El director Jean-Jacques Annaud tuvo su momento de esplendor a raíz de su éxito por ‘En busca del fuego’ (‘La guerre du feu’, 1981), tras la cual vinieron las aún más exitosas ‘El nombre de la rosa’ (‘Der Name der Rose’, 1986) y ‘El oso’ (L´ours’, 1988). Films que mostraban a un director que sabía encontrar un equilibrio narrativo/estético realmente envidiable, tomando la sencillez como la mejor de las herramientas. Como muchos otros realizadores, enseguida sucumbió al esteticismo y sus films se volvieron estampas muy bonitas pero vacías de todo contenido. Con ‘Oro negro’ (‘Black Gold’, 2011), que ha pasado completamente desapercibida por las carteleras de nuestro país, parece regresar a cierto tipo de cine, podemos llamar clásico, con un punto de épica, en una de esas historias de las que ya no se cuentan.

Annaud intenta devolver al séptimo arte ese tipo de película que parece ya no interesan a nadie —quizá de ahí su poca repercusión en los cines, más sorprendente aún cuando viene de un director que vivió tiempos mejores, narrando historias que sí interesaban a las audiencias— en una película alejada de toda parafernalia visual, aunque no reniegue de las actuales técnicas digitales tan de moda. Con un ajustado presupuesto de 40 millones de dólares —cualquier otro director de mayor renombre hubiese necesitado mucho más— Annaud logra que ‘Oro negro’ luzca como una superproducción en toda regla, llena de extras, y en cuyas imáganes bucea el recuerdo de cierta cinta dirigida por el gran David Lean, salvando las distancias evidentemente.

La película recoge a modo de relato de aventuras los enfrentamientos entre distintos clanes en los reinos árabes a principios de los años 30, cuando una compañía texana intentó explotar los grandes yacimientos de petróleo. En un lugar denominado el cinturón dorado es donde se quiere extraer el crudo, pero dicho lugar permanece intacto como símbolo de la paz entre dos reinos anteriormente en guerra. Los problemas surgirán cuando uno de ellos quiera enriquecerse a costa del petróleo, saltándose el acuerdo con su oponente, quien parece negarse a todo progreso. Premisa muy clásica, en la que se habla entre otras cosas de las tradiciones, de los peligros de todo avance tecnológico, de las creencias y no sólo religiosas, en un marco lleno de arena, sol y siempre con una claridad narrativa que haría las envidias de muchos realizadores perdidos en querer romper las mal llamadas reglas del cine.

La sensación que produce ‘Oro negro’ en su primer tercio es la de desconcierto, incluso rechazo. Cuesta creerse a alguien como Antonio Banderas en la piel de un rey árabe codicioso, pero que en el fondo parece tonto de remate, ofreciendo una visión de los árabes poco menos que ridícula. A su lado, o más bien enfrente, su antagonista, un muy correcto Mark Strong cargando con un personaje más rico en matices. Es en la historia de uno de los hijos del segundo, y la relación con su padre, donde encuentro los mayores atractivos del film, pues se ponen sobre la mesa cuestiones tan antiguas como antiguo es el ser humano, cuestiones que seguirán llenándonos de dudas en siglos venideros. Cuestiones sobre las cosas de verdadero valor, el coraje, la amistad, la compasión, y sobre todo, el amor.

Tahar Rahim, al que todos pudimos admirar en la magistral ‘Un profeta’ (‘Un prophète’, Jacques Audiard, 2009), lleva en cierto momento todo el peso de la función, como joven ensimismado con los libros en un pueblo cuya ignorancia y fanatismo religioso —el Corán se nombra repetidas veces, y no precisamente para dejarlo bien— les llevan a hacer cosas realmente sin sentido. Será precisamente su conocimiento el que le lleve a convertirse en un hombre perfectamente preparado para la guerra, pero también para ser un hombre justo capaz de encontrar el entendiemiento entre oriente y occidente. Pero como todos los grandes hombres que protagonizan grandes historias, encontrará la verdadera madurez y hombría a través del sacrificio y las penurias. Son varios los instantes en los que Annaud nos muestra hechos tristes, pero afortunadamente sin cargar las tintas, por mucho que la banda sonora de James Horner, empeñado en plagiar a John Williams en algunos instantes, se empeñe en ello.

