El extraño Gus Van Sant es uno de esos grandes hombres de cine dispuestos a no enconsertarse bajo ningún concepto, y de sorprender incluso a los propios acérrimos seguidores. Ahora que parecía dispuesto a llegar más lejos que nadie en su incansable bombardeo de las convenciones narrativas de su país, regresa, en apariencia nada más, a un cine más accesible, si bien minado con inteligentes y sutiles cargas de profundidad que lo alejan de cualquier clasificación facilona.

Pese a todo, su nominación al Oscar como mejor película, entre otras nominaciones (competición a la que ha acudido con la etiqueta de perdedora de relleno, aunque posiblemente sea la más sólida y brillante de las cinco), quizá le haya dado mayor presencia mediática de la que habría tenido en caso contrario, y quizá algunos hayan pensado que Van Sant se ha entregado al mainstream, aunque en opinión de quien esto escribe, el director continúa con su indagación en el derrumbe físico y moral de una Norteamérica paralizada por el miedo y el odio.

Muy diferente a otros biopics al uso, descreída al mismo tiempo que apasionada, ‘Milk’ (título mucho más sugerente, por razones obvias, que el español), es un film escrito con inusitada destreza por Dustin Lance Black (reconocido gay), que guarda un impecable equilibrio entre todas las ramificaciones de la vida del protagonista, ya sean la política, la íntima, la histórica o la especulativa, ofreciendo a un héroe al que la película no se priva de tratar como tal, pero al que son lo suficientemente sensibles como para dotar de una vida y una verdad incuestionables, y que se erige como otra gran figura trágica norteamericana, en su lucha incansable de los derechos humanos universales.

Porque este relato no sólo se construye en torno al activismo de la comunidad gay de ese país, sino que es, ante todo, un relato universal de la lucha del hombre contra la intolerancia y la represión. En ese sentido, es admirable con qué facilidad mueve y conmueve al espectador, sin caer en demasiadas trampas de guión, ni en clichés o recursos melodramáticos (aunque en algún detalle sí que cargan las tintas hacia un tono que bordea el melodrama, sin llegar a comprometer el estilo realista), sin escatimar todo el dolor y la lucha que suponen enfrentarse al orden establecido y reclamar lo que es propio como ser humano.

De forma lenta, pero paulatina y progresiva, inapelable, este relato te va atrapando con una narración noble y sobria, que sin embargo a menudo sorprende con decisiones plásticas muy setenteras, que junto con un montaje (este sí) perfecto, termina formando un collage elaborado con precisión, gracias también a una recreación histórica ejemplar, que a lo largo de casi una década es marco de unos acontecimientos que deberían sonrojar a todo homófobo que se precie, pues tal como decía Sean Penn al recoger su Oscar (superando sorpresivamente a Mickey Rourke), sus nietos se avergonzarán de ellos cuando sepan lo que les hicieron a sus semajantes.

El tema de la represión contra la homosexualidad (o contra todo tipo de sexualidad diferente a la preestablecida como normal, otra de las lacras de las religiones, concretamente en este caso de la cristiana, y de la ignorancia que tanto ayuda a que los poderosos manipulen a las masas) deviene así mancha oscura de la reciente historia de la humanidad; pero en ningún momento se alecciona o se adoctrina. Los responsables de esta maravillosa película se limitan a contarnos unos acontecimientos reales, con ternura, cariño y con los ojos dolidos.

Y nos duelen también a nosotros los ojos, y el alma, con estas imágenes cercanas a lo documental o al cinema verité (la fotografía del gran operador Harris Savides, que emula, con un aspecto de imagen 1.85:1, con abundante grano y con colores desaturados, las imágenes de televisión de la época, insertadas a veces en las secuencias, y que parecen casi filmadas por los mismos cineastas), y nos conmocionan estos personajes tan reales como la vida misma, o más aún, todos ellos interpretados por un grupo de actores, a falta de otra palabra mejor, irreprochable.

Aunque es justo nombrar a Penn por encima de todos ellos. El californiano está inconmensurable en un papel mucho más difícil de lo que puede parecer a priori, pues un personaje tan amanerado, tan excesivo, podría dar pie a una creación pagada de sí misma, autocomplaciente y de lucimiento personal. Nada más lejos. Penn, en su plenitud, ofrece su mejor versión, se mete en carne viva y el resultado electriza la pantalla, la impregna de dignidad y de coraje. Y es que este hombre es ya, sin lugar a muchas dudas, el mejor intérprete norteamericano de su generación.

