Me ha sorprendido, incluso agradado, que en esta magna sección se haya votado una cinta de cine clásico, aunque realmente habría que encuadrarla en la etapa en la que el cine empezaba a cambiar considerablemente debido entre otras cosas a la poderosa competencia de la televisión. De hecho si pensamos en muchas sitcoms posteriores —una de ellas, relativamente reciente, cuyos personajes eran seis amigos, tontos de remate, que compartían piso y experiencias, sobrevalorada donde las haya— la influencia de una película como ‘Descalzos por el parque’ (‘Barefoot in the Park’, Gene Saks, 1967) es innegable. Se trata de una de las películas más emitidas por la pequeña pantalla a lo largo de los años, y supuso el primer guión cinematográfico del prestigioso Neil Simon, quien a partir de entonces convertiría en oro casi todo lo que tocase.

Basada en la obra teatral de idéntico título, esta ya había sido protagonizada por Robert Redford en Broadway, quien tuvo una oportunidad de oro en su traslado al cine. El actor venía de coprotagonizar un par de películas con Natalie Wood, a quien se le ofreció en principio el papel femenino, y sobre todo por participar en el gran éxito ‘La jauría humana’ (‘The Chase’, Arthur Penn, 1966), estupendo film en el que también se notan los orígenes televisivos de su realizador. Redford se consolidaba con este film como uno de los actores del momento, cuya trayectoria posterior conocemos todos —ejem—, uno de esos actores que demostraron con el paso del tiempo que la naturalidad podía ser la mejor herramienta para un actor que en pantalla transmite la extraña sensación de que el noble oficio de la interpretación es algo muy fácil. Sin embargo, ‘Descalzos por el parque’ destaca sobre todo por la labor de sus secundarios.

La historia del film nos narra los inicios del matrimonio entre Paul, un joven abogado algo conservador y Corie, una mujer guapa y loca como la vida misma. Tras pasar una muy íntima luna de miel en un hotel, en la que ya quedan claras las diferencias de caracteres entre ambos, se disponen a compartir piso en pleno New York. Allí, en muy pocos días tendrán tiempo para darse de narices con lo que supone estar casado, algo que no sólo deducirán de sus propias experiencias en la convivencia diaria, sino de la relación con uno de sus estrafalarios vecinos, y con la madre de Corie, Ethel. Digamos que ‘Descalzos por el parque’ ofrece tres cosas, la relación entre el matrimonio protagonista, su interacción con vecino y madre/suegra, y la relación de los dos últimos, momentos en los que el film sube muchos enteros. El resto, dejando a un lado el excelente trabajo de Simon, no está a la altura de lo que yo recordaba de este film, cuya revisión le ha hecho bajar unos pocos puntos. Así son los ejercicios de revisión, a veces agradan, otras decepcionan, otras no varían, pero siempre necesarios.

La película posee un ritmo endiablado gracias sobre todo a la velocidad de los espléndidos diálogos, obra y gracia de Neil Simon, sin duda el verdadero artífice. No hay más que comparar los diálogos de esta película con los actuales, y veremos hacia dónde ha caminado el siempre difícil mundo de la comedia, al menos en lo que a guiones se refiere. Aún así hay partes de la trama que se han quedado algo viejas, por mucho que el tema sea el atemporal sentimiento amoroso. Encuentro más de una situación forzada entre el joven matrimonio, sobre todo en su parte final, cuando a ella le entra la neurosis de querer divorciarse. Los motivos son una estupidez sin fundamento, y aunque las intenciones de Simon sean precisamente reflejar las tonterías por las que a veces discuten las parejas, sobre todo cuando se enfrentan al matrimonio, en el film parece metido a calzador. La comedia ahí no funciona del todo.

Robert Redford y Jane Fonda, que por aquel entonces era un sex-symbol y muy merecidamente, se compenetran bastante bien, aunque debo reconocer que ella logra sacarme de quicio alguna que otra vez, y es que no puedo con ese tipo de personajes; mujeres supuestamente libres, locas y originales, que en el fondo esconden un conservadurismo de lo más atroz, fingiendo en todo momento su forma de ser, por no hablar de las contradicciones en las que suelen caer. Por la contra los trabajos de Charles Boyer y Mildred Natwick —justamente nominada al Oscar— están simple y llanamente sensacionales, dos actores en estado de gracia que roban todos y cada uno de los planos en los que aparecen, él como el vecino del ático, estrafalario, encantador y seductor empedernido, ella como madre de Corie, preocupada por su hija y sin amor en su vida. ¿Necesito decir que ambos personajes están hechos el uno para el otro y encajan a la perfección funcionando con la precisión de un reloj suizo?

