La segunda mitad de la década de los 70 y parte de los 80, hasta su temprana muerte, fue la etapa de decadencia de Sam Peckinpah, tanto a nivel personal como artísticamente hablando. Tras el calamitoso rodaje de ‘Los aristócratas del crimen’ que fue un relativo éxito, Peckinpah tuvo muchas ofertas, entre ellas las de dirigir ‘King Kong’ y ‘Supermán’, películas que acabaron en manos de John Guillermin y Richard Donner, ya que el director de ‘Pat Garrett y Billy the Kid’ se decantó por ‘La cruz de hierro’, la adaptación de un novela, cuyo primer guión fue escrito por Julius J. Epstein, prestigioso escritor de films como ‘Casablanca’ (id, 1942, Michael Curtiz), ‘Yanqui Dandy’ (‘Yanquee Doodle Dandy, 1942, Michael Curtiz) o ‘Arsénico por compasión’ (‘Arsenic and Old Lace’, 1946, Frank Capra). Curiosamente el primer borrador de Epstein no convenció nada a Peckinpah.

Fue entonces cuando se precisó la ayuda del propio director acompañado de James Hamilton y Walter Kelley para reescribir el guión, el cual vino de perlas a Peckinpah para hablar sobre los horrores de la Segunda Guerra Mundial, y por ende de cualquier guerra. Resulta curioso que en esta historia no exista uno de los elementos característicos de su autor: la amistad traicionada. Peckinpah debió pensar que el tratamiento que iba a dar de la guerra ya era suficiente para sus personajes. Y es que no estamos ante un film bélico al uso. Sus aterradoras imágenes provocan el absoluto rechazo ante uno de los inventos más estúpidos del ser humano, y Peckinpah lo logra sin discursos ideológicos de ningún tipo.

‘La cruz de hierro’ se desarrolla en plena Segunda Guerra Mundial, cuando Alemania luchaba contra Rusia en el frente este. Un pelotón alemán encabezado por el valiente sargento Steiner, asqueado de la guerra, deberán obedecer las órdenes del capitán Stransky, un oficial prusiano cuyo único interés es ser condecorado con la famosa cruz de hierro para regresar lleno de honores a su hogar y poder mirar de frente a su familia. Steiner y Stransky se odiarán desde el primer momento en el que se ven, algo inusual y atípico en el cine de su autor. Esta vez no tenemos a dos amigos del alma que se traicionan convirtiéndose dicha traición en uno de los puntos fuertes del relato. Esta vez es la propia guerra la que se revela como un feroz instrumento de traición del ser humano hacia sí mismo.

A pesar de que rara fue la vez que Peckinpah no se enfrentaba a los productores ya que quería imponer su criterio, con toda la razón del mundo pues para eso es el director, en el rodaje de ‘La cruz de hierro’ las penurias no vinieron porque el director perdiese el tiempo con el alcohol o las drogas. La película fue rodada en Yugoslavia y allí era difícil conseguir sustancias como la cocaína, así que el señor Peckinpah decidió ahogar sus penas y alegrías en su amiga del alma, su amante, la bebida. No obstante, esta vez no cometió los excesos de otras ocasiones, hubo algún pequeño accidente, eso sí, que obligó a Peckinpah a estar casi siempre sentado llevando consigo un ayudante que lo trasladaba de un lugar a otro del rodaje en camilla. Conocida la fama del director de intratable, el que se ocupó de dicho trabajo reconoció haberlo hecho por si en algún momento le surgía la oportunidad de tirar a Peckinpah al suelo. Pequeñeces comparado con el verdadero trauma en la filmación: la diferencia de idiomas entre los encargados del film y los actores contratados como extras, algo que supuso un verdadero martirio a la hora de filmar las cuantiosas escenas de soldados de los dos frentes luchando.

Este pequeño incidente hizo que muchos de los extras no se enterasen de nada cuando Peckinpah daba órdenes y andaban un poco perdidos, algo que puede apreciarse en el film, sobre todo en su parte final. Hay que sumar el hecho de que parte del vestuario estaba mal envejecido hasta que se llamó a un equipo americano que hizo lo que pudo con el material restante, y los tanques pedidos para las escenas en las que aparecen se quedaron en únicamente tres. Sí, en la película parecen más y es debido a la extraordinaria labor de montaje de Michael Ellis —trabajó posteriormente en ‘Superman’, uno de los proyectos rechazados por Peckinpah—, Murray Jordan —en el rodaje conoció a una montadora que le dijo estaba trabajando en ‘Star Wars’ de George Lucas a lo que Jordan contestó: “ah, una de esas tonterías de ciencia ficción, yo estoy en una película de Sam Peckinpah“—, Tony Lawson y Herbert Taschner que multiplicaron por diez los pocos elementos de los que disponían. El resultado es simple y llanamente extraordinario. Las secuencia bélicas están entre lo mejor del género, gracias a John Coquillon que consigue un realismo único.

