que quiere ser un gran espectáculo pero que, debido a las limitaciones visuales del director Ivan Reitman, más parece un carísimo telefilme de sobremesa que una grandiosa aventura destinada a maravillarnos con imágenes poderosas. Ni siquiera su pretendido “grand finale”, con el cuarteto protagonista luchando denodadamente contra todo tipo de dioses y monstruos descabellados, alcanza una mínima parte de la espectacularidad pretendida, por absoluta torpeza en la planificación y un infantiloide sentido de la acción y la aventura.

Cuatro colegas haciendo cine

La cosa se aclara bastante cuando se sabe que el objetivo inicial era un vehículo de lucimiento para Dan Aykroyd (en teoría, fascinado con lo paranormal…) y John Belushi, que ya habían hecho algo parecido en ‘Granujas a todo ritmo’ (‘The Blues Brothers’, John Landis, 1980). Belushi moría en 1982, y al proyecto se unía el cineasta Ivan Reitman, que exigía algunos cambios en el guión, pero al final bien parece (porque lo es), una reunión de antiguos colegas del show ‘Saturday Night Live’ jugando a exterminadores de fantasmas, más algunos añadidos como Sigourney Weaver, que parece estar en otra película gran parte del metraje. Otros antiguos colaboradores de aquel show que todavía perdura, como Chevy Chase o John Candy, fueron considerados para algún papel, mientras que para el cuarto miembro del grupo, se llegó a considerar a Eddie Murphy en lugar del casi desconocido actor afroamericano Ernie Hudson. Así las cosas a nadie le puede sorprender la sensación de colegueo y de gran vulgaridad que desprenden las imágenes del filme.

Ni siquiera el siempre estimulante Bill Murray consigue hacer algo decente. Porque, ¿de todos los chistes y diálogos supuestamente chispeantes, hay alguno realmente bueno?. De todas las escenas de acción y aventura, ¿hay alguna destacable y que esté realmente bien rodada?. Y en cuanto al terror que algunas imágenes de fantasmas o demonios que se pasean por sus imágenes, ¿hay alguna realmente inquietante o perturbadora? Como entretenimiento para pasar el rato, supongo que puede funcionar, pero no consigue absolutamente nada de todo lo que busca provocar en el espectador. Ni comicidad, ni terror, ni intensidad. Imposible defender una película en la que no conectas con ninguno de sus estrafalarios personajes, que bien podrían estar en un episodio del ‘SNL’ (cantera de algunos de los mejores, pero también de los peores cómicos norteamericanos de las últimas décadas…) antes que en una supuesta gran película de aventuras. Los actores parecen estar de vacaciones y cada uno dirigido por su lado, en lugar de en un reparto cohesionado y sólido. Parece como si no se creyeran lo que están interpretando.

Para acabar de rematar la mediocridad de la cinta, el espantoso diseño de producción de John DeCuir, llevado a cabo con un mal gusto y una inapetencia indescriptibles, arruina la bastante inteligente fotografía del gran László Kovács, que proponía unos claroscuros de gran alcance anímico, y un vibrante colorido que buscaba una cierta expresividad, pero todo queda al final en un cómic tosco, blandengue. Eso sí, en un aspect ratio de 2.20:1. Y con copias en 70 mm. Por otro lado, la hábil música del no menos grande Elmer Bernstein, que crea algunas texturas sobrenaturales muy interesantes, se ve eclipsada por el horrible y comercial tema, archiconocido por todos, de Ray Parker Jr., machacón y pegadizo como pocos, que a día de hoy permanece como una de las canciones más famosas (y peores) de toda la historia del cine. El año 1984 conoció varias grandes películas, que merecen una nostalgia y un cariño por parte de los cinéfilos, bajo mi punto de vista, mucho mayor que este ‘Los cazafantasmas’.

Conclusión y, ¿algo salvable?

Sin llegar a los paupérrimos niveles de ‘El chico de oro’, esta cinta no es más que un producto para adolescentes que, a día de hoy, ya no se sostiene por ninguna parte. No tengo nada contra el cine de aventuras y comercial, más bien todo lo contrario. Pero es importante convenir en que el cine de aventuras no implica necesariamente tosquedad en las formas, ni desidia en el ritmo o el tono. En realidad, el cine de género es una buena excusa para que cineastas de fuste (Reitman nunca lo fue) hagan cine grande, no ya en lo escenográfico y superficial, sino en la composición de la materia que están filmando. Que se lo pregunten al maestro Carpenter. ¿Algo salvable? La música de Bernstein y la fotografía de Kovács, ya comentadas. El diseño de sonido, bastante ingenioso. Poco más.

Está claro que es una constante entre las nuevas generaciones. Se ha denostado tanto el concepto de monogamia como algo impuesto por la sociedad y ajeno a los auténticos deseos humanos que ahora, incluso cuando alguien sí podría encontrar una pareja sin influencia de las costumbres convencionales, se huye de esta posible felicidad en un intento de demostrar ante nadie —o sea, ante uno mismo— que se es independiente y moderno. Varias películas han reflejado ya esta actitud ante el amor que se está imponiendo como signo de los tiempos.

El film de Ivan Reitman (‘Cazafantasmas’, ‘Poli de guardería’, ‘Mi superexnovia’…) ‘Sin compromiso’ (‘No strings attached’, 2011), podría, por lo tanto, tener el valor de posicionarse ante estas actitudes y de proclamar una conducta diferente, no por invitar a la idea convencional de familia y matrimonio, sino por la sana opción de no renunciar a lo que puede estar bien.

