Hace ya casi dos meses os hablaba de mis impresiones ante el tráiler de la adaptación cinematográfica de ‘Los juegos del hambre’, a la que muchos ven como la primera entrega de una nueva franquicia que sustituya a ‘La saga Crepúsculo’, la cual concluirá (ya era hora) este 2012 con el estreno de ‘La saga Crepúsculo: Amanecer, parte 2’ y claro, ahora están como locos buscando alguien que rellene ese hueco para captar la presencia masiva en cines de locas quinceañeras. Eso sí, también os comenté que yo no estoy demasiado conforme con comparar los libros de Suzanne Collins con los de Stephenie Meyer, pero hay quien los ha comparado bastante.

Para quien no lo sepa, ‘Los juegos del hambre’ cuenta la historia de un futuro distópico en el que el mundo está dividido en doce distritos ordenados básicamente según nivel de riqueza, pero eso no impide que cada año dos jóvenes (un chico y una chica) de cada distrito tengan que participar en los juegos del hambre, los cuales se centran en poner a los 24 participantes en un circuito cerrado y que se vayan matando entre sí hasta que quede un único superviviente. Dentro de esa premisa, el relato se centra en Katniss (Jennifer Lawrence), una joven del duodécimo distrito que se ofrece como concursante para evitar que su hermana pequeña se vea forzada a participar. Además, no falta la trama romántica, en la que Katniss se debate entre Gale (Liam Hemsworth) y Peeta (Josh Hutcherson), la cual es la fuente de comparaciones con la temible ‘La saga Crepúsculo’.

Además, la noticia de hace unos días sobre que encontraremos temas en la banda sonora de Taylor Swift, Arcade Fire y The Decemberists también nos retrotrae a la banda sonora de esa saga de tan escaso interés. Sí que es más interesante el apunte sobre que se buscarán más canciones originales de artistas más o menos de moda con temas que conecten directamente con determinados aspectos de la historia. A este respecto conviene apuntar también que Danny Elfman ha tenido que abandonar la película por problemas de tiempo y James Newton Howard ha sido elegido recientemente para ser su sustituto.

No obstante, lo que ahora nos ocupa es la aparición de varias nuevas imágenes de la película (y también la versión en alta definición de alguna que ya tenía cierto tiempo de existencia) en las que poder ver más cosillas de la película y también algún elemento del rodaje. Para mi gusto, la más interesante es la que encabeza este artículo, en la cual podemos ver a los personajes de Cinna (Lenny Kravitz), Haymitch (Woody Harrelson) y Peeta en una escena, que si mal no recuerdo el libro, será de mucha importancia en la película. Os recuerdo que el estreno de la película ya está casi a la vuelta de la esquina, ya que se llevará a cabo el 23 de marzo de este año en USA y en España tendremos que esperar casi un mes hasta poder verla a partir del próximo 20 de abril. Yo empiezo a tener mis dudas sobre el resultado final de la película, pero la presencia de Gary Ross en la dirección me da cierta tranquilidad y os puedo asegurar mi presencia en el cine la tienen asegurada, ¿y la vuestra?

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Vía | The Playlist

Hace poco os dejé los primeros carteles de ‘Blancanieves’ (‘Mirror, Mirror’), hoy os traigo el tráiler para los cines españoles de ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’ (‘Snow White and the Huntsman’), la otra adaptación del clásico cuento de hadas que se estrena el año que viene. Concretamente, la película llegará a nuestras carteleras el próximo 1 de junio, misma fecha que en EE.UU.

Evan Daugherty, Hossein Amini y Evan Spiliotopoulos han escrito el guion de ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’, que ha sido dirigida por el debutante Rupert Sanders. En este nuevo enfoque del tradicional relato de los hermanos Grimm, Kristen Stewart encarna a la única mujer que supera en belleza (no se lo cree ni ella) a la malvada reina que encarna Charlize Theron. Decidida a destruir a la joven a toda costa, la soberana envía a Thor un cazador (interpretado por Chris Hemsworth) para que la mate, pero cuando el hombre conoce a Blancanieves cambia de idea y de misión: va a entrenarla para que sea ella quien acabe con la reina. Sam Claflin, el absurdo misionero de ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ (‘Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides’), da vida al príncipe que cae enamorado de la protagonista.

Quizá lo más interesante de esta “oscura película llena de acción”, tal como la ha definido su director, y que tanto recuerda a la última adaptación de ‘Alicia en el País de las Maravillas’ (‘Alice in Wonderland’), es que los siete enanos del cuento están interpretados por Ian McShane, Bob Hoskins, Ray Winstone, Toby Jones, Eddie Marsan, Johnny Harris y Nick Frost. Seguro que acaban siendo lo mejor de la película, aparte de los efectos visuales y la música de James Newton Howard, claro. Después de ver el tráiler sigo sin quedar cautivado por lo que propone ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’ pero no creo que pueda resistirme a una fantasía de gran presupuesto con este reparto. A vosotros no os interesa en absoluto, ¿verdad?

PD: Hay una tercera versión de ‘Blancanieves’ que nos llegará en 2012, una peculiar producción española dirigida por Pablo Berger.

1. Es un Autor Insobornable.
A diferencia de la gran mayoría de cineastas, el éxito-revelación del cineasta indio, ‘El Sexto Sentido’ (The Sixth Sense, 1999) es un punto de partida, un pequeño comienzo de lo que será un discurso mucho más interesante y complejo que le ha llevado a ser acusado de una lista ingente de tópicos y deberes, todos basados en que sus películas deben tener un (satisfactorio) giro final. Lejos de eso, Shyamalan ha tejido una filmografía en la que los momentos líricos cobraban mayor importancia, hasta llegar a un momento de aislamiento que iba directamente en contra del formato en el que trabajaba (blockbusters aparatosos, industriales).

2. La joven del Agua.
Este salto mortal sin red es, quizás, una de esas películas que, con todos sus defectos, merece ocupar el lugar de clásico indiscutible. Trabajando con el operador habitual de Wong Kar-Wai, el magnífico Christopher Doyle, Shyamalan encontró un aspecto visual arrollador para dar a la luz (y a la sombra) un cuento de hadas que se mezcla con la nocturnidad de un apartamento, unas criaturas que pueden ser sugerentes al borde de una piscina y de un jardín.

Haciendo un uso, entre sublime y autoindulgente, del humor suplió todas las exigencias del guión, exterminó al crítico y lanzó una advertencia (guerrillera) al espectador e incluso se permitió refutar parcial e inteligentemente su anterior película, aquella ‘El Bosque’ (The Village, 2004) que fue la primera (gran) sacudida a una sociedad puritana y belicosa que continuaba bajo el mandato de un presidente empeñado en hablar, maniqueamente, del Mal (en mayúsculas). Si allí las comunidades albergaban una visión cerril y reaccionaria del mundo, aquí una pequeña comunidad podía encerrar el mayúsculo destino de la humanidad, todo ello codificado en los relatos mitológicos. Lo que Shyamalan estaba haciendo, y muchos no se dieron cuenta, es la síntesis de todas sus obras y a su vez su versión más radical: hombres heridos y sin fe, cuentos populares que encierran las claves del universo cotidiano, las consecuencias de la muerte para los que sobreviven….

3. Incluso su peor película contiene su aliento.
El gran problema de ‘Airbender. El último guerrero’ (The Last Airbender, 2010) no era su cineasta, sino ese guión y ese remontaje, con la sombra alargada de la productora, siguiendo el manido esquema de Joseph Campbell y George Lucas en vez de dar vuelta y libertad total a un director que, sin embargo, se mostró capaz de rodar cosas como esta. Si el cine de acción no podía ser una experiencia estética, Shyamalan nos probó equivocados.

