Dos rostros más para ‘Django Unchained’, el esperadísimo western de Quentin Tarantino. Hoy se ha sabido que el cineasta se ha decidido por Kerry Washington para el papel de Broomhilda, la esposa del protagonista, Django, a quien dará vida Jamie Foxx. Curiosamente, ambos actores ya estuvieron casados en otra película, ‘Ray’ (2004). Se dice que Tarantino tenía a Washington en mente desde el principio, pero quiso iniciar un casting por si descubría a otra actriz más apropiada para el personaje. No ha sido así.

La incorporación de Joseph Gordon-Levitt era una duda la semana pasada, hoy ya se da por segura. Lo que no se sabe es qué papel ha reservado Tarantino para uno de los intérpretes del momento, recientemente premiado en Hollywood como “mejor actor revelación del año” (!!??) por su papel en ’50/50’ (en la imagen de arriba sostiene el galardón); algunos que han leído el guion creen que Gordon-Levitt dará vida a un joven tímido que se enamora de Broomhilda, esclava en la plantación de algodón que dirige con mano de hierro el villano Calvin Candie, encarnado por Leonardo DiCaprio. Aparte de los mencionados, en el reparto figuran Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Gerald McRaney, Dennis Christopher, Laura Cayouette, M.C. Gainey, Don Johnson y Tom Savini. Si la dirigiera cualquier otro, también llevaría la etiqueta de imprescindible.

Estaba previsto que el rodaje de ‘Django Unchained’ arrancara el mes que viene, pero finalmente lo hará en enero, al parecer por una lesión de Waltz mientras preparaba su papel montando a caballo. En principio, el estreno sigue fijado para el 25 de diciembre de 2012, esperemos que no lo retrasen.

PD: En la misma gala de premios de Hollywood, ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 2’ fue elegida la mejor película de 2011.

Vía | Deadline

- ¿Por qué te llaman Motherfucker Jones?

- Hace tiempo entré en la habitación de mi madre por la noche, estaba desnuda sobre la cama…

El inicio de este diálogo es una clara muestra de lo que plantea ‘Cómo acabar con tu jefe’ (‘Horrible Bosses’, Seth Gordon, 2011). Nada más oír esa frase cualquier buen pensador —sobre todo un mal pensador, por la mala leche que inunda nuestros cerebros— enseguida se ha hecho una imagen en su cabeza de lo más delirante y atrevida. El complejo de Edipo convertido en burla en el buen sentido de la expresión, y cuando parece que se va a llegar hasta las últimas consecuencias con el chiste, el final del diálogo termina suavizando el atrevimiento y osadía iniciales. Esto está ocurriendo con la mayor parte de las comedias actuales provenientes de Hollywood, donde parecen querer convertirse en los paladines de la comedia irreverente, por así llamarla. Nombres como el de Judd Apatow encabezan este movimiento, y el resto intentan seguir el mismo camino.

La película de Seth Gordon sigue todos los parámetros de una comedia salida de la factoría Apatow, con una muy ligera ventaja sobre ellas: no es una película larga. Creo que las comedias actuales pecan de ese defecto en general —alargamiento innecesario de los gags, repetición y epílogos demasiado bienintencionados—, y sin embargo, aunque ‘Cómo acabar con tu jefe’ no cae en ese defecto, sí vuelve a dar gato por liebre en cuanto el delirante planteamiento es paulatinamente suavizado según avanza la trama, hasta llegar a una conclusión en el fondo muy políticamente correcta. Un error muy común que no queda ni subsanado por lo que mi compañero Juan Luis Caviaro dice que es lo mejor de la función, los secundarios. Ellos terminan siendo la película.

Kevin Spacey, Jennifer Aniston y Colin Farrell dan vida a los muy especiales jefes que los protagonistas del relato quieren eliminar, cada uno por muy diversas razones. En el caso de Spacey y Farrell estamos ya acostumbrados a su camaleonismo, y en esta película es una delicia comprobar como bordan sus roles, un jefe cabrón de altos vuelos que no duda en reírse en la cara de su subordinado al enterarse de cómo llamaba éste cariñosamente a su amada abuela recientemente fallecida, y un jefe adicto a la cocaína, que heredó el puesto por herencia al morir su padre —breve aparición de Donald Sutherland—, personajes odiosos donde los haya. El caso de Aniston llama más la atención por dar vida a un personaje alejado de su habitual registro, yo diría que en las antípodas. Esa dentista que acosa sexualmente a su ayudante no tiene desperdicio, y reconozcámoslo, muchos quisiéramos una jefa así.