Annaud se muestra simpre seguro, manejando el ritmo a la perfección, aunque habría que demandar algo más de pasión, y sobre todo el no descuidar a ciertos personajes. Baste recordar el papel de una decorativa Freida Pinto, a quien se le echa en falta un poco más de empaque en una historia en la que continuamente nos recuerdan que el amor es el bien más preciado del hombre. Los diálogos entre Mark Strong y Tahar Rahim están llenos de grandes frases para enmarcar, grandes verdades que nos hacen reflexionar sobre lo verdaderamente importante en la vida. La posible grandeza de ‘Oro negro’ se encuentra más en sus líneas de diálogo que en sus imágenes, filmadas con más corrección que maestría, y es que da la impresión de que Annaud ha jugado sobre seguro, sin haberse arriesgado. El riesgo se ha corrido a la hora de estrenarla, pues las audiencias de hoy día reniegan de este tipo de productos de factura clásica.

¡Soy garra de Jaguar y soy cazador! ¡Y mis hijos cazarán en este bosque después de mí!

-Garra de Jaguar

La imagen que abre este post define perfectamente la esencia de ‘Apocalypto’: cinética en estado puro, movimiento perpetuo de los personajes, sin tregua, siempre hacia delante. Quizá es ésta la definición perfecta del buen cine de aventuras. Y es que el film dirigido por Mel Gibson es puro espectáculo arrollador, de los que hacen que la platea vibre con las andanzas de sus personajes y sufra ante su incierto destino. Esto que parece tan obvio, se ha convertido en una especie de quimera dentro del panorama actual del cine de acción, postrado ante el dios de los efectos especiales y confundido hace tiempo ya el ritmo con la sucesión espasmódica de planos y más planos. Por eso cobran más valor cintas como ésta, que recuperan la dignidad de un género arrastrado por el barro demasiadas veces. El bajito actor australiano vuelve a demostrar que sabe de qué va esto del cine, le pese a quien le pese.

No corren buenos tiempos para Mel Gibson. Sus excesos verbales y su errática conducta han conseguido que la industria hollywoodiense dé la espalda a uno de sus mayores activos. El tipo que no hace tanto convertía en oro todo lo que tocaba, se ha convertido en un apestado. ¿No me creéis? Su ansiado y apetecible proyecto sobre vikingos ha quedado aplazado sine die tras la deserción de Leonardo DiCaprio; la última película de su amiga Jodie Foster, protagonizada por él mismo no consigue ver la luz y por si fuera poco, el elenco de ‘Resacón en las Vegas 2’ que se encuentra en pleno rodaje, ha vetado la presencia del actor, siendo sustituído por Liam Neeson. Sería una lástima que viera su carrera truncada por su conducta fuera de las pantallas. Pero como esto es un blog de cine, obviemos el carácter del señor Gibson y vayamos a lo que realmente importa: su obra.

Nos encontramos en lo más profundo de la américa precolombina. La primera escena recuerda poderosamente a la que abre ‘Ciudad de Dios’ (‘Cidade de deus’, Fernando Meirelles, 2002): una cámara frenética sigue a ras de suelo a un tapir —como la gallina del film brasileño— perseguido por una tribu de indígenas maya. La persecución termina brutalmente, pero suavizada por las risas de los miembros de la tribu. Mel Gibson nos recuerda que es éste un mundo muy distinto al nuestro y conceptos como la crueldad, no poseen el mismo significado. La violencia es implícita a la vida, y no se concibe la una sin la otra. Por otra parte, el escenario es de una exhuberancia total. En un mundo donde los placeres son cada vez más virtuales, la fisicidad y sensualidad de ‘Apocalypto’ sumergen al espectador en un espectáculo sensorial de primer orden. También ayuda a la inmersión la decisión del director de respetar el dialecto original de los mayas —opción adoptada también en ‘La Pasión de Cristo’, utilizando en aquella ocasión el latín, hebreo y arameo—.

La estructura del film es harto sencilla —que no simple, ojo, que se lo digan si no a Clint Eastwood—: tras unos primeros veinte minutos en los que conoceremos a los protagonistas y y su entorno —una primitiva y humilde aldea en medio de la selva— pronto se presenta el conflicto: una salvaje tribu rival asalta el poblado diezmando a la población y capturando al resto —salvo a los niños, que quedarán abandonados a su propia suerte en una desgarradora escena—. Los cautivos serán vendidos como esclavos o directamente ofrecidos como sacrificios humanos al dios Kukulkan. La huída del protagonista de su funesto destino centrará la segunda parte de una película honesta como pocas: da lo que promete, y con creces.