Uno de los grandes aciertos de Peckinpah es que éste logra que aborrezcamos la guerra sin necesidad de hacer ideologías de ningún tipo. Los protagonistas son soldados alemanes en las Segunda Guerra Mundial, se supone que son los malos y aún así nos interesamos por sus vidas y sus muertes. Alusiones a los aliados o Hitler no existen en el film, estamos en el frente ruso, el director no quiere hurgar en la herida del holocausto o cosas parecidas, él quiere hablar de la guerra, de demostrar que ésta es tan horrible para los “buenos” como para los “malos” si se me permite expresarlo así. En ‘La cruz de hierro’ no hay soldados, hay hombres que odian la guerra, algunos luchan por deber, otros por obligación, y otros para conseguir la gloria. Y en medio de todo eso, los bajos instintos del ser humano en un contexto de horror. Sirva como ejemplo el episodio de las mujeres, la felación y lo que viene después, o sin ir más lejos el recibimiento que sufren Steiner y sus hombres al regresar con prisioneros rusos, por no hablar del destino del niño ruso adoptado por el pelotón en un momento dado. La Guerra no hace diferencias.

Una vez más Peckinpah logró un reparto de altura para su película. James Coburn, que ya tenía experiencia con el director y no sería la última vez que trabajasen juntos, da vida a Steiner, un hombre totalmente asqueado del mundo, de la guerra y de los hombres que las provocan. Es sin duda, el personaje mejor trazado por encima del capitán Stransky, a cargo de Maximilian Schell, tal vez un poco exagerado. James Mason y David Warner son dos oficiales que representan el lado burocrático de la guerra, aquellos que intentan explicar con órdenes y leyes lo que sencillamente no tiene explicación.

‘La cruz de hierro’ no funcionó bien en la taquilla americana —aunque un cineasta como Orson Welles envió un telegrama a Peckinpah en el que le decía que era la mejor película antibélica que había visto nunca—, se supone que por la difícil identificación del público yanqui con un soldado alemán, pero en Europa fue un éxito estruendoso, tanto que provocó una continuación con Richard Burton en el papel de Steiner. Afortunadamente Peckinpah rechazó dirigirla prefiriendo meterse en un entretenimiento puro y duro sobre unos camioneros haciendo gala de esa exageración típica en el último tramo de su obra.

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético
• ‘Duelo en la alta sierra’
• ‘Mayor Dundee’
• ‘Grupo salvaje’
• ‘La balada de Cable Hogue’
• ‘Perros de paja’
• ‘Junior Bonner’
• ‘La huida’
• ‘Pat Garrett y Billy the Kid’
• ‘Quiero la cabeza de Alfredo García’

• ‘Los aristócratas del crimen’

En la primera secuencia de ‘Lolita’ (id, 1962, Stanley Kubrick), el profesor Humbert Humbert (James Mason) llega a la mansión de Clare Qulity (Peter Sellers) con la intención de matarlo. Quilty aparece de debajo de una sábana mientras dice: “Soy Espartaco, ¿has venido a liberar a los esclavos?”. Una clara declaración de intenciones por parte de Kubrick al referirse a la mala experiencia vivida en su anterior rodaje, en el que se pasó todo el rato discutiendo con el productor de la película, Kirk Douglas. Tal vivencia le hizo replantearse el tipo de películas en las que quería participar, huyendo los siguientes años de las superproducciones para así tener más control sobre lo que filmaba. Películas más o menos baratas en comparación con lo que había costado ‘Espartaco’ (‘Spartacus’, 1960), pero no por ello menos ambiciosas, sino todo lo contrario.

Kubrick se trasladó a Inglaterra donde filmó sus dos siguientes películas, siendo la primera de ellas la adaptación de la famosa novela de Vladimir Nabokov ‘Lolita’, que había causado un gran escándalo al narrar la obsesión que un hombre adulto sentía por una niña de 12 años. El director neoyorkino pidió al mismo Nabokov que escribiese el guión de la película, algo a lo que el escritor accedió muy interesado, pues en el libro hay multitud de referencias cinéfilas debido a su afición al cine, siendo éste su primer y único guión cinematográfico, también la primera adaptación de una de sus obras aunque después vinieron más, incluida una nueva versión de ‘Lolita’ en manos del inefable Adrian Lyne.

La historia de ‘Lolita’ da comienzo con la escena antes señalada. Humbert Humbert acude a ver a Quilty a quien termina asesinando por haberle robado de su lado a una chica llamada Lolita. El resto del film es un largo flashback que nos explica la relación entre Humbert y la adolescente —la protagonista cambia de edad con respecto al libro, aumentándole dos años hasta los 14—, y también la importancia de Quilty en el relato y el porqué termina muriendo a manos de Humbert. Una decisión realmente ejemplar, pues en contra de lo que muchos puedan pensar al respecto de empezar con el desenlace de la historia, Kubrick se las arregla para dotar de cierto suspense la película, logrando que el espectador se pregunte todo el rato cuáles son las intenciones de Quilty, qué esconde exactamente y por qué acaba de forma tan drástica.