Es ahí donde ‘Descalzos por el parque’ me cautiva, en el dibujo, a través de la comedia loca y desenfadada, de esos dos personajes en su otoñal vida, como metáfora al famoso dicho de que el amor no tiene edad —sé de alguna que de sólo oír esta frase empieza a temblar de miedo—; y es una verdadera pena que en su segunda mitad dichos personajes desaparezcan de la función para pasar a ser meros espectadores de una reconciliación tan previsible como falsa. Y es que la verdad en esta comedia se palpa en los roles de Boyer y Natwick, que a través de la experiencia convierten en nuevo algo tan viejo como el propio ser humano. Gene Saks, que aquí pecaría de una puesta en escena algo anquilosada, volvería otra vez de la mano de Neil Simon, a tratar las relaciones en su siguiente film, la desternillante ‘La extraña pareja’ (‘The Odd Couple’, 1968), aunque esta vez se trataría de una muy especial, pero eso es otra historia.

Jean Seberg

Conseguir el papel para la Juana de Arco de Otto Preminger (‘Saint Joan’, 1957) a los dieciocho años frente a 18.000 candidatas, ya la destinaba a la leyenda. En su breve pero fascinante carrera aún pudo ser la protagonista del magistral ‘Lilith’ (1964) de Robert Rossen, y antes la maravillosa Patricia Franchini de ‘Al final de la escapada’ (‘À bout de souffle’, Jean-Luc Godard). Su posterior carrera fue muy poco afortunada, y poco se puede rescatar, salvo ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’ (‘Paint your Wagon’, 1969). Su vida personal fue tortuosa, oscura y melancólica. Simpatizante de los Panteras Negras, fue acosada por el FBI. Según parece, se suicidó a los 40 años. Nunca envejeció esta enigmática y bella actriz.

Sharon Tate

Esta preciosa tejana de trágico y sangriento final, fue modelo antes que actriz, y no pudo demostrar su gran talento apenas, porque la secta de Charles Manson la asesinó, junto a sus amigos, una aciaga noche del 9 de agosto de 1969, a los 26 años, embarazada de ocho meses y medio de un hijo con Polanski. En ‘El baile de los vampiros’ (‘The Fearless Vampire Killers’, 1967) está sublime, sin contar con su belleza. Lástima que no pudiera trabajar más allá de sus 26 años. Quién sabe hasta dónde habría podido llegar. Por supuesto, habría protagonizado la venidera ‘Tess’ (id, Polanski, 1979).

Gloria Grahame

Siempre he sentido una profunda y salvaje fascinación por Gloria Grahame, como quizá algunos sabrán. Más secundaria que principal, su rostro es uno de los más atractivos e inclasificables de los años cuarenta y cincuenta. Aunque ganó el Oscar gracias a Minnelli por ‘Cautivos del mal’ (‘The Bad and the Beautiful’, 1952), el papel en el que me enamoré de ella y que es de lejos mi preferido, es el breve pero inolvidable que tiene en la inigualable ‘¡Qué bello es vivir!’ (‘It’s a Wonderful Life’, Capra, 1946), en la que interpretaba a la problemática, atractiva, patética Violet.

Jennifer Connelly

Connelly podría ser, perfectamente, la actriz más bella y la que más han desperdiciado de su generación. Dentro de poco cumplirá los cuarenta, pero ya a los catorce participaba, con un rol inolvidable, en ‘Érase una vez en América’ (Leone, 1984), para después convertirse en mito sexual de los noventa, y para a continuación demostrar lo gran actriz que es en varias películas. Con esos ojos, y ese estilazo, se merecía mucho más que la carrera que ha tenido. Pero claro, ser actriz en Hollywood no es necesariamente un lecho de rosas.

Claudia Cardinale

Aún nacida en Túnez, sus padres eran sicilianos, y sus genes quedaron así establecidos para siempre. Basta con echar una mirada a su voluptuosa figura o a sus ojos negros. Italiana de pura cepa, y con todas las consecuencias. Actualmente con setenta y dos años de edad, fue una de las actrices europeas más deseadas y famosas del mundo durante los sesenta y setenta. Debía estar en esta listas de manera impepinable, por su arrolladora imagen y porque sus papeles en ‘Hasta que llegó su hora’ (‘Once Upon a Time in the West’, Leone, 1968) o ‘El gatopardo’ (Visconti, 1963) eran díficiles de olvidar.

