‘El Juramento’ es la tercera película dirigida por Sean Penn, mucho más conocido como actor que como director, y cuenta con un reparto sencillamente impresionante que llama la atención incluso para el que no sepa absolutamente nada sobre esta película. Jack Nicholson, Robin Wright Penn (mujer de Penn), Aaron Eckhart, Tom Noonan, Helen Mirren, Vanessa Redgrave, Benicio del Toro, Mickey Rourke y Patricia Clarkson aparecen, en mayor o menor medida, en una película que, disfrazada de thriller, es más bien un drama repleto de melancolía y con trazos de tragedia griega antes que la convencional historia policiaca de suspense.

En ‘El Juramento’, hay un acercamiento a la América rural, tranquila y apacible donde nunca ocurre nada de trascendencia, y que de repente se ve sacudido por un acontecimiento pesadillesco, después de la cual la vida de sus habitantes nunca volverá a ser la misma. En este caso, el detective Jerry Black (Nicholson) interrumpe su ansiada jubilación para ayudar en la investigación del asesinato de una niña de ocho años. Conmovido por la dureza de las circunstancias que rodean a todo el caso, Jerry Black jura encontrar al asesino para evitar que algo así vuelva a ocurrir. Que se lo tome a modo tan personal pronto le provoca una sensación de alerta permanente, casi paranoica, donde no puede fiarse de nadie, todo el mundo miente y oculta los detalles que podrían hacerle avanzar en sus pesquisas.

El estilo preciosista de Sean Penn, que más tarde ha mostrado también en la floja ‘Hacia rutas salvajes’, inunda todos los aspectos de la película. El escenario rural, nevado, en que se ambienta la historia ayuda a condensar todo en un tono puramente melancólico, y junto a la música discreta aunque emotiva de Klaus Badelt y Hans Zimmer, ofrece una experiencia inolvidable. Porque, ante todo, ‘El Juramento’ no es una película fácilmente digerible, más bien es el éxtasis, la cumbre de una perspectiva única dentro del séptimo arte. De esto deben haberse dado cuenta los actores, porque todos se muestran igualmente implicados. El por entonces semidesconocido Aaron Eckhart, que ahora interpretará a Harvey Dent en ‘El Caballero Oscuro’, salpica de carisma todos los planos donde sale. Pero claro, enfrente tiene al todopoderoso Jack Nicholson en una de las (no me van a creer) mejores interpretaciones de su carrera. Jerry Black es un detective apocado, pasivo, que resuelve los casos de forma entregada pero su eficiencia habla por sí sola. La más floja seguramente es Robin Wright Penn, pero tampoco lo hace mal, simplemente queda en un segundo plano si la comparamos con el resto del reparto.

A pesar de la estética minuciosamente preparada para exprimir belleza de donde no la hay, la película no omite escenas cruentas, como la protagonizada por Benicio del Toro. Asimismo, Helen Mirren y Mickey Rourke tienen su propia escena (en singular), y desarrollan todo su talento al servicio de la consistencia de la trama, que progresivamente va tornándose en una historia sobre la paranoia, la obsesión por cumplir el juramento realizado, el de encontrar a un asesino que se escabulle, que no se deja ver fácilmente. Jerry Black podría estar jubilado, y lo ha aplazado para capturarle él mismo. Y eso le corroe por dentro, a la vez que ha reinventado el sentido de su propia vida. ‘El Juramento’ es, pues, una película con una interesantísima evolución de personaje, SPOILER que acaba de la manera menos esperada posible, con una situación tan injusta como “lógica”, a juzgar por lo visto a lo largo del metraje. Esos dos minutos finales, en los que Jack Nicholson hace literalmente lo que le da la gana, son realmente demoledores, y dejan al espectador con la boca abierta sin mucho esfuerzo FIN SPOILER.