Además, tiene también la refrescante variación de que no es el hombre el que huye del compromiso, cosa que sí se había introducido en la ficción mucho antes de esta nueva corriente de comportamiento. En esta ocasión, es la mujer la que se pone enferma cuando escucha algo similar a «relación estable» y la que se aleja de las etiquetas, aunque eso le lleve al comportamiento absurdo de aceptar una situación exactamente igual a la otra, siempre que no se denomine de determinada manera.

Por lo menos, no nos encontramos con esa imagen de mujeres que acechan anillos como si les fuese la vida en ello, pero la alternativa puede no ser mejor. Las ideas confusas, el no saber lo que se quiere o el expresar que se desea algo opuesto a lo que realmente se busca tampoco componen un retrato femenino mucho más favorecido. Cuando era el hombre el que huía, se justificaba con un síndrome de Peter Pan, algo bastante más comprensible que esta falta de claridad de ideas tan común hoy en día. De todas formas, la película transmite la noción de que son tanto los chicos como las chicas quienes padecen estas empanadas mentales, así que en el sentido de corrección, es bastante equitativa.

La película

Toda esta disquisición acerca de las relaciones de hoy en día, de los papeles de los hombres y de las mujeres… podría hacer pensar que nos encontramos ante una película que estudie la psique humana o que retrate con profundidad a sus personajes. Pero, desgraciadamente, no es así. ‘Sin compromiso’ es un film ameno, pero que no llega a ser gracioso; bien rodado e interpretado, pero totalmente prescindible. El concepto de partida, esos encuentros en el momento menos indicado y esos cruces del destino que los protagonistas ignoran, es bueno como premisa, aunque no está explotado con suficiente interés. Dejando aparte ese planteamiento desaprovechado, la cinta no posee nada especial, no enamora ni emociona, no conmueve… es una experiencia vacía más.

En lo positivo hay que señalar que, aunque parezcan poco adecuados el uno para el otro, Natalie Portman y Ashton Kutcher interpretan sus papeles de una forma tan convincente, que transmiten muy bien el cariño muto que se tienen y la química que les une. Además, él deja traslucir una idea de persona con un enorme corazón sin caer en demostraciones blandas de romanticismo trasnochado. Mérito de los actores seguro, pero quizá ayudados por una buena construcción de la relación sobre el guion, quién sabe.

Al plantear esta forma nueva de ver las relaciones, dará la impresión de que la película es diferente a las comedias románticas que tantas veces han repetido el esquema y que, por ello, ya cansan. Así que muchos espectadores encontrarán en ella el soplo de aire fresco que buscaban en el género. Sin embargo, ya hace un tiempo que el cine ha comenzado a reflejar estos nuevos conceptos y, por lo tanto, ni siquiera esto ya resulta novedoso. Ahí tenemos ’500 días juntos’, ‘Bon Appétit’, ‘Todas las canciones de amor hablan de mí’, ‘No controles’ y tantas otras. ‘Sin compromiso’ lo que sí hace a diferencia de éstas es afrontar la cuestión más directamente, a sabiendas, pues ya en su título deja claro por dónde va.

En total, una película inocua que dará igual ver que no ver. ‘Sin compromiso’ atraerá al público a las salas por la belleza de sus dos protagonistas, lo cual ocurre en numerosas ocasiones, pero por lo menos aquí se admitirá sin disimulos. Original en cierto modo en comparación con otras comedias románticas, pero lo de siempre en el fondo.

Mi puntuación:

Han pasado más de 10 años desde que Ivan Reitman —director más popular en otros tiempos, y que nunca ha hecho nada mejor que ‘Dave’, presidente por un día’ (‘Dave’, 1994)— tuvo un importante éxito en la taquilla americana. Ahora repite operación, aunque sin cifras espectaculares, con ‘Sin compromiso’ (‘No Strings Attached’, 2010), donde une a Natalie Portman —una de las mejores actrices de su generación— con Ashton Kutcher —uno de los peores actores de toda la historia del cine, y me quedo corto—, para dar vida a una pareja de amigos que sólo quieren mantener una relación física. La crítica yanqui no se esmera demasiado y el público votante en la IMDb, como casi siempre, un poco más satisfecho.

‘Sin compromiso’ se estrena en nuestras salas el 25 de marzo.

Vía | IMDb

Se suponía que Ivan Reitman iba a dirigir la tercera parte de ‘Los Cazafantasmas’, pero el proyecto no acaba de arrancar. Mientras tanto, el director se ha puesto manos a la obra con otra comedia, que no tendrá elementos fantásticos (bueno, según se mire) y que aún no tiene título.

Reitman se encargará de trasladar al cine, para Paramount Pictures, un guión de Elizabeth Meriwether sobre dos compañeros, dos físicos, que pasan del trabajo a la amistad, de la amistad al sexo, y del sexo al amor… o no. La cuestión central de la historia es precisamente ésa, si se puede llevar una relación puramente sexual sin llegar a enamorarse. Supongo que habrá opiniones para todos los gustos, lo que habrá que ver es si lo que ha escrito Meriwether es ingenioso y divertido, y si Reitman lo convierte en una eficaz comedia.

Por lo pronto, aunque no hay título, sí que sabemos quiénes serán los protagonistas. Cary Elwes, Natalie Portman, Ashton Kutcher, Lake Bell, Greta Gerwig, Ophelia Lovibond, Olivia Thirlby, Ben Lawson y Kevin Kline encabezan el reparto de la película, que también tiene ya una fecha de estreno: 7 de enero de 2011. Los dos primeros, Elwes y Portman, interpretarán a los personajes principales sobre los que girará la trama.