Si bien los actores están fantásticos —todo lo contrario que los tres insoportables protagonistas, Jason Bateman, Charlie Day y Jason Sudekis— sus roles terminan derivando a peor. La caricatura demasiado exagerada en la que termina cayendo el personaje de Kevin Spacey no hace justicia a un rol tan perfectamente dibujado en el inicio de la cinta. A Farrell no hay tiempo de saborearlo demasiado, y en el caso de Rachel, perdón, Jennifer Aniston, termina con algo que el sufrido acosado pudo haber hecho desde el principio sin necesidad de obsesionarse con asesinarla, medida un tanto exagerada que no siempre resulta creíble en el film. Donde creo que sí salen victoriosos en en la intrusión, nunca mejor dicho, del personaje al que da vida un divertido Jamie Foxx, una especie de consultor sobre asesinatos que consigue dinero fácil a través de los tres pringados protagonistas. Foxx no se sobrepasa en ningún momento y su personaje posee una cierta evolución, por cuanto empieza de forma muy misteriosa y termina revelándose como lo que es realmente.

Cuentan que el director dejó que los actores improvisasen gran parte de sus diálogos o actuaciones. Creo que se nota por momentos, sobre todo en lo que respecta a las intervenciones de Charlie Day, histriónicamente alejado de sus compañeros de aventuras, con instantes que rayan directamente el ridículo, como cuando está solo en el coche esperando, o el enfrentamiento final con su jefa. Momentos en los que el trabajo de dirección de actores no existe, en su lugar han puesto a un cómico gesticulante y gritón que nos aleja, al mí al menos, de su personaje. Lamentablemente, no hay término medio. Si Day destaca por su exagerada interpretación, sus dos compis parecen competir por ver quién de los dos es más soso. Mientras tanto Seth Gordon se esfuerza por salirse de la puesta en escena habitual de este tipo de comedias, esto es, sin personalidad. Lo consigue a ratos.

Así pues, comedia entretenida por momentos, y divertida en muy pocos, todos ellos recopilados en su primer tercio, cuando Gordon es capaz de controlar el material que tiene entre manos. Si una comedia, una buena comedia, es difícil de hacer, aún lo es más una comedia atrevida, osada e inteligente, con sus puntos exagerados. ‘Cómo acabar con tu jefe’ —por cierto, título que recuerda a una comedia similar, pero interpretada por mujeres, ‘Cómo eliminar a su jefe’ (‘Nine to Five’, Colin Higgins, 1980)— es efectiva durante su primera mitad, consiguiendo el milagro. Después su rápido descenso hacia las concesiones y lo trivial, termina estropeando el conjunto. Al menos nos deja un poco menos de imaginación para fantasear con Jennifer Aniston.

Antes de nada una disculpa. Este texto debía estar publicado hace semanas. En su momento me comprometí con el lector Bob Mackey a realizar una crítica de ‘Collateral’ pues el citado temía que mi compañero Adrián Massanet la destrozara después de hablar mal de Michael Mann en unos cuantos artículos. Dos apuntes al respecto: conmigo las expresiones “para mañana” o “vengo ahora” cobran un nuevo significado; y no es tan fiero el lobo como lo pintan, y de cerca menos. También debo decir que cierto listado, y su resaca, que he confeccionado me ha llevando más tiempo del habitual, y me ha dejado apartado de mis otras obligaciones. Disculpas aparte, vamos con una de las últimas grandes películas que nos ha dejado el cine norteamericano. Realizada hace siete años parece que fue ayer cuando se estrenó, y sin embargo toda una eternidad parece que ha transcurrido desde entonces, pues la calidad del film de Mann no ha vuelto a verse en ningún thriller realizado en aquellas tierras.

Debo confesar que el cine de Michael Mann tardó en entrarme, al menos el realizado a partir de la épica ‘Heat’ (id, 1995). El hecho con anterioridad, aún poseyendo ciertas virtudes, me aburre bastante. Desde su ópera prima ‘Ladrón’ (‘Thief’, 1981), pasando por la excelente premisa de ‘El torreón’ (‘The Keep’, 1983), hasta ‘El último mohicano’ (‘The Last of the Mohicans’, 1992) en la que Daniel Day-Lewis ponía toda su vitalidad en pasarse la película corriendo. A partir del monumental film que enfrenta a Pacino y De Niro todo cambia, Mann encuentra su estilo y nos regala tres películas inmejorables, siendo ‘Collateral’ la tercera de ellas. Un thriller lleno de tensión que además muestra a un Tom Cruise desconocido, realizando una de sus mejores interpretaciones.

Cuando se habla de Michael Mann muchos se refieren a él como un cineasta moderno, si es que tal acepción puede darse. Las etiquetas a menudo sobran, sólo sirven para ejercitar ese a veces ridículo deporte de la clasificación, sin darnos cuenta de que el arte escapa la mayoría de las veces a esa tiranía. Michael Mann es mucho más que un cineasta moderno. La actual tecnología le permite aplicar interesantes texturas al género del thriller —el uso de cámaras digitales que tanto parecen obsesionar a Mann—, pero su cine contiene ecos clásicos de profunda raíz. El polar francés, con Jean Pierre Melville a la cabeza, y Antonioni, son filtrados por Mann hasta conseguir un estilo propio y único, donde modernidad y clasicismo se dan la mano. Afortunadamente Mann tiene algo a su favor de lo que no disponen los dos directores mencionados: no es aburrido, y sus inquietudes o intenciones no quedan solapadas por un exceso formal.