Habrá quien diga que ‘El Juramento’ acusa demasiado un ritmo no lento pero sí relajado. Y es cierto. De ahí que dure 125 minutos, y pudiera dar la sensación de que con más empeño, Jerry Black podría haber dado con las claves del misterio en menos tiempo pero con mayor agilidad. Pero justifico enteramente la duración de la película, porque esos actos, que no son más que diálogos con esos personajes nómadas en la trama, son el perfecto contrapunto para el envolvente mensaje que se insinúa poco a poco: la cosa no va a acabar del todo bien, y Jerry Black es el primero que lo sabe, muy a su pesar.

Sean Penn no explica, insinúa. Trata con muchísimo respeto al espectador, y sabe dar silencios en sus escenas, no para dotar a su film de pretenciosidad, sino para alternar momentos de “acción” con otros de libre albedrío para quien se digne a ver su película. ‘El Juramento’ exige de uno el pensar sobre la historia. Su aire hipnótico, gracias a la intensa fotografía, está más que preparado para este propósito. En la película se intuye sabiduría, resignación ante un mundo imperfecto que se mira con un prisma equivocado, que no es indulgente con los buenos y los malos pueden quedar impunes. Un mundo con más preguntas que respuestas. En definitiva, ‘El Juramento’ observa nuestro mundo de forma reflexiva, y todo bajo la tutela de un habilidoso thriller policiaco. Nada menos.

‘El Juramento’ es, en resumidas cuentas, una obra maestra absoluta. Un prodigio de dirección y guión, y una inolvidable ambientación. Quizá sería exagerado afirmar que se encuentra entre las mejores de la década, pero desde luego es imperdible. Les dejo con una escena memorable: la de Mickey Rourke, que encarna al padre de la niña asesinada, que en menos de un minuto actúa insuperablemente, se come la pantalla y de paso muestra la cara visible de la historia que se cuenta: la del dolor.

Pidiendo disculpas por el retraso en la información de los estrenos de DVD, os destacamos a continuación lo más interesante para esta semana.

Encantada

Sin duda es el estreno más comercial y que más llama la atención de la semana. Y como es de esperar en Disney, su lanzamiento en DVD se ha cuidado, con una funda en relieve, y extras variados como escenas eliminadas, tomas falsas, y un cuento (que no sé si es un cortometraje), ‘El aprieto de Pip. Una aventura emergente’, donde la famosa ardilla de la película intenta rescatar al príncipe Edward en Andalasia.

Con respecto a la película, reconozco que tiene una primera parte muy divertida por la autoparodia que hace de sí misma Disney, pero que falla en la segunda parte por ese final edulcorado con el que siempre acaban todas sus películas.

Sympathy for Mr. Vengeance

Hablamos del lanzamiento de una edición especial de esta película del director Chan-wook Park, y una muestra del buen cine que se realiza en Asia. Recordando la trama de la película está nos cuenta la historia de Ryu, un joven sordomudo, cuya única familia es su hermana, una joven que necesita con urgencia un transplante de riñón muy caro. Para conseguir el dinero Ryu y su novia terrorista planean el secuestro de la hija de un importante hombre de negocios. Pero lo que no habían previsto eran las fatales consecuencias: pagarán sus acciones con torturas y dolor….

Esto por una parte. En cuanto a lo de edición especial, viendo el contenido extra, me pregunto a que se refieren con ello, porque un cómo se hizo o un detrás de las cámaras, no aportan mucho la verdad. Lo único que se salva, y para aquellos que les gusta saborear la película de esta forma (y en muchas ocasioneshay descubrimientos fascinantes), es una audiocomentario de la película a cargo del director. Esto sí es especial, pero debería ser algo normal en cualquier lanzamiento de una película que se haga en DVD.

Once (Una vez)

Historia de amor sobre dos músicos callejeros, que ha encandilado a la mayoría de los editores de este blog. Se trata de una edición para coleccionista, porque incluye un poster de la película. Dejaré mi ironía por la enorme diferencia que hay con la edición normal de la misma. Incluye un segundo disco, en el primero destacan los audiocomentarios, incluido uno musical, mientras en el segundo se incluye un cortometraje de David Planell, ‘Banal’ (¿?), así como una actuación de los dos protagonistas cantando las canciones de la película. Menos mal que se incluye la película (no he podido evitar la ironía). Fuera bromas, es una delicia.

