Julio Verne fue un auténtico visionario. La mayoría de las cosas que describió en sus libros se hicieron realidad: los submarinos, la llegada a la Luna,... Es evidente que no se produjeron exactamente como él lo describió, y también es evidente que otras cosas como realizar un viaje al centro de nuestro planeta es algo totalmente imposible para el ser humano. Pero Verne lo hizo posible para nuestra imaginación, y todo su material fue siempre un excelente punto de partida para numerosas adaptaciones cinematográficas de sus obras.

‘Viaje al centro de la Tierra’, dirigida en 1959 por Henry Levin es sin duda la más famosa de las adaptaciones del famoso libro de Verne, y se puso en marcha gracias al éxito que obtuvieron con anterioridad las superproducciones ‘20.000 leguas de viaje submarino’ (joya de Richard Fleischer) y ‘La vuelta al mundo en 80 días’, que se había hecho con un buen número de Oscars. Ambos títulos hicieron que la Fox no escatimase en medios para el presente film, y los resultados en taquilla fueron los deseados.

‘Viaje al centro de la Tierra’ narra las peripecias de un profesor de Edimburgo, Oliver Linderbrook, descubre un mensaje oculto de un científico desaparecido hace años, y que desvela la forma de llegar al centro de nuestro planeta. Acompañado por un grupo reducido comenzará un viaje que no olvidará jamás, viaje en el que tendrán que enfrentarse a un sinfín de peligros, y no sólo por lo que se encuentren en el camino, sino porque hay otros interesados en hacer que Linderbrook fracase.

Henry Levin, artesano poco conocido pero con un buen número de películas a sus espaldas, se encargó de hacer creíble lo increíble. Hay que subrayar el hecho de que si simplemente pensamos en el argumento del film, éste puede sonar más que ridículo: tres hombres y una mujer deciden introducirse en las entrañas de nuestro planeta, gracias a una misteriosa entrada que se encuentra en un volcán, y allá van soportando temperaturas enormes como si nada, y enfrentándose a criaturas que de ninguna forma podrían vivir allí. Sin embargo, y gracias al enfoque aventurero del asunto, a un ritmo perfecto (sólo un poco perjudicado en su primera media hora, en la cual da la sensación de que tarda un poco en arrancar la función), a una puesta en escena espectacular, con un uso vibrante del color, unos efectos visuales efectivos y una dirección artística ejemplar, no tenemos más remedio que creernos todo lo que nos cuentan. Y a uno no le importa rendirse ante una historia en su base ridícula, pero apasionante en su forma.

Todos y cada uno de los distintos pasajes de su trama, es decir, investigación, descubrimiento, inicio de la aventura, desarrollo, sorpresas y desenlace, están resueltos con gran soltura en los que el espectáculo puro y duro tiene el principal protagonismo. Pero hay algo que me ha llamado la atención en un nuevo visionado de la película, y de lo que me había olvidado por completo. La excelente banda sonora de uno de los compositores cinematográficos por excelencia: Bernard Herrmann. Hasta tal punto viste la película, que muchas de las escenas tiene fuerza únicamente por el trabajo de Herrmann. Atención a la música cuando Lidenbrook realiza experimentos con una pequeña roca que le han regalado, o cuando descubren la forma de adentrarse en el interior del planeta. Herrmann pasa del suspense a la épica con una facilidad asombrosa.

James Mason encabeza un reparto que no llega a estar a la misma altura del brillante actor. Su Lidenbrook es todo un ejemplo de caballerosidad y de inteligencia, y su adaptación a multitud de situaciones le hacen estar por encima de los demás personajes, todos un poco más unidimensionales o planos. Resulta curioso comprobar la química que hay entre Mason y la actriz Arlene Dahl, cuando en realidad no se soportaban durante el rodaje, y todo porque el actor no aguantaba que la actriz fuese tan acicalada y maquillada. Esto último llama la atención, porque mientras vemos que los personajes masculinos terminan hechos unas piltrafas por culpa del viaje, la actriz, a la que simplemente le rompen un poco la ropa, en realidad parece que acaba de salir de un salón de belleza.

‘Viaje al centro de la tierra’ es un clásico en toda regla del cine infantil, pudiendo disfrutar de su encanto público de todas las edades y de todos los tiempos. Influyó no poco en el cine posterior de aventuras. Sirva como curiosidad el hecho de que Spielberg recurrió a esta película para dos momentos inolvidables de su perfecta ‘En busca del arca perdida’ (la piedra rodante y el descubrimiento del lugar exacto del arca). Mañana se estrena una nueva versión que se ha filmado en 3-D. Me apuesto mis dos sueldos a que no tiene ni la mitad del encanto que ésta, en la que además no tenemos que aguantar a niños, siendo éstos los destinatarios del film (¿Por qué en los últimos años casi todas las películas infantiles tienen que incluir a niños en sus personajes, la mayoría insoportables, cuando hace décadas no hacía falta, y los críos se lo pasaban en grande?).