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‘Mi nombre es Harvey Milk’, la brillante historia de un mártir

Oscars 2009: ‘Mi nombre es Harvey Milk’

‘Mi nombre es Harvey Milk’, luchando con las mismas armas

‘Milk’, que en nuestro país el ser que se dedica a poner títulos a las películas ha bautizado como ‘Mi nombre es Harvey Milk’, haciendo alusión a la forma de empezar el nombrado sus discursos (sueño con el día en el que las películas conserven su título original siempre), es la última película de Gus Van Sant, director tan temible como admirable. En los últimos años le dio por marear al personal con atentados al séptimo arte como ‘Gerry’ o ‘Last Days’. Aún pendiente de estreno su ‘Paranoid Park’, que promete ir por la misma senda, algunos le teníamos mucho miedo a este biopic sobre Harvey Milk.

Sin embargo, el propio Sant, consciente de que una historia de alguien que se atrevió a romper prejuicios en contra de los homosexuales, tenía que llegar a cuánta más gente mejor, no ha dudado un instante en realizar una película más accesible al público general. Tanto es así que hablamos de un film de una major, de producción estimable, y claras expectativas a ser premiada. Van Sant regresa al mainstream, y los resultados son importantes, aunque no perfectos.

‘Mi nombre es Harvey Milk’ narra los últimos años de la vida de Harvey Milk, desde su encuentro con una de sus parejas en el metro de Nueva York, hasta 1978, año en el que le asesinaron. En ese tiempo se ganó la confianza y el respeto de un montón de gente, por su valor, su entrega y su incansable dedicación a que los gays fueran vistos como personas con los mismos derechos que todo el mundo, intentado derribar las absurdas barreras mentales del resto de los mortales (algo que a día de hoy, creo que aún no se ha logrado, tristemente). También se ganó el odio de unos cuantos. Harvey Milk fue el primer político abiertamente gay de los Estados Unidos, propagando un mensaje de esperanza y libertad, que empezó en una pequeña tienda de fotografía en el barrio Castro en San Francisco.

Gus Van Sant acierta de lleno en el dibujo de su personaje, el verdadero alma mater de la película. Harvey Milk no es elevado a los altares, como hubiera sido de esperar. Un hombre normal y corriente, que hizo cosas que cambiaron la forma de pensar de mucha gente, y el eco de sus palabras aún retumba en nuestros días. Lo cierto es que esa no glorificación del personaje, huyendo de las típicas producciones norteamericanas, le sienta muy bien al film, aunque hay que decir que tampoco hace lo contrario, a pesar de algunos tratos políticos no demasiado honestos (Milk subió al poder y luchó con las mismas armas que los de arriba, puede ser ésa la lectura). Evidentemente, Sean Penn se adueña de la película a través de este personaje, un caramelo para cualquier actor que quiera lucirse de verdad. Y eso es lo que hace el intérprete ganador de un Oscar por ‘Mystic River’, lucirse como pocas veces ha hecho. Su voz, sus cuidados gestos, su pose, hacen de Milk un personaje atractivo y estimulante para todo el mundo, a ratos fascinante. El extraordinario trabajo del actor es una de esas perlas, a veces tan raras de encontrar, que por momentos la película es única y exclusivamente él, y lo demás parece no contar.

Al fin y al cabo, una de las grandes bazas de ‘Mi nombre es Harvey Milk’ es su reparto, perfecto en su totalidad. Josh Brolin, James Franco, Emile Hirsch y Diego Luna ofrecen registros algo atípicos en ellos, y demuestra lo buenos que pueden llegar a ser esos actores, algunos apartándose totalmente de su habitual imagen. Van Sant demuestra ser un excelente director de actores, quedando el film como un gran mosaico de buenos intérpretes, todos con su importancia en el film. Y el envoltorio no puede ser más “perfecto”. La música de Danny Elfman, la fotografía de Harris Savides (‘Zodiac’), más la impecable dirección artística (que reconstruye el San Francisco de los años 70 con un trabajo lleno de detalles) visten las andanzas de todos los personajes con inusitada facilidad, transmitiendo una realidad palpable.

Pero ‘Mi nombre es Harvey Milk’ no puede ocultar sus enormes ansias de gustar a la gran audiencia, sin renunciar a posible adeptos del círculo de fans del director. Algunos flashes le delatan al respecto, como por ejemplo, los momentos posteriores al encuentro en el metro, visualizando el primer encuentro amoroso del protagonista a base de primeros planos intercalados, que remiten a las recientes experiencias fílmicas de Van Sant. Luego acomete en una mayor contención, y a pesar de que imprime un ritmo estupendo al devenir de la historia, ésta tiene algún que otro punto débil en la descripción de alguno de los personajes. Baste citar la ambigüedad del que da vida Josh Brolin: a veces está muy lograda, otras no tanto, y sus motivaciones quedan un poco en el aire.