La sombra del reino

Otro de los estrenos comerciales que será destacado en los lineales de los grandes centros comerciales, por si encima le hiciera falta. Intento del director Peter Berg por hacer una obra parecida a las de Michael Mann. Que recuerde, pasó rápido por nuestras pantallas. En cuanto al contenido extra del DVD, que entiendo es el motivo de leer estas entradas, nos meten los mismos vídeos que estuvieron colgando gratis, y que seguramente aún se pueden encontrar en la Red. Se puede destacar el tiroteo del apartamento visto desde 4 puntos de vista , así como el montaje de la secuencia de la autopista, y el socorrido audiocomentario del director.

La vida interior de Martin Frost

Con todas las consecuencias, para amantes de Paul Auster (razón por la que hablo de ella). DVD muy sencillo. Eso sí, si de verdad se ama a Auster, lo mejor es encerrarse a leer alguna de sus últimas novelas.

The Last Kiss (El último beso)

Tanto Alberto, como Beatriz, dejaron constancia de lo floja que es esta película. Para servidor, el único atractivo de la misma es la aparición de Rachel Bilson (lo siento, aquí me dejo llevar por un impulso desconocido, pero tiene un no se qué, que la hace muy atractiva). En fin, que volviendo a lo que es el DVD, sólo decir que incluye la película y poco más… y no me tiréis de la lengua que empezaré a reconocer cosas que no se deberían publicar.

Bonnie and Clyde

Por fin llegamos a la razón de ser de los lanzamientos en DVD: traernos clásicos de la historia del cine. En este caso la película de Arthur Penn, con Warren Beaty y Faye Dunaway, que daban un giro a la realidad, convirtiendo en buenos a los malos y en malos a los buenos. Edición para coleccionista, en un empaquetado especial, con los trailers que se usaron para promocionarla, escenas suprimidas, y dos documentales sobre la historia real de estos dos ladrones y asesinos.

El cartero siempre llama dos veces

Es el remake de Jack Nicholson y Jessica Lange, que no llega al nivel del clásico protagonizado por John Garfield y la gran Lana Turner en 1946. Si sirve para recordar ver la versión en blanco y negro o para leer el novelón de James M. Cain, bienvenido sea. Lo más destacable de esta película es la famosa escena de la cocina (algunos dicen que lo hicieron de verdad, y Nicholson nunca lo ha negado), que verdaderamente es un ejemplo de cómo rodar una secuencia subida de tono. Volviendo al lanzamiento del DVD, éste tiene sólo la película.

El mundo loco de Harold Lloyd

No he podido resistir comentar esta colección con libro, de las películas de ese comediante del cine mudo llamado Harold Lloyd, que me hace recordar el fantástico ciclo que le dedicó las noches de los viernes TVE (allí se pudieron ver todas sus obras). Si queréis descubrir cine del bueno, una dosis de cine mudo es necesaria (nos pondremos a la obra en breve), por la simple razón de que nunca defraudan, y lo importante, no aburren.

Como ocurría con estos héroes de los primeros años del cine, Harold Lloyd realizada el mismo las secuencias de acción, de hecho perdío dos dedos en una de ellas (si os fijáis en sus últimas películas siempre llevaba un guante en una de sus manos). El pack contiene 10 discos, con sus obras más destacadas, incluyendo algunas ya dentro del cine sonoro, y bastante contenido extra.

Vía | Zona DVD

Sin ir más lejos, el año pasado, para celebrar su setenta cumpleaños montó una espectacular fiesta en su mansión, con seiscientos invitados y con setenta guapas camareras que no dejaron de servir a copas a los asistentes. Hoy, que cumple setenta y uno, seguro que también lo va a celebrar como merece la ocasión, aunque quizás no trascienda tanto. Hoy es buen momento para recordar una de las figuras esenciales de mi mitomanía cinéfila particular.

Desde sus inicios, en títulos como ‘Cry baby killer’ (su debut en 1958), y en‘El Terror’ o ‘La pequeña tienda de los horrores’, ambas bajo el apadrinamiento y la batuta del gran Roger Corman, hasta su más reciente y aclamada interpretación en ‘Infiltrados’ de Martin Scorsese, han transcurrido más de cuatro décadas y más de setenta títulos.