El trayecto de los indios convertidos en esclavos hasta su destino final —una ominosa pirámide desde cuya cumbre ruedan cabezas humanas y rodeada por masas de enfervorecidos creyentes— muestra al espectador un mundo ya extinguido, extraño, hostil y tan distinto a todo lo que conocemos, que la sensación es la misma que provocaría un viaje por Marte. La ambientación del film en esta parte es brutal, y también lo más criticado. Los historiadores pusieron el grito en el cielo por la multitud de incorreciones históricas que presenta la película, y sobre todo, con la manera tan sanguinaria de presentar a la cultura maya, un pueblo realmente muy adelantado a su tiempo y mucho más civilizado de lo que muestra Mel. Pero no hay que olvidar que esto es cine de espectáculo, no un documental antropológico, y el director simplemente coge las partes que le parecen pertinentes para contar su historia, magnificando unas y eclipsando otras. Ningún film es inocente, y éste tampoco lo es, pero reconozco que me rindo ante el ruido y la furia del relato y me olvido de posibles afrentas históricas. Mea culpa.

La segunda parte de ‘Apocalypto’ consiste en una brutal caza del hombre, lo que la emparenta con clásicos como ‘El malvado Zaroff’ (‘The Most Dangerous Game’, Ernest B. Schoedsack, Irving Pichel, 1932) o ‘La presa desnuda’ (‘The Naked Prey’, Cornel Wilde, 1966). Aquí la naturaleza se erige como protagonista absoluta y el protagonista se aprovecha de su conocimiento del medio para hacer frente a sus captores. El relato mete la directa y la pantalla se convierte en un frenesí de cataratas, fieras salvajes, arenas movedizas y trampas mortales. La cámara adopta muchas veces el punto de vista de sus frenéticos personajes y el patio de butacas se convierte en una montaña rusa. That’s entertaiment!. Como gimmick final, Mel Gibson nos descubre que estamos ante el relato del fin de una era, de un mundo, y el final feliz se tiñe de amargura. El director cede el testigo al Terrence Malick de ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’, 2005) y salimos del cine zarandeados. Como tiene que ser.

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‘Apocalypto’, carne y sangre
‘Apocalypto’, pura emoción
‘Apocalypto’, menuda estupidez. Y, encima, aburrida

En esta ocasión volvemos a recurrir a otro de los grandes compositores contemporáneos de bandas sonoras de Hollywood. James Horner es con todos los honores un prestigioso compositor, que vivió su época dorada durante los noventa siempre ofreciendo lo mejor de sí en grandes producciones, y habitualmente sonados éxitos. Aunque también durante la presenta década ha aportado interesantes bandas sonoras, es uno de los compositores que más críticas negativas ha recibido. Algo de lo que nadie está exento, aunque en el caso de Horner, su talento quede fuera de toda duda.

Se le ha acusado de plagiar, de imitar con frecuencia a otros compositores menos conocidos, al igual que se le reprocha su similitud entre composiciones. Aunque ésto, para ser sinceros, es algo habitual entre todos, especialmente cuando se componen varias partituras anuales durante varias décadas. Ésto, como reivindico, no resta un ápice para valorar el excelente trabajo que James Horner ha realizado con películas sobradamente conocidas, a los que ha sabido añadir la majestuosidad sinfónica, muy en la línea de otros grandes conocidos como Goldsmith y Williams.

Lo cierto es que tiene trabajos memorables y eso que empezó muy joven y aún le queda mucha cuerda. Sus inicios están marcados por su buen hacer combinando la música orquestal con sintetizadores (muy propio de los ochenta) en trabajos como ‘Star Trek II: La ira de Khan’ o ‘Krull’. Lo que le sirvió para ganar suficiente reputación y acaparar proyectos mucho más ambiciosos. Repasemos sus diez mejores bandas sonoras.

‘Aliens, el regreso’ (1986)

Ha trabajado para James Cameron en varias ocasiones y siempre ha logrado bandas sonoras de gran altura. En la continuación de ‘Alien, el octavo pasajero’, film donde prima la acción trepidante, Horner le impone la fuerza para acompañar la atmósfera agobiante de la historia, además de esos tonos sombríos y misteriosos que refuerzan muchas escenas del film. Excelente y virtuoso trabajo:

‘Tiempos de gloria’ (1989)’

En esta estupenda película de Edward Zwick, Horner desplegó una composición majestuosa, brillante, emotiva para ilustrar los momentos más épicos de este film bélico y acentuar la lucha racial que trata el film. Por supuesto, está repleto de temas de claro acento militar, con abundante percusión, pero quizás el tema principal destaque sobremanera y ha sido ampliamente imitado (incluso por él mismo).