‘Mi nombre es Harvey Milk’ está nominada a ocho Oscars. No todas las nominaciones me parecen merecidas. Eso sí, los trabajos de Penn, Brolin y Elfman son dignos de elogio. Pero independientemente de unos premios que todo el mundo ve y todo el mundo rechaza, ‘Mi nombre es Harvey Milk’ es una película emocionante, sincera, que provoca el debate y no deja indiferente. Remueve conciencias con naturalidad, sin resultar ofensiva ni maniquea. Pero dada la enorme competencia que hay este año en los Oscars, mucho me temo que Van Sant se quedará sin premio, seguido de los otro siete candidatos. O no.

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• ‘Mi nombre es Harvey Milk’, la brillante historia de un mártir

• ‘Mi nombre es Harvey Milk’, luchando con las mismas armas

‘Mi nombre es Harvey Milk’ (‘Milk’) se sitúa durante los años setenta, cuando Harvey Milk (Sean Penn) se muda a San Francisco junto con su pareja (James Franco) para abandonar la vida aburrida y encorsetada que llevaba como empleado de una gran empresa. En la calle Castro habitan muchos otros homosexuales, tanto que la zona se convierte en un enorme gueto donde pueden expresarse con libertad y reivindicar respeto. Llevando este movimiento más allá, Milk decide entrar en política y comienza una campaña por los derechos de los hombres y las mujeres gays.

Aunque es autor de varios títulos interesantes, Gus Van Sant, cuando no daba en el clavo, parecía no conocer el término medio e intercalaba productos de excesivo clasicismo con experimentos de dudoso fundamento o consistencia. La historia real del congresista Harvey Milk, utilizada como base para probar una de sus ocurrencias, habría resultado un desperdicio, ya que los hechos narrados en la película, que de por sí despiertan tanta rabia en el espectador, son la mayor baza de ‘Mi nombre es Harvey Milk’, más aún que cualquiera de sus méritos cinematográficos –actores, dirección, etc…—. Por ello, la opción de convertir este biopic en un film clásico y dejar que estos momentos históricos hablen por sí mismos, sin estorbarlos, sin adornarlos con toques personales, es la más acertada, pues de otra forma lo narrado se teñiría de intenciones ajenas a la historia que no hacen falta en este caso. Harían falta, quizá, si lo que se cuenta no tuviese ningún interés.

La labor del guionista ha consistido en dar énfasis a los momentos que dramáticamente lo necesitan o crear puntos de inflexión que nos mantienen enganchados. Y, en ocasiones, en introducir algún alivio humorístico. El film conserva el interés durante todo el tiempo, a pesar de lo extenso del metraje. El recurso narrativo más convencional: grabadora, voz en off, flashback… se acepta porque Van Sant no abusa de él y, una vez la historia entra con toda su fuerza, se nos disipa la sensación negativa que nos había causado en el inicio.

La elección de los intérpretes me parece impecable del primero al último, lo cual se confirma cuando en el epílogo se muestran los rostros de los verdaderos implicados; momento que, aunque descrito así de la sensación de ser una salida de tono, es de los más efectivos de la cinta. El parecido de todos ellos es asombroso.

Sean Penn hace un gran trabajo metiéndose en la piel de un hombre que sólo va a despertar nuestra empatía por su forma de pensar, ya que su aspecto no es atractivo y su voz es casi desagradable. Que acabemos estando de su lado gracias a que conocemos sus ideas tiene un gran mérito. Mientras se visiona la película, podría dar la sensación de que Penn está sobreactuando e incluso haciendo una caricatura de su personaje, pero en ese momento final vemos que el auténtico Milk era igual de amanerado. Y esto me parece otra de las grandes victorias de su campaña, pues mientras la “pluma” podría hacer que perdiese el respeto, no sólo entre los heterosexuales, sino también entre algunos homosexuales que rechazan estos gestos, el orgullo precisamente consiste en no constreñirse en ningún sentido y en presentarse tal y como es. Esto queda aún más marcado cuando decide vestir de traje en lugar de llevar un aspecto desaliñado porque demuestra que la pluma no es como la forma de vestir, sino que se trata de algo arraigado en él.

Los secundarios que están de parte de Milk también son muy interesantes en cuanto a personajes, pues todos tienen sus historias personales, sus pasados, sus motivaciones… Componen, además de apoyos a la campaña, los conflictos de la vida personal y amorosa de Milk, que muchas veces tiene que elegir entre el amor y la política. Estas subtramas también están bien escritas y desarrolladas. Los actores James Franco , Diego Luna, Emile Hirsch… hacen muy bien sus papeles con una implicación que pocas veces se ve en el cine y que probablemente es fruto de una grandísima dirección de actores por parte de Gus Van Sant. Pero destaca entre todos ellos Josh Brolin, con un personaje aún más enigmático que el de todos los demás. Compone un antagonista extraño, aliado a veces, y cuyos equívocos mentales podrían ser motivo de un guión.