Su enorme capacidad de meterse hasta el tuétano de sus personajes le ha reportado muchas satisfacciones como actor y nos ha brindado, a los cinéfilos, papeles dispares, pero entrañables, únicos, llenos de fuerza y pasión. Heredero, admirador y deudor del gran Marlon Brando, Jack se ha movido con igual destreza en el drama, como en el terror o en la comedia, y con tanta comodidad y facilidad como su capacidad interpretativa le ha permite. Tanto carácter ha impregnado a los grandes personajes que ha protagonizado, que a uno ya le resulta difícil separarlo de su imagen real.

Cuando lo ves entusiasmado, con sus inseparables gafas oscuras, sonriendo sarcásticamente en un partido de baloncesto, de sus adorados Los Ángeles Lakers, parece la misma sonrisa diabólica que esbozó en ‘Las brujas de Eastwick’, en ‘Batman’ o en ‘Mejor Imposible’. Y es que entre los personajes de Nicholson y el propio Jack resulta difícil distinguir. Quizás uno de los capítulos más duros de su propia vida tenga algo que ver. Jack vivió en una equívoca situación familiar hasta que conoció que la que siempre creía su hermana mayor era, en realidad, su madre, mientras que su abuela era quien ejerció el papel maternal durante toda su infancia. Un trago difícil de digerir, pero que le forjó con fuerza para afrontar el resto de su dilatada y extensa vida personal. Siendo un adolescente se marchó a la costa oeste para aprender arte dramático. Luego llegó Roger Corman y sus inicios como actor en la entrañable serie B del maestro. Titubeantes interpretaciones que ya evidenciaban la madera de actor que disponía. Hasta que Denis Hopper lo lanzó al estrellato con la exitosa y mítica ‘Easy Rider’. Después llegaron títulos indelebles como ‘Mi vida es mi vida’, ‘Rojos’, ‘El honor de los Prizzi’, ‘La fuerza del cariño’, ‘El cartero siempre llama dos veces’,...

Es cierto que Jack peca de excesivamente histriónico en sus trabajos, pero no se le puede negar que es una personalidad abrumadora y que afronta sus papeles con maestría, oficio y con una presencia magnética y absorbente para la cámara. Al igual que hace con su propia vida, repleta de momentos excéntricos y salvajes, sumando conquistas, mujeres, broncas y juergas por doquier. Viviendo al límite pero sin perder ese carisma que le es propio. Al igual que no pierde su sencillez y humildad, que le lleva a reconocerse como sólo un tipo que hace películas. Y es que ese histrionismo acentuado, que en los demás puede suponer un defecto, él lo ha convertido en su mejor virtud, su sello personal.

En Blog de cine | Jack Nicholson

Hay actores cuya sola presencia justifica el visionado de una película. Da igual que sea buena o mala o de qué va, el magnetismo que desprenden algunas de esas denominadas estrellas, es más que suficiente. Evidentemente a todos nos gustaría ver una excelente película siempre que entramos en una sala de cine, eso es más que obvio. Pero cuando el material de la misma no da para mucho, si al menos podemos disfrutar de una gran presencia, pues no seré yo el que se queje.

Algo por el estilo es lo que le sucede a una película como ‘Ahora o Nunca’ (‘The Bucket List’, 2007), a la que por cierto los trailers no le están haciendo justicia alguna, ya que nos la venden como una comedia en la que dos enfermos terminales de cáncer se dedican, antes de morir, a hacer el mayor número de locuras posibles para sentirse vivos de verdad. Realmente hay más que eso, precisamente lo más salvable de un film, que sin ser ninguna maravilla (ni siquiera bueno) proporciona las suficientes dosis de evasión, aderezadas con la presencia de dos estrellas compenetrándose a la perfección.

