Lo que yo daría por escribir un guión como el que escribió hace ya muchos años Jim Harrison, un novelista y poeta de raza, y que se titulo ‘Wolf’ en Estados Unidos y ‘Lobo’ en España (en uno de esos raros casos en que los distribuidores respetan el título original. Harrison es un autor de historias muy masculinas y muy potentes, que además siempre está en contacto con la naturaleza a través de sus historias, y que con su poesía y su trabajo literario en general ha sido reconocido con el debido prestigio.

En los créditos de la película comparte autoría con Wesley Strick, escritor mucho más flojo que él (basta ver su trayectoria), y que en realidad sólo fue responsable de algunos retoques, pues Harrison escribió el guión en solitario, fundamentalmente. Mucho más grave fue que el proyecto cayera en manos del anodino Mike Nichols, que en ningún momento estuvo a la altura del libreto que tenía entre manos. A veces no basta con un guión maravilloso para que todo llegue a buen puerto, lo que echa por tierra esa teoría de los puristas de que la clave de una buena película es guión, guión y guión.

Cuenta, Harrison, que mientras escribía el guión sentía que el pelo le crecía por lugares insospechados, y que los sentidos se le agudizaban. No es para menos. Su trabajo posee el ingenio y el talento de los maestros del cine fantástico, y es plausible que, metiéndose de cabeza en esta historia tan fascinante, comenzara a auto sugestionarse y a sentir que lo que escribía era posible y probable. Desde luego, mientras se ve la película, si uno se olvida un poco de cómo está formalizada por Nichols, se tiene la sensación de que el autor del guión ha logrado esa rara alquimia consistente en suspender toda incredulidad y hacerte creer que cualquier cosa puede ocurrir.

Un proyecto lleno de posibilidades…

Will Randall, editor jefe de una casa editorial, ve cómo su gris existencia sufre un cambio repentino y asombroso cuando un lobo le muerde en mitad de una carretera nevada. A partir de entonces le acompañaremos en una historia que, por un lado, es una fábula romántica y oscura de gran calado y, por otro, una exacta metáfora del feroz (nunca mejor dicho) mundo empresarial norteamericano, en el que hay que morder antes de ser mordido, y que exige marcar bien el territorio con tu meada sino quieres que te devoren por la espalda. Es admirable de qué modo Harrison estructura ambas ramificaciones de su historia, sin perder jamás el hilo ni desatender a ninguna de ellas.

Además, a esto hay que añadir unos diálogos magníficos, que dejan bien claro que su autor es escritor de gran calibre, y una mitología, unas reglas internas, muy trabajadas. Como en mi escena preferida, aquella en la que Will acude a ver a un místico que le explica algunas cosas sobre su nueva condición. Este momento, para mí, es el corazón auténtico de la película, su razón de ser y su centro vital, por su bello diálogo y el sorpresivo final de una secuencia que se merecía mucho más de lo que finalmente ha quedado en pantalla.

Y un director equivocado

Nichols filma este momento trascendental, crucial, como si fuera un telefilme de sobremesa, o peor, como si no le importara en absoluto lo que está contando, lo que es muy grave. A él el la fantasía y la imaginación le dan lo mismo, nada excita su corazón. Y su torpeza es tal que este encuentro parece casi una comedia, porque el tono se le va completamente en la elección del actor que da vida al místico, y su modo de dirigirlo. Y no es el único momento en que Nichols parece no saber que el cine ha evolucionado, que estamos muy lejos de aquellos años (mal llamados del cine clásico) en que el director se limitaba a encuadrar más o menos bien a sus actores.

Cuando Laura Alden (interpretado por una muy atractiva Michelle Pffeifer, y muy bien su papel además) descubre que todo lo que le ha contado Will es cierto, a pesar de que no mucho antes no creía una palabra sobre hombres-lobo, y se asusta al encontrarse de nuevo con Will (que ya sabe que ella sabe…), y en ese momento el guionista, con una delicadeza y una sensibilidad abrumadoras, escribe ese bello momento: “...quizá haya finales felices incluso para los que no creen en ellos”, Nichols filma un momento que tendría que haber sido conmovedor, mítico, con una falta de tensión, de ritmo y de fuerza recalcitrantes. ¿Por qué eligieron a este grandísimo director de actores, que debutó de manera tan sensacional con ‘El graduado’ para luego dormirse en los laureles del divismo?

Y lo de grandísimo director de actores es tan cierto que al final es el único aliciente de todas sus películas. Aquí consigue, salvo algunos errores como el ya comentado, aunar a sus actores de manera ejemplar, sacando lo mejor de ellos sin manierismos ni trucos raros. Y el reparto responde muy bien (sobre todo los fenomenales secundarios, James Spader, Kate Nelligan, Richard Jenkins). Sin embargo Nichols se ve incapaz de imprimir energía y ritmo a su historia, de hacernos vivirla a tope, de dar una atmósfera, de ofrecer buenos momentos técnicos (la caza del antílope da grima).

Cuando se tiene a un reparto tan bueno, cuando la música es del genio Morricone (muy bella en sí misma, pero desgajada de la película), cuando el operador es un tipo tan maravilloso y de trayectoria tan fascinante como Giuseppe Rotunno, y sobre todo cuando se tiene un guión tan genial, y aún así la película no enamora, sólo puede ser culpa del dire. Una lástima. No es una mala película, ni mucho menos. Un poco sí que nos crece el pelo a todos. Pero tendríamos que haber salido aullando por la ventana en ese final.

Gittes:
¿Por qué hace esto? ¿Cuánto mejor puede comer? ¿Qué puede comprar que todavía no le pertenezca?

Noah Cross:
El futuro, Señor Gitts, el futuro.

Buceando en el caótico magma que es el cine (demasiadas películas se hacen al año, creo yo, a pesar de ser un asunto tan caro), es necesario encontrar ciertos faros, que a modo de guía, le reconcilian a uno con las películas. Sobre todo si se le dedica al cine tanto trabajo, tanto estudio y tantas horas de escritura como hacemos algunos. Y por uno de esos faros, uno de esos oasis, tengo a la octava realización del cineasta de origen polaco Roman Polanski, filme que este año cumple 25 35 años de existencia, y que no ha envejecido ni un ápice. De hecho, está más joven y más vigente que nunca.