Quizá la película, más que una protesta cara a los homófobos –incluso los más acérrimos probablemente ya están algún peldaño más adelante que los de entonces o eso cabría esperar— es una lección para los homosexuales que hoy en día tienen el camino ya allanado por quienes lucharon en otras épocas, para que se den cuenta de lo que supuso en otros momentos estar orgulloso de algo que hoy en día se da más o menos por hecho. Es decir: para que aquellos que tienen miedo a salir del armario pensando que eso les acarreará algún problema vean la valentía de quienes salían cuando la situación era mucho más cruda y se animen a dar ese paso, lo cual sería la mejor manera de honrar la lucha de entonces.

En absoluto se trata de un film que pueda tener únicamente como público al público gay, ya que la reivindicación que se hace en ‘Mi nombre es Harvey Milk’ funciona como extrapolación de cualquier otro tipo de grito de guerra. Cuando se estrenó ‘Malcolm X’ se trataba de los negros y con ‘Ghandi’ la pobreza era el tema principal. El caso es que, quien más quien menos, muchos pertenecemos a colectivos que pueden sufrir discriminaciones. E incluso cuando no es así, la solidaridad y la furia en contra de las injusticias siempre será la misma se trate de un tema o se trate de otro. Y todo eso hará que este tipo de películas, más allá de la historia que cuentan, nos muevan algo por la contemplación del contexto que presentan.

Porque la actitud de Harvey Milk hacia su situación lo que hace en realidad es demostrar cuál es la única forma de luchar, especialmente en EE. UU. Él se dio cuenta de que tenía que emplear las mismas armas que tenían los que estaban en el poder, de que tenía que ponerse de pie y arrebatar aquello que estaba solicitando, en lugar de seguir llorando por ello; pues así nadie se lo iba a otorgar. Es descorazonador pensar que lo que es justo nunca va a llegar porque exista la justicia, sino que hay que pelear por conseguirlo, pero también es real. Y eso es lo que demuestra la película. De esta forma, algunos momentos de ‘Mi nombre es Harvey Milk’ se pueden señalar como verdaderos ejemplos de comportamiento en este tipo de reivindicaciones.

Con todo esto lo que quiero decir es que la película es un gran film aún por encima de lo que cuenta, un film que despierta una pasión, que emociona, que moviliza… o como se suele decir –y perdón por la frase tópica—: que no deja indiferente. Van Sant ambienta, realiza y fotografía todo con gran habilidad. Así consigue con este biopic una gran película que no por clásica carece de fuerza y contundencia.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Mi nombre es Harvey Milk’, la brillante historia de un mártir , de Jesús León.

Mi puntuación:

A Judd Apatow hay que reconocerle inteligencia. Consciente del actual estado del cine, en el que los productos de rápido consumo y disfrute inmediato reinan las carteleras (sobre todo en el cine de evasión), se marca con cada nueva producción un nuevo tanto, dándole al público lo que éste precisamente reclama. Conocedor de la simple clave del éxito, que empezó en series de televisión con series como ‘Freaks and Geeks’, ha tenido la suerte, o el buen ojo, de llevar a buen puerto (económico) todos aquellos productos en los que ha metido mano. Desde la fallida ‘Virgen a los 40’ a la estúpida ‘Lío embarazoso’, films dirigidos por él, pasando por una serie de producciones en las que se nota su mano, caso de ‘Supersalidos’ o la que nos ocupa, ‘Superfumados’. Es evidente que el título en nuestras tierras es para relacionar la película con el superéxito dirigido por Greg Mottola, y de paso intentar correr la misma suerte.

Pinneapple Express es su título original, y evidentemente mucho más acertado. Está dirigida por David Gordon Green, director de corte independiente, al que un producto fabricado en Hollywood le sienta demasiado grande. No obstante, y por mucho que las producciones Apatow estén dirigidas por otros realizadores, se les nota su sello personal, tanto que el trabajo del director casi queda invalidado. Apatow es algo así como el Jerry Bruckheimer de las comedias.

‘Superfumados’ no tiene guión. Su historia se resume en la odisea que viven los dos personajes centrales del film, Daul Dale y Saul, cuya relación se basa en que el segundo suministra marihuana al primero. Uno de ellos es testigo de un asesinato, y se verá obligado a huir junto a su “nuevo amigo” de un importante traficante de drogas. La realidad será mucho más alucinante que los efectos de cualquier porro que se puedan fumar. Seth Rogen, además de reservarse uno de los papeles principales, ejerce labores de guionista junto a su inseparable Evan Goldberg, partiendo de una historia escrita por ellos y, cómo no, el propio Apatow. Pero el film es un caos total, y sobre todo adolece de algo que sufren todas las producciones Apatow: es demasiado largo. Al igual que Bruckheimer realiza films de acción que se hacen eternos, las comedias de Apatow son insufribles porque al alargar todas y cada una de sus situaciones, sus carencias salen a flote de forma indiscriminada.