Que el director elegido para reunir a estos hiperfamosos y admirados actores sea Rob Reiner tiene cosas buenas y cosas malas. Malas porque Reiner hace tiempo que perdió el norte, si consideramos que su última gran película data de 1992, ‘Algunos Hombre Buenos’, curiosamente con Jack Nicholson en su reparto. Después de eso lo intentó dando bandazos en géneros varios, consiguiendo resultados a medias, pero siempre haciendo añorar al espectador sus buenos tiempos. Y precisamente algo de esos buenos tiempos aún le queda a Reiner corriendo por sus venas, porque a pesar de sus mediocridades, ninguna de sus películas puede considerarse una basura infumable (a diferencia de otros directores que también empezaron con buen pie, y ahora no saben ni gatear). Reiner demuestra cierta sensibilidad en el inicio y en el final de ‘Ahora o Nunca’ que la hacen un film aceptable, a pesar de estar llena de tópicos y lugares comunes, pero por lo menos en esos momentos no se trata al espectador como si fuera imbécil, y no hay manipulaciones de ningún tipo.

Todo lo que hay ne medio de esas dos partes, las cuales tiene mucho más de drama que de comedia, hablan de lo que efectivamente nos cuenta el trailer: dos enfermos terminales pegándose la vida padre mientras puedan, haciendo una serie de cosas apuntadas en una lista que se convertirá en una especie de mandamientos para los dos carismáticos personajes. Pero no es más que un montón de escenas de dos tíos viajando por todos los lugares conocidos del planeta, simple y llanamente para rellenar metraje.

Afortunadamente para todos podemos disfrutar casi en su totalidad de las presencias de Morgan Freeman y Jack Nicholson, quienes hacen creíble lo increíble, interpretando con una gran naturalidad a dos personajes que enseguida nos meten el bolsillo. Da igual que en su parte central, la película haga aguas por todos lados, ellos nos lo hacen soportable, y elevan el film a una altura que ya quisieran otros films de idéntica índole. Y eso que sus personajes no son el colmo de la originalidad, pero los actores están tan entregados que es otro de esos factores que pasamos por alto. Ver a esos dos antagonistas hablar sobre la vida y la muerte, sobre la felicidad, sobre el buen café, sobre las mujeres, con el mundo de fondo, es suficiente regalo como para no salir cabreados de una película que tenía todos los boletos para conseguirlo. Tal vez me quede con Freeman, el verdadero conductor de la trama. Nicholson siempre me ha parecido sobrevalorado, su histrionismo a veces le queda mal (como en muchas de las películas que protagonizó), pero cuando le da por la sobriedad el tío es impagable (como en muchas de las películas que protagonizó).

Todo lo demás no está a la altura, salvo unos minutos finales, muy bien llevados por Reiner. Y es que Freeman y Nicholson lo eclipsan absolutamente todo. Afortunadamente, esto ocurre para bien. ‘Ahora o Nunca’ es una pasable película, que por fortuna dura poco, no se enrolla demasiado (tampoco hay mucho para desarrollar), se ve con agrado y luego se olvida. Eso sí, a todos nos gustaría ver a estos dos actores en proyectos con más garra.

El hoy casi olvidado Rob Reiner ha logrado reunir en ‘Ahora o Nunca’ (lamentable título español de ‘The Bucket List’) a Morgan Freeman y Jack Nicholson, dando vida a dos enfermos terminales de cáncer que un día deciden escaparse del hospital en el que se hayan e intentar hacer esas cosas que siempre quisieron hacer, antes de morir. El film se estrenó limitadamente en Diciembre y este pasado fin de semana lo hizo con una distribución mayor, teniendo unos resultados bastante aceptables. Eso sí, la crítica no ha sido muy benevolente.

‘First Sunday’ es una comedia sobre dos ladronzuelos al servicio de su protagonista principal, Ice Cube. La película ha tenido cierto éxito entre la población afroamericana, su principal público. Los críticos también la han suspendido.

‘The Pirates Who Don’t Do Anything: A VeggieTales Movie’ es una película de animación en 3D protagonizada por vegetales (uff). A ver quién se acuerda de ella cuando se estrene por estos lares. Aún así, los críticos la han tratado mejor que a los dos films anteriores.