‘Star Trek II: La ira de Khan’ (1982)

Fue uno de sus primeros trabajos y un enorme éxito. Le abrió las puertas para un futuro prometedor. Con apenas 29 años consiguió componer una épica partitura y además dirigió la orquesta sinfónica de Londres en su grabación, siendo el más joven entonces en hacerlo. Lo cierto es los temas son estupendos y salpicados de sonidos electrónicos de sintetizadores.

‘Willow’ (1988)

Para este fantástico y entretenido film, James Horner consiguió aportar su buen hacer en el cine de género aportado ese toque de magia, aventura y exotismo (el acompañamiento coral lo acentúa con brillantez). El tema principal quizás esté considerado como una de sus piezas cumbres y, particularmente, creo que es de lo mejor de Horner.

‘Apolo 13’ (1995)

Otro de sus más grandes éxitos y especialmente por parte de la crítica. Se ganó un gran respeto después de haber estado muy subestimado y lo cierto es que consigue una banda sonora muy completa, llena de grandes temas, todos brillantes. Desprende frescura tiene matices que la convierten en una banda sonora excepcional.

‘Braveheart’ (1996)

A pesar de ser una de sus obras más conocidas reconozco que no es de las que más me entusiasma, quizás sea algo sobrevalorada (como lo es la película), aunque hay que otorgarle el valor que posee, porque el resultado es notable y meritorio. Y una vez más tiene mucho peso como artífice del éxito del film. Sonidos escoceses, gaitas y demás para vestir a su habitual majestuosidad orquestal. Pegadiza y popular al máximo.

‘Titanic’ (1997)

No cabe duda que el enorme taquillazo y popularidad del film se debe en buena parte a James Horner. De nuevo trabajando para Cameron y componiendo otras de sus mejores partituras, con la que consiguió el ansiado Oscar por partida doble. Ya que la famosa canción ‘My Heart Will Go On’, que interpretara Céline Dion, también está firmada por Horner (y eso que él no quería incluir en un principio canciones dentro del soundtrack). Supo combinar elementos de la música celta, los habituales sonidos orquestales y tonos de sintetizadores, todo ello acompañado coros… magnífica. Y un apunte: la banda sonora más vendida de la historia. Me permiten la versión del violinista André Rieu:

‘La máscara del Zorro’ (1998)

La cinta sorprendió por ser un divertimento sincero, sin muchas pretensiones pero pasable y para ello, de nuevo, la música compuesta por James Horner tuvo mucho que ver. Su éxito se apoyó en un trabajo diferente, reinventándose (para que luego lo acusen de autoplagiarse) y con un resultado sobresaliente. Acompañando muy bien las escenas de acción, con mucha emoción e introduciendo ese toque latino que el protagonista requería. Contiene temas muy pegadizos y reconocibles.

‘Leyendas de Pasión’ (1994)

Una vez más, Horner compone la banda sonora de otro éxito notable. Un film pasteloso si quieren, pero muy popular y en el que Horner apuesta por acentuar el tono melodramático de la historia con gran elegancia y un sonido emotivo, apasionado y conmovedor. Muy completa esta banda sonora que también cosechó excelente acogida de la crítica.

‘Avatar’ (2009)

Cameron volvió a confiar en su buen hacer y su experiencia que ha dado excelentes resultados. Así que Horner le tocó componer una banda sonora que generaba mucha expectación y que tenía como meta alcanzar al menos, o mejor superar, la brillantez de Titanic. Una exigencia elevada pero de la que Horner sale airoso, a pesar de que los últimos años no ha cosechado tantos elogios por sus trabajos. Aquí reunió sus mejores armas, sonidos que le habían dado buenos resultados y finalmente consigue un trabajo excelente. Eso sí, particularmente el inserto del tema interpretado por Leona Lewis me sobra, me parece un intento forzado de emular ‘Titanic’, pero el tema no es igual de potente aunque destila el mismo aire romántico y meloso que entusiasma a las masas.