Al no existir una trama realmente interesante, y que curiosamente la acerca a las buddy movies que se realizaban en los años 80 (con escenas de acción incluidas), se opta por narrar las relaciones de amistad masculina, y de paso hablar sobre cosas como la inseguridad, la inmadurez o el sentido de la responsabilidad que se debería tener a cierta edad. El problema es que nada es creíble, algo que le suele pasar mucho a Apatow. Los treintañeros de esta historia no suenan a verdad, ni siquiera se hacen cercanos. Sólo se conocen de sus intercambio de dinero por droga, y de repente y por culpa del lío en el que se ven metidos, ya hablan de sentimientos como si se conocieran de toda la vida. Y a pesar de que todo puede achacarse a los efectos de la marihuana (maravillosos, por cierto), el film no carga demasiado las tintas en este aspecto, quedándose corto en más de una ocasión, por no hablar de lo moralizante que resulta, contradiciendo en buena parte todo lo mostrado con anterioridad. Intenta ser políticamente incorrecto para terminar siendo justo lo contrario.

La puesta en escena del director es probablemente lo mejor, manejando cada situación alejándose de todos los tics actuales de este tipo de cine (atención a cierta espectacular persecución de coches, en la que se opta por la sobriedad en lugar de marear al personal). También encontramos que los personajes secundarios son mucho más interesantes que los principales (otra de las señas de identidad de los productos de la factoría Apatow). Dos matones que siempre discuten por la falta de confianza, o un amigo de los protagonistas, que parece ser inmortal, tienen mucho más que decir que los dos idiotas centrales. El problema es que sus participaciones terminan alargándose más de lo necesario, llegando los chistes a ser cansinos. Por otro lado Gordon Green se las ve y se las desea para intentar controlar a las dos estrellas de la película, Seth Rogen y James Franco, que están literalmente insoportables en sus roles, abanderados de la idiotez más supina.

‘Superfumados’ fracasa en casi todo. Ni sus disertaciones sobre la amistad masculina producida por la empatía que se siente tras consumir drogas, ni las posibles lecciones morales que se intentan desprender de ello, calan lo suficiente en el aburrido espectador. Apatow pronto pasará de moda, y sus películas no serán recordadas, ni siquiera estará claro si las dirigió él o no.

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• ‘Superfumados’, actualizando la stoner comedy

Retomar la temática de las stoner comedies sin aportar nada esencialmente original y llegar a resultar entretenido y por momentos hilarante es ya en sí bastante meritorio. Así, de la factoría de Apatow, pero sin el nivel cómico alcanzado en ‘Supersalidos’, tenemos esta comedia de acción sostenida por algunos buenos diálogos y por sus intérpretes inspirados. Con mención especial a James Franco.

‘Pineapple Express’ (aquí desafortunadamente titulada ‘Superfumaos’) recupera, en cierto modo, el espíritu de los setenteros Cheech y Chong, al colocar a sus dos fumados protagonistas en una situación absurda. Aunque, precisamente la inclusión en la trama de suficientes tintes de acción e intriga, la convierten en una producción bien construida, aderezada de descacharrantes escenas, gracias al guión ingeniado por el propio Seth Rogen junto a Evan Goldberg.

Aunque a ratos pierde cierto ritmo, la cinta resulta un soplo de aire fresco (y cannábico) con situaciones encadenadas que llevan a la pareja protagonista a huir y averiguar, a la vez, quién les persigue. Todo ello antes, durante y después de “colocarse” con una nueva variedad de marihuana que los mantiene en ese estado alegre abstracción de la realidad. Diálogos presuntamente profundos en los que ambos afrontan temas como la amistad, las relaciones de pareja, pero sobre todo el sentido de irresponsabilidad autoconsciente que mantienen mientras son seducidos por los alegres síntomas del consumo encadenado de porros.

El dispar David Gordon Green, un realizador a priori inapropiado para este tipo de cine, sabe sacarle partido a una historia que lucha por evitar lo predecible de su trama, y con especial énfasis en las escenas donde el humor absurdo y el gag clásico toman protagonismo y sirven de impulso para avanzar la narración. Bien rodadas, Gordon Green saca lo mejor a sus dos protagonistas principales. Una pareja se va conociendo, a la que vamos descubriendo, y la que con sus más y sus menos, van forjando una amistad que tiene como base su afición por el cannabis y cuyo humo los envuelve y les hace sincerarse.

Tanto Seth Roger como James Franco, incluso un interesante y divertido Danny R. McBride (que también participaba en otra de las grandes comedias del año como es ‘Tropic Thunder’), componen unos personajes bien dibujados y que con sus diálogos ágiles sostienen en gran parte la cinta, logrando momentos de gran comicidad. Como, ya indicaba, cabe mención especial para James Franco, un actor guaperas que aquí sabe sacar lo mejor de sí y se transforma a la perfección en un camello meticuloso y abandonado a los placeres de la marihuana a tiempo completo. Franco resulta brillante e inspirado, en un papel que recuerda por su gran similitud Floyd, el fumeta de ‘Amor a quemarropa’ que interpretó Brad Pitt (y escribió Tarantino), y acaba convertido en lo más sobresaliente de esta comedia de la que, a pesar de saber lo que se espera de ella, no decepciona en ningún momento.