Respecto a las ya conocidas del top ten, seguir destacando el increíble subidón de ‘Juno’, sin duda el sleeper de la temporada, con bastantes posibilidades de ser nominada a los Oscars.

Vía | Imdb

Considero que pensando durante más de dos segundos podemos darnos cuenta de que el cine es un trabajo de equipo en el cual la autoría es mucho más difusa de lo que la Ley de Propiedad Intelectual especifica.

Pongamos una serie de ejemplos, para continuar más adelante con el debate:

¿Es más “autor” de ‘Infiltrados’ Howard Shore (músico) que Thelma Schoonmaker (montadora y merecidísma ganadora del Oscar)?

¿Es más “autor” de ‘Robocop’ Jost Vacano (director de fotografía) que Rob Bottin (creador de la armadura, de la cual depende el 90% de la credibilidad de la película)?

¿Es más “autor” de ‘Metiroso Compulsivo’ Tom Shadyac (director) que Jim Carrey (y no, que nadie diga que su interpretación estaba marcada muy de cerca por Shadyac)?

La respuesta nos la dan los directores de fotografía: en sus debates, simplemente se limitan a arrimar el ascua a su sardina y, en ningún momento plantean en derecho legítimo de otros departamentos a la “autoría” como se está haciendo este artículo.

¿Y eso por qué es así? Muy sencillo: la consideración de “autor” no es una mera recompensa moral, no —para eso ya están los premios—. Es algo mucho más importante en este mundo en que vivimos. Y ese algo se llama dinero.

Los directores de fotografía reclaman una autoría a la que, sin duda, tienen derecho, pero se cuidan mucho de incluir a nadie más porque ello supone, por aritmética simple, que “la parte del pastel” que les corresponde sería menor. Sólo interesa la “justicia” que beneficia a cada uno.

Al final, la Ley no recoge “lo justo”: deja que la definición de “autoría” provenga del propio “mundo del cine”. Así, el resultado es una ley que, antes que atender a lo lógico sólo muestra una foto de una industria inexistente donde unos pocos grupos de presión, debidamente organizados y sindicados, saben imponerse.

No dudo que los directores de fotografía lograrán su pretensión. Y no me parecerá mal. Simplemente, se ganarán el merecido rechazo de otros oficios cinematográficos que no han logrado crear las debidas asociaciones para luchar por sus legítimos derechos. Como decía Jack Nicholson al principio de ‘Infiltrados’, “Nadie te va a dar nada: tienes que cogerlo”.

Personalmente, creo que hay dos opciones igualmente sanas y válidas a la hora de afrontar el tema de los derechos de autor.

La primera, basada en la lógica más elemental del mercado es que la película es sólo del productor. Todos los que trabajan en una película están ahí en virtud de un contrato con el productor, que ha decidido que son los idóneos para desempeñar su trabajo. Y, en virtud de ese contrato, cada departamento – incluido el director— es remunerado. Cierto, esto supone asumir que el productor es alguien con criterio, algo lógico en casos raros como el de Elías Querejeta, pero difícil de digerir ante mucho mafiosillo español que sabe hacer cabriolas con la subvención sin importarle el resultado final.

La otra opción supondría reconocer que todos los departamentos son autores. Con los ejemplos del principio, me resulta un hecho indiscutible que la restricción a unos pocos es disparatada. Por supuesto, si para que se imponga este criterio es necesario que toda la profesión se sindique, bienvenido sea: aumentarán los costes de producción, sí, pero ése me parece un paso necesario para que se produzca un número lógico de películas (actualmente, el cine español produce un número excesivo de filmes que el mercado no puede absorber) con mayor dotación de recursos cada una.

En cualquier caso, el “camino de en medio” que plantea la ley actual, está claro que es un sinsentido tan grande como cuando Truffaut dijo que el único autor de la película era el director (un claro caso de confundir “lo más relevante” con “lo único”) y que cualquier paso para superarlo es bien recibido. Por partidista e interesado que sea.

La verdad es que no sé qué pensar de esta película. Lo cierto es que su trailer no pinta demasiado bien, y da la sensación de que Jack Nicholson y Morgan Freeman la han rodado para pasárselo en grande y nada más. Los dos actores interpretan a dos enfermos de cáncer que se fugan de la residencia en la que están para hacer todas aquellas cosas que siempre quisieron hacer antes de morir.