La historia de un asesino a sueldo, encargado de eliminar a los testigos de un importante caso, y que alquila por una noche los servicios de un taxista que le acompañará en su misión, está llena de detalles de que van más allá de su sencilla premisa argumental, la cual, a simple vista, parece que no puede dar mucho de sí. Pero ‘Collateral’ sorprende por muchos y diversos factores. Para empezar tenemos a un Tom Cruise totalmente entregado a su personaje, haciendo de villano por primera vez en su carrera y dejando a un lado su carácter endiosado, que parece que el actor necesita fervientemente salir en plano todo momento. Sin embargo, en el trabajo de Mann, imagino que por una buena labor de dirección, el guaperas de Cruise se olvida de que es Cruise y nos ofrece una portentosa interpretación de Vincent, curiosamente el mismo nombre de pila que otro de los personajes de uno de los títulos clave de Mann: ‘Heat’ (id, 1995), en la que Al Pacino daba vida al teniente Vincent Hanna, la otra cara de la moneda del papel interpretado por Robert De Niro. Jamie Foxx se encarga de dar la réplica al famoso actor, y el resultado es un continuo tour de force a la altura del film mencionado y ‘El dilema’ (‘The Insider’, 1999).

Y es en la relación entre ambos personajes, que representan, una vez más la eterna lucha entre el bien y el mal, donde se encuentran los puntos más interesantes del relato. Una confrontación que va más allá de quiénes sean las personas a las que tiene que eliminar Vincent, que llegado a cierto punto, el relato desvela algunas sorpresas al respecto. Max (Foxx) es un taxista que sueña con abrir un negocio de limusinas, especializado en clientes selectos, sueño que sabe no realizará nunca. De hecho, Vincent, en un alarde de psicología, le echa en cara eso mismo. Y he ahí uno de los elementos más llamativos y originales de dicho enfrentamiento: mientras Vincent, consciente de los palos que te da la vida, se ha pasado al otro lado, Max sigue agarrándose a una utopía. Ambos son perdedores y ganadores al mismo tiempo. Vincent puede tener todo lo que desea, aunque para ello ha de cometer actos ilegales, y Max tiene que ser un taxista a jornada completa mientras sigue fiel a sus principios. Su encuentro nocturno con Vincent le hará descender al mismísimo infierno en una ciudad que le abrirá un mundo nuevo que no conocía.

Con un gusto exquisito a la hora de elegir las canciones que pueblan sus films, y un trabajo de fotografía encomiable —obra conjunta de Dion Beebe y Paul Cameron—, Mann viste su historia, compuesta de varias set pieces, en las que jamás decae el interés, y en algunos casos se atreven a sorprender al público, con lo difícil que es eso —la reacción de Max al volante en cierto momento— en los tiempos que corren. De todos ellos, creo que el que más sobresale es el instante en el club de jazz, en el que Mann pone todas las cartas sobre la mesa. No sólo el espectador y Max no saben qué ocurrirá en dicha secuencia, sino que sirve al director para establecer un paralelismo entre los personajes. En el club hay poca gente, y acto seguido se comenta que el jazz no interesa ya a la gente de hoy, más motivada por ritmos facilones y previsibles. Al igual que el jazz, Vincent y Max son dos personas de las que ya no quedan, pertenecientes tal vez a otro tiempo. Auténticos y genuinos, cada uno a su manera. Baste la magistral escena de los coyotes, animal que puede verse en Los Ángeles con frecuencia, para entender que tanto Max como Vincent sobreviven en un mundo lleno de peligros, uno de forma más activa —el coyote que va delante todo decidido—, y el otro más pasivo —el coyote que va detrás y se detiene durante unos segundos—.

Esta especie de road movie urbana concluye con un clímax que ha sido repetidas veces criticado, en el sentido peyorativo de la expresión. Son bastantes las voces que condenan el final de ‘Collateral’ por previsible y convencional. No estoy de acuerdo con ello; el tiroteo en los apartamentos de un despacho de abogados en plano general es un prodigio de ritmo y suspense, y que además no sólo supone el enfrentamiento definitivo e inevitable entre Vincent y Max, sino que también enlaza con el inicio del film en el que el taxista conoce a Annie, personaje más importante de lo que parece. Conviene resaltar el matiz de vestir psicológicamente a Max a través de su relación con los clientes, junto con los cuales conforman la jungla que puede poblar una ciudad como Los Angeles una noche cualquiera. Pocas veces la noche en una gran ciudad ha sido retratada como en ‘Collateral’, y que sirve a Mann para extender su paleta, marcando una diferencia mínima entre forma y fondo.