‘Superfumados’ posee momentos de humor inteligente, muy por encima de lo esperable por su temática, y se puede disfrutar sin estar aderezada de algunos de los ingredientes habitualmente presentes en las producciones de Judd Apatow. Aquí, no encontramos chicas desnudas ni constantes referencias genitales, aunque el lenguaje de los personajes si que esté repleto de la vulgaridad habitual y esperable de su sello.

A pesar de su desmadrado y dilatado final, ‘Superfumados’ divierte y consigue sacar algunas carcajadas, sin llegar al delirio apoteósico de ‘Supersalidos’, pero suficiente para convertirse en una de las comedias del año.

‘Noches de Tormenta’ es el título español de ‘Nights in Rodanthe’, tanto para la película dirigida por George C. Wolfe, como para la novela escrita por Nicholas Sparks. Como ya comentamos cuando este film se estrenó en nuestro país (el pasado 24 de octubre), la pluma de Sparks ha dado lugar a varios títulos muy conocidos popularmente, como ‘Mensaje en una Botella’, ‘Un Paseo para Recordar’ y ‘El Diario de Noa’, una de esas películas que parece entusiasmar a todo el que la ve (especialmente al público más femenino). Podríamos decir, alejándonos de los árboles y mirando el bosque, que este señor parte de historias románticas tópicas para darles un giro inusual en el género.

Protagonizada por Richard Gere y Diane Lane, aun hoy ganchos para el público, ‘Noches de Tormenta’ nos habla de oportunidades perdidas, de decisiones equivocadas, de tiempo perdido. Paradójicamente, la propia película produce eso mismo en el espectador, perder el tiempo, sensación de haberse equivocado eligiendo ésta y no otra. Porque ‘Noches de Tormenta’ es una obra simple y tópica, pobre, sin nada que ofrecer.

La historia de la película gira en torno a dos personas que se encuentran en una situación que podríamos calificar de crítica. Tras una vida que creían correcta, exitosa, se dan cuenta de que no son felices, todo lo contrario, están al borde de un abismo existencial. Necesitan hacer algo. Necesitan encontrar algo, decidir algo, cambiar de dirección. Van a explotar si no lo hacen.

Por un lado tenemos a un prestigioso doctor interpretado por Richard Gere, que viaja solo al pueblo costero de Rodanthe, en Carolina del Norte (un buen sitio para tomar café), con motivo de una trágica operación en la que estuvo implicado directamente. Allí se aloja en una preciosa pensión, situada justo en la playa, donde resulta ser el único cliente, quizá por la amenaza de un huracán que, dicen, está por llegar.

De esta forma, el personaje de Gere conoce al que encarna Diane Lane, la otra protagonista de la historia, la encargada de la pensión. Es una mujer separada de su marido, por una infidelidad cometida por éste tiempo atrás; poco antes de marchar hacia la casa donde pasará unos días con el cirujano, el marido pide volver a casa, poniendo a los dos hijos que tienen en común como razón para salvar el matrimonio.

Dejando a un lado los habituales tópicos que suelen incluir este tipo de películas, y que ya casi pasamos por alto, para intentar disfrutar en la medida de lo posible de la historia que se nos propone, ‘Noches de Tormenta’ cae en un error importante. No ofrece impedimentos serios a lo que todo espectador sabe que va a suceder, antes o después. De hecho, lo que es peor, eso que va a suceder, que sabemos que va a ocurrir, se nos da tarde, demasiado en mi opinión.

Si habéis leído algo sobre el guión cinematográfico, os habréis dado cuenta de lo fundamental que resultan los conflictos, los impedimentos que deben tener los personajes para cumplir sus deseos principales. De eso va este tema, de eso va, en general, la construcción de los guiones. De crear situaciones que impidan a los protagonistas conseguir sus objetivos, especialmente el “gran objetivo central” de la historia.

En ‘Noches de Tormenta’ no hay nada de eso. Se nos presenta a dos personajes infelices que están destinados a encontrarse y a mantener un romance tan apasionado que cambiará sus vidas, superando todo lo que les impide ser felices. Esto es lo que se nos vende, lo que esperamos y lo que efectivamente encontramos. Pero todo está dispuesto de una forma tan simple y tópica, tan facilona, que ni hay conflicto ni, por consiguiente, tensión, emoción, drama ni entretenimiento. No hay nada.