4. Porque ha firmado la mejor película de superhéroes.
Ninguna de las adaptaciones oficiales de superhéroes ha brillado con tanta sutileza y poesía como lo hace ‘El Protegido’ (Unbreakable, 2000) que configura el relato superheroico a un aspecto común, cotidiano, tejiendo un relato de resonancias mitológicas envidiable: la idea de que el fan fatal de los superhéroes, el coleccionista, es su mayor supervillano se probó fructífera ¿acaso no es esa la idea tras el villano de ‘Los Increíbles’ (The Incredibles, 2005)?

5. James Newton Howard que estas en los cielos.
Las colaboraciones entre compositor y cineasta (Herrmann/Welles o Horner/Cameron por no citar siempre las más obvias) dan resultados enormes en cualquier cineasta, potencian y el caso de Newton Howard con Shyamalan es un crescendo imposible. ¿Mis favoritas? Esos adagios dignos de Bernard Herrmann en los títulos de crédito de ‘Señales’ (Signals, 2002), ese salto mortal sin red con Bob Dylan en ‘La joven del agua’ (Lady in the Water, 2006) o la banda sonora de ‘El incidente’ (The Happening, 2008), una felicidad imposible.

6. Películas de monstruos (interiores)
Desde que Alfred Hitchcock decidiera que las aves eran la materia para un género improbable, la monster movie de interiores (porque, queridos lectores, la protagonista de aquella cinta era la catástrofe sexual de Heddren y los problemas maternales de Rod Taylor), no he visto cineasta más osado en conceptos. Convertir a la naturaleza, los árboles y el aire lo que proporcionaba era una hermosa y valiente oda al amor y a la crisis de pareja, cargada de reescrituras propias, incluyendo una coda a ‘Señales’ (Signs, 2002).

7. Es el gran heredero de Jacques Tourneur.
He invocado ya a Hitchcock, pero el aliento poético, disparado y espiritual, de Shyamalan lo sitúa en una raza improbable de cineastas: los poetas forjados en las producciones de Val Lewton, en concreto en las que dirigió Jacques Tourneur. Si hay alguna posibilidad de que ‘La mujer pantera’ (Cat People, 1948) sea entendida como manifiesto poético, Shyamalan es su gran discípulo: su cámara se mueve con sutileza, sus encuadres buscan siempre el rostro del individuo y sus sombras, no estamos ante el barroco (ya enfatizado por la generación de los años ochenta) sino ante el redescubrimiento de las capacidades expresivas de la elipsis.

8. Una espiritualidad (verdaderamente) post-spielbergiana.
Que Steven Spielberg confiese en la biografía de John Baxter que siempre recordara ‘El mayor espectáculo del mundo’ no me parece una casualidad: Cecil B. DeMille hacía espectáculos arrolladores y bíblicos y en aquella película abordaba el show business como algo tan enorme y magistral como el viaje de Moisés. ¿O tal vez fuera que Moisés era tan espectacular y circense como ‘El mayor espectáculo del mundo’ (The greatest show on earth, 1952)? Dejo las maldades para otro post, pero si Spielberg tomó a DeMille para descubrirnos las luces en el cielo de un hombre corriente, Shyamalan ha ido más allá: el hombre corriente es, también, su propia revelación, su propio campo. Un vigilante de seguridad, un cura retirado, un modesto trabajador de apartamentos y un profesor: todos ellos sufrirán un viaje, sin momentos excesivamente grandilocuentes, en el que cambiará su percepción cósmica sin que el movimiento sea demasiado brusco. Lo que hay que proteger y lo que hay que entender es, sorpresa, el amor, incluso el perdido.

9. Por su (interminable) Descubrimiento de autores y talentos.
¿Había considerado alguien el potencial dramático de Bruce Willis antes de Shyamalan? ¿Sabíamos del prodigio magnético y expresivo de Bryce Dallas Howard? ¿Qué sería de nosotros sin ese primer contacto con una arrebatadora Zooey Deschanel? ¿Y esos trabajos, prodigios de la micro-expresividad, que brindan William Hurt o Samuel L. Jackson como villanos nada convencionales? Si hay alguien que ha demostrado que las estrellas pueden trabajar más allá de registros habituales o de cultivar una imagen o un tipo de papeles, es él.

10. Porque él ama a Resnais.

Y nosotros con él.

“Para dominar el anillo debes aprender a concentrar tu voluntad y crear lo que ves en tu mente. El anillo solo está limitado por lo que puedas imaginar”.

Tomar-Re (voz de Geoffrey Rush)

El pasado 29 de julio llegó a nuestras pantallas la primera adaptación cinematográfica del universo de Linterna Verde, o Green Lantern, una creación de Bill Finger y Martin Nodell en 1940. El blockbuster en 3D, con el que Warner Bros. y DC Comics pretendían continuar el éxito de las oscuras aventuras de Batman, compitiendo en el género superheroico que está dominando Marvel, se ha convertido en una de las mayores decepciones del año, con malas críticas y un flojo recorrido por las taquillas norteamericanas (lleva recaudados 114 millones de dólares, 86 menos de lo que costó). ‘Green Lantern’ tampoco está funcionado en nuestro país, perdiendo claramente la batalla contra la película de ‘Los pitufos’ (‘The Smurfs’), claro que aquí es más lógico, no es un personaje muy conocido, y al público español (que al parecer, no está por la labor de ir mucho al cine) hay que venderle muy bien las historias fantásticas. Tampoco es un título para ir recomendando, por lo que dudo mucho que remonte el vuelo en las próximas semanas.

Hay ocasiones en las que uno sale del cine preguntándose en qué demonios estaban pensando los responsables de la película que se acaba de ver. Con ‘Green Lantern (Linterna Verde)’ me ha vuelto a ocurrir; a pesar de los tópicos y las escenas vergonzosas, no tuve la sensación durante el visionado de estar perdiendo el tiempo con un bodrio. Más bien la sensación era la de estar viendo algo con mucho potencial, que sin embargo ha salido rematadamente mal, unas ideas interesantes echadas a perder, posiblemente por la desesperada búsqueda de un esquema básico que facilitase un éxito de taquilla, que interesase a todo el mundo sin irritar a los fans del personaje. Balanceándose entre lo puramente comercial y el respeto al cómic, ha quedado una película fallida, una lujosa chapuza que puede llegar a entretener por sus espectaculares efectos visuales, el único apartado donde se nota que han puesto interés. No me emocionó ni me cautivó en ningún momento, pero me reí bastante, aunque sus responsables no buscaran crear una comedia.

Tras rescatar la saga de James Bond con uno de sus títulos más potentes (‘007: Casino Royale’) y patinar con el thriller con el que Mel Gibson quiso demostrar que seguía en plena forma (‘Al límite’ – ‘Edge of Darkness’), el neozelandés Martin Campbell fue el elegido para intentar llevar a buen puerto una costosa producción que inicialmente había estado en manos de Greg Berlanti (parece obvio que la Warner le arrebató el “juguete” para dejárselo a alguien con mayor experiencia y algunos grandes éxitos comerciales en su carrera), finalmente productor y uno de los cuatro profesionales (junto a Michael Green, Marc Guggenheim y Michael Goldenberg) que firman el desastroso guion de ‘Green Lantern’. El comienzo, quizá porque recuerda a ‘Star Wars’, es llamativo y trepidante, presentando el origen de la terrible amenaza que pondrá en peligro tanto a la Tierra como a todo el Universo. Accidentalmente liberado, Parallax (a quien da voz Clancy Brown en la versión original) encuentra y ataca a Abin Sur (Temuera Morrison), quien, moribundo, llega a nuestro planeta con la esperanza de que su anillo encuentre a un nuevo y digno dueño.