PD: Después de que Bill Murray dijera que no se iba a hacer, Harold Ramis ha asegurado que ‘Ghostbusters 3D’ estará lista para la navidad de 2012.

Vía | ComingSoon

“Esto es muy raro, ¿seguro que sabes lo que estás haciendo?... ¡Ouh! Creo que me he cortado con algo… ¿Llevas un cuchillo…?”

(Lloyd, la primera víctima, pensó que iba a tener sexo)

Continuamos con el especial sobre la carrera de David Cronenberg. Decíamos que ‘Vinieron de dentro de…’ (‘Shivers’) había cosechado unas críticas durísimas que contrastaban con un rotundo éxito de taquilla. Aunque se intentó impedir que Cronenberg accediera de nuevo a ayudas públicas para seguir filmando sus polémicas ideas, la Canadian Film Development Corporation estaba demasiado contenta con la rentabilidad de su inversión y no tardó demasiado en permitir al joven realizador emprender el rodaje de su siguiente largometraje. La cuarta película de Cronenberg, la segunda que podríamos catalogar de profesional, iba a titularse ‘Mosquito’, y se basaba en una historia muy similar a la que dio origen a su anterior trabajo, algo que facilitó la aprobación del proyecto.

‘Mosquito’ se acabó estrenando bajo el título de ‘Rabid’, y aquí ‘Rabia’ (como el título estadounidense, ‘Rage’, en lugar de ‘Rabioso’), quizá por ser más atractivo comercialmente y menos susceptible de llevar a error; quién sabe lo que podría generarse en la mente de los espectadores que fueran al cine sólo viendo el cartel (una costumbre muy poco recomendable). David Cronenberg volvió a contar con un presupuesto limitado, estimado en medio millón de dólares, una cifra especialmente baja si tenemos en cuenta que su idea era ampliar el horizonte de lo mostrado en ‘Vinieron de dentro de…’ y extender una peligrosa infección por toda una ciudad. El resultado es más que correcto, sorprendente incluso, tapándose de nuevo las carencias económicas con mucha inteligencia.

Vinieron de dentro… otra vez

Cronenberg volvió a contar con la ayuda pública y, por segunda vez, con la productora Cinépix, especializada en cine de terror de bajo presupuesto y en la que trabajaba el futuro director de ‘Cazafantasmas’, Ivan Reitman. Para el papel de la protagonista, Reitman había pensado en la actriz Marilyn Chambers, que hasta entonces sólo había trabajado haciendo cine porno. A su modo, era una estrella, algo que no se podían permitir con tan poco dinero. A Cronenberg no le pareció mala idea y aprobó que se le hiciera una prueba de casting. El director quedó entusiasmado con Chambers, y todavía hoy se pregunta cómo no continuó haciendo más películas (es decir, de las que no se basan en el sexo).

Aunque Cronenberg se alegraría de seguir el consejo de Reitman, siempre le quedará la duda de qué habría pasado si en lugar de eso hubieran intentado conseguir a su primera opción para el papel: Sissy Spacek. El cineasta se había quedado impresionado con ella al verla en ‘Malas tierras’, pero a los productores no les gustaba la idea; no les gustaba el acento texano de la actriz, que tuviera pecas, y en definitiva pensaban que no cuadraba con el físico de una protagonista de una película de terror. Curiosamente, mientras rodaban ‘Rabia’, se estrenó ‘Carrie’, con Spacek al frente del reparto, y Croneberg debió burlarse bastante de sus colegas de Cinépix. No en vano, hay una escena en la que Chambers camina por la calle y puede verse claramente detrás de ella un cartel de la famosa película de Brian de Palma.

No es difícil imaginar por qué la idea de ‘Rabia’ surgió durante el rodaje de ‘Shivers’. Tienen tramas tan parecidas que este nuevo film casi puede verse como una continuación. Si recordáis, el final de ‘Shivers’ presentaba la fuga de los infectados de la isla donde residían a la ciudad, propagando su agresiva enfermedad. ‘Rabia’ parte de ahí, aunque a Cronenberg no le interesa hacer una secuela (de hecho, nunca ha rodado una, aunque ha reconocido que la segunda parte de ‘Promesas del Este’ es una posibilidad que le atrae); por tanto, además de cambiar a los protagonistas, lo que hace es crear un nuevo origen para la plaga. El detonante será de nuevo será un experimento médico que tiene efectos inesperados, pero en lugar de parásitos que sustituyen órganos, esta vez se inventa una especie de mujer mosquito, que necesita chupar sangre para sobrevivir. Por supuesto, el aguijón sale de un pequeño pene que a su vez nace de una especie de vagina. No podía ser algo corriente.

Dice Cronenberg que los artistas tienen como antenas, que reciben señales de ideas, pensamientos y fantasías, y las utilizan para sus obras. Así es como justifica que a veces sus películas se hayan adelantado a la realidad, como el contagio sexual de ‘Vinieron de dentro de…’ antes de conocerse el SIDA, o los avances médicos de ‘Rabia’; el cineasta expone en este film la idea de unas células neutras que podrían reproducirse y servir para regenerar partes dañadas del cuerpo humano, décadas antes de que se empiece a llevar a cabo realmente. Como en sus anteriores películas, el cineasta, fascinado con el cuerpo humano, las enfermedades y las deformidades, convierte una clínica de cirugía plástica en un laboratorio de ciencia ficción donde un nuevo experimento acabará provocando el caos en Montreal.