El breve diálogo que he incluido más arriba me parece que resume, como un zarpazo terrible y verdadero, todo el espíritu de esta desoladora película, que sin el menor miramiento hacia el espectador, profundiza en la invencible capacidad de algunos canallas (verdaderos monstruos) por salirse con la suya, enriqueciéndose mientras aquellos a los que pisotean les perciben como personas respetables. Pocas veces el cine norteamericano ha llegado tan lejos en la crónica de la perfidia de los poderosos. Tuvo que llegar un pequeño (sólo por su tamaño) cineasta europeo y contarnos la cruzada de J.J. Gittes (“Gitts” y otras variantes para Cross).

‘Chinatown’ podría haberse alzado con numerosos Oscar, pues estaba nominada a 11 de ellos. Su problema fue que se enfrentó a una fuerza de la naturaleza llamada F.F. Coppola y a la segunda parte de ‘El Padrino’. Pero si la película de Polanski hubiera vencido a ésta, nadie podría haberse rasgado las vestiduras. Su único Oscar, para el guión de Robert Towne (que escribió, sin acreditar, una secuencia crucial en la primera película de los Corleone), guión que ha sido elegido por especialistas y escritores de cine como uno de los más perfectos del cine norteamericano.

Un guión que propone un relato de época (ambientado en los años 30) y una investigación criminal inspirada (como aseguraba el propio Polanski) más en la literatura negra que en los filmes de ese género que, precisamente, entre los años 30 y 50, tanta y tan notable presencia conocieron en el cine norteamericano. Los referentes de Polanski, por tanto, no son tanto Hawks o Lang, como Hammett y Chandler. En ese sentido, el cinéfilo Polanski no tiende a la mímesis ni al homenaje, sino que se posiciona tras la cámara con una mezcla de humildad y descaro juvenil, dispuesto a superar a algunos maestros. A mi juicio lo consiguió, pues mientras otros grandes cineastas abrieron las ventanas futuras que hacen posible este ‘Chinatown’, el polaco Polanski se adueña del género sin someterse a él.

Y se adueña de él adoptando, con una escrupulosidad ascética, el punto de vista del detective hasta en los más mínimos detalles. En la imagen superior a este párrafo podemos observar de lo que hablamos. No sólo la totalidad de las secuencias están protagonizadas por Gittes, sino que la puesta en escena, así como el relato en última instancia, es un estudio de la mirada. La mayoría de las escenas comienzan con su punto de vista (falso, o auténtico o ambos) y muchas de ellas mantienen ese punto de vista o vuelven a él. Me explico: lo que ve la cámara, el espectador, es tal cual lo que ve Gittes, y si luego ese plano panoramiza, puede hacerlo al rostro del detective para luego volver a convertirse en su mirada. Para ello se hizo uso, casi en exclusiva, de un objetivo de 40 mm., cuya imagen es muy similar a lo que se supone percibe el ojo humano.

Pero acomete esta empresa sin cansar al espectador, sin abusar de este procedimiento narrativo, haciendo gala de una gran elegancia y criterio, colocando siempre la cámara a la altura de la mirada del personaje correspondiente, siempre muy encima de los actores. Si en ‘El baile de los vampiros’ seguía a sus cazadores de vampiros con la cámara en el hombro de los intérpretes, y en ‘Rosemary’s Baby’ sus planos se acercaban y se alejaban del rostro de los mismos a gran velocidad, aquí la ley (que rompe cuando quiere pero siempre por una buena razón) es otorgar prioridad a qué ve Gittes y qué obtiene con ello. Y una empresa estética de este calibre no hubiera llegado a buen puerto sin un operador soberbio como John A. Alonzo.

Este director de fotografía, ya fallecido, logró su cumbre con la luz que creó para esta película, que ha sido elegida por sus colegas de profesión en numerosas ocasiones como una de las fotografías más bellas y exquisitas de la entera historia del cine, por su insuperable riesgo formal y dificultad de ejecución. Pero no es una fotografía preciosista o que busque llamar la atención sobre sí misma (como ocurre a veces en este género), sino contenida y sutil, basada casi en su totalidad en fuentes de luz naturales. Además, el fabuloso diseño de producción de Richard Sylbert (una leyenda de su oficio, también fallecido) potencia esos tonos amarillos y ocres que hacen del aspecto de esta película algo tan inquietante y tan realista.

Y, para colmo, redondeamos la aportación de los más estrechos colaborades del director (fotografía, diseño de producción y ahora música) con la soberbia música que el genio Jerry Goldsmith compuso a tal efecto. Una música cuya delicadeza y languidez es clave para situarnos, ya incluso en los créditos, con la debida disposición anímica. La trompeta de Goldsmith parece hablarnos de un mundo de gran riqueza material, pero de absoluta pobreza interior. También de la fatalidad del destino, de la imposiblidad de olvidar y superar el pasado. Pero ante todo transmite una indescriptible melancolía.

El problema del agua es el fondo de la cuestión, claro. Una investigación que comienza como una banal historia de celos y de matrimonios problemáticos y que acaba derivando en un caso de grandísima complejidad e importancia social. En un principio el protagonista (interpretado con gran variedad de registros por el sinpar Nicholson) no es más que un investigador enriquecido con las miserias de los demás. Pero pronto descubriremos que es un tipo bastante noble, dispuesto a llegar hasta el final, porque sabe que se cuecen asuntos muy importantes que, sólo por casualidad, le han convertido en marioneta ocasional, en un instrumento más para la consecución de ambiciosos objetivos.