Como suele ocurrir en estos relatos, el elegido para cargar con la responsabilidad de salvar a la humanidad es alguien que a primera vista no encaja con el perfil de héroe; algo que suele llevar a unas escenas, normalmente aburridas, donde el personaje se resiste a ocupar el puesto, hasta que se da cuenta de su valía. Aquí, el anillo se decanta por Hal Jordan (Ryan Reynolds), un irresponsable, engreído y talentoso piloto que casi arruina un importante contrato a su empresa (¿por qué no eligieron a otro más torpe?), para enfado de la atractiva Carol Ferris (Blake Lively), quien no obstante acabará en sus brazos más adelante, cuando sea salvada de morir aplastada (las chicas de los héroes suelen estar en el sitio equivocado en el momento más inoportuno). Una vez que Hal acepta el anillo y realiza el juramento, es llevado directamente a Oa, hogar de los Guardianes del Universo y cuartel general de los Green Lanterns. Este tipo de cosas, verse rodeado de criaturas extraterrestres, pertenecer a un ejército que debe mantener el orden intergaláctico, volar y tener la habilidad de crear todo lo que imagine, deberían dejar asombrado y emocionado al protagonista. Pero no. Hal lo asimila todo al instante, y no le da importancia.

Esta indiferencia, o incapacidad para sentirse realmente implicado en lo que está sucediendo, que transmite el protagonista, se traspasa al espectador, y eso es terrible para una superproducción de 200 millones de dólares repleta de efectos visuales que pretende dejarnos alucinados; y con ganas de más, pues a pesar de los flojos resultados de taquilla ya se prepara la segunda parte (hay una escena en medio de los créditos que la anticipa). El problema es que intentan condensar demasiada historia en un simplón argumento de menos de dos horas, y fracasan, pues se notan demasiado las prisas, las lagunas, los parches y las incoherencias. Nos cuentan que el noble, poderoso y antiguo Cuerpo de los Green Lanterns está integrado por los individuos más hábiles y valerosos del Universo, representados por el color verde de la voluntad; Parallax, que usa el poder amarillo del miedo, no tiene problemas para acabar con todos los lanterns que intentan frenarle. Pues Hal, al que intentan entrenar rápidamente nada más llegar, a base de breves palizas, pide enfrentarse él solo a Parallax. Lógico.

Para complicar más el asunto, y hacerlo más disparatado, se introduce a otro villano, el Dr. Hector Hammond (Peter Sarsgaard), un solitario friki experto en biología que no se lleva bien con su padre (Tim Robbins). Hector entra en contacto con Parallax y sufre una mutación (a lo David Lynch) que le proporciona extraordinarias habilidades; como enemigo de pacotilla, de esos que se ríen todo el tiempo con sus maldades, su función es entretener al héroe y amenazar a la chica, moviéndose en un par de escenarios sin que su presencia importe demasiado (volviendo a la lógica, ¿por qué Parallax le pide ayuda?). Aparte del magnífico acabado de las creaciones digitales y la desaprovechada participación de Robbins, Sarsgaard, Angela Bassett y Mark Strong (su Sinestro parecía un villano más apropiado), hay poco que rescatar de ‘Green Lantern’. Falla el guion, apenas hay acción (y cuando la hay no impresiona nada, como la secuencia de los aviones), Reynolds se limita poco menos que a posar, y en general los personajes carecen de entidad, repiten las frases y las situaciones típicas del género, sin más. Ni siquiera emociona la música de James Newton Howard, que en algún momento se asemeja sospechosamente a la de ‘Superman’. Una pena.

“Eres una mujer hermosa. Mereces una vida hermosa”.

Jacob Jankowski (Robert Pattinson)

‘Agua para elefantes’ (‘Water for Elephants’, 2011) tiene un sabor a melodrama añejo que se paladea con agrado. Supone un encantador regreso a un cine elegante, sencillo e ingenuo, lejos de todo cinismo, uno de esos relatos que intentan convertir la vida en algo intenso y maravilloso, una aventura llena de sorpresas, peligros y emociones, con buenos y malos, y una gran historia de amor que coquetea con la tragedia. Lejos de ser redonda, la película de Francis Lawrence (‘Constantine’, ‘Soy leyenda’) es muy fácil de ver, cuenta con un impecable acabado estético, un sólido trabajo interpretativo y una efectiva trama, cuyo romance funciona mejor cuando se mueve en torno al trío protagonista, donde no se nota tanto el empalago, algo previsible por la presencia de Robert Pattinson, uno de los sex-symbols del momento y la mayor baza de la producción de cara a la taquilla. Le sobra azúcar al cóctel, pero no lo llega a estropear.

Richard LaGravenese (‘Los puentes de Madison’, ‘El hombre que susurraba a los caballos’, ‘Posdata: Te quiero’) firma el guion de esta cuidada adaptación de la novela homónima de Sara Gruen, todo un éxito de ventas. ‘Agua para elefantes’ arranca en la actualidad, en una noche lluviosa frente a la entrada de un circo. Ya no queda mucha gente, todos se marchan a casa tras lo que parece haber sido otro día de poco público, pero hay un anciano (Hal Holbrook) que parece perdido y desorientado, en medio del aparcamiento. El encargado del circo lo lleva adentro, y mientras intenta contactar con alguien que se acerque a recogerlo, el hombre se presenta como Jacob Jankowski, exempleado del espectáculo de los hermanos Benzini en los años 30, famoso por haber acabado en desastre. Tras echar un vistazo a una fotografía de aquella época, los recuerdos se agolpan en la mente del viejo, que comienza a relatar cómo llegó a trabajar en el mundo del circo, una experiencia que transformó su vida para siempre.

La narración nos hace retroceder a la Gran Depresión (la de ahora no, la de los 30), cuyos efectos no resultan tan dramáticos en la casa de unos inmigrantes polacos que habían tenido que vivir en peores circunstancias antes de llegar a Estados Unidos. Jacob (Pattinson) tiene una vida tranquila por delante, a punto de terminar sus estudios de veterinaria en la universidad; pero todo da un giro tras un accidente de tráfico, quedando el muchacho solo, sin nadie a quien acudir, sin dinero ni hogar. Por fortuna para él, un tren se cruza en su destino. Así conoce a los empleados del circo de los hermanos Benzini, dirigido con mano de hierro por el carismático y agresivo August (Christoph Waltz). Son tiempos difíciles, la gente pasa hambre, los negocios quiebran, y todo ello le sirve como excusa para justificar un comportamiento brutal, no solo con sus hombres, a los que no duda en tirar del tren cuando le desobedecen o escasea el dinero, también con los animales de las actuaciones. Jacob se juega el cuello en alguna ocasión, pero cae simpático a August, y se convierte en el veterinario de la compañía.