La invasión de infectados

Cerca de la clínica Keloid, una joven pareja tiene un accidente de moto (bastante forzado, por cierto, es difícil no ver la caravana y frenar mucho antes), dando origen a toda la trama del film. Ella, Rose (Chambers), se lleva la peor parte y debe ser hospitalizada de inmediato; para salvarla, los doctores le aplican el recién descubierto nuevo tejido neutral. El novio de Rose, Hart (Frank Moore, una mezcla entre Christopher Walken y José Manuel Cano), apenas tuvo heridas superficiales y pronto es dado de alta. La joven permanece en coma y él debe marcharse solo. Desde este momento y hasta el final, la película se divide en dos líneas básicas de acción, presentándonos por separado lo que le ocurre a uno y a otro. Cuando se nos muestran otros puntos de vista es o bien para mostrar la muerte de algún personaje secundario (al fin y al cabo esto no deja de ser un film de terror, que debe satisfacer a su público) o para reflejar la cada vez más preocupante situación que se vive en la ciudad.

Desde el inicio, con ese plano de Chambers vestida de cuero sobre una Norton (Cronenberg también estaba obsesionado con las motos por aquel entonces) frente a un bar de carretera, entendemos que ‘Rabia’ no tendrá lugar, como la anterior, en edificios cerrados. Se va a jugar en un campo mayor, como es la ciudad de Montreal y sus alrededores. A pesar del escaso presupuesto, el proyecto era ambicioso, el equipo tenía ganas y se hizo lo que se pudo para mostrar, de forma convincente, cómo sería el estallido de una verdadera y mortal epidemia, así como las respuestas de los organismos oficiales para tratar de controlarla. Cronenberg se siente muy orgulloso del resultado, y lo cierto es que se sacó el máximo provecho a los medios con los que contaban. Incluso hay sitio para un par de momentos muy espectaculares con choques de coches; en una de ellas, el director revela que estuvo a punto de morir atropellado, y desde entonces nunca más se ha ocupado de la cámara en las escenas de riesgo.

La idea era trasladar el terror a los lugares comunes, al entorno del ciudadano, que el espectador piense que puede estar caminando por la calle, o viajando en metro, y ser atacado de pronto por alguien infectado. Seguramente por la falta de dinero, Cronenberg tiende a encerrar a sus personajes en espacios y encuadres limitados (puede ser un sitio amplio, pero la cámara aísla a los actores), donde apenas hay sitio para uno (el baño en el que se retuerce Rose, como una drogadicta a la que le falta su dosis) o pocos personajes (el interior de un coche o la celda de la comisaría, en una escena que recuerda a ‘Asalto a la comisaría del distrito 13’); es una maniobra inteligente que permite además crear una atmósfera opresiva, con la que mantener al público pegado a la pantalla, esperando y anticipando el próximo movimiento. También, como ya hiciera en ‘Vinieron de dentro de…’, Cronenberg recurre a la radio y la televisión para contar lo que pasa en otros lugares o a gran escala, sin que tengamos que verlo, de una forma económica y eficaz.

Aguando la orgía de sangre

En medio del caos, de la ola de violencia, resulta interesante el retrato psicológico de la protagonista. Rose debió morir en la carretera, pero gracias a un milagro médico “resucita”, convertida en una criatura que necesita sangre humana para vivir. No es casual que el primer ataque que lleva a cabo sea tan confuso; ni ella misma sabe lo que está pasando. Cronenberg nos lo muestra como una escena erótica en la que apenas se ven los rostros de Rose y Lloyd, esforzándose en algo que sólo podemos intuir. La fuerte respiración, las caricias y la cara de satisfacción de la muchacha sólo refuerzan la idea del coito; más tarde, se repetirá la imagen en la escena en la que Rose arrincona a una mujer en un jacuzzi. De hecho, el realizador mantiene que la caza (que es al fin y al cabo lo que está haciendo la chica) entre animales tiene un contenido sexual que la gente no quiere admitir. Ya sabemos que él ve sexo y erotismo en todo lo que le rodea, ¿no?

Convertida en un mosquito, o un vampiro, la protagonista no puede evitar seguir pensando que no tiene nada que ver con la plaga, se ve incapaz de reconocer su deseo por la sangre (llega a intentar alimentarse de una vaca, pero no da resultado) y lo que esto ha provocado. Como se demuestra cuando por fin se reencuentra con Hart, su mente no acepta su nueva realidad, por lo que vive en constante represión y fuga, engañándose a sí misma hasta que no puede controlarse más y necesita buscar comida. Una comida que no se le resiste demasiado, por cierto. La chica es muy atractiva, desde luego, pero no tiene más que pasearse para que los “buitres” se lancen a por ella ingenuamente. Son escenas divertidas, patéticas (como la que transcurre en el cine porno), más que inquietantes, pero dudo mucho que Cronenberg pretendiera otra cosa. La gratuita muerte de Papá Noel va en la misma onda.

Aunque el cineasta se notaba más suelto, más diestro como director de cine profesional, y su equipo de producción demostró que se puede hacer mucho con medio millón de dólares, ‘Rabia’ carece del efecto sorpresa de ‘Vinieron de dentro de…’, y aunque contiene escenas desagradables y perturbadoras, en este aspecto está por debajo de sus anteriores trabajos. Tampoco es uno de los guiones más elaborados de Cronenberg, hay situaciones mal resueltas e incoherentes (limpian un coche contaminado simplemente echando un poco de agua). De todos modos, la película funciona, a ratos, como un producto barato de acción y terror sin otra pretensión que la de entretener durante una hora y media. Aún así, le sobra metraje (al principio pierde mucho tiempo preparando un accidente que ya sabemos que va a ocurrir y con las operaciones en el hospital) y las interpretaciones dejan mucho que desear (a Joe Silver no se le puede tomar en serio y la escena del final en la que discuten Chambers y Moore es bastante ridícula).