Pero Gittes, aunque inteligente y capaz, se verá en todo momento desbordado por los acontecimientos y la emarañada red de personajes e intereses, de víctimas y verdugos. En un principio, genial idea, casi pierde la nariz (una metáfora de la capacidad “olfateadora” del investigador) por meterla en temas demasiado grandes, y al final no podrá creerse cuántas atrocidades pueden cometerse para “comprar el futuro”, y cuánta falta de humanidad tienen algunos seres humanos. No es esta una película “para pasarlo bien”, sino para enfrentarse a la cruda realidad, para constatar que el diablo es muy terrenal, y que su genio es incuestionable. Tiene Polanski la mirada amarga y sombría, pero al menos puede crear belleza con ella. Eso nos queda.

Noah Cross (inconmensurable John Huston, en el papel de su vida) da vida a uno de los personajes más abyectos y luctuosos del cine americano. Pero ya se sabe, lo hermoso se encuentra más puro encerrado en lo terrible. Y Polanksi no escatima esfuerzos en viajar a un infierno metafórico, carente de agua y de sentimientos, que junto con el “infierno cotidiano” de ‘Rosemary’s Baby’ forma un díptico insuperable, y las únicas dos películas netamente norteamericanas del director. Pocos directores norteamericanos pueden alcanzar en toda una carrera, esta calidad. El pequeño polaco acertó plenamente, con talento de maestro, en dos de dos ocasiones.

A menudo en este blog, y en otros muchos así como en revistas, se utiliza con desdén la expresión “obra maestra”. Expresión manida como pocas, y de la que muchos abusan, ya sea para otorgar esa calidad a una película o para quitársela. Muchas veces se emplea con largometrajes, a mi parecer, que no lo merecen ni por asomo, más por fanatismo que por conocimiento. Pocas veces, creo yo, pueden aplicarse esas palabras con tanta seguridad como aquí. Sinceramente, pienso que el cine no puede llegar más lejos, o es muy difícil que llegue más lejos, que con esta excepcional película.

En el encuentro entre el mundo tenebroso de Stephen King y la genialidad visual y narrativa de Stanley Kubrick, tuvo lugar la terrorífica ‘El resplandor’ (‘The Shining’). Aclamada como una de las mejores adaptaciones (aunque muy libre) de una obra de King, lo cierto es que la cinta de 1980 dejó grabadas en nuestra memoria algunas escenas antológicas. Sobrecogedoras, inquietantes y capaz de hacer temblar al más sereno, en el ‘El resplandor’ asistimos a momentos únicos con un protagonista, un villano de bandera que desató el pánico en cada rincón del hotel Overlook, encarnado por el más desquiciado Jack Nicholson.

Jack Torrance es uno de esos personajes inolvidables del cine, la pura esencia de la locura desatada y que se apodera de la historia, ofreciendo todo un arsenal de matices capaces de superar el límite en cada uno. Un ex profesor alcohólico, con espíritu de escritor frustrado, que decide aceptar el trabajo como vigilante en un hotel alejado durante los meses del invierno en el que permanece cerrado y en donde encontrará un progresivo encuentro con la locura y el miedo.

Lo que más me gusta de Jack Torrance es cómo progesa su enajenación, como llega al hotel, en un estado de cierta desesperación contenida, esperando redimir sus frustraciones en un lugar, aparentemente adecuado, y encuentra campo libre para desatar un conflicto que lo transforma en todo un psicópata.

Sin embargo, ese desquiciamento in crescendo viene provocado por agentes externos. Por una serie de factores como la claustrofobia que provocan las estancias vacías e inquietantes del hotel, con una atmósfera opresiva, casi asfixiante y unas apariciones extrañas, Jack no puede contener su rabia interior y se descontrola hasta el infinito. Su esposa Wendy y el pequeño Danny son sus acompañantes, a la vez que sufridores de las alucinaciones, que no se cuestionan si reales, pero claramente fantásticas que generan una ansiedad extrema y la gota que colma el vaso de la paciencia de Torrance.

Nicholson bordó su papel. Su físico es el adecuado para encarnar al personaje maquiavélico, y sus progresivo descontrol mental, esa afloración del mal, va provocando verdaderos escalofríos. Su mirada, su histrionismo, su voz, son elementos con los que nos deja un papel antológico y consigue encarnar a la perfección la verdadera locura, pero también a un ser malvado y un villano único.

A pesar de que Torrance llega con aparente calma y buena predisposición, y como hemos dicho albergaba las raíces para desatarse, resulta complicado pensar que cualquiera en esa situación no se hubiera vuelto igualmente loco. Es lo que Kubrick intenta transmitir con esas imágenes tan sobrecogedoras y terroríficas. La soledad y la incomunicación terminan volviendo loco al más pintado. Aunque si bien es cierto, que Jack Torrance tiene el perfil más adecuado para llegar hasta donde llega. Incluida esa gélida imagen final que no supone tanto un desenlace como una forma de retener el estado extremo alcanzado.

Aunque siempre me quedaré con esos momentos en los que Torrance despliega su lado más retorcido atemorizando a su esposa, con un sadismo y una maldad únicas. Una buena muestra en una de las escenas más míticas:

Otros de mis villanos favoritos:

• El capitán Vidal (‘El laberinto del fauno’)
• Catherine Tramell (‘Instinto Básico’)
• The Terminator (‘Terminator’)

• Annie Wilkes (‘Misery’)

‘Ahora o nunca’ (‘The Bucket List’, 2007) se estrenó en nuestro país el pasado mes de febrero y desde septiembre ya puede adquirirse en DVD. En su momento se me pasó, o más tendría que decir que la dejé pasar, pero al estar protagonizada por dos actores como Jack Nicholson y Morgan Freeman, era cuestión de tiempo que, finalmente, me decidiera a verla. No está el cine actual para dejar pasar oportunidades como ésta, a pesar de que esta película tampoco sea gran cosa.