Grace Kelly

Grace Kelly, luego Grace princesa de Mónaco, fue el segundo amor frustrado de Hitchcock (frustrados porque ni Bergman, ni Kelly ni Hedren le hicieron ni caso…). Su carrera fue muy breve, pero su leyenda es inmensa. Quizá haya sido el rostro más perfecto del cine. Eso sí, niña pija entre las niñas pijas, nacida en Filadelfia (¿dónde si no?) y luego mujer del príncipe Rainiero de Mónaco. Tenía cincuenta y dos años cuando su coche se precipitó por un terraplén, causando su muerte. Su mejor película, sin duda, ‘La ventana indiscreta’ (‘Rear Window’, Hitchcock, 1954).

Marilyn Monroe

Excelente actriz de comedia loca, algo más limitada para el melodrama, la Monroe es el icono sexual por excelencia de la historia del cine. Y otra que murió joven y en circunstancias sospechosas. Posiblemente, con los cánones de belleza actuales, hoy día no causaría el furor de entonces, aunque nunca se sabe. Sus problemas de autoestima y con la bebida propiciaron una muerte anunciada que, según algunos, fue orquestada por los hermanos Kennedy, los cuales se la repartieron como quisieron y después la tiraron a la basura. También me inclino a pensar que el incompetente de su terapeuta (vean algún documental al respecto, son muy esclarecedores) tuvo mucho que ver.

Jane Fonda

Otro mito erótico, aunque por una vez sin final trágico. El problema, claro, es que a sus setenta y dos años se ve relegada a comedias basura y anuncios. Siempre presumió de preciosas piernas, y no era para menos. Aunque también poseía una mirada desarmante, fuerte y frágil a un tiempo. Mi Fonda preferida, la más fuerte y atractiva, es la de ‘La jauría humana’ (‘The Chase’, 1966), cuando ya era toda una estrella. Sin embargo, sus Oscar fueron por ‘Klute’ (id, Pakula, 1971), en la que salía muy guapa y muy misteriosa, además de bordar el papel, y por ‘El regreso’ (‘Coming Home’, Ashby, 1978). Mujer de ideas muy izquierdistas, es una leyenda por derecho propio. También en el aerobic.

Halle Berry

No podía faltar esta extraordinaria mujer, me parece a mí. Con el pelo largo o corto, con vestido o con vaqueros, siempre es una presencia arrolladora. Auténtico animal cinematográfico, que supo esperar pacientemente hasta poder demostrar todo su talento. No es sorpresa que su carrera esté dando mucho menos de lo que es capaz, siendo una mujer tan sensual y de piel oscura en Hollywood. No deben existir muchos personajes a su altura.

Julie Christie

Nunca estuvo tan guapa como en ‘Doctor Zhivago’ (Lean, 1965), en la que daba vida a la inolvidable Lara Antipova. Con este personaje pasaba de la adolescencia a la madurez de manera admirable. Pero no sólo es una presencia hipnótica, también es una magnífica actriz, quizá algo infravalorada, como ha demostrado en cincuenta años de carrera. Es una de las miradas más poderosas que han existido en Hollywood. Aunque claro, con esos ojos…

Zhang Ziyi

Para terminar, un rostro que era obligatorio. Lleva unos años con menos presencia internacional, pero Zhang Ziyi siempre será Zhang Ziyi, sobre todo la de ‘La casa de las dagas voladoras’ (‘Shi mian mai fu’, Yimou, 2004), pero también en ‘Héroe’ (‘Ying xiong’, Yimou, 2002), ‘Tigre y dragón’ (‘Wo hu cang long’, Lee, 2000) y por supuesto en ‘2046’ (Kar-Wai, 2004). Una belleza casi frágil, etérea, que se combina con la increíble fuerza de unos ojos y una sonrisa hipnóticos. Además, es una excelente actriz. Dios estaba sembrado.

¿Cuáles son las vuestras?

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• Las más guapas (por Alberto Abuín)

Desde mediados de los sesenta, que fueron los años en los que el llamado “Cine Clásico” tocaba a su fin, la representación de la violencia se fue haciendo cada vez más gráfica en el cine norteamericano. En el pasado, autores como John Ford o Sam Fuller, habían sido sólo dos de los muchos directores de renombre que, incluyendo gran violencia psicológica en sus películas, nunca o casi nunca habían procedido a mostrarla de una manera gráfica y descarnada. De hecho, durante los años treinta, cuarenta y cincuenta, se había llegado a considerar como un ejemplo de maestría narrativa insinuar aspectos crudos de la realidad como la violencia y el sexo, en lugar de hacerlos explícitos.