Sin embargo, la relación entre estos dos hombres tan diferentes está condenada al enfrentamiento, en especial cuando entra en escena Marlena (Reese Whiterspoon), la principal estrella del show. Jacob se enamora al instante de la belleza y la elegancia de la mujer, pero pronto descubre que es ni más ni menos que la esposa del jefe. Prohibido fijarse en ella, es un crimen que se castiga con la muerte. Pero el chico no puede evitarlo conforme pasa más tiempo con Marlena, y ésta parece compartir sus sentimientos, feliz por escapar temporalmente de un marido violento. La afortunada adquisición de un elefante relaja la tensión; el animal proporciona al circo el espectáculo que faltaba, y el éxito de público es inmediato. La alegría no durará mucho, August sospecha que hay algo entre su protegido y su amada, y no tardará en dejarse llevar por los celos… ‘Agua para elefantes’ continúa de este modo con la temática de los peligrosos y complicados romances circenses, reciente en nuestras carteleras debido a Álex de la Iglesia y su caótica ‘Balada triste de trompeta’ (2010), si bien resulta más sano recordar las magistrales ‘The Unknown’ (‘Garras humanas’, 1927) o ‘La parada de los monstruos’ (‘Freaks’, 1932), de Todd Browning.

Apoyado en la excelente fotografía de Rodrigo Prieto (colaborador de Alejandro G. Iñárritu), la emocionante música de James Newton Howard y una generosa producción, no tiene muchos problemas Lawrence en trasladarnos a la época y los lugares de ‘Agua para elefantes’, mostrándose muy inspirado con todo el proceso de aprendizaje del protagonista, maravillado con el circo (pese a la miserias del trabajo), y sus dificultades para encajar en el cruel universo del tirano August (por cierto, curioso nombre). Además de que se echa en falta mayor atención sobre el maltrato animal (se centra solo en el elefante), se resiente la película con las acarameladas escenas de Jacob y Marlena, repetitivas, con flojos diálogos e interpretadas con escasa convicción por Pattinson y Witherspoon (mucho mejor separados), haciendo que se noten las dos horas de metraje, pero remonta el vuelo cada vez que aparece el extraordinario Christoph Waltz, uno de los hallazgos más afortunados de los últimos años. En definitiva, pese a sus limitaciones, un título recomendable, sobre todo para ir al cine en pareja.

¡Esto es un pasote, Kato!

(Britt Reid / The Green Hornet)

Desde el pasado 14 de enero está en los cines ‘The Green Hornet’ (2011), la nueva película del realizador Michel Gondry (autor de ‘Olvídate de mí’ o ‘Rebobine, por favor’, entre otras). Tras un estreno con buenas cifras, quizá por el gancho del 3D, los pronósticos se están cumpliendo en la segunda semana y se confirma que el film no está cautivando al público, que será ese fiasco comercial que se veía venir desde hace meses. Las críticas tampoco están contribuyendo, pero dudo mucho que los responsables de este blockbuster contaran con el apoyo de los profesionales que se dedican a hablar de cine para aumentar la recaudación. Tal como yo lo veo, la culpa de que la película no esté funcionado es que se han equivocado con el enfoque desde el principio, y tampoco han sabido cómo venderla. Han querido aspirar al mercado de ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knight’) cuando deberían haberlo enfocado al de ‘Kick-Ass’. Pero bueno, igual recuperan la inversión en el mercado doméstico, cuando el varapalo crítico (injustificado a mi parecer) y los problemas de la producción (Stephen Chow la abandonó por diferencias creativas) hayan quedado olvidados.

Cuando me acerqué al cine el otro día, con cierto temor a perder casi dos horas sentado en una butaca, me di cuenta que no tenía muy claro qué podía esperar de ‘The Green Hornet’. ¿Gondry haciéndose cargo de una superproducción con Seth Rogen en plan superhéroe? ¿Qué demonios puede salir de esa ecuación? Algo poco corriente, desde luego. Y eso es bueno, maldita sea. A los pocos minutos de arrancar la película, ya me estaba alegrando de estar viéndola, de haber pasado de tantos comentarios negativos y tantos prejuicios. Desde luego, el avispón verde no es Batman, no es el caballero oscuro, es más bien el gamberro oscuro. El guion de Rogen y Evan Goldberg parte de los tópicos de las películas de justicieros enmascarados (en especial, el hombre murciélago, que es el que está de moda) para reírse de ellos, creando a dos héroes cuya mayor motivación es pasarlo bien machacando a los criminales. No hay pretensión de crear un sofisticado espectáculo dramático, la idea es que el espectador se divierta tanto como los protagonistas. Conmigo lo consiguieron.

Adaptación a la gran pantalla del serial radiofónico creado por George W. Trendle y Fran Striker (trasladado a la televisión en los 60, con Van Williams y Bruce Lee como protagonistas), ‘The Green Hornet’ gira en torno a Britt (Seth Rogen), el hijo del exitoso y admirado James Reid (Tom Wilkinson), editor del periódico Daily Sentinel. Mientras Britt pasa su vida de fiesta en fiesta, como un aburrido “playboy” que necesita tirar el dinero, su padre se preocupa por el aumento de la criminalidad, dedicando la portada del diario a la última matanza ocurrida en la ciudad. Cuando James muere (por la picadura de una avispa, ejem, y nadie sospecha nada), Britt Reid lo hereda todo, incluido el Daily Sentinel, pero no sabe qué hacer con él, no le interesa, así que lo deja todo en manos de Axford (Edward James Olmos), el hombre de confianza de su padre. Su mayor preocupación es que, de pronto, su café sabe a rayos.

Así es como conoce a un misterioso empleado de su padre, el chino Kato (Jay Chou), que era quien preparaba ese delicioso café con el que se despertaba cada mañana. Es solo una de las habilidades de su amplio repertorio, también diseña y fabrica armas y coches, a lo que hay que sumar que es experto en artes marciales (las artes marciales del cine, más o menos lo que hace Neo en ‘Matrix’). En definitiva, es un auténtico prodigio. Britt encuentra en Kato a su mejor socio y amigo, en un momento en el que necesita cambiar el rumbo de su vida. Cambia de idea sobre el periódico y, tras contratar a una competente y atractiva secretaria (Cameron Diaz), Britt decide ocupar el puesto de su padre. Será la tapadera para su verdadera vocación: luchar contra el crimen. Acompañado por el increíble Kato, Britt adopta la identidad de Green Hornet y se dispone a limpiar las calles de maleantes, a su manera.

Para que os hagáis una idea de qué clase de justicieros son éstos, la primera misión que emprenden es cortar la cabeza a la estatua construida en honor de James Reid. Porque era un gilipollas, en opinión de ambos, y no merecía ningún homenaje. Nada que ver con Bruce Wayne, ya veis. Tampoco llevan vistosos disfraces, prefieren ropa oscura y antifaz. Las armas que usan están incorporadas al coche, no las llevan encima, si luchan dan puñetazos y patadas. Y la chica de la película pasa de romances, a diferencia de lo que suele ser habitual en estos relatos. Son algunos de los acertados cambios introducidos en ‘The Green Hornet’, donde destaca, como en otras historias escritas por Rogen y Goldberg (‘Supersalidos’, ‘Superfumados’), el tratamiento conflictivo y humorístico de la relación de amistad entre los protagonistas, lo que en una película de tipos enmascarados que comparten aventuras nocturnas, resulta de lo más divertido. Britt se siente inferior ante Kato, y éste no soporta que el otro lo trate como un mero sirviente, así que no solo luchan contra los criminales.