Y como extra, aquí os dejo una entrevista en la que comenta su trabajo con Cameron en ‘Aliens, el regreso’:

En Spotify | Playlist de James Horner

En Blogdecine

Las diez mejores bandas sonoras de:

• Danny Elfman
• Hans Zimmer
• Elmer Bernstein
• Bernard Herrmann
• Ennio Morricone
• Jerry Goldsmith

• John Williams

“No sé si será una gran película, desde el punto de vista narrativo o crítico. Pero sí que la experiencia de ‘Avatar’ será diferente a todo lo que se ha visto antes”.

James Cameron (20-05-2008)

Por fin llegó ‘Avatar’. Como era de esperar, lo nuevo de James Cameron, anunciado incesantemente por todos los medios como la revolución del cine, está siendo un rotundo éxito de taquilla. La proyectan en todas partes, incluso en salas 2D cuando la película está pensada y fabricada para verla en 3D; hay videojuegos, carteles y muñecos en las tiendas… el rostro azulado de los na´vi nos observa desde incontables lugares. Casi podría decirse que estamos obligados a ver la película. Casi, porque lo cierto es que muchos de nosotros, independientemente de lo mucho o lo poco que vayamos al cine, estábamos deseando que el 18 de diciembre llegara cuanto antes, porque no todos los días se estrena una película de James Cameron.

Doce años ha tardado el realizador en volver a tener lista una película. Tras arrasar con ‘Titanic’, y después de tanto tiempo de preparación (es de sobra conocido que Cameron no pudo rodar ‘Avatar’ hasta que la tecnología no avanzó lo suficiente), el nuevo trabajo del director de ‘Terminator’ iba a ser en cualquier caso un gran acontecimiento. Pero el autoproclamado “rey del mundo” no iba a salir de su cueva para presentar cualquier cosa. Debía ser lo máximo, algo nunca visto. Así es como se empezó a vender ‘Avatar’, como una película que cambiaría la Historia del Cine, algo que afectaría al público de una forma inaudita. Ingenuamente, muchos nos lo creímos, dicho por Cameron, Spielberg, Peter Jackson y algunos más. En este sentido, no me extraña que más de uno hable de la mayor decepción, no del año sino de la década.

No, yo no lo veo así. No me sitúo ni entre los que creen haber visto una rotunda maravilla, ni entre los que consideran que es una gran tomadura de pelo. Dejando a un lado al público que apenas ha visto un puñado de películas en su vida, o al que por edad está demasiado condicionado a dar una determinada valoración al film (es evidente que los chavales “fliparán”, mientras que los más mayores se perderán nada más empezar), podría entenderse que la aparente polarización de opiniones en torno a ‘Avatar’ es un indicador de que estamos ante una película de difícil acceso, que separa al público según haya conseguido conectar con la narración de Cameron. Sería una conclusión errónea, muy alejada de la realidad. En primer lugar, porque esta película es de una gran simpleza, a veces sonrojante, cualquier chaval adolescente la puede consumir y comprender sin problemas, e incluso sería capaz de destapar muchos errores.

Pero es que, de hecho, no hago más que leer y oír opiniones que, como la mía, se alejan del desmedido entusiasmo por la película, así como de la visión más negativa y ciega, de los que no son capaces de tener en cuenta los muchos aciertos del arriesgado y encomiable trabajo orquestado por Cameron. En cualquier caso, no me parece una buena señal descubrir que cuanto más tiempo pasa, y sólo ha transcurrido una semana, se hable más de cifra que de la calidad de la película. Pasando por encima del debate en torno a los blockbusters y los efectos especiales, porque a mí me parece que es perder el tiempo (una buena película no tiene nada que ver con el presupuesto o el uso de los ordenadores, sino con la narración de la historia), está claro que los avances tecnológicos mostrados en ‘Avatar’ sí marcan un antes y un después, sí afectarán a la manera en que veamos el resto de películas, de ahora en adelante. Nunca antes habíamos visto un personaje generado por ordenador que resultara más realista que Neytiri, y esto es fundamental, porque, bien empleado, puede dar grandes alegrías al séptimo arte.