Dos jugosas anécdotas, antes de dar por acabado este texto. La primera está relacionada con Chambers y su particular método para la interpretación; si recordáis, en la crítica de ‘Vinieron de dentro de…’, os comenté que Cronenberg tuvo que abofetear a una actriz (a petición de ésta, ojo) porque era incapaz de llorar. Afortunadamente, la protagonista de ‘Rabia’ no tuvo ningún problema para derramar lágrimas cada vez que era necesario. ¿Su secreto? Pensar que su gatico se le estaba muriendo. La segunda anécdota sucede antes del rodaje, cuando Cronenberg acude a una clínica de Montreal para investigar y poder recrear luego las escenas de los médicos con el mayor realismo posible. Es invitado a presenciar una operación y el cirujano jefe, mientras abre la cara a la paciente, le pregunta si va presentar a los de su profesión como unos sádicos; antes de que el realizador diga nada, aturdido por la cuestión, el cirujano se responde a sí mismo: “La verdad es que lo somos”.

Una vez en los cines, ‘Rabia’ cosechó prácticamente los mismos resultados que el anterior trabajo de Cronenberg; críticas durísimas, éxito de público y reconocimiento en el Festival de Sitges. El director empezó a ser calificado como “El rey del terror gore” o “El rey de la enfermedad venérea”, entre otras cosas, pero le daba igual, estaba seguro de sí mismo y lo que le más le importaba era que seguía haciendo cine, a su manera. Su siguiente proyecto fue, sin embargo, un encargo que dio como resultado una de las películas más corrientes y, por tanto, más extrañas de su filmografía. Hablaremos de ella la semana que viene.

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

‘Vinieron de dentro de…’

Anoche tuve un sueño muy perturbador. Estaba haciendo el amor con un desconocido. Estaba incómoda, porque era viejo, y se estaba muriendo… y olía mal, lo encontraba repugnante. Pero entonces me dijo que todo es erótico, que todo es sexual. Que la carne vieja es erótica. Que la enfermedad es el amor que sienten dos clases de criaturas extrañas. Que incluso morir es un acto de erotismo. Que hablar es sexual. Que respirar es sexual. Incluso existir físicamente es sexual. Y le creo, y hacemos el amor maravillosamente.

Seguimos con el repaso a la interesante carrera del director David Cronenberg. Decíamos en el anterior artículo que tras terminar ‘Crimes of the Future’ y quedar fascinado con el Festival de Cannes, decide que definitivamente quiere dedicarse al cine, cambiando la manera en la que estaba haciendo películas, buscando ser más accesible (sin perder por ello su identidad, como veremos). Así que en 1973, tras trabajar en televisión, Cronenberg termina el guión de su nuevo proyecto, ‘Orgy of the Blood Parasites’ (‘La orgía de los parásitos de la sangre’), y empieza a buscar financiación marchándose incluso a Estados Unidos. Pero de nuevo recibe ayuda pública de Canadá y por fin puede llevar a cabo su tercer largometraje.

Un tercer trabajo que se estrenó en cines en el año 1975 bajo el título original de ‘Shivers’, que significa literalmente ‘Escalofríos’; nuestro ‘Vinieron de dentro de…’ proviene del título estadounidense ‘They Came from Within’. La película fue un rotundo éxito de taquilla que cosechó unas inevitables críticas devastadoras, centradas en verla sólo como una muestra más de gore y sexo gratuito; curiosamente, en el Festival de Sitges se alzó con el premio a la mejor dirección. Manteniendo el tono y el espíritu de sus primeros experimentos, pero ordenando y estructurando un poco sus ideas, Cronenberg había logrado reiniciar su carrera.

El salto al circuito comercial

En el verano de 1974, con 31 años, David Cronenberg se enfrentó por primera vez a un rodaje serio. Si en las experimentales ‘Stereo’ y ‘Crimes of the Future’ recurrió a amigos y compañeros de la universidad, y se encargó de casi todas las facetas técnicas (de ahí el lamentable uso del sonido), para ‘Vinieron de dentro de…’ ya tuvo a sus órdenes a un equipo de profesionales en los que pudo apoyarse, entre los que se encontraban Ivan Reitman y el montador Patrick Dodd. En un principio (como ha llegado a reconocer), esto le produjo a Cronenberg una especie de sensación de pérdida, al descubrir que tenía que tratar con demasiada gente y que el proyecto era un poco menos suyo (una sensación tan natural como contradictoria, porque hacer una película no es pintar un cuadro o escribir un diario). A pesar de todo, seguía tratándose de una producción de bajo presupuesto, estimado en menos de 200.000 dólares, lo que entre otras cosas no permitía el diseño y el montaje de escenarios específicos para la película.