Y luego está este hombre de la foto, un coloso. Sencillamente, merece la pena ver ‘The Green Hornet’ solo por Christoph Waltz. Su primera secuencia (en la que, por cierto, interviene el revalorizado James Franco) ya disculpa todos los errores de la película, y cada vez que aparece uno se olvida que Gondry se muestra torpe filmando escenas de acción o que Rogen habla demasiado, porque el intérprete austriaco se come la pantalla. Su villano, Benjamin Chudnofsky (antes de adoptar una nueva y tronchante identidad), pudo tener el rostro de Nicolas Cage, y lo cierto es que uno comprende el motivo, es un personaje de dibujos animados, excesivo y psicótico; Cage habría encajado, sin duda, pero tenemos a Waltz y lo borda, capta la idea de Gondry y los guionistas, y ofrece una creación intachable, un enemigo temible y patético al mismo tiempo. Amorfa, descompensada, pero en conjunto una disfrutable aventura, ‘Green Hornet’ se sirve de la música de James Newton Howard, algunas ingeniosas ocurrencias visuales de Gondry, y el acertado plantel de actores, para entretener durante más de cien minutos.

• Otra crítica en Blogdecine:

‘The Green Hornet’, gozoso homenaje a los superhéroes cutres y a sus ayudantes

‘The Green Hornet’

Título película: The Green Hornet. Dirección: Michel Gondry. País: USA. Año: 2010. Duración: 108 min. Género: Acción. Interpretación: Seth Rogen (Britt Reid/The Green Hornet), Jay Chou (Kato), Cameron Diaz (Lenore), Christoph Waltz (Benjamin Chudnofsky), Edward James Olmos (Axford), David Harbour (Scanlon), Tom Wilkinson (James Reid). Guión: Seth Rogen y Evan Goldberg; basado en los personajes creados por George W. Trendle. Producción: Neal H. Moritz. Música: James Newton Howard. Fotografía: John Schwartzman. Montaje: Michael Tronick. Diseño de producción: Owen Paterson. Vestuario: Kym Barrett. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

Sinopsis: Britt Reid, un aburrido playboy que ha heredado de su padre un periódico: el Daily Sentinel. Sin embargo, oculta un secreto, ya que de noche se convierte en un héroe enmascarado que lucha contra el crimen, siendo auxiliado en esta tarea por su fiel ayudante Kato, todo un experto en las artes marciales.

¿Qué podemos esperar?: ¿Michel Gondry metido en el cine de superhéroes? Por el tráiler parece otra más, pero ya sabemos lo poco que hay que fiarse de un tráiler. Personalmente no me llama ni lo más mínimo. No aguanto a Seth Rogen

‘Amor y otras desgracias’

Título película: Amor y otras drogas. Título original: Love and other drugs. Dirección: Edward Zwick. País: USA. Año: 2010. Duración: 112 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: Jake Gyllenhaal (Jamie Randall), Anne Hathaway (Maggie Murdock), Hank Azaria (doctor Stan Knight), Oliver Platt (Bruce Winston), Gabriel Macht (Trey Hannigan), Judy Greer (Cindy), Josh Gad (Josh Randall). Guión: Charles Randolph, Edward Zwick y Marshall Herskovitz; basada en el libro “Hard sell: The evolution of a Viagra salesman”, de Jamie Reidy. Producción: Edward Zwick, Charles Randolph, Marshall Herskovitz, Scott Stuber y Pieter Jan Brugge. Música: James Newton Howard. Fotografía: Steven Fierberg. Montaje: Steven Rosenblum. Diseño de producción: Patti Podesta. Vestuario: Deborah L. Scott. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: Maggie es una mujer independiente que no deja que nada ni nadie la ate. Pero conoce a su media naranja, Jamie, cuyo implacable e infalible encanto le sirve bien tanto con las mujeres como dentro del despiadado mundo de las ventas farmacéuticas. La evolución que sufre la relación entre Maggie y Jamie coge a ambos por sorpresa, al encontrarse ambos bajo la influencia de la droga suprema: el amor.

¿Qué podemos esperar?: Que las otras desgracias del título se refiera a lo mala que podría ser.

‘Animal Kingdom’

Título película: Animal kingdom. Dirección y guión: David Michôd. País: Australia. Año: 2010. Duración: 112 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: James Frecheville (Joshua “J” Cody), Ben Mendelsohn (Pope), Joel Edgerton (Baz), Guy Pearce (Leckie), Luke Ford (Darren), Jacki Weaver (Smurf), Sullivan Stapleton (Craig). Producción: Liz Watts. Música: Antony Partos. Fotografía: Adam Arkapaw. Montaje: Luke Doolan. Diseño de producción: Jo Ford. Vestuario: Cappi Ireland. Distribuidora: Avalon.

Sinopsis: Tras morir su madre, Joshua “J” Cody, se va a vivir a Melbourne con sus tíos, con los que, hasta ahora, no ha tenido ningún tipo de contacto. Allí estará bajo la custodia de su abuela Smurf. Aunque se adaptará rápidamente a su nueva vida, no tardará en descubrir que este mundo es mucho más peligroso de lo que nunca había imaginado. Uno de los policías, Nathan Leckie, debe atraer a “J” a la policía, para que sea su señuelo y poder protegerle de policías corruptos y de un submundo paranoico y vengativo. Para sobrevivir, “J” deberá elegir qué lugar quiere ocupar dentro de este peligroso juego.

¿Qué es?: Un coñazo supremo.

‘De dioses y hombres’

Título película: De dioses y hombres. Título original: Des hommes et des dieux. Dirección: Xavier Beauvois. País: Francia. Año: 2010. Duración: 120 min. Género: Drama. Interpretación: Lambert Wilson (Christian), Michael Lonsdale (Luc), Jacques Herlin (Amédée), Philippe Laudenbach (Célestin), Xavier Maly (Michel), Loïc Pichon (Jean-Pierre), Olivier Rabourdin (Christophe), Jean-Marie Frin (Paul), Olivier Perrier (Bruno). Guión: Xavier Beauvois y Etienne Comar. Producción: Martine Cassinelli y Frantz Richard. Fotografía: Caroline Champetier. Montaje: Marie-Julie Maille. Diseño de producción: Michel Barthelemy. Vestuario: Marielle Robaut. Distribuidora: Golem.

Sinopsis: Un monasterio en las montañas del Magreb en los años noventa. Ocho monjes cistercienses viven en perfecta armonía con la población musulmana. Un grupo de fundamentalistas islámicos asesina a un equipo de trabajadores extranjeros y el pánico se apodera de la región. El ejército ofrece protección a los monjes, pero estos la rechazan. ¿Qué deben hacer? ¿Irse, quedarse? A pesar de la creciente amenaza, empiezan a darse cuenta de que no tienen elección y deben quedarse, pase lo que pase.

¿Qué podemos esperar?: Mensaje religioso en el ambiente, y basada en hechos reales. O un aburrimiento o toda una revelación.

‘La daga de Rasputín’

Título película: La daga de Rasputín. Dirección: Jesús Bonilla. País: España. Año: 2011. Duración: 99 min. Género: Comedia. Interpretación: Antonio Resines (Jacinto), Jesús Bonilla (Papeles), Antonio Molero (Araña), Juan Luis Galiardo (Zadkin), María Barranco (Alejandra), Carolina Bang (Ludmila), Carmen Arche (Carmen), Andrés Pajares (general Krilenko), Fernando Conde (psiquiatra), Mario Pardo (perista). Guión: Jesús Bonilla y Joaquín Andújar. Producción ejecutiva: Enrique Cerezo. Música: Roque Baños. Fotografía: Juan Molina. Montaje: Miguel Ángel Santamaría. Dirección artística: Antonio Belizón. Vestuario: Inma García. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: Forjada en el antiguo Egipto, la daga de Rasputín es una joya legendaria que da un poder casi absoluto a la persona que la posee. César, Atila y Napoleón fueron algunos de sus ilustres dueños. La pista se pierde en Rusia, con la muerte de su último dueño, el monje loco Rasputín. Desde entonces, gobiernos y personalidades la han buscado en vano, sin pistas fiables que conduzcan hasta ella. La situación cambia cuando en una cárcel española, el preso Jacinto es identificado por la mafia rusa como portador de una anomalía genética relacionada con la daga. Sus compañeros de celda, Papeles y el Araña, le acompañaran en una delirante aventura llena de fugas y persecuciones que les conducirá, en busca del tesoro, hasta el corazón de la Rusia profunda.