‘Viaje al centro de la Tierra’ está editada en dvd por la Fox.

En la excepcional revista de cine Dirigido Por, para un servidor la mejor a nivel nacional, y a la que la recientemente aparecida Cahiers du Cinema no le ha hecho ni la más mínima sombra, en el número de Julio y Agosto realizan un estudio sobre el cine de espías, y curiosamente citan este film, ‘Llamada Para un Muerto’, que un servidor vió en una de nuestras sesiones cinéfilas nocturnas, acompañado del antiguo (en todos los aspectos) Rubén, y nuestro recién adosado, Diego, un especialista en el mal llamado cine porno, y que se ha tenido que aguantar porque en el film de Sidney Lumet no hay ni un sólo desnudo. Bromas aparte disfrutamos de una de esas cintas de espías tan propias de los años 60, servida con mucho oficio por Lumet.

La historia de ‘Llamada Para un Muerto’ nos lleva a las investigaciones que un agente británico realiza tras el suicidio de un empleado del Gobierno sobre el que recaían sospechas de traición. Tras ese aparente suicido hay cosas mucho más peligrosas, y nuestro protagonista tratará de averiguar la verdad, mientras que por otro lado tendrá que lidiar con sus problemas matrimoniales.

Basada en una novela del archifamoso John le Carré, lo realmente interesante del film de Lumet no es su argumento, el cual podríamos tildar de previsible en algún que otro momento, sobre todo en lo que concierne a la identidad del traidor, y de cómo éste obtiene la información. Lo realmente interesante de este apreciable film es el estudio de sus personajes, fantásticamente interpretados por unos actores en estado de gracia, además de cierta mirada de tristeza sobre los mismos, con un toque de desencanto y amargura que le queda muy bien a la película. De todos modos el personaje principal es un hombre ya maduro entrado en años, y todo le queda estupendamente a la historia. Desconozco si en la obra de Carré existe ese tratamiento, pero desde luego en el film, Lumet acierta de lleno en ese punto, llevándolo a buen puerto.

Evidentemente si no tuviera a un plantel de actores totalmente entregados a la causa, la cosa hubiera sido muy distinta. James Mason está simplemente soberbio en el papel central, un hombre justo y correcto, que no se salta ni una de las reglas de su profesión, enormemente abatido por su crisis matrimonial, y que sin embargo se enfrenta a ello con toda la entereza de la que es capaz un perfecto caballero inglés. Le acompaña una perfecta Simone Signoret, también entrada en años, como la esposa del que se suicida y cuya presencia en la trama es vital, sobre todo por la doble moral que encierra su personaje. Maximilian Schell pone el contrapunto al personaje de Mason, como un antiguo colaborador, y también alumno suyo, estableciéndose entre ambos la relación más interesante de la película (dejando a un lado la de Mason y su joven esposa), y que propone ciertos apuntes realmente curiosos, como el hecho de que un antiguo colaborador de la Segunda Guerra Mundial, TREMENDO SPOILER, pueda convertirse en un enemigo en plena Guerra Fría. FIN SPOILER.

La dirección de Lumet es ejemplar, no sólo por lo antes citado, sino por su puesta en escena, acorde con lo que narra. El ritmo del film es el perfecto, no decayendo en ningún momento, y hay varios instantes de supense muy bien logrados, que incluso pueden recordar al cine de Hitchcock. Cabe citar al respecto, la extraordinaria secuencia del teatro, filmada de forma milimétrica, y en la que no hay ni una sola palabra más allá de lo que se oye en el escenario. Una escena larga y tensa, donde curiosamente vemos reflejadas las verdaderas intenciones de todos los personajes en sus silenciosas reacciones.

Una buena película, que además posee una excelente banda sonora de Quincy Jones muy acorde con la época, y una preciosa canción interpretada por Astrud Gilberto, y que viste a la película de una forma muy precisa. Es una pena que por aquellos años la gente estuviera más interesada en los films de James Bond y similares, quedando esta película en un segundo plano, siendo redescubierta en posteriores pases televisivos. Para un servidor se trata de la mejor película proveniente de material de John le Carré, a falta de ver únicamente ‘El espía que Surgió del Frío’, realizada un año antes, y que goza de un mayor prestigio. En un futuro, esperemos que no muy lejano, os hablaré de ella.

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