Pero como bien sabe cualquiera que se haya embarcado en este tipo de trabajos, el ingenio y el arrojo pueden suplir muchas veces la falta de dinero. Cronenberg y su equipo ahorraron costes utilizando, tal cual, las habitaciones de un bloque de apartamentos (que en algún momento llega a recordar al mítico Hotel Overlook) situado en Ile-des-Soeurs (¡la Isla de las Monjas!) como decorados para el film. Allí mismo se instaló y durmió la mayoría del equipo durante las poco más de dos semanas que llevó la filmación, lo cual debió ser toda una experiencia (dormir en la misma habitación donde se ha recreado una agresión sangrienta no debe ser muy agradable). Entre las anécdotas más famosas ocurridas durante el rodaje de ‘Vinieron de dentro de…’ cabe destacar el particular método con el que el joven Cronenberg tuvo que ayudar a una de las actrices para poder interpretar algunas escenas; Susan Petrie se mostraba incapaz de llorar y pidió al director que la abofeteara antes de rodar, cosa que debió hacer en más de una ocasión.

‘Vinieron de dentro de…’ es el primer film del director canadiense en el que usa el sonido de una forma profesional, si bien el resultado denota cierta torpeza, seguramente debido al limitado presupuesto. Los efectos sonoros son toscos y a menudo no casan bien con la imagen. Por primera vez en la aún corta trayectoria de Cronenberg también oímos música (tarea de la que se encargó Reitman), y el acabado es nuevamente muy mejorable, si bien contribuye a generar la deseada inquietud en el espectador. Son aspectos que se pulirán más adelante, una vez que el cineasta pueda disponer de más dinero para trasladar sus ideas a la gran pantalla, ya que enseguida comprendió lo importante que son estos elementos para crear una adecuada atmósfera, para sumergir al público en un nuevo universo.

Violencia, sexo y perversión

‘Vinieron de dentro de…’ comienza con la presentación, mediante diapositivas y una voz en off, de las Torres Starline, un lugar paradisíaco situado en una pequeña isla, a donde se dirige una pareja de recién casados. El único guardia del edificio les aclara que aunque lleva una pistola, allí nunca pasa nada. Las caras sonrientes, las voces relajadas y el ambiente pacífico de esta línea de acción se rompen al alternarse con otra brusca y violenta en la que un hombre viejo está atacando a una muchacha vestida de colegiala, en una de las habitaciones del mismo complejo. Mientras que el principal encargado de las Torres (interpretado por Ronald Mlodzik, el protagonista de las dos películas anteriores de Cronenberg) muestra las instalaciones al matrimonio, el agresor ha conseguido reducir a la chica, a la que abre con un bisturí para expulsar un tipo de ácido en su interior, justo antes de cortarse el cuello.

Luego se descubre que el hombre era un importante científico llamado Emil Hobbes (como Thomas Hobbes, a quien debemos la famosa frase “el hombre es un lobo para el hombre”, que podría ser perfectamente el “tagline” de esta película), que había mantenido un contacto “inapropiado” con la chica desde hacía años. Ella era el recipiente de sus últimos experimentos, con los que trataba de liberar al ser humano de todas las cadenas con las que la sociedad civilizada y racional los estaba reduciendo, hasta dejar individuos reprimidos y asexuales. A través de unos parásitos que funcionarían como órganos naturales del cuerpo, Hobbes pretendía modificar el comportamiento y reiniciar la naturaleza de sus pacientes. Como no podía ser de otra manera, todo se descontrola y los parásitos comienzan a reproducirse e introducirse en otras personas, provocando una masiva transformación de todos los residentes de las Torres Starline.

Si ‘Vinieron de dentro de…’ sigue resultando efectiva a día de hoy, a pesar de su pobre y descuidada estética, no es por la manera en la que Cronenberg logró orquestar su primer rodaje profesional, o por las escenas desagradables protagonizadas por los particulares parásitos (deliberadamente amorfos, que pueden recordar, dependiendo de la escena, a una babosa, un riñón o incluso un pene) creados por el especialista Joe Blasco, sino por las ideas y sensaciones que el cineasta dejó impresas en la película, sin lugar a dudas, otra hija suya, fruto de su manera de pensar y de sus obsesiones, desde el inicio (que tanto recuerda a ‘Stereo’ y ‘Crimes of the Future’) hasta el perturbador final, cargado de simbolismo e ironía.

Aunque puede verse como una simple película de terror, lo cierto es que Cronenberg plantea una interesante y desasosegante variación ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ o ‘La noche de los muertos vivientes’ en la que la infección parece ser lo deseable, viendo la felicidad que muestran los “zombies”. Claro que los parásitos resultan repugnantes y antes de transformarte puede que seas agredido por todo tipo de personas, algunas no especialmente atractivas… Pero después podrás disfrutar de una vida libre y plena, según la visión del director, que parece dar a entender que antes de caer en la antinatural represión hipócrita de la clase acomodada es preferible pasarse al bando de los enfermos y los locos.

Por otro lado, una vez más encontramos en ‘Vinieron de dentro de…’ una serie de elementos que ya estaban en sus anteriores trabajos y que estarán en los posteriores, como los fantásticos experimentos llevados a cabo por científicos, la recargada palabrería de éstos, la manera en la que sitúa a los personajes en un entorno casi siempre hostil y laberíntico (pareciendo que estén perdidos en él), las perversiones sexuales (aquí hay de todo tipo) o la inclusión de poderosas corporaciones (en este caso la Estructuras Generales, S.A.). Resulta también curiosa la escena del choque de dos coches en el aparcamiento subterráneo, algo que Cronenberg (aficionado a las carreras) explotará más adelante. Del mismo modo, si bien ya había mostrado escenas de comportamientos violentos en sus dos primeras obras, es aquí cuando empieza a recrearse en ellos, demostrando un inusual talento para reflejar la angustia y la brutalidad del momento (por ejemplo en la escena entre el viejo y la joven, o la del protagonista siendo atacado en el sótano).