¿Qué podemos esperar?: Que al menos sea tan desenfadada y entretenida como ‘El oro de Moscú’.

‘Twelve’

Título película: Twelve. Dirección: Joel Schumacher. Países: Francia y USA. Año: 2010. Duración: 93 min. Género: Drama. Interpretación: Chace Crawford (White Mike), Emma Roberts (Molly), Rory Culkin (Chris), Curtis “50 Cent” Jackson (Lionel), Kiefer Sutherland (narrador), Ellen Barkin (madre de Jessica), Emily Meade (Jessica), Billy Magnussen (Claude). Guión: Jordan Melamed; basado en la novela de Nick McDonell. Producción: Ted Field, Charlie Corwin, Bob Salerno, Jordan Melamed, Chritophe Riandee y Sidonie Dumas. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Steven Fierberg. Montaje: Gordon Grinberg y Paul Zucker. Diseño de producción: Ethan Tobman. Vestuario: David C. Robinson. Distribuidora: Vértigo Films.

Sinopsis: ‘Twelve’ lleva al cine el best seller literario que Nick McDonell escribió en 2002, cuando contaba con tan sólo 17 años. Su adaptación ha corrido a cargo del guionista Jordan Melamed, contándonos la historia de un joven que, tras abandonar el instituto, se convierte en traficante de drogas. Sin embargo, su lucrativa nueva vida se verá perturbada cuando un primo suyo sea brutalmente asesinado en un patio del East Harlem y detengan a su mejor amigo por el crimen.

¿Qué es?: La demostración de que Joel Schumacher anda muy perdido, aunque sin llegar a la época en la que le daba por ultrajar a superhéroes. Juan Luis habló de ella en Sitges.

Vía | La Butaca

‘The Tourist’ (id, Florian Henckel von Donnersmarck, 2010) ha sido la primera película que he visto en un cine este año que acaba de comenzar, y lo primero que hice después de verla fue irme a casa a visionar ‘La vida de los otros’ (‘Das Leben der Anderen’, 2006) porque no podía creerme que estuvieran dirigidas por la misma persona. La exitosa cinta alemana que en 2007 le arrebató con todo el derecho del mundo un Oscar a ‘El laberinto del fauno’ (Guillermo del Toro, 2006), era el debut de un cineasta que se revelaba como un realizador sensible con un futuro de lo más prometedor. Todo el mundo estaría pendiente de su siguiente largometraje, y cuando Hollywood adoptó a von Donnersmack, nadie se sorprendió de ello. Era un paso lógico debido al prestigio de su ópera prima.

Pero cualquier parecido entre ambas cintas es pura coincidencia, y no me refiero únicamente a su trama argumental, sino a la puesta en escena de un director que parece haberse convertido en otro cineasta, desconcertando por completo con el resultado además de decepcionar profundamente. Mi compañera Beatriz habla de un film con bonitos paisajes y actores muy guapos, y conociendo a Juanlu, hubiera dado algo por ver su cara de mosqueo al salir del cine, a tenor de su sangrante crítica. Cómo no, la película ha sido un éxito en nuestra cartelera —no así en la estadounidense—, algo que se debe a la fama de sus dos estrellas principales, Johnny Depp y Angelina Jolie, una de las parejas cinematográficas más imposibles que se recuerdan.

El argumento de ‘The Tourist’ es prácticamente el mismo que el film en el que se basa, la cinta de origen francés, ‘El secreto de Anthony Zimmer’ (‘Anthony Zimmer’, Jérôme Salle, 2005), film olvidado que casi nadie recuerda, y que los responsables del remake se han encargado de ocultar aún más, pues la referencia al mismo aparece únicamente en los títulos de crédito finales, cuando el 90% de los espectadores ponen en práctica una de las modas más extendidas en el cine, una especie de competición por ver quién sale antes de la sala cuando la película termina. Curiosamente soy uno de esos mortales que vio el film original, y quedé completamente traspuesto por el intento de homenaje a don Alfred Hitchcock, no sólo argumentalmente —la falsa identidad y la confusión que produce—, sino formalmente, más importante aún —el uso de la música o la planificación—, fracasando en todo. De hecho, si hay algo recordable en esa penosa película es la presencia, siempre estimulante, de Sophie Marceau.

La noticia de un remake yanqui fue recibida con alegría al menos por mí, ya que el relato tiene posibilidades, y el hecho de que alguien como Florian Henckel von Donnersmarck se hiciese cargo del proyecto era, en principio, una señal de garantía bastante alta. Si añadimos la presencia de uno de los actores más carismáticos del momento —no se puede decir lo mismo de su compañera de reparto—, y que en el guión interviene, además del propio director, Christopher McQuarrie —‘Sospechosos habituales’ (‘The Usual Suspects’, Bryan Singer, 1995)—, las expectativas estaban lo suficientemente altas. Impensable que éstas al final quedasen tiradas por los suelos, ultrajadas y humilladas. De acuerdo que ‘The Tourist’ es superior al film francés en más de un aspecto, pero en conjunto se trata de una película fallida, cuyo único interés se centra en la supuesta química de su pareja protagonista, y en el ejercicio de nostalgia que von Donnersmarck propone.

La cinta francesa ya era un intento de recuperar un tipo de cine que ya no se realiza, operación de lo más arriesgada a estas alturas, pues es evidente que los tiempos cambian y con ellos las exigencias del espectador. Éste ya no es tan ingenuo como hace décadas, entre otras cosas porque a cada año que pasan las películas sorprenden menos, y tratándose de una película con sorpresa final, hay que ser poco menos que un genio para coger desprevenido al público. Así pues nos encontramos con un remake que además de película, parece un querer rememorar la atmósfera de cintas tan populares como ‘Atrapa a un ladrón’ (‘To Cath a Thief’, Alfred Hitchcock, 1955) o ‘Charada’ (‘Charade’, Stanley Donen, 1963). Y digo sólo atmósfera porque la inteligencia estético temática de los films mencionados no asoma en ‘The Tourist’ por ningún lado. De hecho, son muchas las secuencias que parecen indicar que nos encontramos ante el trabajo de una serie de principiantes. Ver para creer.

Las sombras de Hitchcock, Donen, y sobre todo Cary Grant, Audrey Hepburn y, en menor medida, Grace Kelly, planean sobre el film, dejando en evidencia la pobreza del material del que parte von Donnersmarck. No sé si la libertad que ha tenido el director ha sido la suficiente, imagino que ha tenido que adaptarse a las exigencias de los grandes estudios, pensando únicamente en el mercado del film. El caso es que la labor de Donnersmack raya el ridículo, con sólo una secuencia de cierto interés: la inicial. Curiosamente, el film original también tenía un comienzo atrayente e interesante en el interior de un tren. ‘The Tourist’ añade algunos elementos más, sino estaríamos hablando de una fotocopia, y el suspense planteado en sus primeros cinco minutos se desmorona drásticamente con el devenir de los acontecimientos. Lo que viene a continuación no es más que un desfile de despropósitos y en algún caso hasta puede considerarse un insulto a la inteligencia del espectador, en realidad menos tonto de lo que parece.