Dicho inicio es una de las tantas decisiones que tomó Kubrick con respecto a la adaptación de la novela, de la cual no quería hacer una plasmación literal. Para ello retocó considerablemente el guión presentado por Nabokov, quien fue el realmente acreditado y nunca se molestó por los cambios realizados por Kubrick, al contrario, se sintió fascinado por la capacidad de síntesis que el director poseía para resumir en el film elementos de la novela y convertir la historia en algo puramente cinematográfico, porque tal y como decía Kubrick la novela perfecta para adaptar es aquella que se centra en la vida interior de los personajes y no en la acción. A partir de ahí y no perdiendo jamás la referencia de lo que los personajes sienten, se pueden crear situaciones de acción nuevas que pueden ser correlativas al contenido psicológico del libro.

Pero no sólo era esa la razón por la que Kubrick solía cambiar durante los rodajes el guión que ya estaba escrito. También lo hacía porque había adquirido la costumbre de animar a sus actores a improvisar durante la filmación de ciertas escenas. En el caso de ‘Lolita’ encontramos la brillante interpretación de Peter Sellers como Clare Quilty, un ser despreciable y corrompido, que es al mismo tiempo el causante del extraño comportamiento de Lolita. Cuando vemos que ella seduce a Humbert en lo que es un prodigio de sutilidad narrativa, nos resulta especialmente descarada y atrevida, y desde luego menos niña de lo que aparenta ser. Más tarde comprenderemos que Quilty conoció a Lolita cuando tuvo un affaire con su madre de lo cual se aprovechó para seducir a Lolita quien quedó completamente enamorada de él, y como más tarde le confiesa a Humbert, se prendó de él nada más verlo. Sellers improvisó la mayor parte de sus escenas, llegando a sacar de quicio a compañeros de reparto, como el caso de Shelley Winters, que da vida a la madre de Lolita, una viuda desconsolada, tonta y romántica, tal y como se define ella misma.

Los trabajos de los secundarios Winter y Sellers brillan con gran intensidad, sobre todo el segundo, que realiza el muy difícil trabajo de dar vida a un personaje oscuro y con muchos matices. El actor británico hace gala de una envidiable capacidad para poner distintos acentos, y cómo no, de su habilidad para dar vida a distintos personajes en un mismo film, algo que alcanzaría su máxima en el siguiente film de Kubrick. En ‘Lolita’ sus distintos roles son en realidad el mismo, el retorcido Quilty, que toma distintas personalidades para atormentar a Humbert, mientras éste viaja de hotel en hotel con Lolita tras el fallecimiento de la madre de ella. La facilidad con la que Sellers suelta todas sus frases, la mayor parte de ellas inventadas, sorprenden por su endiablada fluidez y despistan tanto al espectador como a Humbert, cuya fragilidad queda al descubierto gracias a la maliciosa pericia de Quilty.

‘Lolita’ es una de las historias de amor moderno más tristes y patéticas que existen en el cine. Una comedia trágica en la que no falta nada del peculiar sentido del humor de su director —y que no desarrollaría demasiado en su cine—, mostrando situaciones de las que nos podríamos reír pero que contienen todo un fondo lleno de dolor. Nadie en la película consigue alcanzar sus sueños o deseos, o simplemente aquel al que más aman. Lolita termina siendo una persona vulgar, su madre muere atropellada tras salir corriendo de su hogar al descubrir que Humbert se ha casado con ella para estar más cerca de su hija, y aquél termina sus días en la cárcel donde muere de una trombosis a la espera de su juicio por el asesinato de Quilty, el único ser verdaderamente despreciable del relato, el único cuyo final se lo ha ganado a pulso pues tarde o temprano alguien le haría pagar por sus fechorías.

Un film magistral lleno de secuencias inolvidables que muestran la gran mano de Kubrick para la puesta en escena. Cabe señalar el momento en el que Humbert, casado ya con la madre de Lolita (Charlotte), se encuentra con ésta en la cama abrazándola mientras mira una fotografía de Lolita que hay encima de la mesilla. Entonces, ella le comenta que enviará a su hija a un internado, algo que Humbert no se toma demasiado bien dándose la vuelta hacia el otro lado de la cama, en la otra mesilla hay un revólver que Humbert observa detenidamente mientras Charlotte le pregunta si está en sus pensamientos y él responde que sí mientras mira el arma. En tiempo récord Kubrick habla de un sinfín de sentimientos encontrados en el mismo personaje.

James Mason borda un papel que muchos actores, entre ellos Cary Grant, rechazaron por considerarlo ofensivo. Sue Lyon se descubre como una excelente actriz a tener en cuenta y que desgraciadamente no se prodigó todo lo que quisiéramos. Sin duda nos encontramos ante su personaje más famoso y recordado, aunque personalmente la recomiendo en la última película de John Ford, ‘Siete mujeres’ (‘7 Women’, 1966). ‘Lolita’ supuso la última colaboración entre Kubrick y James B. Harris que regresó a Estados Unidos mientras el realizador siguió en Inglaterra donde se quedó para filmar la única comedia propiamente dicha de toda su filmografía.