Por supuesto, que ‘Avatar’ va a cambiar nuestra manera de ver el cine es una afirmación exagerada, puro marketing al que se ha subido Cameron para vender su carísimo nuevo juguete a todo el mundo. Lo único que cambiará será que a partir de ahora seremos más exigentes con los efectos especiales de determinado tipo de películas, de los blockbusters y las películas de acción y ciencia ficción. Cameron ha puesto el listón donde nunca antes lo había puesto nadie, y eso afectará a nuestra manera de ver el tipo de cine que se suele hacer en Hollywood, que tendrá que usar la más novedosa tecnología para que el público considere que merece la pena pagar lo que vale la entrada. Nada más, no vamos a dejar de ver comedias porque no sean en 3D estereoscópico. Lo que sí altera, y quizá aquí esté la verdadera razón de todo esto, es a la piratería, porque ahora mismo es imposible ver ‘Avatar’, como hay que verla, en 3D, sin ir al cine. Por eso se frotan las manos, pero a ver cuánto les dura, sin cansar al público.

“Al final, la reacción de los espectadores a ‘Avatar’ no va a ser sobre la tecnología, va a ser sobre los personajes y la historia que ha creado James”.

Jon Landau, productor.

Jon Landau, como el resto de participantes en esta megaproducción, tenía la intención de seguir generando mayor expectación sobre lo que nos iba a contar James Cameron. Si os fijáis, lo que hace es contradecir en cierto modo la otra cita, la del director, que quiso centrar más la mirada en la “experiencia” del público con los nuevos avances y el 3D. En realidad, no creo que a la película le convenga que se debata sobre la historia y los personajes del guión de Cameron, como pensaba el productor. Precisamente ahí es donde más pierde ‘Avatar’. Como decíamos antes, es demasiado simple. Nada más empezar, superado el efecto sorpresa, el impresionante 3D, te das cuenta que la película está llena de tópicos y de recursos que hemos visto en incontables ocasiones; que puedes adelantarte fácilmente a lo que va a ocurrir, y que los personajes carecen de complejidad, son de una forma o de otra, blancos o negros (o azules), pero no grises. Cameron nunca se ha caracterizado por elaborar grandes guiones, no es su fuerte, y esto se nota muchísimo en ‘Avatar’.

Cameron se ha convertido, desde hace un tiempo, en un director muy sobrevalorado. Nadie discute sus aportaciones tecnológicas, su gran imaginación o su fantástica visión para las secuencias de acción (su mayor talento, y lo que lo hace necesario hoy más que nunca), pero no tenemos más que echar un vistazo a su filmografía para descubrir que es mucho más modesta de lo que debería ser, para considerarlo como uno de los grandes del cine. La única película que considero que podría tratarse como magistral es ‘Terminator’, que data ya de 1984, por su increíble capacidad para sorprender, inquietar y entretener con sus limitados recursos. Sobre el resto, podemos decir que son divertidas, espectaculares, pero no obras de arte. En ‘Avatar’ volvemos a encontrar los mismos aciertos y los mismos defectos de las realizaciones de este director: técnicamente impecable, secuencias de acción que quitan el hipo, historia simplona y previsible, personajes sin profundidad.

Lo mejor que se puede decir de ‘Avatar’ es que, como señalaba Cameron, ofrece una experiencia visual nueva, un gran espectáculo de acción y efectos especiales que merece totalmente el precio de la entrada; por el contrario, lo peor es que, como película, ‘Avatar’ no aporta nada nuevo, y conforme pasa el tiempo te va dando igual lo realista que son los na´vi o que Pandora parezca real (aunque la fauna y la flora sean un tanto inverosímiles), pero no que la historia es bastante infantil, o que hay momentos y elementos que te sacan de la película (la rapidez con la que Jake se integra en el clan, la casi indestructibilidad del Coronel Quaritch, o lo inútil de la información de Jake, cuando bombardear el árbol era de lo más sencillo). Pero tampoco conviene, como dije antes, dejarse llevar por el camino fácil de tirar por tierra ‘Avatar’, centrando la crítica en la simpleza de los personajes o en los parecidos con la leyenda de Pocahontas. Porque hay en la película mucho más que eso, hay grandes secuencias planificadas por el que posiblemente sea el más experto realizador de cine de acción. Y pese a todo, es imposible no emocionarse con la destrucción de la (falsa) naturaleza que llevan a cabo los humanos, representada en esa preciosa imagen del caballo ardiendo.