Esto, este lugar común que algunos críticos epidérmicos consideran un marchamo de calidad, me parece una idiotez, falsa en sus fundamentos. Muchos directores de aquellos años hubieran optado por una violencia gráfica, y un sexo más explícito, si la censura se lo hubiera permitido. Por otra parte, me parece fundamental, si vamos a acercarnos a una de las muchas cloacas humanas de este mundo miserable, mostrar los efectos que la violencia y la crueldad del hombre pueden infligir en personales, animales y plantas. Ahora bien, que el cineasta sea capaz de observar esa violencia sin el gusto por el morbo fácil, y haciendo uso, pese a todo, de elegancia y contención…esa creo yo que es una virtud excepcional. ‘La jauría humana’ es una de las películas más perturbadoras del cine americano de los sesenta, y su director, Arthur Penn, es uno de esos realizadores que con una mirada limpia observan hechos repugnantes.

Esta película, a pesar de contar ya con treinta y cuatro años de existencia, de ser una película con abundantes diálogos, de contar entre sus intérpretes con profesionales curtidos en el teatro y en el Actor’s Studio, no me parece que haya envejecido prácticamente nada. Viéndola hoy, sus imágenes resultan igual de perturbadoras, de mareantes, de insoportables. En su momento, fue un sonoro fracaso y un escándalo. La América del buen rollismo de los sesenta no podía tragar este puñetazo en el estómago, que indagaba con ferocidad en la oscura América Profunda de mitad de siglo. Y su impactante violencia, que ahora no sorprende tanto, dejó a los críticos estupefactos y provocó que escribieran auténticas barbaridades sobre ella.

El director, Penn, había empezado de manera ejemplar, ganándose un merecido prestigio, con la formidable ‘El milagro de Anna Sullivan’. Ya llevaba un tiempo labrándose una gran reputación de dirección de actores y de cineasta sobresaliente en sus trabajos televisivos, y ahora se veía confirmado por su debut. Pero muchos le acusaron de plegarse a los caprichos del poderoso Sam Spiegel, y puede que tuvieran parte de razón, aunque Penn resultó ser un buen cineasta débil de carácter, y finalmente renegó de esta película de forma cobarde, aunque sólo un año después filmó la quizá más brutal aún ‘Bonnie & Clyde’. Pero claro, no es lo mismo contar las andanzas de dos encantadores sociópatas, que destaparles las vergüenzas a los ultraconservadores.

Un reparto perfecto, un relato devastador

Con la fenomenal música de John Barry, comienzan unos estupendos créditos que ya dan una idea de la desesperanza y la brutalidad que van a presidir, casi sin respiro, todo el relato. Y, a continuación, un brutal asesinato que va a condicionar, de manera total, los futuros acontecimientos. El guión es una joya, obra de Lillian Hellman, que adapta de manera brillante, conservando lo mejor de ella y ampliando de manera natural sus márgenes (y lo sé, porque la he leído), la obra teatral de Horton Foote. La guionista apresa con gran talento el complejo entramado de mezquinos caracteres que pueblan ese pueblo infecto, en el que la envidia, el racismo, el deseo no culminado, la ambición, la incomunicación, son moneda de cambio habitual y aceptada socialmente.

Bubber (en el doblaje español, por motivos que se me escapan, cambian el nombre a Bobby… alteración perpetrada, probablemente, por un director de doblaje sin el menor oído…), un pringado, un perdedor, un tipo de grandes dotes para la autrodestrucción, escapa de la cárcel por mera supervivencia. Lo que nunca podría imaginar es que su decisión, íntima, personal, e incontestablemente nacida en la libertad de su interior animico, iba a provocar tamañas consecuencias en su antigua comunidad. Interpretado, a mi parecer, con gran talento por un incipiente Robert Redford (que saltaría a la fama con este papel, pese a que fue masacrado por la crítica…) tenemos aquí la trágica imagen de un rebelde.

Pero si hay algo que destaque en esta aventura, es un reparto admirablemente cohesionado, formado por más de dos docenas de intérpretes, todos ellos poseedores de voz y rostros propios, definidores, que forman un todo indivisble, pues la menor caída de ritmo o presencia en cualquiera de ellos habría desequilibrado un filme tan de actores. Y el prodigio está ahí: todos ellos son un ejempo de perfección en su oficio. Son todos, por tanto, co-autores junto con Penn (porque él lo ha querido así) de esta tragedia.