Especial Stanley Kubrick en Blogdecine:

• Una pretenciosa ópera prima
• ‘El beso del asesino’
• ‘Atraco perfecto’
• ‘Senderos de gloria’

• ‘Espartaco’

Alto, delgado, osado, frío y observador, amante de los retos difíciles, un caballero con las mujeres aunque desconfía de todas, y una capacidad deductiva basada en la observación, absolutamente asombrosa. Ésas podrían ser las cualidades más significativas de Sherlock Holmes, personaje creado por Arthur Conan Doyle, y que ostenta el récord de ser el personaje de ficción con más adaptaciones cinematográficas de la historia, seguido muy de cerca por el conde Drácula. De todas ellas son muy famosas las realizadas por Roy William Nell e interpretadas por Basil Rathbone, la de Terence Fisher con Peter Cushing, ‘Asesinato por decreto’ (‘Murder by Decree’, Bob Clark, 1979), ‘El secreto de la pirámide’ (‘Young Sherlock Holmes’, Barry levinson, 1985), y desgraciadamente, ‘Sherlock Holmes’ (Guy Ritchie, 2009).

Tras haber disfrutado de una de las obras maestras de Billy Wilder, de la que ya os hablé en su momento, me hice un programa triple con las tres últimas películas mencionadas. Un empacho del personaje de Holmes que empezó con muy bien pie con la inspirada película de Bob Clark, siguió con el digno entretenimiento de Levinson, y lamentablemente terminó con el pueril barullo de Guy Ritchie, director que necesita urgentemente lecciones de cine, o directamente que se dedique a otra cosa.

‘Asesinato por decreto’

El ya desaparecido Bob Clark tuvo una carrera cinematográfica de lo más curiosa. Si echamos un vistazo a sus últimas películas veremos que prácticamente todas son productos familiares de fácil consumo, algunos de ellos destinados directamente al mercado casero. En la década de los 80 consiguió sus mayores éxitos con las dos primeras entregas de la insufrible saga Porky´s, ‘A Christmas Tale’, un film de enorme fama en los USA, y en menor medida ‘Rhinestone’, con unos imposibles Sylvester Stallone y Dolly Parton, y ‘Turk 182!’ con Timothy Hutton, actor juvenil muy de moda por aquellos años.

Sin embargo, si echamos un vistazo a la década anterior, la de los 70, veremos que la cosa cambia drásticamente, hasta el punto de que uno puede dudar que el realizador de ‘Asesinato por decreto’ y cualquiera de las citadas sea el mismo. Antes de enfrentar a Sherlock Holmes con el mismísimo Jack el destripador —una de las grandes bazas de la película— en este trabajo que se rodó a la par que ‘Alien de Ridley Scott en los famosos estudios Shepperton, Clark nos brindó dos realizaciones que permanecen entre lo más curioso del terror de los 70: ‘Black Christmas’ (1974) —precursora de ‘Halloween’ (John Carpenter, 1978)— y ‘Crimen en la noche’ (‘Dead of Night’, 1974), una desconocida cinta de zombies que tiene no pocos adeptos. Forman estas películas un tríptico fascinante dentro de la filmografía de un director poco reconocido.

‘Asesinato por decreto’ está protagonizada por unos inmensos Christopher Plummer y James Mason en los papeles de Holmes y Watson, sustituyendo a los inicialmente previstos Peter O’Toole —son muchas las veces que se ha pensado en este actor para dar vida a Holmes— y Laurence Olivier, que no aceptaron los trabajos por malas experiencias pasadas. Plummer y Mason se compenetran a la perfección logrando eso con lo que sueñan todos los actores, que el espectador vea a un personaje y no a un intérprete. Elegancia y buen porte son sus armas y empequeñecen al resto del reparto, para la época deslumbrante: David Hemmings, Donald Sutherland, Geneviève Bujold, Susan Clark, John Gielgud, Anthony Quayle y Frank Finlay; un buena remesa de lo mejorcito salido de Inglaterra.

Clark echa mano de un excelente guión que parte de un libro de John Lloyd y Elwyn Jones en el que se especula con la posible identidad del famoso asesino en serie. De esta forma se unen ficción y realidad en una comunión que aún hoy sigue despertando un gran interés, gracias a la soberbia puesta en escena de Clark y sobre todo a un argumento que recoge aspectos del libro —‘The Ripper File‘— que propone interesantes teorías sobre el caso, añadiéndole la lógica historia detectivesca en la mejor tradición del género y el personaje. La identidad del destripador queda en segundo plano ante el relieve que toman los acontecimientos que encierran toda una conspiración masónica cuya sombra llega hasta el trono de Inglaterra.

Clark imprime un ritmo firme al relato codeándose además con el género de terror en aquellos instantes en los que el destripador comete los crímenes. Es difícil no dejarse impresionar un poco por esos grandes angulares y planos subjetivos del asesino, en los que Clark demuestra su buena mano para crear una atmósfera de carácter casi fantasmal. Excelentes diálogos, una dirección artística perfecta y un uso del suspense que hoy rara vez se ve terminan de convertir a ‘Asesinato por decreto’ en la mejor adaptación jamás hecha sobra tan carismático personaje si dejamos a un lado la visión de su mundo que llevó a cargo Billy Wilder, evidentemente.