El argumento de la película se centra en dos hombres, Edward y Carter, a los que se les diagnostica un cáncer que acabará con sus vidas en unos meses. Los dos comparten habitación y aunque sus diferentes personalidades chocan en un primer momento, luego se convierten en buenos amigos. Temiendo abandonar esta vida sin haber hecho algunas cosas que hubieran deseado, redactan una lista. La vida como juego les alivia pero la muerte sigue ahí y hay personas que aún necesitan de ellos, mientras sigan vivos…

A pesar de lo que apuntaba el trailer, ‘Ahora o nunca’ es más un drama que una comedia. Y aunque Rob Reiner lleva años sin nada valioso que ofrecer, aquí consigue una película equilibrada, entretenida y con algunos momentos realmente emocionantes. Además, logra que los dos gigantes de la interpretación que tiene a su disposición trabajen estupendamente juntos y hagan destacar una película que, con otros actores, sólo serviría para cubrir un hueco en la programación de madrugada de algún canal televisivo.

El guion de Justin Zackham es sencillo pero muy efectivo, va al grano sin dejar de lado a los personajes, a los que se explica convenientemente en varias ocasiones. Hay bastantes clichés, pero están bien empleados y lo cierto es que los actores disfrazan muy bien los defectos del trabajo tanto de Zackham como de Reiner. Freeman y Nicholson hacen suyos unos personajes sin demasiada complicación y los dotan de vida propia. Como era de esperar, el trabajo que ofrecen es lo más destacado de la película y una buena razón, por sí sola, para verla.

Jack Nicholson encarna a Edward, un multimillonario que cree tenerlo todo pero que, como sólo parece ocurrir en las películas, en realidad no tiene nada. Dicho de otro modo, no tiene a nadie a su lado, salvo a empleados y personajes que buscan su dinero. Es materialista y de trato muy difícil, pero ahí está Carter, Morgan Freeman, para darle la vuelta. Carter es todo lo contrario, tiene lo que le falta a Edward y no tiene lo que éste posee en abundancia: dinero. Así que entre los dos se ayudan mutuamente y tratan de vivir de forma intensa el poco tiempo que les queda de vida. Si bien la parte cómica, en la que los dos se lo pasan bomba tirándose en paracaídas o compitiendo en un circuito, resulta bastante fallida, incluso aburrida, la parte dramática está muy lograda y consigue mantenernos pegados a la pantalla, con el corazón en un puño. Fantásticos los últimos minutos, con un discurso muy emotivo por parte de uno de los protagonistas en el entierro del otro.

En papeles secundarios, con muy poca relevancia, tenemos a Sean Hayes, que sorprendentemente no hace de gay “supergracioso” sino del cansado ayudante de Nicholson, Beverly Todd, que hace de la esposa de Freeman, Rob Morrow, como (¡sorpresa!) el doctor que cuida de los dos pacientes, y Alfonso Freeman, que aparece en un par de ocasiones para hacer también en la ficción de hijo de Morgan.

En definitiva, ‘Ahora o nunca’ es una opción muy válida para todos los públicos, para cualquier momento, una comedia dramática sobre lo que es realmente importante en la vida. Personalmente, la recomiendo sólo por ver a los dos grandes actores que la protagonizan. Si tenías dudas en el videoclub, dale una oportunidad, eso sí, sin esperar más de la cuenta.

• En Blogdecine:

‘Ahora o Nunca’, Nicholson + Freeman (crítica de Alberto Abuín)

Heath lo hizo genial. Pero el Joker es un villano genial. Por eso Jack Nicholson y Heath Ledger tuvieron tanto trabajo con él. Creo que otro actor podría interpretarlo. Por ejemplo, sería genial ver a Robert Downey Jr. como Joker.

Es curioso lo de Brett Ratner, su nombre no deja de aparecer en rumores que lo sitúan como director de numerosos proyectos (hace poco se dijo que era el favorito para encargarse de la próxima película de Conan), como si fuera uno de los recambios de Hollywood para cualquier cosa que no arranque.

Ahora se destapa con esas declaraciones que tenéis arriba, después de que haya confesado que está “celoso” por no haber podido dirigir una película sobre Batman, personaje que siempre le ha gustado. Pero digo yo que si tanto le gusta, mejor que se lo deje a Christopher Nolan, ¿no? Ratner ya se cargó en cierta forma la saga de X-Men con esa tercera parte tan floja, especialmente si la comparamos con las dos primeras, las de Bryan Singer.

Remake, secuela, trilogía… y ahora “spin-off”. Hollywood parece que ha descubierto otro filón en esa fórmula. Ya sabéis, sacar a un personaje secundario de una película y convertirlo en el principal de otra; otra que podría dar lugar a secuelas y a más spin-offs. El tremendo éxito que ha tenido la última de Batman podría dar lugar a más películas sin que tengan al caballero oscuro como protagonista.

Ahí es a donde apunta Ratner, quien parece muy interesado en dirigir un film centrado en el Joker. ¿Qué os parece la idea?

Vía | Blogdesuperheroes

Es curioso cómo una película puede envejecer muchísimo de repente. Desde que salió a la luz en 2005 la magnífica ‘Batman Begins’, reinvención del conocido superhéroe por Christopher Nolan, es casi imposible ver ‘Batman’, aquella película de 1989 de Tim Burton, sin tener una cierta actitud retrospectiva. Las comparaciones son inevitables, claro. Tanto en la música, la dirección, los actores y el guión. ¿Fue mejor la primera película? ¿Era realmente necesario que Nolan empezase desde cero con el mítico personaje de DC Comics? Casi por unanimidad, se entiende que el director británico ha hecho un gran favor al hombre murciélago al darle otros matices, comenzando desde el principio y por consiguiente ignorando lo que hizo Burton, y se encargó de hundir Joel Schumacher. Cuatro entregas que de repente, hay que dejar a un lado para apreciar las virtudes de las dos nuevas, especialmente ‘El Caballero Oscuro’, que está logrando un éxito casi sin precedentes.

Y lo cierto es que ‘Batman’ es una película que se ha olvidado quizás demasiado pronto. Tanto para los seguidores de los cómics como para los incondicionales de Tim Burton (que los hay, y muchos). Mucha gente enterró a Batman al contemplar horrorizados la porquería hortera que resultó ser ‘Batman & Robin’. Lo dieron por perdido. Y es por eso que ‘Batman’ ha dejado, por lo general, un sentimiento de indiferencia entre los espectadores que en su momento la vieron con mucha mayor predisposición.