Antes de acabar, quiero destacar lo que para mí es uno de las mayores errores de la película: la banda sonora de James Horner. Se ha dicho que la superbatalla de ‘Avatar’ supera con creces la de ‘El retorno del rey’; yo no iría tan lejos, sí creo que deja en ridículo todo lo que ha hecho Robert Zemeckis hasta ahora en animación, pero la parte final de la tercera película de ‘El señor de los anillos’ es mucho más que una lucha entre dos ejércitos. En todo caso, Horner le hace un flaco favor a la película, especialmente en el que debería ser uno de los momentos más emocionantes, cuando se produce (no quiero desvelar nada) un giro en medio del combate. Entonces, suena una musiquilla alegre que sería más apropiada para ‘Bambi’ o ‘El doctor Dolittle’, y no para lo que sucede en la pantalla; habría sido necesario un tema más potente, o quizá bajar mucho la música para que sólo se oyeran los ruidos, los gritos y los golpes. A mí me sacó de la acción, y creo que estropea la mejor secuencia de la película, posiblemente una de las veinte mejores que se han estrenado este año.

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“Ya que la amas, lo dejaré, pasar. ¡Por esta vez! Dilo de nuevo, y dejaremos de ser hermanos”

- Tristan Ludlow

No, no sería bueno que antes de entrar en materia le diesen al play del vídeo de más arriba, así que lector, te rogaría que apartases el puntero de allí. Lo mejor, lo más justo, sería empezar hablando de lo que es el melodrama. Como todo el mundo sabe (o casi todo el mundo), la expresión une dos términos: el drama, que sería ese género sobre la vida real, cotidiana, con sus miserias y sus alegrías; y la melodía, que es una composición en la que se desarrolla un tema. Unidos, forman el melodrama, ese tipo de película en el que las pasiones y los conflictivos son más intensos, más dolorosos y más trágicos que en la vida real. Hay poquísimos melodramas de altura, y muchísimos manipuladores o salidos de tono. Y es que en el melo cabe casi todo, o muchos géneros se alimentan de sus acordes para enfatizar o atrapar al espectador. ‘Leyendas de pasión’, cuarta realización de Edward Zwick, intenta ser un melodrama de altura, lo busca tan desesperadamente, y fracasa de una manera tan estrepitosa, que lo que más conmueve en ella, por desgracia, son sus nobles intenciones y sus desastrosos resultados.

No es Edward Zwick, precisamente, un director de fuste. Pero tampoco es un completo inútil, seamos justos. Tiene más mentalidad, todo sea dicho, de productor que de director, y cada vez que se enfrenta a un proyecto lo hace cargado de una tonelada de buenas intenciones, y pone todo lo que tiene encima de la mesa. No es mucho, pero es algo. Termina resultando, siempre, ingenuo y simplote, pero otros no llegan ni siquiera a eso y son arropados con oropeles que sonrojan. Intenta aportar algo a la guerra civil de su país (‘Glory’), al melo (‘Leyendas de pasión’), al drama social (‘Diamante de sangre’), o incluso a la tradición japonesa de filmes de época (‘El último samurái’). Y todo queda, siempre, en eso, en intentonas. Alguna cosa salvable hay en ellas. Aquí sólo hay dos: su sublime música y su portentosa fotografía.

Una partitura musical legendaria, una imagen formidable

Pasemos un momento al apartado de la música, que merecería un artículo, o un libro, aparte. James Horner, en la actualidad, no es ni la sombra de lo que fue. De hecho, he podido oír, como ya algunos, bastantes cortes de su música para la tan promocionada ‘Avatar’, y me ha parecido una simple reelaboración de su trabajo para ‘Titanic’. Lleva muchos años, como dicen por ahí, tirando de archivo, y su prestigio es casi nulo a día de hoy. Pero a finales de los ochenta y a principios de los noventa, era toda una estrella encubierta, con pequeñas joyas que dieron lugar a maravillas como esta o como ‘Braveheart’. Este admirador confeso de John Williams, que durante un tiempo quiso aspirar a su trono, posee un talento sinpar desaprovechado en decisiones comerciales que le han hecho millonario pero criticado por millones de fanáticos de la música para películas.

Todo lo que esta música tiene de elegante, de grandioso, de romántico, de epopeya, de generadora de espacios, de aventuras sin límites, la película no lo tiene. Y el hecho de que cuente con ella para arropar sus imágenes provoca la falsa sensación de que la puesta en escena de Zwick, su mirada, también lo tiene, lo que es sencillamente falso. La narración de Zwick carece de ritmo, de tono, de sentido netamente musical. Y esto sucede porque, a mi entender, es incapaz de comprender la tragedia interior de sus criaturas, sus grandezas y sus miserias, su humanidad más visceral, sus pasiones más irracionales. Por eso fracasa como director de melodrama. Lo que los grandes directores de melo tienen es precisamente eso, un sentido musical que trasciende con mucho la mecánica de la imagen para convertirla en música. Y ni siquiera le ayudan a Zwick las bellísimas localizaciones de Canadá en que fue filmada.