‘El secreto de la pirámide’

Si por lógica aparcamos los personajes a un lado, ‘El secreto de la pirámide’ tiene un elemento en común con el film anterior: Peter Childs, encargado de la dirección artística del film de Bob Clark, realizó funciones de dibujante en los diseños para el film dirigido por Barry Levinson cuyo guión surgió de la mente de Chris Columbus y en él pueden verse determinados aspectos que suponen una especie de antecedente de la saga Harry Potter en cuanto al ambiente estudiantil recreado. El film narra como muy bien indica su título original —‘Young Sherlock Holmes‘—, los años de estudiante de Sherlock Holmes, algo con lo que jamás especuló Conan Doyle, su primer caso importante y el inicio de su inquebrantable amistad con Watson.

‘El secreto de la pirámide’ es una característica producción Spielberg de los años 80 al lado de películas como ‘Gremlins’ (Joe Dante, 1984), ‘Los Goonies’ (‘The Goonies’, Richard Donner, 1985) o ‘Regreso al futuro’ (‘Back to the future’, Robert Zemeckis, 1985), en las que el sello personal del director de ‘E.T.’ está bien impreso. Un espectáculo lleno de vitalidad y fantasía servido impecablemente por un inspirado Barry Levinson consiguiendo una de sus mejores películas en una filmografía algo irregular. El argumento no difiere en demasía del típico relato de misterio de Holmes, pero es su incursión en el fantástico lo que la aparta considerablemente de lo visto hasta ese momento colmando las necesidades del público juvenil de los 80 que empezaba a acostumbrarse a películas con efectos visuales.

En dicho apartado ‘El secreto de la pirámide’ es la primera película de la historia que incluye un personaje creado enteramente por ordenador en la cuyo proceso de creación participó el hoy intocable John Lasseter. Se trata de una escena en la que la figura de un caballero en una vidriera de una iglesia cobra vida ante los asustados ojos de un cura, secuencia a la que le ha pasado factura el paso del tiempo técnicamente hablando, pero que sigue manteniendo toda su esencia gracias a que Levinson tenía muy claro algo que hoy casi nadie pone en práctica, algo tan sencillo como que los efectos visuales tienen que estar al servicio de la historia y nunca al revés.

El film juguetea todo el rato con los elementos típicos del universo de Holmes —su primer encuentro con Watson, su sombrero, la pipa, el violín y sus dotes para la esgrima— enfrentándolos al universo de su productor, el Rey Midas Spielberg. Las referencias a su cine son evidentes con guiños directos a ‘E.T’ o ‘Indiana Jones y el templo Maldito’ (‘Indiana Jones and the Temple of Doom’), sobre todo a esta última con toda esa parte final en el templo en el que se realizan sacrificios humanos. Referencias que se tornan originales en esta entretenidísima producción que también puso de moda el finalizar las películas después de los títulos de crédito. En este caso se trata de la aparición de Moriarty, el archienemigo de Holmes, cerrándose así las intenciones de explicar el nacimiento de todo lo que conocemos popularmente del mítico detective.

‘Sherlock Holmes’

A Guy Ritchie, de quién reconozco no haber visto ‘Barridos por la marea’ (‘Swept Away’, 2002) —¿me la recomendáis?—, alguien debería decirle que el espectáculo no se consigue a través de enormes movimientos de cámara realizados para que se vea un enorme despliegue de efectos digitales. O que la violencia no es más real o directa por congelar la imagen en el momento de un puñetazo, sí, queda muy bonito, pero maldito el día en que Sam Peckinpah se atrevió a utilizar el ralenti como elemento dramático, porque la lista de imitadores baratos que le salieron y que demostraron no entender nada de nada, es interminable. No pretendo yo comparar a Ritchie con Peckinpah —entre otras cosas porque me puede dar la risa—, pero a veces uno se acuerda de cómo y dónde empezaron las cosas y al compararlas con la triste realidad actual uno añora los tiempos en los que el cine daba al espectador algo que ya se echa de menos: emoción.

Da igual que el film goce de una excelente dirección artística, una estupenda fotografía del veterano Philippe Rousselot, una divertida música de Hans Zimmer —con claras influencias de la música celta o de Kusturica y Bregovic—, o que el reparto sin excepción parezca pasárselo en grande y en algunos casos demuestren una perfecta química, como por ejemplo Downey Jr. y Law. Todo eso da igual si la película carece totalmente de emoción por lo narrado, con lo que un servidor ha asistido a un festín visual de primer orden pero carente de personalidad, tal y como nos tiene acostumbrados Ritchie, eso es cierto.

De todo el reparto sin duda quien sobresale es Jude Law, realizando el Watson más apartado de los clichés de dicho personaje. Tan apuesto como Holmes, inteligente y dotado par la lucha al igual que su inseparable compañero, Law desprende una vitalidad que le sitúa por encima de Robert Downey Jr., quien no da vida al más famoso detective de todos los tiempos, si no a una especie de clon de Tony Stark. Juntos componen una pareja de superhéroes en el Londres victoriano enfrentados a un villano —interpretado por Mark Strong— que asegura que la muerte no es el fin y tiene un ridículo plan para dominar el mundo. Hitchcock dijo una vez que una película valía lo que valía el malo de la misma. En este caso, ‘Sherlock Holmes’ no vale demasiado.