Como se ha dicho, la película fue vapuleada por la crítica pero atrapó al público, que hizo que resultara una inversión muy rentable. Cronenberg, a quien al parecer llegaron a echar de su piso por culpa de un despiadado artículo en contra de su obra, empezó a pensar enseguida en su siguiente película, pero la Canadian Film Development Corporation tuvo en cuenta la polémica y tardaría en decidirse. Mientras escribía el guión de ‘Rabid’, el realizador se dedicó de nuevo a la televisión, engrasando los motores de su creatividad con historias de fantasía y terror para la pequeña pantalla. Un año después del estreno de ‘Vinieron de dentro de…’ ya tenía listo su cuarto largometraje. Como los infectados de su film, el cineasta estaba hambriento, y las opiniones de los críticos no hacían otra cosa que confirmarle que iba por el buen camino.

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

Después de tantas ideas y venidas, de si aquel la produce, de si el otro la escribe, y demás vainas que se tantean cuando un proyecto de estas características sale a la luz, al final ha surgido lo inevitable. ‘Ghostbusters III’, o lo que es lo mismo ‘Los cazafantasmas 3’ —como aquí la titulen de otra forma me da algo—, será dirigida por Ivan Reitman, el mismo responsable de las anteriores entregas, que recordemos ha dejado un buen montón de dinero en las arcas de la Columbia. Nunca le cogí el gustillo a ambos films, pero es innegable que marcaron toda una época, y el hecho de que ahora continúen con la saga es una noticia que alegrará a un montón de gente.

‘Los cazafantasmas 3’ ya tiene asegurado a la mayor parte del reparto de las dos entregas anteriores, o sea, Bill Murray, Dan Aykroyd, Harold Ramis y Ernie Hudson. La gran Sigourney Weaver y Rick Moranis —en la foto— aún no han confirmado su participación en el film, pero sería un enorme placer —sobre todo para un servidor— el contar con la presencia de esa maravillosa actriz, a la que a este paso nunca darán un Oscar, y menos por esta película. Aunque claro, si a don Alfred Hitchock jamás le dieron uno, ¿por qué se lo iban dar a ella, no?

Sí, esta entrada es en realidad para reivindicar a una gran actriz, ¿qué pasa, no puedo?

Vía | Comingsoon

Este próximo viernes se estrena entre nosotros ‘Disturbia’, film protagonizado por la nueva estrella emergente Shia LaBeouf, ya sabéis, ése que pasará a la historia por ser el hijo del arqueólogo más famoso de todos los tiempos, y que interpretó esta película antes de meterse en la superproducción ‘Transformers’, producida por tito Spielberg, a la cual le auguro el mismo éxito que tuvo en los USA, lamentablemente.

Y digo lamentablemente, porque a pesar de que en un principio podríamos hallarnos ante un eficiente film de suspense, lo cierto es que no es así. Además, se permite el lujo de plagiar descaradamente ‘La Ventana Indiscreta’, esa magistral obra de Alfred Hitchcock, de la que copia literalmente algunos planos y algunos detalles argumentales, verdaderamente importantes. Pero hasta esto no tendría ni la más mínima importancia, si estuviese realizado con un mínimo de eficacia, pero con D. J. Caruso detrás de las cámaras, eso era prácticamente imposible.

¿De qué va ‘Disturbia’? pues como os habréis podido imaginar de un chaval que estando recluido en su casa por culpa de un arresto domiciliario (estos jóvenes de hoy día…) se entretiene mirando por la venta espiando a sus vecinos. Un día, y debido a unas dotes deductivas de lo más sorprendente, descubre que uno de sus vecinos podría ser un asesino muy buscado por la policía. Evidentemente, y como nuestro protagonista es una especie de delincuente juvenil, la gente no le cree, incluida su madre.

El film tiene un arranque espectacular, unos cinco primeros minutos realmente logrados, aunque éstos no tengan nada que ver con la trama desarrollada posteriormente, y sólo sirvan para definir un poco al personaje central, creándole un trauma que le marcará posteriormente para así intentar justificar algunas de sus acciones posteriores, y que nosotros únicamente vemos reflejada una en cierta respuesta que le da el personaje a un profesor de español. A partir de ese momento, ni trauma ni nada, estamos ante un joven americano de lo más normal y corriente, eso sí interpretado por un Shia LaBeouf totalmente convincente, y es que este chaval de momento está empezando bastante bien.

El problema de la película, dejando a un lado idioteces como la parte en la que se prenda de una vecinita que está de muy buen ver (y que lee ‘Lolita’ de Nabokov en el tejado de su casa), y que evidentemente logrará llamar su atención, o la relación que el protagonista tiene con un amigo, cuyo coeficiente de inteligencia es el de una fotocopiadora, es que en todo lo que se refiere a la trama de suspense, no resulta creíble en ningún momento, por estar simple y llanamente mal expuesto. Desde el principio ya sabemos lo que hay, y es imposible que la solución al problema sea otra. Tanto es así, que algunas de las situaciones están demasiado alargadas, evidentemente para cubrir una cierta duración estándar, no les vaya a salir un cortometraje. En dicha parte, tenemos de todo, desde las estúpidas escenas en las que el vecino sospechoso intenta “convencer” a la chica para que le dejen en paz, pasando por aquella en la que el amigo del prota se mete en la casa a rescatar cierto objeto, y con una cámara de vídeo filma sin querer un detalle bien importante (¡¡¡¡y que en otra escena posterior está cambiado!!!!), o toda la parte en la que el villano de la función decide hacer algo que irremediablemente le llevará a la perdición, demostrando una vez más, que los malos en una película así casi siempre son tontos.