Durante casi toda la película, se asiste a hechos previsibles, filmados sin ningún entusiasmo, montados de forma lamentable (atención a los flashbacks, torpes y mal integrados), e interpretados por dos actores (Gere y Lane) que, si bien se entregan honestamente a sus roles, están muy desaprovechados. Son marionetas parlantes que intentan reflejar emociones y se besan ocasionalmente. Cosa similar podemos decir de los actores que interpretan papeles secundarios (salvo lo de los besos). James Franco apenas sale en tres secuencias, quedando su trabajo reducido a poner cara seria y soltar unos diálogos de manual de telenovela. Scott Glenn, por el contrario, aun teniendo también poco tiempo a su disposición, es el protagonista del mejor momento de toda la película, el único que consigue emocionar. No lo cuento por si decidís, en contra de mi recomendación, ir a ver el film.

Al margen de que quisieran volver a trabajar juntos (debe ser gracioso para ellos interpretar a esta pareja tras ‘Infiel’) y/o les hayan pagado más que estupendamente, no encuentro razones sólidas para que dos figuras como Richard Gere y Diane Lane hayan aceptado intervenir en esta película. Mirando al público, tampoco encuentro motivos de peso para recomendar ‘Noches de Tormenta’. Imagino que sólo es una oferta válida para muy fans de estos actores y/o del género romántico. Para el resto, muy probablemente, ver este film sea perder el tiempo.

‘Milk’ debería ser una película importante en la próxima temporada, a tenor del tema que trata y de los responsables de la misma. Gus Van Sant como director y Sean Penn en el papel principal, el de Harvey Milk, el primer político abiertamente gay elegido en los Estados Unidos. El film va desde los inicios de Milk, abriendo una pequeña tienda de cámaras, que enseguida se convierte en un punto de encuentro de muchos gays, hasta su ascenso en la política como símbolo y estandarte de los derechos de los homosexuales, y su enfrentamiento con su futuro asesino, Dan White.

A Penn, del que podemos olernos otra nominación más que añadir a su carrera, le acompañan James Franco, que interpreta a su pareja; Diego Luna, Josh Brolin y Emile Hirsch. En España la veremos el 6 de Febrero, y esperemos que Van Sant no tenga la mala suerte que ha tenido con sus últimas películas, cuya distribución fue apenas inexistente (aún estamos esperando por ‘Paranoid Park’). Films como ‘Last Days’ me parecen soberanos bodrios, pero independientemente de su calidad, creo que todas las películas merecen ser estrenadas en el mayor número de lugares posible.

Vía | Worstpreviews

Creo que con deciros el nombre del director y el del principal protagonista, ya sentiréis curiosidad por ver el trailer que os pongo arriba. El primero, Gus Van Sant, el segundo, Sean Penn. Y lo que os traigo es el primer avance de ‘Milk’, un proyecto del que ya habíamos hablado aquí. La película se centra en la figura de Harvey Milk, primer político abiertamente gay elegido para un cargo público en Estados Unidos; su polémica vida se apagó cuando fue asesinado en 1978, un año después de su nombramiento.

Recordemos que lo último de Van Sant era ‘Paranoid Park’, película que aún no ha sido estrenada en España. Personalmente, este director me interesaba hasta que hizo esa absurda trilogía que componen ‘Elephant’, ‘Gerry’ y ‘Last Days’. De hecho, he tenido la oportunidad de ver ‘Paranoid’ pero aún tengo demasiado reciente el visionado de las otras tres, con esos interminables y vacíos secuencias donde no pasaba nada. Sin embargo, me ha gustado el trailer de ‘Milk’, parece muy interesante y en este caso no dejaré pasar la opción de verla en cuanto pueda.

El pluriempleado Josh Brolin, Emile Hirsch, Diego Luna, James Franco, Victor Garber, Eric Stoltz y Alison Pill completan el reparto encabezado por Penn, que bien podría estar nominado otra vez al Oscar como mejor actor. ¿Muy evidente? El 26 de noviembre, ‘Milk’ estará en los cines estadounidenses; más de dos meses después, el 6 de febrero, en los españoles.

Vía | The Movie Box

Es el último gran rumor que circula por internet. Parece ser que Sam Raimi quiere a James Franco para que sea el protagonista del relanzamiento que está preparando de la saga de Jack Ryan, personaje de acción creado por Tom Clancy. Según se cuenta, esto no sería del agrado de los dueños de la Paramount, que no verían a Franco como esa joven estrella taquillera que buscan para romper las taquillas de medio mundo.

Pues no, pero… ¿la cuestión no es buscar al actor que encaje mejor en el papel? Ya, ya, pregunta chora, lo sé, se me ha escapado, pero es que me acuerdo del casting de James Bond y de todo lo que se lió cuando salió el nombre de Daniel Craig, y ahora nadie se queja, sino todo lo contrario. Pues a eso me refiero. ¿Por qué no darle una oportunidad a Franco? Vaya, qué mal suena esa pregunta siendo español… Tampoco, mirando los números, es que este actor (que sí, vale, me cae bien) sea un repelente para la taquilla y desde luego popularidad no le falta.