La última gran obra de Mann hasta el momento, y ya se está haciendo de rogar.

Quentin Tarantino ha encontrado al protagonista de su próxima película, ‘Django Unchained’. Los rumores apuntaban con fuerza a Will Smith e Idris Elba, pero finalmente el elegido ha sido Jamie Foxx, algo que, por lo que he visto, no ha entusiasmado mucho en la red. Aunque es verdad que últimamente parece poco preocupado por su carrera cinematográfica, interviniendo en producciones comerciales intrascendentes, como ‘Un ciudadano ejemplar’ (‘Law Abiding Citizen’, 2009), ‘Historias de San Valentín’ (‘Valentine´s Day’, 2010) o ‘Salidos de cuentas’ (Due Date’, 2010), no hay que olvidar que ya ha ganado un Oscar, por ‘Ray’ (2004), y que ha encabezado los repartos de películas dirigidas por Oliver Stone o Michael Mann, entre otros. Pero todo eso da igual, como si no hubiera hecho cine antes; Tarantino se ha decantado por él, y eso es lo que importa, seguro que hace un trabajo fantástico.

Así las cosas, Foxx dará vida a Django, un esclavo liberado que tras ser entrenado por un cazarrecompensas alemán, intentará rescatar a su mujer de las garras del cruel propietario de una plantación en Mississippi; Christoph Waltz interpretará al entrenador de Django y Leonardo DiCaprio al villano. También está confirmada la participación de Samuel L. Jackson, que encarnará al ayudante de confianza del malvado propietario, el encargado de mantener el orden entre los esclavos. Repartazo para el esperado western de Tarantino, que ya tiene fecha de estreno oficial: 25 de diciembre de 2012. Menudo regalo de navidad.

PD: A Foxx lo veremos próximamente en la comedia ‘Cómo acabar con tu jefe’ (‘Horrible Bosses’, 2011).

Vía | Deadline

Cuando comentamos que Colin Farrell había decidido regresar a Hollywood, vimos que el actor había rechazado dos comedias, acompañando a Katherine Heigl y Reese Witherspoon, para aceptar participar en el remake de ‘Fright Night’ (‘Noche de miedo’) y en una comedia titulada ‘Horrible Bosses’ (‘Jefes horribles’) que va a dirigir Seth Gordon. Este segundo proyecto se está animando bastante y va camino de convertirse en una de las comedias más esperadas de 2011.

Y es que tras la incorporación del actor irlandés se ha sabido que Jennifer Aniston, Jason Bateman y Jamie Foxx también han firmado con la Warner para encabezar el reparto. La película, escrita por Michael Markowitz, Jonathan Goldstein y Francis John Daley, gira en torno a tres amigos frustrados con sus trabajos que llegan a la conclusión de que la única solución para arreglar sus vidas es liquidar a sus respectivos jefes. Un argumento muy atractivo, apropiado y al mismo tiempo arriesgado en estos momentos, no me extrañaría que a algún colgado se le ocurriese la idea de imitar a los protagonistas.

Al parecer, Bateman y Charlie Day, otro actor mucho menos conocido que ha subido a bordo, serán dos de los frustrados amigos, mientras que Aniston, Foxx y Farrell interpretarán a los odiados empleadores; el último papel protagonista, que será para una chica, está aún en el aire. Brett Ratner y Jay Stern producen el film, para el que aún no hay fecha de rodaje.

PD: En un primer momento, la película iba a estar protagonizada por Owen Wilson, Vince Vaughn y Ashton Kutcher.

Vía | HollywoodReporter

La web ComingSoon ha recibido en exclusiva, directamente desde el festival de Cannes, el primer cartel de ‘Kane & Lynch’, una nueva adaptación cinematográfica de un videojuego, algo que no suele dar muy buenos resultados. Como podéis comprobar, la protagonizan dos estrellas, Bruce Willis y Jamie Foxx, aunque la película todavía está en fase de pre-producción, de ahí que no aparezcan los rostros sino sólo las siluetas de los actores en este teaser póster. El rodaje comenzará el próximo mes de agosto a las órdenes del debutante Simon Crane (hasta ahora coordinador de escenas de riesgo y director de segunda unidad). Se espera estrenar el film en 2011.

Basada en el juego de Eidos Entertainment, ‘Kane & Lynch’ (han quitado el subtítulo ‘Deadman’) nos presenta a Adam Marcus, alias “Kane”, un mercenario que tras escapar de prisión debe formar una particular alianza con un psicópata llamado James Lynch, en una misión que consiste en recuperar un microchip robado. La típica trama de las pelis de Van Damme o Steven Seagal, esperemos que con un guión más fresco y divertido (lo firma Kyle Ward). Por lo pronto, ya ha asombrado (y mosqueado seriamente) a todos los fans del videojuego que Lynch lo interprete Foxx, cuando el personaje es blanco y se parece a Santiago Segura. Bueno, la típica polémica absurda sobre el color de la piel que ya se ha dado en otras ocasiones. Lo que creo es que deberían alegrarse porque podría ser peor, mucho peor: podrían haber elegido a Martin Lawrence.