Ritchie demuestra además una torpeza mayor que en otras ocasiones, con falseos de tiempo alarmantes —toda la secuencia en la que Holmes sale de su casa para disfrazarse da vagabundo—, o dotar a su trabajo de un espectáculo mal entendido en el que los aparatosos efectos visuales ahogan toda acción, todo drama, por ejemplo la imponente explosión que debería haber acabado hasta con el best boy. Una pérdida de tiempo que indica muy bien por dónde van los tiros en el actual cine comercial norteamericano. La segunda entrega ya está en marcha, Conan Doyle debe estar revolviéndose en su tumba.

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El mundo del espionaje en el cine ha sido retratado principalmente de dos formas; una con la vertiente espectacular al estilo de James Bond y las cien mil imitaciones que le salieron a tan famoso personaje; y otra la totalmente contraria, la realista, con mucho menos glamour. No hace falta mencionar títulos enmarcados en el primer grupo; en el segundo podemos encontrarnos con muestras tan inolvidables como ‘El espía que surgió del frío’ o esta ‘El hombre de Mackintosh’, films que respiran atmósferas como las retratadas en las novelas de John Le Carré o Graham Greene, por poner dos ejemplos.

Es John Huston, probablemente el director que mejor retrató a los perdedores, el responsable del film, contando con Paul Newman como la principal estrella, justo un años después de dirigirle en ‘El juez de la horca’, western que repasaba la leyenda del juez Roy Bean desde un tono claramente decadente y crepuscular. Una pizca de ambos elementos hay en ‘El hombre de Mackintosh’.

La película narra el intento por parte de la Inteligencia Británica para descubrir a un traidor entre los suyos. Para ello se elaborará un minucioso plan, en el que Jospeh Rearden, un conocido y experimentado agente se hará pasar por quien no es, un ladrón de joyas, que será encarcelado para poder infiltrarse en un peligroso grupo y desenmascarar al traidor. Un guión de un primerizo Walter Hill, que adaptaba la novela de Desmond Bagley y ya tenía sus primeros escarceos con la violencia.

‘El hombre de Mackintosh’ es en su campo actoral una reunión de talentos provenientes de distintos lugares. Para empezar Paul Newman es norteamericano, y la experiencia con Huston en ‘El juez de la horca’ debió ser tan gratificante que no debió pensárselo dos veces antes de volver a trabajar con él. Lo que consigue Newman es absolutamente deslumbrante; siendo un millón de veces más guapo que Sean Connery, Roger Moore y Pierce Brosnan juntos, logra parecer una persona completamente normal que pasa desapercibida, un espía sin el estilo ni la clase de los mencionados. Es su Joseph Rearden un hombre callado, concentrado en su trabajo, con efímeros momentos para el relax (ambos evidentemente con una mujer, y nada de supercuerpazos como en los films de 007); de pasado secreto y lleno de misterio, el personaje encuentra en un actor de la talla de Newman el transmisor perfecto para su esencia. James Mason, de origen inglés, con una presencia impresionante, realiza una concisa y estimulante interpretación de su personaje, el frío, calculador y poco fiable George Wheeler. Como componente femenino, la muy europea Dominique Sanda, de origen francés, que lejos de tener sensualidad y belleza, logra transmitir cierto atractivo, aunque considero que es uno de los puntos más flojos del film. A pesar del vital peso del personaje, sin el cual la película no tendría demasiado sentido, la actriz no está a la altura de las circunstancias, resultando demasiado fría e inexpresiva para ello.

Todos ellos impecablemente filmados por un Huston en una de las mejores épocas creativas de su carrera, la década de los 70, en la que también podemos encontrar la que para el que esto firma es su mejor película, ‘El hombre que pudo reinar’, o el devastador relato ‘Fat City’. El director no mima a sus personajes como otros lo harían, los aleja de convencionalismos y concesiones, filma la dureza de ser espía, un trabajo poco conocido y con multitud de riesgos, evidentemente. Y a través de su cámara, Huston nos muestra ese desconocido mundo como algo no agradable, demasiado sucio, y casi sin importancia. Los espías de ‘El hombre de Mackintosh’ no recibirán ningún tipo de condecoración o reconocimiento, eligieron ser lo que son, personas normales y corrientes como todas los demás, pero que por culpa de su trabajo, están condenados al olvido más inmediato.