Aquí tenéis el primer póster de ‘The Bucket List’, que es como se titula la película en cuestión, y lo cierto es que el mismo no es demasiado bueno. En fin, habrá que confiar en su pareja protagonista, y también desear que su director, Rob Reiner, vuelva a inspirarse como antaño lo hacía en películas como ‘Cuenta Conmigo’ o ‘Algunos Hombres Buenos’. La película se estrena en nuestras pantallas el próximo 1 de Febrero.

Vía | Impawards

Protagonizada por dos grandes como Jack Nicholson y Morgan Freeman, nadie pensaría en perderse ‘The Bucket List’. Pero tras ver el trailer, es posible que más de uno abandone la idea. Todo cobra sentido cuando se descubre que el director es el pasteloso Rob Reiner, de quien probablemente hayáis visto ‘Cuando Harry Encontró a Sally’ (para mí, su mejor film, con diferencia), ‘Historia de lo Nuestro’ o ‘Dicen por Ahí’. Efectivamente, ‘The Bucket List’ tiene ese toque empalagoso que echa para atrás. De todas formas, ya sabéis, sólo es un trailer, luego la película puede ser muy diferente (que va a ser que no, pero bueno, podría).

La película se estrena en Estados Unidos el próximo 25 de diciembre (¿casualidad?) y gira en torno a dos enfermos terminales de cáncer que elaboran una lista con una serie de deseos que les gustaría cumplir antes de su inminente muerte. El reparto se completa con Sean Hayes, Serena Reeder, Beverly Todd, Rob Morrow y Alfonso Freeman (sí, hijo de Nicholson).

‘The Bucket List’ | Ver Trailer

Gracias a Dan por el aviso.

Nunca antes había amado de este modo, nunca había mirado a una mujer y pensado: si la civilización fracasa, si el mundo se acaba, pero estoy contigo, seguiré comprendiendo qué pretendía Dios.

Jack Nicholson a Michelle Pfeiffer en ‘Lobo’

Llegó el momento más esperado de la noche, el Oscar a la mejor película, que finalmente ha sido para el remake de Martin Scorsese, Infiltrados.

Por un lado resulta emocionante ver como por fin se premia el trabajo de un director que lo ha merecido en tantas ocasiones, pero por otro me parece injusto ya que quizá esta no era la ocasión más adecuada.

Por segunda vez, hubiera preferido Cartas desde Iwo Jima, a la decisión tomada por la Academia.

Eso si, la cara de felicidad de Scorsese no tiene precio, y la calva de Jack Nicholson, junto a la elegancia innata de Diane Keaton tampoco.

Hoy en día los Who ponen la banda sonora a las producciones más exitosas de Jerry Bruckheimer para televisión. En CSI Las Vegas se escucha ‘Who Are You?’, en CSI Miami, ‘Won’t Get Fooled Again’ y en CSI Nueva York, ‘Baba O’Riley’.

Pues los supervivientes de este mítico grupo, Roger Daltrey y Pete Townshend, tocaron anoche por primera vez en España, en el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. De las dos películas arriba mencionadas interpretaron varios temas. De ‘Quadrophenia’, la espectacular ‘Love Reign O’er Me’ y ‘Drowned’, que Townshend presentó diciendo que era la primera vez que tocaba la guitarra acústica en la cuna de la guitarra acústica, España. Se dejaron todos los temazos de ‘Tommy’ para unos poderosos bises: ‘Amazing Journey, ‘Pinball Wizard’, ‘See me, Feel Me’ y ‘Listening to you’.