Michael Keaton interpreta a Bruce Wayne, un magnate que vive en la soledad de su mansión, a las afueras de la tétrica ciudad de Gotham, y asistido permanentemente por el leal Alfred (Michael Gough), el mayordomo de la familia. Obsesionado por el asesinato de sus padres, cuando él era un crío, decide poner al servicio de la ciudadanía su poderío físico y su tecnología para combatir a los mafiosos y emerger como figura pública. En esto, que el alcalde confía en el fiscal Harvey Dent (Billy Dee Williams) para que los malhechores dejen de campar libremente por Gotham. El gángster Grissom (Jack Palance), asustado, ordena a su mano derecha, Jack Napier (Jack Nicholson) para que sabotee una planta química de su propiedad, por la que pueden implicarle. En realidad, quiere traicionar a Napier, ya que sabe que sale a escondidas con su novia Alicia, y da un soplo a la policía para que acuda a la fábrica. Por otro lado, las cada vez más frecuentes apariciones de Batman, provoca el interés del periodista Alexander Knox (Robert Wuhl) y la fotógrafa Vicky Vale (Kim Basinger), ésta última de un modo muy especial… Napier, que termina acorralado en la planta química, cae a un pozo de ácido y así se constituye el villano principal: el Joker.

Al por entonces joven Tim Burton le cayó la breva con esta película de éxito mundial, e hizo lo que le dio la gana con Batman, cosa que se nota enseguida. En la línea del tono sombrío y bizarro del que hizo gala en ‘Bitelchús’, el director ofrece un blockbuster oscuro, muy bien dirigido y con unas interpretaciones muy correctas. Gracias a la fotografía de Roger Pratt, impacta muchísimo visualmente (incluso hoy en día), y hace de Gotham una ciudad de aspecto gótico que ni el mismo Nolan ha conseguido, a mi parecer, igualar.

Mucho se habla de la legendaria interpretación del tristemente fallecido Heath Ledger como el Joker en ‘El Caballero Oscuro’, pero lo cierto es que esto no desmerece la entregadísima actuación de Jack Nicholson, a todas luces memorable, que da rienda suelta a su habitual histrionismo de una forma más acertada que nunca. Michael Keaton, a mi juicio uno de los actores de su generación peor tratados por la industria, aquí está más recatado y no exhibe todo su potencial. Kim Basinger, mientras tanto, hace su mejor interpretación ex-aequo con ‘L. A. Confidential’, pero tampoco es decir demasiado.

Lo que sin duda impide (entre otros defectos) que ‘Batman’ sea una obra maestra, es la torpe presentación del héroe (que hace el personaje del Joker esté muchísimo más logrado y mejor desarrollado) y el exceso de diálogos que merman el ritmo y hace que se eche de menos más acción. Seguramente el ajustado presupuesto explique que las escenas más trepidantes se cuenten con los dedos de una mano, y que los efectos especiales sean más bien risibles. Suerte que estaba por ahí Danny Elfman para crear unas melodías imponentes, un tema central inolvidable y en conjunto una banda sonora que destaca especialmente, ayudado también por las pegadizas canciones de Prince. No obstante, la película se hace muy entretenida. Sabe ser terrorífica cuando tiene que serlo (la secuencia de la presentadora de televisión o la del joven Napier matando a sus padres, por ejemplo), y el final no supone un bajón al resto de la historia.

‘Batman’ es una película que debería tratarse con más benevolencia. Es cierto que sus fallos son muy obvios, y que no alcanza el nivel de elegancia y calidad que ha impuesto posteriormente Christopher Nolan, pero es un título muy bien dirigido por Tim Burton, con algunos momentos excelentes y un Jack Nicholson soberbio, y que ha envejecido demasiado rápido. Además, hay que subrayar que se rescató para el cine a un personaje que estaba demacrado por la cutrez, y la barriga de Adam West, en una serie y un film de los sesenta que es mejor olvidar.

‘El Juramento’ es la tercera película dirigida por Sean Penn, mucho más conocido como actor que como director, y cuenta con un reparto sencillamente impresionante que llama la atención incluso para el que no sepa absolutamente nada sobre esta película. Jack Nicholson, Robin Wright Penn (mujer de Penn), Aaron Eckhart, Tom Noonan, Helen Mirren, Vanessa Redgrave, Benicio del Toro, Mickey Rourke y Patricia Clarkson aparecen, en mayor o menor medida, en una película que, disfrazada de thriller, es más bien un drama repleto de melancolía y con trazos de tragedia griega antes que la convencional historia policiaca de suspense.

En ‘El Juramento’, hay un acercamiento a la América rural, tranquila y apacible donde nunca ocurre nada de trascendencia, y que de repente se ve sacudido por un acontecimiento pesadillesco, después de la cual la vida de sus habitantes nunca volverá a ser la misma. En este caso, el detective Jerry Black (Nicholson) interrumpe su ansiada jubilación para ayudar en la investigación del asesinato de una niña de ocho años. Conmovido por la dureza de las circunstancias que rodean a todo el caso, Jerry Black jura encontrar al asesino para evitar que algo así vuelva a ocurrir. Que se lo tome a modo tan personal pronto le provoca una sensación de alerta permanente, casi paranoica, donde no puede fiarse de nadie, todo el mundo miente y oculta los detalles que podrían hacerle avanzar en sus pesquisas.

El estilo preciosista de Sean Penn, que más tarde ha mostrado también en la floja ‘Hacia rutas salvajes’, inunda todos los aspectos de la película. El escenario rural, nevado, en que se ambienta la historia ayuda a condensar todo en un tono puramente melancólico, y junto a la música discreta aunque emotiva de Klaus Badelt y Hans Zimmer, ofrece una experiencia inolvidable. Porque, ante todo, ‘El Juramento’ no es una película fácilmente digerible, más bien es el éxtasis, la cumbre de una perspectiva única dentro del séptimo arte. De esto deben haberse dado cuenta los actores, porque todos se muestran igualmente implicados. El por entonces semidesconocido Aaron Eckhart, que ahora interpretará a Harvey Dent en ‘El Caballero Oscuro’, salpica de carisma todos los planos donde sale. Pero claro, enfrente tiene al todopoderoso Jack Nicholson en una de las (no me van a creer) mejores interpretaciones de su carrera. Jerry Black es un detective apocado, pasivo, que resuelve los casos de forma entregada pero su eficiencia habla por sí sola. La más floja seguramente es Robin Wright Penn, pero tampoco lo hace mal, simplemente queda en un segundo plano si la comparamos con el resto del reparto.