En el momento de su estreno tuvo muchos problemas ya que por su ambiguo final, de una fuerza sorprendente por su sequedad y por reunir en un mínimo instante toda una serie de sentimientos encontrados, la película fue tildada de reaccionaria, encendiendo algunas conciencias que no sabían ni de lo que hablaban (algo que suele pasar cuando aparece una película con un mínimo de polémica). Vista hoy día, uno puede comprobar que las voces que se levantaron en su contra emitieron vocablos de más. Analizando su desenlace podemos llegar a entender absolutamente todas las decisiones y motivaciones que cada uno de los distintos personajes toma. Sólo uno de ellos es el que lleva la voz cantante por encima de los demás. Y lo hace en una conclusión lógica aunque totalmente inesperada, que para nada significa que el film sea de ideología reaccionaria. Ante el dolor personal por la pérdida de un ser querido en horribles circunstancias, no caben excusas de tipo político. Huston no justifica la muerte final, simplemente expresa el dolor de un ser humano, que le lleva a cometer una estupidez, abandonando el lugar para perderse en la noche que siempre envolvió a la gente que nadie conoce. Y es el espectador quien juzga sus acciones, mientras asume el espléndido trabajo mostrado por Huston, de una amarga y triste melancolía, como siempre.

Julio Verne fue un auténtico visionario. La mayoría de las cosas que describió en sus libros se hicieron realidad: los submarinos, la llegada a la Luna,... Es evidente que no se produjeron exactamente como él lo describió, y también es evidente que otras cosas como realizar un viaje al centro de nuestro planeta es algo totalmente imposible para el ser humano. Pero Verne lo hizo posible para nuestra imaginación, y todo su material fue siempre un excelente punto de partida para numerosas adaptaciones cinematográficas de sus obras.

‘Viaje al centro de la Tierra’, dirigida en 1959 por Henry Levin es sin duda la más famosa de las adaptaciones del famoso libro de Verne, y se puso en marcha gracias al éxito que obtuvieron con anterioridad las superproducciones ‘20.000 leguas de viaje submarino’ (joya de Richard Fleischer) y ‘La vuelta al mundo en 80 días’, que se había hecho con un buen número de Oscars. Ambos títulos hicieron que la Fox no escatimase en medios para el presente film, y los resultados en taquilla fueron los deseados.

‘Viaje al centro de la Tierra’ narra las peripecias de un profesor de Edimburgo, Oliver Linderbrook, descubre un mensaje oculto de un científico desaparecido hace años, y que desvela la forma de llegar al centro de nuestro planeta. Acompañado por un grupo reducido comenzará un viaje que no olvidará jamás, viaje en el que tendrán que enfrentarse a un sinfín de peligros, y no sólo por lo que se encuentren en el camino, sino porque hay otros interesados en hacer que Linderbrook fracase.

Henry Levin, artesano poco conocido pero con un buen número de películas a sus espaldas, se encargó de hacer creíble lo increíble. Hay que subrayar el hecho de que si simplemente pensamos en el argumento del film, éste puede sonar más que ridículo: tres hombres y una mujer deciden introducirse en las entrañas de nuestro planeta, gracias a una misteriosa entrada que se encuentra en un volcán, y allá van soportando temperaturas enormes como si nada, y enfrentándose a criaturas que de ninguna forma podrían vivir allí. Sin embargo, y gracias al enfoque aventurero del asunto, a un ritmo perfecto (sólo un poco perjudicado en su primera media hora, en la cual da la sensación de que tarda un poco en arrancar la función), a una puesta en escena espectacular, con un uso vibrante del color, unos efectos visuales efectivos y una dirección artística ejemplar, no tenemos más remedio que creernos todo lo que nos cuentan. Y a uno no le importa rendirse ante una historia en su base ridícula, pero apasionante en su forma.

Todos y cada uno de los distintos pasajes de su trama, es decir, investigación, descubrimiento, inicio de la aventura, desarrollo, sorpresas y desenlace, están resueltos con gran soltura en los que el espectáculo puro y duro tiene el principal protagonismo. Pero hay algo que me ha llamado la atención en un nuevo visionado de la película, y de lo que me había olvidado por completo. La excelente banda sonora de uno de los compositores cinematográficos por excelencia: Bernard Herrmann. Hasta tal punto viste la película, que muchas de las escenas tiene fuerza únicamente por el trabajo de Herrmann. Atención a la música cuando Lidenbrook realiza experimentos con una pequeña roca que le han regalado, o cuando descubren la forma de adentrarse en el interior del planeta. Herrmann pasa del suspense a la épica con una facilidad asombrosa.

James Mason encabeza un reparto que no llega a estar a la misma altura del brillante actor. Su Lidenbrook es todo un ejemplo de caballerosidad y de inteligencia, y su adaptación a multitud de situaciones le hacen estar por encima de los demás personajes, todos un poco más unidimensionales o planos. Resulta curioso comprobar la química que hay entre Mason y la actriz Arlene Dahl, cuando en realidad no se soportaban durante el rodaje, y todo porque el actor no aguantaba que la actriz fuese tan acicalada y maquillada. Esto último llama la atención, porque mientras vemos que los personajes masculinos terminan hechos unas piltrafas por culpa del viaje, la actriz, a la que simplemente le rompen un poco la ropa, en realidad parece que acaba de salir de un salón de belleza.