Pero lo más flagrante, al menos para mí, ha sido comprobar como Johnny Depp y Angelina Jolie intentan emular a las viejas estrellas antes mencionadas. El primero por atreverse con una extraña mezcla de su Jack Sparrow —muy carismático en el primer título de la saga, y literalmente insoportable en sus continuaciones— con la elegancia de Cary Grant. Depp es mucho Depp y tiene que estar verdaderamente perdido para ofrecer una interpretación mala, que no es el caso aunque su nominación a los globos de oro me parece exagerada. La segunda intenta desprender la gélida belleza de la Kelly y su forzada sonrisa emula la de la Hepburn, pero en la comparación pierde merecidamente por culpa de ofrecer un personaje al que sólo viste físicamente. Que Paul Bettany o Rufus Sewell estén totalmente desaprovechados, además de querer despistar sobre el más que previsible giro de guión final, atenúa el total desinterés con el que parece fue tomado el proyecto.

La belleza de Venecia, maravillosamente fotografiada por John Seale, y la extraordinaria banda sonora de un James Newton Howard en plena forma, son tal vez los únicos puntos destacables de una película que parece más una postal que otra cosa. Aburrida, y por momentos transmite falsas esperanzas pues da la sensación de que se va a poner interesante. Eso sí, en mi caso particular debo reconocer que en la sesión a la que fui, me lo pasé verdaderamente como un enano al presenciar cómo un jovencito que estaba sentado a mi diestra no dejaba de sorprenderse por la “originalidad” del film. El ritual de ir al cine a veces te reserva este tipo de cosas, que si la película no capta tu interés, uno siempre puede entretenerse con lo que sucede alrededor.

¿Por qué todo el mundo está intentando matarme?

(Frank)

De haberla visto unos días antes, me habría planteado muy seriamente incluir ‘The Tourist’ entre las diez peores películas de 2010. Sigue resultándome incomprensible, pese a todos los lujosos subproductos que me he tragado a lo largo de los años, que se pueda fabricar una película tan lamentable como la que nos ocupa, que ha costado en torno a cien millones de dólares, que está protagonizada por dos de las mayores estrellas de Hollywood (que además han demostrado ser dos intérpretes muy capaces) y dirigida por un señor que hace solamente cinco años firmó un relato tan notable como ‘La vida de los otros’ (‘Das Leben der Anderen’). Hay quien dice que la industria del cine sigue funcionando igual, que no se ha empeorado, pero yo estoy convencido de lo contrario, en las peores películas de las grandes estrellas de antes, a pesar de todo, siempre nos podíamos quedar con el carisma, la magia, de los actores; ahora ni eso.

Porque lo que más llama la atención de ‘The Tourist’, el primer gran problema de la película, es la escandalosa falta de química entre la pareja protagonista. Angelina Jolie y Johnny Depp no encajan. Quizá en otro relato, en otras condiciones, pero definitivamente no en ‘The Tourist’, donde cada uno va por su lado, como si les diera igual el resultado final, como si en lugar de ayudarse, quisieran perjudicar al otro; he leído (en sitios de dudosa credibilidad) que las dos estrellas se llevaron mal durante el rodaje, y esto podría ser una razón, pero me parece demasiado común, ha ocurrido a menudo y seguirá ocurriendo, y en la mayoría de las ocasiones no llega a afectar a lo que se ve en la pantalla, por algo son profesionales. Teniendo en cuenta que Jolie hace de gélida y bella mujer de acción, y Depp de patoso pero irresistible héroe, lo más probable es que ninguno de los dos tuviera confianza alguna en la película, y se tomaran el trabajo como unas vacaciones pagadas en Venecia.

‘The Tourist’ (2010) es un remake estadounidense de la francesa ‘El secreto de Anthony Zimmer’ (‘Anthony Zimmer’, 2005). La historia se centra en dos personajes que se conocen en un tren que va de París a la citada romántica ciudad italiana; Frank Tupelo (no es broma) es un turista norteamericano que fuma un cigarro eléctrico y lee un barato best-seller, Elise es una enigmática y sofisticada británica que ha elegido sentarse frente a él cuando tenía muchos otros asientos disponibles. Se presentan, cenan y flirtean un poco (o lo intentan, pues no parecen tener nada que decirse, ni estar realmente interesado el uno en el otro). Al llegar a Venecia, Elise decide invitar al sorprendido Frank a la suite más impresionante de un lujoso hotel, en cuyo balcón, y tras tomar unas copas, se besan. Pero todo forma parte de un plan. Ella sabe que la están vigilando con la esperanza de encontrar a su amado, Alexander Pearce, un escurridizo ladrón a quien busca la policía y un peligroso mafioso que se rodea de matones rusos.

Así que todo gira en torno a ese intento de engaño, y los líos que ocasiona a Frank mientras todos buscan a Alexander. Una trama con falso culpable en constante peligro que nos recuerda inevitablemente a las elegantes películas de acción e intriga que solía firmar Alfred Hitchcock; ciertamente, hay un intento por parte de los responsables de ‘The Tourist’ de entregar al espectador un tipo de producto que recuerda a otra época, con altas dosis de misterio, seducción y humor, y escasas de violencia y sexo, dos de las dos notas dominantes en el cine actual. La propuesta atrae, desde luego, y es de agradecer el toque nostálgico, pero el resultado está muy alejado de las intenciones, pues ninguna de sus armas están adecuadamente afiladas. La película fracasa en todo lo que se propone, y es tal el despropósito que incluso la música compuesta por un grande como James Newton Howard resulta insufrible, está demasiado presente y nunca ayuda al relato.

Tampoco ayuda el mediocre guion escrito por el propio director junto a Christopher McQuarrie (‘Sospechosos habituales’, ‘Valkiria’), un libreto extremadamente vago y artificioso, lleno de situaciones inverosímiles, y nefasto cada vez que se centra en el (en teoría) irresistible coqueteo de Elise y los torpes intentos de conquista por parte de Frank, con una de las peores presentaciones que he visto en mucho tiempo; dan ganas de levantarse de la butaca desde el mismo instante en el que la conversación gira en torno a un cigarro eléctrico, pero, no sé muy bien por qué, uno tiene la esperanza de que todo mejore en algún momento. No lo hace, va a peor. La labor de Florian Henckel von Donnersmarck a la hora de plantear la escasa acción de la película es absolutamente bochornosa. Da pena ver esa secuencia nocturna con tiroteo y persecución por los canales de Venecia, sin ninguna tensión ni emoción, planos vacíos sucediéndose uno detrás de otro sin que nos importe lo más mínimo cómo va a acabar todo.

Como dije, ni siquiera los actores salvan este desastre, y eso que son buenos. Jolie repite el papel de heroína inexpresiva y maravillosa que hace siempre en las películas del género (‘Wanted’, ‘Salt’), Depp hace otra vez de Jack Sparrow (la secuencia por los tejados parece sacada de ‘Piratas del Caribe’), y ninguno de los estupendos secundarios aporta nada, siendo especialmente lamentable ver a Paul Bettany en uno de los peores papeles que ha interpretado jamás. Decía Von Donnersmarck, durante su visita a España, que había pretendido entregar un regalo de navidad, un producto ligero para entretener; una vez vista, o el realizador alemán odia la navidad, o no le han dejado hacer lo que quería, porque ‘The Tourist’ es de lo más tedioso que hay ahora mismo en la cartelera. Imposible ver venir esta película tan mala cuando contaba con tantos ingredientes atractivos, pero tanto el público como la crítica están hablando, rápida y contundemente, de ahí que no esté recaudando tantos millones como se esperaba. La trampa ha quedado al descubierto.