A pesar de la estética minuciosamente preparada para exprimir belleza de donde no la hay, la película no omite escenas cruentas, como la protagonizada por Benicio del Toro. Asimismo, Helen Mirren y Mickey Rourke tienen su propia escena (en singular), y desarrollan todo su talento al servicio de la consistencia de la trama, que progresivamente va tornándose en una historia sobre la paranoia, la obsesión por cumplir el juramento realizado, el de encontrar a un asesino que se escabulle, que no se deja ver fácilmente. Jerry Black podría estar jubilado, y lo ha aplazado para capturarle él mismo. Y eso le corroe por dentro, a la vez que ha reinventado el sentido de su propia vida. ‘El Juramento’ es, pues, una película con una interesantísima evolución de personaje, SPOILER que acaba de la manera menos esperada posible, con una situación tan injusta como “lógica”, a juzgar por lo visto a lo largo del metraje. Esos dos minutos finales, en los que Jack Nicholson hace literalmente lo que le da la gana, son realmente demoledores, y dejan al espectador con la boca abierta sin mucho esfuerzo FIN SPOILER.

Habrá quien diga que ‘El Juramento’ acusa demasiado un ritmo no lento pero sí relajado. Y es cierto. De ahí que dure 125 minutos, y pudiera dar la sensación de que con más empeño, Jerry Black podría haber dado con las claves del misterio en menos tiempo pero con mayor agilidad. Pero justifico enteramente la duración de la película, porque esos actos, que no son más que diálogos con esos personajes nómadas en la trama, son el perfecto contrapunto para el envolvente mensaje que se insinúa poco a poco: la cosa no va a acabar del todo bien, y Jerry Black es el primero que lo sabe, muy a su pesar.

Sean Penn no explica, insinúa. Trata con muchísimo respeto al espectador, y sabe dar silencios en sus escenas, no para dotar a su film de pretenciosidad, sino para alternar momentos de “acción” con otros de libre albedrío para quien se digne a ver su película. ‘El Juramento’ exige de uno el pensar sobre la historia. Su aire hipnótico, gracias a la intensa fotografía, está más que preparado para este propósito. En la película se intuye sabiduría, resignación ante un mundo imperfecto que se mira con un prisma equivocado, que no es indulgente con los buenos y los malos pueden quedar impunes. Un mundo con más preguntas que respuestas. En definitiva, ‘El Juramento’ observa nuestro mundo de forma reflexiva, y todo bajo la tutela de un habilidoso thriller policiaco. Nada menos.

‘El Juramento’ es, en resumidas cuentas, una obra maestra absoluta. Un prodigio de dirección y guión, y una inolvidable ambientación. Quizá sería exagerado afirmar que se encuentra entre las mejores de la década, pero desde luego es imperdible. Les dejo con una escena memorable: la de Mickey Rourke, que encarna al padre de la niña asesinada, que en menos de un minuto actúa insuperablemente, se come la pantalla y de paso muestra la cara visible de la historia que se cuenta: la del dolor.

Pidiendo disculpas por el retraso en la información de los estrenos de DVD, os destacamos a continuación lo más interesante para esta semana.

Encantada

Sin duda es el estreno más comercial y que más llama la atención de la semana. Y como es de esperar en Disney, su lanzamiento en DVD se ha cuidado, con una funda en relieve, y extras variados como escenas eliminadas, tomas falsas, y un cuento (que no sé si es un cortometraje), ‘El aprieto de Pip. Una aventura emergente’, donde la famosa ardilla de la película intenta rescatar al príncipe Edward en Andalasia.

Con respecto a la película, reconozco que tiene una primera parte muy divertida por la autoparodia que hace de sí misma Disney, pero que falla en la segunda parte por ese final edulcorado con el que siempre acaban todas sus películas.

Sympathy for Mr. Vengeance

Hablamos del lanzamiento de una edición especial de esta película del director Chan-wook Park, y una muestra del buen cine que se realiza en Asia. Recordando la trama de la película está nos cuenta la historia de Ryu, un joven sordomudo, cuya única familia es su hermana, una joven que necesita con urgencia un transplante de riñón muy caro. Para conseguir el dinero Ryu y su novia terrorista planean el secuestro de la hija de un importante hombre de negocios. Pero lo que no habían previsto eran las fatales consecuencias: pagarán sus acciones con torturas y dolor….

Esto por una parte. En cuanto a lo de edición especial, viendo el contenido extra, me pregunto a que se refieren con ello, porque un cómo se hizo o un detrás de las cámaras, no aportan mucho la verdad. Lo único que se salva, y para aquellos que les gusta saborear la película de esta forma (y en muchas ocasioneshay descubrimientos fascinantes), es una audiocomentario de la película a cargo del director. Esto sí es especial, pero debería ser algo normal en cualquier lanzamiento de una película que se haga en DVD.

Once (Una vez)

Historia de amor sobre dos músicos callejeros, que ha encandilado a la mayoría de los editores de este blog. Se trata de una edición para coleccionista, porque incluye un poster de la película. Dejaré mi ironía por la enorme diferencia que hay con la edición normal de la misma. Incluye un segundo disco, en el primero destacan los audiocomentarios, incluido uno musical, mientras en el segundo se incluye un cortometraje de David Planell, ‘Banal’ (¿?), así como una actuación de los dos protagonistas cantando las canciones de la película. Menos mal que se incluye la película (no he podido evitar la ironía). Fuera bromas, es una delicia.