PD: ¿Cuál os parece que es la mejor adaptación de un videojuego, o la menos mala?

‘Un ciudadano ejemplar’ (‘Law Abiding Citizen’, F. Gary Gray, 2009) es una película que en un principio iba a dirigir Frank Darabont —ya sabéis, el director de la película mejor valorada en la página del populacho y el que dicen tenía un guión impresionante sobre la cuarta aventura de Indiana Jones que fue rechazado por George Lucas— para acabar cediendo el testigo a Gray, que para el que esto suscribe sólo tiene una película que merece la pena, y mucho, ‘Negociador’ (‘The Negotiator’, 1998). Lamentablemente Gray no es Darabont y hubiera sido muy interesante comprobar qué habría realizado el director de ‘La niebla’ con el material de la presente película.

Me gusta pensar que tal vez hubiese metido mano en el lamentable guión de un señor llamado Kurt Wimmer, autor de una de las películas más sobrevaloradas por las nuevas generaciones, ‘Equilibrium’, por no hablar de pestiños como ‘Ultraviolet’ a mayor gloria de Milla Jovovich. Sin entrar en lo fastizoide de su argumento, en el que se prostituyen conceptos como ley, justicia o venganza, el libreto de ‘Un ciudadano ejemplar’ está lleno de insensateces desde su precipitado inicio hasta su delirante final.

La película da comienzo cuando la vida de Clyde Shelton (Gerard Butler) cambia completamente al no poder impedir el asesinato de su mujer e hija pequeña a manos de dos delincuentes de poca monta que más tarde son apresados. Debido a los típicos acuerdos legales, que casi siempre son resultado del fallo del sistema judicial, uno de los asesinos queda libre. Diez años más tarde Shelton pone en marcha un plan maquiavélico por venganza y hacer pagar a todo aquel que tuvo que ver con la libertad del asesino de su mujer e hija. La premisa suena muy interesante, y aunque no es novedosa, el hecho de tener a Butler y a Jamie Foxx acompañados de un buen plantel de secundarios, más la probada solvencia de Gray, hacían prever al menos una película entretenida sin más pretensiones.

Pero la verdad es bien distinta. ‘Un ciudadano ejemplar’ da comienzo de forma abrupta con una escena muy violenta en la que fuera de campo suceden cosas horribles. El espectador se mosquea con sólo pensarlo y no es para menos, dicha secuencia es una brutalidad que parece salida de la mente de un enfermo. Provocar por provocar. Tras mostrarnos levemente los entresijos de la justicia, donde abogados de buena reputación hacen acuerdos que van en contra de toda moral, nos meten una elipsis de diez años, casi nada. En todo ese tiempo, el personaje principal, el cual no ha sido ni presentado ni dibujado, ha aprendido leyes y un sinfín de cosas que le convierten en una especie de James Bond malvado con ecos de Hannibal Lecter.

Primer problema, los actores. Gerard Butler no es el actor adecuado para dar vida a alguien al que los deseos de venganza han consumido prácticamente. Sí, da el tipo para hacer de Leónidas, pero cuando se trata de interpretar a un hombre corriente es como si jamás hubiera actuado. No desprende simpatía ni transmite emoción alguna. Su personaje simplemente no me resulta creíble. A su lado un Jamie Foxx que nos desvela que los tiempos de ‘Ray’ (id, Taylor Hackford, 2004) parecen quedar muy lejanos. Antagonista de Butler venido a menos que parece quedarse en tierra de nadie. No queda claro si es abogado sólo por dinero, si realmente le importa que se haga justicia, o si es un cantamañanas aprovechado. Foxx está perdido y su química con Butler simplemente no existe. Con ello se desaprovecha por completo el enfrentamiento psicológico entre ambos personajes.

Segundo problema, el guión y la falta de fuerza del director. ‘Un ciudadano ejemplar’ podría haber sido una gran película criticando duramente el sistema penal a través de un relato de acción y suspense. El problema es que la historia es simple y llanamente absurda, y según va avanzando se va haciendo más y más ridícula, terminando de forma harto increíble. El plan del protagonista está lleno de incongruencias, como todo lo referente a su aislamiento. El haber planteado algo tan disparatado como lo que tiene preparado al otro lado de su celda no está mejorado por Gray, quien se limita a ser un casaplanos mediocre. Atención a los escandalosos falseos de tiempo en su parte final.