• Otra crítica en Blogdecine:

‘The Tourist’, bellos paisajes y guapos actores

“Te lo diré de otra forma. ¿Es posible que no existan las coincidencias?”

(Graham Hess)

Ahora que parece que se han vuelto a poner de moda las historias sobre extraterrestres, he querido echar mano de mi deuvedeteca y rescatar la que para mí es la mejor película que se ha hecho sobre el tema desde ‘Encuentros en la Tercera Fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, 1977). El estadounidense M. Night Shyamalan (cuyo verdadero nombre es Manoj Nelliyattu Shyamalan) está atravesando el peor momento de su carrera, pero al igual que ocurriera con el mítico Alfred Hitchcock (con el que comparte un extraordinario talento para crear suspense), puede estar seguro que su obra se asentará y cobrará importancia, que el tiempo le pondrá en el lugar que se merece. Coincido con muchos en que el realizador de origen indio atraviesa un bache artístico importante, pero solo desde ‘El incidente’ (‘The Happening’, 2008), y en todo caso no conviene olvidar que pocos cineastas actuales pueden presumir de contar con cinco joyas en su filmografía, además rodadas en un período de apenas diez años.

Con unos 70 millones de presupuesto (una cifra inferior a lo que suele costar un blockbuster de Hollywood, en torno a los 100, 150), una fuerte campaña publicitaria y el por aquel entonces estelar Mel Gibson al frente del reparto, recuerdo que ‘Señales’ (‘Signs’, 2002) se quiso vender como el verdadero regreso del director de ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, 1999), intentando borrar la huella del fiasco comercial que supuso ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000, para mí su mejor película), cuando en realidad Shyamalan seguía siendo fiel a su estilo, su forma de narrar; el resultado fue un considerable éxito de taquilla y un incremento de detractores del director. Desprovista de sofisticados efectos visuales y complicadas secuencias de acción, pero fuertemente armada con herramientas fundamentales como un sólido guión, una fantástica puesta en escena y unas inspiradas interpretaciones, ‘Señales’ es el triunfo del cine como arte para contar historias.

Una pesadilla realista, una familia auténtica

La idea esencial de la película, originada a raíz del interés de Shyamalan por esas famosas figuras aparecidas en los campos de trigo (relacionadas con temas sobrenaturales), era relatar el inquietante contacto con una raza extraterrestre desde el punto de vista de una familia, en una casa en medio del campo. Como aclara en uno de los reportajes incluidos en el DVD, el cineasta encontró la inspiración para construir su relato en tres películas de terror que le resultan fascinantes: ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ (‘Invasion of the Body Snatchers’, 1956), ‘Los pájaros’ (‘The Birds’, 1963) y ‘La noche de los muertos vivientes’ (‘Night of the Living Dead’, 1968). En las tres, los personajes ven alterado su mundo por completo tras la repentina aparición de siniestros hechos extraordinarios, sin explicación, sin vuelta atrás, y comprenden que lo que parece una inofensiva pesadilla es sin embargo terriblemente real, y tienen que hacerle frente. No cabe duda que a la que más se asemeja ‘Señales’ es a la película de Hitchcock, en especial desde que la acción se centra en la casa.

Si hay otro director con el que claramente Shyalaman comparte algo, es con Steven Spielberg, y esto queda patente si uno compara ‘Señales’ con ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’), estrenada solo tres años después, pero también si vamos un poquito más lejos y nos fijamos en la ya citada ‘Encuentros en la tercera fase’ o ‘E.T.’ (‘E.T.: The Extra-Terrestrial’, 1982). Shyamalan adora las historias que viene contando Spielberg desde hace décadas, y en concreto le interesa cómo introduce la trama fantástica en un entorno dramático que suele involucrar a una familia, que aporta sus propios conflictos; personajes corrientes con problemas corrientes que cualquiera va a entender y compartir, va a sentir como posibles y reales, lo que va a facilitar una conexión que favorece el disfrute de la película. De ahí que en ‘Señales’ no preste tanta atención al alienígena (al que solo veremos con claridad en una sola secuencia) ni a las naves, que apenas aparecen sugeridas en las imprecisas imágenes de los telediarios o ilustradas en un libro (de dudosa credibilidad); no hay planos para que el espectador se fije en los efectos visuales, pues no es a lo que debe prestar atención.

En otras películas importan los diseños de los extraterrestres y las naves, el enfrentamiento violento y espectacular con los humanos; no en este relato, aquí de lo que debe preocuparse el espectador es de los cuatro miembros que componen la familia protagonista, a los que dan vida unos muy inspirados Mel Gibson, Joaquin Phoenix, Rory Culkin y Abigail Breslin (al igual que Spielberg, Shyamalan es muy hábil dirigiendo niños). La de los Hess es una familia que atraviesa una etapa de crisis, como se sugiere desde el inicio (el grito de la niña provoca una reacción desmedida en el padre, que al incorporarse de la cama cubre con su rostro una foto donde aparece la madre, a la que solo veremos en un flashback), y viven prácticamente aislados del mundo tanto física como emocionalmente, en un casa de estilo victoriano (construida específicamente para el film) junto a unos campos donde se cultiva maíz (porque el tallo es mucho más difícil de doblar que si se tratase de trigo, así es más extraño lo que ocurre), lugar donde van a aparecer las inquietantes señales que dan título a la película.

No es el único sentido. Aparentemente, el reverendo Graham (uno de los más complicados y mejores papeles de Gibson) perdió la fe tras el fallecimiento de su mujer en un desafortunado accidente ocurrido seis meses atrás, pero es pura fachada, en realidad sigue creyendo en la existencia de un ente divino, solo que han cambiado sus sentimientos hacia él, como revela entre susurros durante la tensa secuencia del sótano; no ve señales de su presencia en la Tierra, cree que los ha dejado solos, y por eso le consume el miedo ante la aparición de los alienígenas, está seguro que no hay salvación. A diferencia de su hermano mayor, Merrill (con esa mezcla de ingenuidad, rareza y energía que siempre aporta Phoenix) sí cree que hay “algo” que los protege, cree que todas las cosas pasan por alguna razón, así que tiene esperanza, fe en que todo acabará bien, lo que le mantiene fuerte en los momentos más oscuros. No será hasta el final, y después de que Merrill le haya reprendido (“no quiero volver a ver esos ojos”), cuando Graham logra encajar las piezas y entender el gran mensaje que se escondía en las últimas y superficialmente inconexas palabras de su amada esposa.

Cuenta Shyamalan que en un principio imaginó ‘Señales’ sin música (de hecho, le suele pasar con todas), pero al hablar con su amigo James Newton Howard, y darse cuenta de que éste entendía perfectamente lo que quería llevar a cabo, le pidió su colaboración. Para los que albergan alguna duda sobre qué opción era preferible, en el DVD hay una escena del final con y sin acompañamiento musical, y resulta de lo más evidente lo mucho que ayuda la composición de Howard, se integra (hasta el punto de ser imposible separarlas) y aporta una gran energía a la historia, la hace más emocionante. También contribuye a crear la atmósfera necesaria en los muchos momentos de suspense que tiene el film, gracias a la cuidada puesta en escena del director, que no deja nada al azar (sus guiones y sus storyboards son muy precisos), y a su concepción del terror; prefiere sugerir, que el espectador imagine, antes que mostrar. Creo que su única equivocación importante es haber participado como actor, un cameo habría sido más acertado, pero por lo demás, estamos ante el trabajo intachable de un cineasta impresionante, que ojalá recupere pronto su mejor versión. Una joya de la ciencia-ficción, del terror, y del cine en general.