La sombra del reino

Otro de los estrenos comerciales que será destacado en los lineales de los grandes centros comerciales, por si encima le hiciera falta. Intento del director Peter Berg por hacer una obra parecida a las de Michael Mann. Que recuerde, pasó rápido por nuestras pantallas. En cuanto al contenido extra del DVD, que entiendo es el motivo de leer estas entradas, nos meten los mismos vídeos que estuvieron colgando gratis, y que seguramente aún se pueden encontrar en la Red. Se puede destacar el tiroteo del apartamento visto desde 4 puntos de vista , así como el montaje de la secuencia de la autopista, y el socorrido audiocomentario del director.

La vida interior de Martin Frost

Con todas las consecuencias, para amantes de Paul Auster (razón por la que hablo de ella). DVD muy sencillo. Eso sí, si de verdad se ama a Auster, lo mejor es encerrarse a leer alguna de sus últimas novelas.

The Last Kiss (El último beso)

Tanto Alberto, como Beatriz, dejaron constancia de lo floja que es esta película. Para servidor, el único atractivo de la misma es la aparición de Rachel Bilson (lo siento, aquí me dejo llevar por un impulso desconocido, pero tiene un no se qué, que la hace muy atractiva). En fin, que volviendo a lo que es el DVD, sólo decir que incluye la película y poco más… y no me tiréis de la lengua que empezaré a reconocer cosas que no se deberían publicar.

Bonnie and Clyde

Por fin llegamos a la razón de ser de los lanzamientos en DVD: traernos clásicos de la historia del cine. En este caso la película de Arthur Penn, con Warren Beaty y Faye Dunaway, que daban un giro a la realidad, convirtiendo en buenos a los malos y en malos a los buenos. Edición para coleccionista, en un empaquetado especial, con los trailers que se usaron para promocionarla, escenas suprimidas, y dos documentales sobre la historia real de estos dos ladrones y asesinos.

El cartero siempre llama dos veces

Es el remake de Jack Nicholson y Jessica Lange, que no llega al nivel del clásico protagonizado por John Garfield y la gran Lana Turner en 1946. Si sirve para recordar ver la versión en blanco y negro o para leer el novelón de James M. Cain, bienvenido sea. Lo más destacable de esta película es la famosa escena de la cocina (algunos dicen que lo hicieron de verdad, y Nicholson nunca lo ha negado), que verdaderamente es un ejemplo de cómo rodar una secuencia subida de tono. Volviendo al lanzamiento del DVD, éste tiene sólo la película.

El mundo loco de Harold Lloyd

No he podido resistir comentar esta colección con libro, de las películas de ese comediante del cine mudo llamado Harold Lloyd, que me hace recordar el fantástico ciclo que le dedicó las noches de los viernes TVE (allí se pudieron ver todas sus obras). Si queréis descubrir cine del bueno, una dosis de cine mudo es necesaria (nos pondremos a la obra en breve), por la simple razón de que nunca defraudan, y lo importante, no aburren.

Como ocurría con estos héroes de los primeros años del cine, Harold Lloyd realizada el mismo las secuencias de acción, de hecho perdío dos dedos en una de ellas (si os fijáis en sus últimas películas siempre llevaba un guante en una de sus manos). El pack contiene 10 discos, con sus obras más destacadas, incluyendo algunas ya dentro del cine sonoro, y bastante contenido extra.

Vía | Zona DVD

Recordar a Jack Nicholson es recordar a uno de los grandes. Un actor inmenso, con una larga y prolífica carrera a sus espaldas, que le ha deparado numerosos y prestigiosos premios, así como el reconocimiento de todos los estamentos que forman parte del séptimo arte. Su mirada socarrona y su sonrisa diabólica pertenecen a un actor de leyenda, que ha dejado capítulos esenciales en la historia del cine y que a lo largo de su vida se ha forjado esa imagen de vividor que no esconde.

Sin ir más lejos, el año pasado, para celebrar su setenta cumpleaños montó una espectacular fiesta en su mansión, con seiscientos invitados y con setenta guapas camareras que no dejaron de servir a copas a los asistentes. Hoy, que cumple setenta y uno, seguro que también lo va a celebrar como merece la ocasión, aunque quizás no trascienda tanto. Hoy es buen momento para recordar una de las figuras esenciales de mi mitomanía cinéfila particular.

Su nombre es el de una de las estrellas más grandes que ha deparado el celuloide. Y es que tener a sus espaldas cincuenta años de carrera cinematográfica no está al alcance de muchos. Y menos, cuando algunos de sus papeles quedarán marcados a fuego en la memoria de muchos espectadores. ¿Cómo olvidar el rostro diabólico y enajenado asomando a través de una puerta astillada que ha abierto a hachazos en ‘El resplandor’, o moviédose como pez en el agua entre los internos de una institución psiquiátrica en ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’?.

Desde sus inicios, en títulos como ‘Cry baby killer’ (su debut en 1958), y en‘El Terror’ o ‘La pequeña tienda de los horrores’, ambas bajo el apadrinamiento y la batuta del gran Roger Corman, hasta su más reciente y aclamada interpretación en ‘Infiltrados’ de Martin Scorsese, han transcurrido más de cuatro décadas y más de setenta títulos.

Su enorme capacidad de meterse hasta el tuétano de sus personajes le ha reportado muchas satisfacciones como actor y nos ha brindado, a los cinéfilos, papeles dispares, pero entrañables, únicos, llenos de fuerza y pasión. Heredero, admirador y deudor del gran Marlon Brando, Jack se ha movido con igual destreza en el drama, como en el terror o en la comedia, y con tanta comodidad y facilidad como su capacidad interpretativa le ha permite. Tanto carácter ha impregnado a los grandes personajes que ha protagonizado, que a uno ya le resulta difícil separarlo de su imagen real.