Con eso bastaría para echar pestes sobre la película, pero además hay un tercer problema de índole ideológica. El mensaje que transmite es insultantemente fascista, toda un falta de respeto a la moralidad e integridad —si es que éstas existen, que lo dudo— del mal llamado ser humano. Aquí no se trata de diferenciar entre ley y justicia —todos sabemos que no significan lo mismo—, aquí se trata de hacer apología del “tomarse la justicia por su mano”, algo así como los policías de ‘Harry el fuerte’ (‘Magnum Force’, Ted Post, 1973) pero llevado al extremo. Ya no sólo por todo lo hecho por Clyde, cuyo dolor le hace confundir venganza con justicia —y esto ni siquiera está bien tratado en el film— sino por lo que hacen al final los personajes de Jamie Foxx y Colm Meaney, una sobrada de mucho cuidado que convierte al film en un completo despropósito de nocivas consecuencias.

Con bastante retraso, por fin el pasado viernes llegó a los cines españoles ‘El solista’ (‘The Soloist’, estrenada en Estados Unidos en abril de 2009), la tercera película del inglés Joe Wright, conocido director de ‘Orgullo y prejuicio’ y ‘Expiación’. En esta ocasión, Wright lleva a la gran pantalla un guión de Susannah Grant, que adapta un libro del periodista Steve Lopez en el que narra el “descubrimiento” de un brillante músico en las calles de Los Angeles. Lopez necesitaba material para su columna y lo encontró en la figura de Nathaniel Ayers, un extraño vagabundo que toca un viejo violín y que le proporciona una buena historia para sus lectores.

Sin duda, el gran atractivo de la película es ver juntos a Robert Downey Jr. y Jamie Foxx, especialmente a las órdenes de Wright, cuya progresión debía deparar grandes alegrías. Pero este realizador parece revelarse definitivamente como alguien más preocupado por la técnica que por la historia, incapaz de sumergirse en el drama de personajes que está narrando, haciéndolo por tanto difícil de tragar para el público. Al igual que en sus anteriores trabajos, el londinense se recrea en elegantes y complicados movimientos de cámara, debiendo parecerle por tanto a una parte del público que es un gran director, pero nadie puede serlo cuando lo que transcurre en la pantalla no atrapa, no resulta emocionante. Él se luce, luce (de manera equivocada) a los actores en constantes primeros planos, deja ver el trabajo de producción que hay detrás, pero es nefasto a la hora de transmitir sensaciones y verdades.

Y quizá puede parecer que la historia no daba para mucho, que no puede extenderse en una película, pero a mí me parece una conclusión equivocada. Es Wright quien la hace limitada y poco atractiva, al narrarla de esta forma (y necesitar tanto tiempo, casi dos horas). Personalmente, creo que encontrar a un genio en medio de la calle, pobre, loco, tirando de un carrito lleno de objetos recogidos de la basura, es la semilla de una gran historia. Además tienes a Downey Jr. y Foxx, estupendos actores en sus mejores momentos, más que capaces para dar vida a dos interesantes personajes de carne y hueso. Pero al realizador parece darle igual lo que Lopez cuenta en su libro, no apasionarse por la vida de Ayers, no interesarle ningún drama o relato personal, sólo la composición, la cámara y el montaje. La forma, no el fondo.

Hay una secuencia particularmente reveladora de todo esto. Sucede cuando una noche, Lopez se queda a dormir con Ayers en su particular “parcela”, en medio del triste campamento de gente sin hogar, junto a un centro público para enfermos (también abandonados). El periodista es nuestro punto de vista y Wright aprovecha para retratar esa cloaca de suciedad y pobreza, en una ciudad como Los Angeles, y hacerla impactante para un público que vive acomodado. ¿Cómo lo hace? Con un barrido espectacular donde la cámara (y no las personas) es la protagonista, elevándose desde el suelo para mostrar, con un ángulo cenital, los lugares donde duermen los vagabundos. El duro drama de esta gente, tirados en la calle, acurrucados entre mantas y dispuestos a sobrevivir otro día más, a pocos pasos de donde viven los que tienen de todo, queda retratado con un sofisticado travelling acompañado de una música lastimera y la voz en off de Ayers, rezando y dando las buenas noches. Típico de reportaje televisivo, bonito y melodramático; forzado, falso. Al instante siguiente se olvida, y uno sólo se acuerda del fantástico movimiento de la cámara.

De todas formas, el tema de la pobreza en Los Angeles es sólo una desviación de la película, que no está bien aprovechada, y que sólo está ahí para adornar, para hacer más contundente la historia de Ayers, a quien Lopez saca de la cloaca a pesar de su resistencia inicial. Ayers llevaba tiempo viviendo en la calle y se sentía cómodo con la vida que se había creado, así que al principio se opone a que Lopez le “arregle” su existencia. Éste, no sólo porque escribe en un periódico muy leído y quedaría muy mal que se desentendiera de la oveja perdida, le consigue un chelo y un apartamento, le anima a volver a tocar (tras descubrir que fue a la prestigiosa escuela Juilliard de Nueva York) y trata de que acepte medicarse. Pero Ayers ya ha pasado por todo eso y es una tarea imposible para Lopez, que se bloquea. El periodista descubre sus propias miserias personales y su equivocada forma de ver las cosas.