‘Viaje al centro de la tierra’ es un clásico en toda regla del cine infantil, pudiendo disfrutar de su encanto público de todas las edades y de todos los tiempos. Influyó no poco en el cine posterior de aventuras. Sirva como curiosidad el hecho de que Spielberg recurrió a esta película para dos momentos inolvidables de su perfecta ‘En busca del arca perdida’ (la piedra rodante y el descubrimiento del lugar exacto del arca). Mañana se estrena una nueva versión que se ha filmado en 3-D. Me apuesto mis dos sueldos a que no tiene ni la mitad del encanto que ésta, en la que además no tenemos que aguantar a niños, siendo éstos los destinatarios del film (¿Por qué en los últimos años casi todas las películas infantiles tienen que incluir a niños en sus personajes, la mayoría insoportables, cuando hace décadas no hacía falta, y los críos se lo pasaban en grande?).

‘Viaje al centro de la Tierra’ está editada en dvd por la Fox.

En la excepcional revista de cine Dirigido Por, para un servidor la mejor a nivel nacional, y a la que la recientemente aparecida Cahiers du Cinema no le ha hecho ni la más mínima sombra, en el número de Julio y Agosto realizan un estudio sobre el cine de espías, y curiosamente citan este film, ‘Llamada Para un Muerto’, que un servidor vió en una de nuestras sesiones cinéfilas nocturnas, acompañado del antiguo (en todos los aspectos) Rubén, y nuestro recién adosado, Diego, un especialista en el mal llamado cine porno, y que se ha tenido que aguantar porque en el film de Sidney Lumet no hay ni un sólo desnudo. Bromas aparte disfrutamos de una de esas cintas de espías tan propias de los años 60, servida con mucho oficio por Lumet.

La historia de ‘Llamada Para un Muerto’ nos lleva a las investigaciones que un agente británico realiza tras el suicidio de un empleado del Gobierno sobre el que recaían sospechas de traición. Tras ese aparente suicido hay cosas mucho más peligrosas, y nuestro protagonista tratará de averiguar la verdad, mientras que por otro lado tendrá que lidiar con sus problemas matrimoniales.

Basada en una novela del archifamoso John le Carré, lo realmente interesante del film de Lumet no es su argumento, el cual podríamos tildar de previsible en algún que otro momento, sobre todo en lo que concierne a la identidad del traidor, y de cómo éste obtiene la información. Lo realmente interesante de este apreciable film es el estudio de sus personajes, fantásticamente interpretados por unos actores en estado de gracia, además de cierta mirada de tristeza sobre los mismos, con un toque de desencanto y amargura que le queda muy bien a la película. De todos modos el personaje principal es un hombre ya maduro entrado en años, y todo le queda estupendamente a la historia. Desconozco si en la obra de Carré existe ese tratamiento, pero desde luego en el film, Lumet acierta de lleno en ese punto, llevándolo a buen puerto.

Evidentemente si no tuviera a un plantel de actores totalmente entregados a la causa, la cosa hubiera sido muy distinta. James Mason está simplemente soberbio en el papel central, un hombre justo y correcto, que no se salta ni una de las reglas de su profesión, enormemente abatido por su crisis matrimonial, y que sin embargo se enfrenta a ello con toda la entereza de la que es capaz un perfecto caballero inglés. Le acompaña una perfecta Simone Signoret, también entrada en años, como la esposa del que se suicida y cuya presencia en la trama es vital, sobre todo por la doble moral que encierra su personaje. Maximilian Schell pone el contrapunto al personaje de Mason, como un antiguo colaborador, y también alumno suyo, estableciéndose entre ambos la relación más interesante de la película (dejando a un lado la de Mason y su joven esposa), y que propone ciertos apuntes realmente curiosos, como el hecho de que un antiguo colaborador de la Segunda Guerra Mundial, TREMENDO SPOILER, pueda convertirse en un enemigo en plena Guerra Fría. FIN SPOILER.

La dirección de Lumet es ejemplar, no sólo por lo antes citado, sino por su puesta en escena, acorde con lo que narra. El ritmo del film es el perfecto, no decayendo en ningún momento, y hay varios instantes de supense muy bien logrados, que incluso pueden recordar al cine de Hitchcock. Cabe citar al respecto, la extraordinaria secuencia del teatro, filmada de forma milimétrica, y en la que no hay ni una sola palabra más allá de lo que se oye en el escenario. Una escena larga y tensa, donde curiosamente vemos reflejadas las verdaderas intenciones de todos los personajes en sus silenciosas reacciones.

Una buena película, que además posee una excelente banda sonora de Quincy Jones muy acorde con la época, y una preciosa canción interpretada por Astrud Gilberto, y que viste a la película de una forma muy precisa. Es una pena que por aquellos años la gente estuviera más interesada en los films de James Bond y similares, quedando esta película en un segundo plano, siendo redescubierta en posteriores pases televisivos. Para un servidor se trata de la mejor película proveniente de material de John le Carré, a falta de ver únicamente ‘El espía que Surgió del Frío’, realizada un año antes, y que goza de un mayor prestigio. En un futuro, esperemos que no muy lejano, os hablaré de ella.

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