A LaBeouf le acompañan la olvidada Carrie-Ann Moss, mundialmente conocida por la trilogía Matrix, tras la cual no parece que haya tenido muy buena suerte, lo cual es una pena, porque esta actriz tiene una buena presencia, casi magnética. David Morse interpreta al sospechoso vecino de marras, y lo cierto es que este eterno secundario ha estado mejor otras veces. Aquí está como desganado, con un personaje bastante mal dibujado y que no inspira temor alguno. Indudablemente, y dejando de lado su lamentable guión, el director no se esfuerza ni lo más mínimo por dotar al film de cierta personalidad, llegando a parecer por momentos el típico telefilm de sobremesa, y desaprovechando algunas de sus propuestas, quizá pensando que con lo expuesto nos iba a llegar, o sea, subestimando al espectador. Es una pena lo de Caruso, porque sin haber visto su ópera prima, tiene un film realmente interesante y que no está mal, ‘The Salton Sea’, pero el resto no hay por donde cogerlo.

Una mala película, decepcionante en casi todos sus aspectos y no es de extrañar su retraso en las carteleras españolas. Nos han colado un subproducto totalmente inservible, en la que por cierto ha metido mano como productor Ivan Reitman, demostrando que es casi tan malo como cuando le da por ponerse detrás de una cámara (salvo alguna excepción, claro).

Ayer tuve la desgracia de poder ver esta película que se estrenó entre nosotros allá por el pasado mes de Septiembre, y que en su momento no me llamó la atención, y cuánto hubiera dado porque esa falta de interés siguiera presente durante el resto de mi vida. Pero ya sabeis, tarde aburrida, entre varios se decide elegir una película para visionar, olvídate de los clásicos, pues qué coño, es un buen momento para comprobar si al fin puedo estar de acuerdo con mi compañera Beatriz en la apreciación de un film. Eso no sucedió ni por asomo, la tarde se hizo noche, más aburrida aún, y la enorme sensación de haber perdido mi valioso tiempo es la que tengo en estos momentos, y que no se me pasará hasta que vea otra película. Porque lectores míos, ‘Mi Super Ex-Novia’ no es que sea una mala película, es que es una de las más grandes basuras que uno haya visto nunca, y mira que he visto basuras.

Su argumento gira en torno a un sencillo hombre que comienza una relación con una mujer que resulta ser una superhéroe. Lo que en principio parece ser un golpe de suerte, y algo divertido, se convierte en algo insufrible debido a lo tremendamente celosa que es ella. Pronto, nuestro protagonista, aconsejado por su mejor amigo, ideará un plan para dejarla, algo que le traerá catastróficas consecuencias.

Ivan Reitman es el director del film, y lo cierto es que nunca fue un buen director salvo en un par de contadas ocasiones en las que pareció haber sido tocado por la mano de Dios, sobre todo en la segunda ocasión. Pero aquellos tiempos han quedado lejanos, y a Reitman le pasa exactamente lo mismo que a John Landis: se ha perdido para siempre, y eso que la comparación quizá no sea del todo acertada, ya que Landis fue un prodigioso director con un buen puñado de estupendas películas, algunas de las cuales no han envejecido ni un ápice. Pero Reitman no es Landis, afortunadamente, y su caso es mucho peor. Sus films envejecen enseguida, y éste en concreto acabará en el más merecido de los olvidos.

Para empezar, el guión es totalmente penoso. Todas las situaciones están absolutamente forzadas, y son totalmente increíbles. Y no me refiero a escenas en las que la superhérose hace acto de presencia, no. Si no a las que intentan ser normales enmarcándose dentro del género de la comedia romántica. Ya el incio es sencillamente nefasto, con el tropiezo, por así llamarlo, de los dos protagonistas principales. A partir de ahí, se encadenarán las secuencias idiotas una tras otra en algo que los responsables del film creen que se llama montaje. En ningún momento existe ningún conflicto argumental que de sentido a lo que estamos viendo. Sí, una supermujer hecha y derecha, deseosa de ser amada, que encuentra, o no, al amor de su vida y que no encaja ser rechazada. Qué bien. ¿Y? ¿ya está? ya está.

Uno de los pincipales problemas de la película, es que todos los personajes, a parte de enormemente tópicos, son idiotas, de encefalograma plano, y ninguno cae bien al espectador, algo verdaderamente preocupante en una comedia romántica. Para colmo, los actores están todos penosos. Que el inexpresivo Luke Wilson esté mal es algo a lo que ya estamos acostumbrados. Que la inexpresiva Anna Faris esté mal es algo a lo que ya estamos acostumbrados. Pero que la impresionante Uma Thurman esté totalmente desfasada, histriónica y fuera de lugar, es algo que nos decepciona profundamente. Sobre el resto del reparto no me apetece ni hablar, y además no se lo merecen.

Al final no hay nada salvable, ni siquiera los supuestos chistes-homenaje al cine de superhéroes y sus personajes, con alguna que otra secuencia que pretende ser el no va más de la originalidad, como el vuelecito que se marca la parejita y que resulta ser orgásmico. Lamentablemente todo eso es muy evidente, se ve venir a leguas, y termina provocando el más profundo de los bostezos y un total desinterés. El mismo que tenía antes de ver la película, pero con el añadido de la desgracia de haberla visto.