Así que, llegados a un punto, tenemos a un tipo extraordinario nacido para la música, que tiene problemas mentales y parece incapaz de recuperarse, de vivir una “vida normal”, y por otro a un “hombre normal” que al intentar ayudar al primero, a quien encuentra fascinante (por la pasión con la que toca todos los instrumentos que caen en sus manos), se da cuenta que su vida carece de sentido, que no tiene nada verdaderamente valioso y que se está dando golpes contra el muro que él mismo ha levantado. No en vano, Lopez se lleva media película con el rostro marcado por heridas y, en una escena, es golpeado también por Ayers en un estallido de locura. Repito, esta historia da juego. No he leído el libro del verdadero Steve Lopez, pero en cualquier caso los hechos reales y sus posibilidades no deberían dar una película tan sosa, plana y aburrida como la que ha filmado Wright.

Tampoco quiero ser injusto. La película tiene buenos momentos (los flashbacks de Ayers cuando era niño o las escenas de Lopez con su ex-mujer) y los actores en general están bastante bien (especialmente Downey Jr. y la siempre competente Catherine Keener; Foxx está un poco cargante). Pero es una oportunidad desaprovechada. Recuerdo cuando se empezó a hablar de este film y de todos los premios que ya había ganado antes incluso de llegar a los cines. Finalmente, se ha estrenado por todas partes con más pena que gloria y ninguna de las expectativas se han cumplido. ¿Y sabéis qué es lo próximo de Wright? Un thriller de acción sobre una adolescente entrenada para matar. Un paso lógico.

• Otra crítica en Blogdecine:

‘El solista’. El buen hacer de Joe Wright al servicio de una nimia anécdota

Este viernes se estrena ‘El solista’ (‘The Soloist’), una película de Joe Wright, director de ‘Orgullo y prejuicio’ y ‘Expiación. Más allá de la pasión’. Este nuevo trabajo del londinense está basado en la novela autobiográfica de Steven López, un periodista (Robert Downey Jr.) que descubrió a un virtuoso (Jamie Foxx) entre los vagabundos de los Ángeles. La historia, pequeña y emotiva, no me interesa especialmente, pero todos demás aspectos del film están muy logrados.

La estética y los actores

Joe Wright ya se ha caracterizado en sus anteriores films por ofrecernos una preciosa luz y exquisitos encuadres. La novedad en este caso reside en que es capaz de encontrar la misma belleza que en aquellas narraciones de época en los lugares menos acogedores de un Los Ángeles contemporáneo: redacciones de periódicos, túneles de hormigón, albergues para indigentes… Wright es un artista en este sentido y todo lo que atañe a la realización en esta película está impecable. Otra de las facetas que más destacaban en sus anteriores obras era la música. Aquí, este elemento deja de ser una banda sonora para convertirse en la protagonista. Si acaso, se podría decir que esa predominancia es algo excesiva, pero en general está integrada de forma muy armónica con lo rodado.

El elenco supone el otro gran aliciente de ‘El solista’. No es necesario informar ahora de que Robert Downey Jr. es un enorme intérprete y, aunque quizá esté menos extendido, el reconocimiento que recibe Jamie Foxx es similar. Ellos ofrecen toda la calidad que el fondo no pone de su parte. Sus personajes están retratados con acierto y sus interpretaciones completan esta definición proporcionándonos toda la emotividad que esta escasa anécdota nos podría contagiar. Catherine Keener es una actriz cuya presencia aporta elegancia a cualquier película y, en este caso, está igual de bien que en otros de sus trabajos o que sus partenaires masculinos. En papeles terciarios, también se encuentran buenos actores.

El contenido

Así, uniendo las interpretaciones a la realización, podemos ver que nos encontramos ante una película cuyo exterior es válido al ciento por ciento. Por desgracia, este conjunto se pone al servicio de un relato autocomplaciente, sentimentaloide y facilón, que aburre en la mayor parte de su metraje. Incluso aunque no resulte nada original, no me parece mal el planteamiento de descubrir una gema en las calles de una ciudad hostil. Pero partiendo de ahí, se podría haber llegado más lejos. López investiga la vida de este hombre y, antes de descubrir nada sobre él, ya publica artículos a su respecto. Por lo tanto, el músico, más que suponer un buen material periodístico, significa una forma de apelar a la fibra sensible de los lectores, que se apiadan de él por caridad cristiana. Quiero decir que su historia carece de interés argumental: no es sorprendente, no es única, no supone una reivindicación…