Precisamente, hace un par de semanas se estrenó en Estados Unidos la última película protagonizada por James Franco, ‘Pineapple Express’ (que me veo que la van a titular en España como ‘Dos Fumetas Pirados’ o algo similar). Aunque obtuvo, a mi parecer, muy buenos números, más de 60 millones de dólares tiene ahora mismo de recaudación, lo cierto es que no alcanzó el número 1 del box office, que imagino era la idea prevista y es lo que tienen en mente los que no le ven para encarnar a Jack Ryan; al margen de la imagen que da el actor en esa película, claro está, ya sabemos cómo se las gastan las conservadores mentes hollywoodienses. Matt Damon sí, James Franco no. Pues estupendo oye…

Esta diferencia de criterio entre Raimi y los directivos de los estudios podría provocar, al parecer, que el director abandonase la idea de realizar la película. Algo bastante forzado, infantil, incluso tonto diría yo, más aún teniendo en cuenta que este señor se cargó al personaje de James Franco, Harry Osborn, uno de los mejores de la trilogía a mi modo de ver, en ‘Spider-Man 3’; por cierto, la peor de las tres hechas hasta el momento, y la razón de que (menudo alivio) se esté barajando la opción de renovar todo el reparto y la dirección para la cuarta parte. Además, recordemos que es la misma Paramount la que prepara ‘Spider-Man 4’, así que no creo que le convenga a Raimi, si quiere seguir como responsable de las aventuras de Peter Parker, buscarse enemigos entre los directivos de la poderosa compañía.

Curiosamente, hace poco, con todo lo que se está hablando de esa futura próxima película sobre el hombre araña, Raimi pidió perdón a Franco por haberle dejado fuera. ¿Pretende ahora arreglarlo dándole el papel de Ryan o sólo es para quedar bien con el actor? En cualquier caso, y seguro que más de uno lo está pensando ahora mismo, no perdamos de vista que ahora mismo esta información sólo es un rumor que ha aparecido hoy. Igual mañana se desmiente y descubrimos que Raimi quiere a para el papel principal. Por poner un ejemplo…

Recordemos, sobre este particular, que Jack Ryan ya ha tenido tres rostros en el cine. El primero fue el de Alec Baldwin en ‘La Caza del Octubre Rojo’, luego le tocó el turno a Harrison Ford, el más popular, en ‘Juego de Patriotas’ y ‘Peligro Inminente’ (también conocida como ‘Sueño Inminente’), y el último hasta el momento, el peor sin duda, Ben Affleck en ‘Pánico Nuclear’, la peor de la tetralogía que ahora se quiere ampliar. ¿Quién será el siguiente? ¿Os parece bien la supuesta elección de Raimi?

Y ya que estamos con las preguntas, ¿qué os parecen las películas de Jack Ryan? ¿Creéis que “necesitamos” otra más? Supongo que el éxito de la saga de Jason Bourne es lo que está detrás de todo esto, y de ahí que quieran a alguien super famoso para evitar riesgos y que el público se olvide de la última película, la de Affleck. A ver cómo progresa todo esto, hace un tiempo se hablaba de Ryan Gosling. Seguiremos atentos.

‘Noches de Tormenta’ es el título bajo el que conoceremos ‘Nights in Rodanthe’, un drama romántico que cuenta con Richard Gere y Diane Lane en los papeles principales. La película está basada en una novela (‘The Notebook’) de Nicholas Sparks, de cuya inspiración han salido otras películas como ‘Mensaje en una Botella’, ‘Un Paseo para Recordar’ y ‘El Diario de Noa’; si has visto estas tres, creo que te puedes hacer una idea bastante clara de por dónde va esta nueva película, ¿cierto? James Franco, Scott Glenn, Christopher Meloni y Viola Davis acompañan a la pareja protagonista interpretando roles secundarios.

Dirigida por George C. Wolfe, ‘Nights in Rodanthe’ gira en torno a un médico que viaja para ver a su hijo, fruto de un matrimonio roto, que en el camino se cruza con una mujer (casada) aburrida de su vida, surgiendo un romance que cambiará sus tristes existencias. El trailer os lo dejo abajo, con subtítulos en castellano, ya me diréis qué os parece. Recordemos que Gere y Lane ya fueron pareja en ‘Infiel’, donde como indica el título, la fidelidad conyugal tenía menos valor que un título universitario en España. Previamente, ambos coincideron en ‘Cotton Club’, de Francis Ford Coppola. El próximo 26 de septiembre, la película llegará a los cines norteamericanos; casi dos meses después, el 14 de noviembre, se estrenará en los españoles.

Póster vía | Impawards