Cuando lo ves entusiasmado, con sus inseparables gafas oscuras, sonriendo sarcásticamente en un partido de baloncesto, de sus adorados Los Ángeles Lakers, parece la misma sonrisa diabólica que esbozó en ‘Las brujas de Eastwick’, en ‘Batman’ o en ‘Mejor Imposible’. Y es que entre los personajes de Nicholson y el propio Jack resulta difícil distinguir. Quizás uno de los capítulos más duros de su propia vida tenga algo que ver. Jack vivió en una equívoca situación familiar hasta que conoció que la que siempre creía su hermana mayor era, en realidad, su madre, mientras que su abuela era quien ejerció el papel maternal durante toda su infancia. Un trago difícil de digerir, pero que le forjó con fuerza para afrontar el resto de su dilatada y extensa vida personal. Siendo un adolescente se marchó a la costa oeste para aprender arte dramático. Luego llegó Roger Corman y sus inicios como actor en la entrañable serie B del maestro. Titubeantes interpretaciones que ya evidenciaban la madera de actor que disponía. Hasta que Denis Hopper lo lanzó al estrellato con la exitosa y mítica ‘Easy Rider’. Después llegaron títulos indelebles como ‘Mi vida es mi vida’, ‘Rojos’, ‘El honor de los Prizzi’, ‘La fuerza del cariño’, ‘El cartero siempre llama dos veces’,...

Es cierto que Jack peca de excesivamente histriónico en sus trabajos, pero no se le puede negar que es una personalidad abrumadora y que afronta sus papeles con maestría, oficio y con una presencia magnética y absorbente para la cámara. Al igual que hace con su propia vida, repleta de momentos excéntricos y salvajes, sumando conquistas, mujeres, broncas y juergas por doquier. Viviendo al límite pero sin perder ese carisma que le es propio. Al igual que no pierde su sencillez y humildad, que le lleva a reconocerse como sólo un tipo que hace películas. Y es que ese histrionismo acentuado, que en los demás puede suponer un defecto, él lo ha convertido en su mejor virtud, su sello personal.

En Blog de cine | Jack Nicholson

Hay actores cuya sola presencia justifica el visionado de una película. Da igual que sea buena o mala o de qué va, el magnetismo que desprenden algunas de esas denominadas estrellas, es más que suficiente. Evidentemente a todos nos gustaría ver una excelente película siempre que entramos en una sala de cine, eso es más que obvio. Pero cuando el material de la misma no da para mucho, si al menos podemos disfrutar de una gran presencia, pues no seré yo el que se queje.

Algo por el estilo es lo que le sucede a una película como ‘Ahora o Nunca’ (‘The Bucket List’, 2007), a la que por cierto los trailers no le están haciendo justicia alguna, ya que nos la venden como una comedia en la que dos enfermos terminales de cáncer se dedican, antes de morir, a hacer el mayor número de locuras posibles para sentirse vivos de verdad. Realmente hay más que eso, precisamente lo más salvable de un film, que sin ser ninguna maravilla (ni siquiera bueno) proporciona las suficientes dosis de evasión, aderezadas con la presencia de dos estrellas compenetrándose a la perfección.

Que el director elegido para reunir a estos hiperfamosos y admirados actores sea Rob Reiner tiene cosas buenas y cosas malas. Malas porque Reiner hace tiempo que perdió el norte, si consideramos que su última gran película data de 1992, ‘Algunos Hombre Buenos’, curiosamente con Jack Nicholson en su reparto. Después de eso lo intentó dando bandazos en géneros varios, consiguiendo resultados a medias, pero siempre haciendo añorar al espectador sus buenos tiempos. Y precisamente algo de esos buenos tiempos aún le queda a Reiner corriendo por sus venas, porque a pesar de sus mediocridades, ninguna de sus películas puede considerarse una basura infumable (a diferencia de otros directores que también empezaron con buen pie, y ahora no saben ni gatear). Reiner demuestra cierta sensibilidad en el inicio y en el final de ‘Ahora o Nunca’ que la hacen un film aceptable, a pesar de estar llena de tópicos y lugares comunes, pero por lo menos en esos momentos no se trata al espectador como si fuera imbécil, y no hay manipulaciones de ningún tipo.

Todo lo que hay ne medio de esas dos partes, las cuales tiene mucho más de drama que de comedia, hablan de lo que efectivamente nos cuenta el trailer: dos enfermos terminales pegándose la vida padre mientras puedan, haciendo una serie de cosas apuntadas en una lista que se convertirá en una especie de mandamientos para los dos carismáticos personajes. Pero no es más que un montón de escenas de dos tíos viajando por todos los lugares conocidos del planeta, simple y llanamente para rellenar metraje.

Afortunadamente para todos podemos disfrutar casi en su totalidad de las presencias de Morgan Freeman y Jack Nicholson, quienes hacen creíble lo increíble, interpretando con una gran naturalidad a dos personajes que enseguida nos meten el bolsillo. Da igual que en su parte central, la película haga aguas por todos lados, ellos nos lo hacen soportable, y elevan el film a una altura que ya quisieran otros films de idéntica índole. Y eso que sus personajes no son el colmo de la originalidad, pero los actores están tan entregados que es otro de esos factores que pasamos por alto. Ver a esos dos antagonistas hablar sobre la vida y la muerte, sobre la felicidad, sobre el buen café, sobre las mujeres, con el mundo de fondo, es suficiente regalo como para no salir cabreados de una película que tenía todos los boletos para conseguirlo. Tal vez me quede con Freeman, el verdadero conductor de la trama. Nicholson siempre me ha parecido sobrevalorado, su histrionismo a veces le queda mal (como en muchas de las películas que protagonizó), pero cuando le da por la sobriedad el tío es impagable (como en muchas de las películas que protagonizó).

Todo lo demás no está a la altura, salvo unos minutos finales, muy bien llevados por Reiner. Y es que Freeman y Nicholson lo eclipsan absolutamente todo. Afortunadamente, esto ocurre para bien. ‘Ahora o Nunca’ es una pasable película, que por fortuna dura poco, no se enrolla demasiado (tampoco hay mucho para desarrollar), se ve con agrado y luego se olvida. Eso sí, a todos nos gustaría ver a estos dos actores en proyectos con más garra.