(SPOILER) Cuestionaría también la decisión de no intervenir en su tratamiento. Se le ha diagnosticado que es esquizofrénico —diagnóstico que no sé muy bien de dónde sale— y, como él se niega a ser tratado o a aceptar que sufre una enfermedad mental, a quienes le rodean les parece lo más adecuado hacerle caso. No sé en qué escuela psiquiátrica existe la noción de que sea el paciente quien decida si es o no tratado para curarse o mitigar sus síntomas. El evitar intervenir no es una decisión altruista, sino cómoda, pues siempre resulta más fácil no discutir que forzar a internarse o medicarse a alguien que lo necesita. A lo que voy aquí no es a esto, lógicamente, sino a cómo ello afecta a la trama de la película: la cuestión está en que la no intervención provoca una no evolución en el personaje del Sr. Ayers. (FIN DEL SPOILER)

Pero claro, esto está planteado de esta forma porque lo que interesa en el libro y en la película es cómo los sucesos afectan a López, no al músico. La única evolución de personaje que desean mostrar es la del protagonista, cuando lo poderoso habría sido ver ambas en paralelo y presenciar cómo una influye en la otra. Sin embargo, esta correlación no queda nada clara en el desarrollo y es necesario comunicarla explícitamente en una voz en off del final. Si bien imaginamos que los hechos han provocado que la personalidad del periodista se suavizase, lo que no llegamos a percibir es qué tuercas en concreto ha aflojado y qué resortes ha puesto en marcha. Todo queda en lo que suponemos, más que en lo que percibimos.

En un film de duración excesiva para su contenido, se hacen superfluos los flashbacks al estilo de ‘Caso abierto’. Si nada se va a descubrir en ellos, mejor sería prescindir del recurso por completo y dejar toda la película en el momento presente, que tiene una fuerza dramática mayor. Los interludios musicales son asimismo fútiles y contribuyen a la falta de ritmo de la obra.

Los letreros finales se centran en el aspecto social de ‘El solista’, que hasta entonces se había tocado circunstancialmente. De esta forma, se hace aparentar que la película tenía una carga crítica de la cual en realidad carece. Podría parecer que la historia de Nathaniel es un vehículo para protestar sobre las condiciones de los pobres en EE. UU., pero eso no es cierto desde el momento en el que el músico optó por retirarse del mundo por su propia voluntad o bien por una enfermedad mental y no fue la pobreza, el racismo ni ningún otro tipo de injusticia lo que le llevó hasta la mendicidad.

En definitiva, diría que me parece una pena que un autor tan capaz como Wright se haya decantado por una historia tan poco atrayente y de la que tan poco partido se podía sacar. Afirmaría, sin haber leído la novela que, dentro de todo, probablemente haya llevado a cabo la mejor adaptación posible de ‘El solista’, ya que el escalafón siguiente lo ocuparía un telefilme para la sobremesa. Y es que hoy en día quien no publica un libro es porque no quiere.

Mi puntuación:

Primero hemos tenido ‘Qué les pasa a los hombres’, pronto caerá ‘Nueva York I Love You’ y ahora nos avisan de la llegada de ‘Valentine´s Day’ (¡en las tres sale Bradley Cooper!), que estará en los cines el año que viene, para verla justamente en ese día que estáis pensando. Recientemente ha aparecido en Internet el primer tráiler de esta nueva comedia romántica, que promete arrasar en las taquillas de medio mundo (el que aún puede permitirse pagar la entrada).

¿Sus armas? Un reparto impresionante, lleno de rostros populares. Tomad aire, y atención a la lista: Julia Roberts, Anne Hathaway, Jessica Alba, Jessica Biel, Bradley Cooper, Jennifer Garner, Jamie Foxx, Shirley MacLaine, Ashton Kutcher, Topher Grace, Emma Roberts, Patrick Dempsey, Carter Jenkins, Queen Latifah, Taylor Lautner y Eric Dane, entre otros. Uno pensaría que si hay tanta gente famosa metida en este proyecto es porque el guión es bueno, ¿cierto? Vale, puede ser, pero echad un vistazo al tráiler, y ya me contáis vuestra primera impresión.

Dirigida por el veterano Garry Marshall (a quien debemos ‘Pretty Woman’ o ‘Novia a la fuga’, ambas con Roberts como cabeza de cartel), ‘Valentine´s Day’ narra varias historias, protagonizadas por solteros, solteras y parejas, centradas en las presiones y las expectativas que despierta el día de San Valentín, en la ciudad de Los Angeles. La fecha del estreno está fijada para el 12 de febrero de 2010, en Estados Unidos.

PD: Jessica Alba sola el día de San Valentín. Sí, claro, y en Estados Unidos llueven albóndigas. Oh, bueno…

Vía | TheMovieBox