Otros grandes temas con los que deleitaron a un público que no llenó las gradas ni la pista del Palacio, fueron ‘Behind Blue Eyes’, ‘You Better You Bet’, ‘Substitute’, ‘I can’t explain’ ‘The Seeker’ ‘Anyway, Anyhow, Anywhere’ … El concierto fue entretenido y trepidante. Townshend hizo girar su brazo con su gesto característico y mostró un buen humor que no siempre le acompaña, además de la maestría que le ha valido un lugar entre los mejores guitarristas de la historia. El grupo demostró que no le falta energía y mucho menos himnos con los que hacer saltar a seguidores de todas las edades y de distintos estilos, desde los más “mods” hasta mucho “friqui”, pasando por numerosos melenudos de más de cuarenta años. Recuperaron el caos y la furia de antaño después de ciertas actuaciones en las que les habían tachado de acadénmicos, especialmente cuando tocaban con orquesta.

En sustitución de los miembros desaparecidos, Pino Palladito se ocupaba del bajo que antes había llevado John Entwistle y Zach Starkey, el hijo de Ringo Star, de la batería de Keith Moon. Acompañaban John “Rabbit” Bendrick en los teclados y Steve Townshend, el hijo de Pete, en la guitarra rítmica. Todos ellos con un más que digno resultado.

Para quien no pudiera verlos y tenga ganas, aún queda una cita mañana en Zaragoza. Si no puede asistir, puede adquirir por Internet un DVD y un CD audio con la grabación del concierto que prefiera de toda la gira. También se pueden ver en esta web, cuyos beneficios se donarán a proyectos caritativos. Afortunadamente, prometieron que volverían.

Para seguir vinculando este comentario al blogdecine, puedo añadir más información sobre las incursiones en el mundillo fílmico de los miembros de The Who, especialmente de Pete Townshend. Por ejemplo: hubo un proyecto fallido de llevar al cine ‘Life House’, el intento de disco conceptual doble de Pete Townshend que al final se quedó en el sencillo ‘Who’s Next’. En 1985 se hizo una especie de película experimental con fragmentos documentales sobre el disco de Pete Townshend ‘White City’. Townshend fue productor ejecutivo en la maravillosa película ‘El gigante de hierro’, para cuyo musical había compuesto la música y también lo había producido. Dirigió ‘Delia’, que cuenta la historia de uno de los discípulos de Meher Baba, su líder espiritual.

Sobre su discografía y su historia se pueden leer más datos aquí.

Blog sobre traducciones mal hechas.

Si en España se doblara tan mal como se hacen otras cosas, como por ejemplo, actuar, los doblajes serían un desastre. No podríamos haber visto casi ninguna película extranjera. Qué mejor ejemplo que todos los films que Stanley Kubrick le encargó a Saura que doblara y que, por lo tanto, fueron interpretados por actores físicos en lugar de por actores de doblaje. Ahí quedan esos espantos, como ‘El Resplandor’ (‘The Shining’, 1980) en la que la voz de Joaquín Hinojosa resulta blanda y nada adecuada para Jack Nicholson, a quien siempre dobla Rogelio Hernández con una voz que vale un mundo. Y no sólo actuar. En España tenemos un nivel muy bajo en cuanto a cine, a composición e interpretación musical, a creación de espacios televisivos y a muchas cosas… sin embargo, los actores y actrices de doblaje son bastante buenos. No todos, claro, como en cualquier otro ámbito, los hay buenos y los hay malos, pero los que participan más habitualmente en series y películas son buenos profesionales.

Evidentemente, me diréis que lo haga yo, que es muy fácil criticar sin hacerlo una misma, que me meto con una cosa que no conozco… Y ese “hacemos” del título es una de esas primeras personas que se utilizan, por ejemplo, en el fútbol cuando nuestro equipo o selección marca un gol. Tendréis razón, pero también es verdad que quien traduzca un guión y quien dirija un doblaje tiene una responsabilidad. Las películas y las series, generalmente, tienen una difusión enorme. El público, al estar constantemente escuchando frases que no existen, construcciones incorrectas, palabras empleadas sin propiedad… se acostumbra y las aprende y, por lo tanto, en muchas ocasiones las utiliza mal en su vida. Claro que también habla muy mal gente que aparece en televisión y que no está siendo traducida y claro que también sobre ellos debería ejercerse un filtro y una corrección. Pero eso es otro tema. En el doblaje es una pena que la mitad del trabajo se haga tan bien y la otra mitad, tan mal.