Se puede considerar, en cierto sentido, a John Toll como la personalidad artística más importante del rodaje de esta película. Considerándose a ‘Leyendas de pasión’, prácticamente, su debut como operador jefe de un largometraje de ficción, su trabajo no puede describirse con otro calificativo que no sea asombroso. No en vano se llevó el Oscar (y el premio del año de su gremio), por esta película y por la que hizo el año siguiente, ‘Braveheart’, convirtiéndose en el primer director de fotografía, desde el legendario Winton C. Hoch (habitual de John Ford) que lograba tal hazaña (aunque no fue premiado por su mejor trabajo). Pero de poco sirve un operador en estado de gracia cuando se tiene tan poca sangre como Zwick, que parece constreñir con su limitada y obtusa cámara las posiblidades de esta historia que se pretende desgarradora y se queda en plúmbea.

Cuando Brad Pitt no era actor

Por supuesto que los tropiezos están para aprender, y sólo el tesón y el trabajo duro (aunque sea en cosas como esta) hacen de un actor mediocre con talento, un actor de fuste con talento, como ahora lo es Brad Pitt. En 1994 llegaban a las pantallas dos trabajos suyos que hubieran sido mejores si él no hubiera estado presente en ellos, no me cabe duda: ‘Entrevista con el vampiro’ y ésta. Sobre la primera ya hablamos hace poco, pero Pitt repite idénticos esfuerzos, con presencia de ánimo admirable pero estéril. Su esfuerzo por demostrar cuánto tiene de actor en las venas es tan sobrehumano, que se ahoga en ellos. Es la estrella de la película porque en aquél momento era la estrella emergente con más clamor popular, y por su atractivo sexual. Pero no poseía la entidad suficiente para soportar un complejo melodrama como éste en sus espaldas. Su Tristán es una criatura supuestamente trágica, de hondas e indescifrables torturas anímicas. Una especie de salvaje encantador, vamos.

Pero a lo máximo que aspira Pitt en esta película es a divo divino, con su melena al viento y su fofo carácter. Cuando Paul Newman encarnaba en la magistral (esta sí) ‘Hombre’ a un blanco criado por los indígenas americanos, era también un icono sexual, pero ahí teníamos a un actor en plenitud. Aquí no, aunque finalmente ha llegado a serlo. Su Tristan carece de tensión, de coherencia y de complejidad, y termina uno harto de tanta ida y venida, de tanta sonrisita dolorida, de tanto vaivén sin sentido. A su lado, el siempre segundón Aidan Quinn le da una lección de humildad, de oficio y de buen hacer. A Quinn, que tampoco tiene mucho con lo que trabajar, te lo llegas a creer. A Pitt jamás, y su supuesto drama te da lo mismo. Aunque en general, esta historia de tres hermanos enamorados de la misma mujer, una sufriente y poco creíble también Julia Ormond, adolece de eso, de verosimilitud, y de hondura, de sencillez, de concisión, de vuelo trágico.

Los tres hermanos van a la guerra, en contra de los deseos de su padre (un flemático Anthony Hopkins, en plan secundario de lujo, que parece siempre en otra película, más aún al final, cuando de un ataque cerebral no puede ni hablar…), el menor, comprometido, muere en combate, y los dos hermanos supervivientes se enemistarán por el amor de ella. No hay en esta película ni una sola idea, ni una sola secuencia, ni un solo rasgo de estilo destacable. Todo está presidido por la rutina, lo acomodaticio. Y cuando quiere ser siniestra (Pitt cabalgando entre sus compañeros con las cabelleras de sus enemigos) da risa, cuando quiere ser trágica (Pitt furioso por la accidental muerte de su esposa india) da risa, cuando quiere ser romántica (Pitt viajando por los mares de vete a saber dónde con barba de tres meses pero melena lustrosa) da risa. Una pena.

Queda, para siempre, para los momentos en que la vida no tiene sentido (que son unos cuantos, y cada vez más) la extraordinaria música (sí, ya pueden darle al play) de Horner, o la bella fotografía de Toll como un ejemplo de lo que se puede hacer en cine con la luz. Del resto…ya hemos dado cuenta, ¿no?