El infierno de la sociedad

Un sólo hombre honesto (el sheriff Calder, interpretado con majestuosa prestancia por el inigualable Marlon Brando) tendrá que interponerse entre la fiera correosa que es la muchedumbre y el mártir solitario que es Bubber. Sólo dos personajes, la mujer de Bubber (nunca ví a Jane Fonda tan guapa y tan trágica…), y su amante Jake Rogers (un jovencísmio James Fox) obtienen una cierta redención. El resto son como hienas enloquecidas, de modo que la traducción del original ‘La caza’ a esa jauría a la que hace mención nuestro título, se antoja una de las pocas veces que un distribuidor ha dado en el clavo.

Penn irá trenzando los hilos de la tragedia con paciencia de entomólogo, observando con una mirada ligeramente irónica a estas criaturas a menudo patéticas, a veces brutales. Pareciera que sus personajes le importan, pero que no tiene intención de darles excesivas oportunidades. La violencia se va desplegando progresivamente, de manera gradual, sin prisas, con estallidos ocasionales que anuncian la tormenta del conmocionador clímax, en el que no hay la mínima concesión a la esperanza para el espectador. Todos sufren, todos pierden algo (seguramente, su imperfecta humanidad). Un infierno que ellos mismos se han construido a golpe de cincel, sobre las ruinas de su propia existencia.

Más que una buena o mala película, un relato inolvidable.

En un principio se habló que Kate Beckinsale podría ser Barbarella en la nueva versión de la película que tenía pensado realizar Robert Rodriguez. Sin embargo, en agosto se comentó que quien finalmente protagonizaría la película iba a ser Rose McGowan, aprovechando el tirón de ‘Grindhouse’ y su participación en la película de Robert Rodriguez. Hasta ahí todo parecía claro, pero lo que son las cosas, se empezó a escuchar el rumor de que los productores querían a alguien con más tirón y nombre en taquilla para hacer el personaje que interpretó Jane Fonda. Y ha sido así hasta que la propia Rose McGowan ha salido al paso reconociendo que tiene un contrato firmado, que se han realizado ya las pertinentes pruebas de vestuario, y que parte de las pruebas están hechas para ella. Además, según ha comentado Rose McGowan a la MTV, el hecho de que la película de momento esté parada no se debe a todo este problema que la involucra, sino a la huelga que ha habido y a la que se cierne con los actores como protagonistas. Eso sí, antes de junio no estará terminada.

A título personal, me da un poco igual como acabe el proyecto, no me gustó el original de Roger Vadim, que la rodó a mayor gloria de Jane Fonda, ni lo que pueda salir de la imaginación de un Robert Rodriguez que simplemente me aburre muchísimo en todo lo que realiza. Eso sí, si finalmente es Rose McGowan quien rueda el papel, el puntito morboso que le puede dar esta actriz a su Barbarella, puede animarme a que le eche un vistazo al trailer. ¿El resto? Sigo en mis trece, hacer un remake de una película mala, lleva seguramente eso, tener otra película mala (aunque haya excepciones).

Vía | MTV Movie Blog
En blogdecine | Robert Rodriguez dirigirá ‘Barbarella’

Hace tiempo que tenía ganas de publicar este post del que nos avisó Eva París (muchas gracias) de Diario del viajero y Papel en blanco, pero nunca encontraba el momento. Pero cuál podría ser mejor que un viernes por la tarde para degustar 10 magníficos streaptease de cine.

Divertidos, sexys, hablados, bailados, femeninos, integrales, míticos, masculinos … los hay para todos los gustos, por supuesto los comentarios también sirven para sugerir otros como favoritos.

La lista la realizó Sergei de Cinemaspop, según comentaba, aún a riesgo de quedar como el redactor más baboso o salido de su blog. Como creo que en Blogdecine este título (merecido o no) ya me pertenece, de perdidos al río, pasen y disfruten:

10. Suzanna Willis en El Club de los Monstruos (1980)

9. Rebecca Romijn en Femme Fatale (2002)

8. Robert Carlyle, Mark Addy y compañía en Full Monty (1997)

7. Demi Moore en Striptease (1996)

6. Natalie Portman en Closer (2004)

5. Paz Vega en Lucía y el Sexo (2001) Trailer del film

4. Sophia Loren en Ayer, Hoy y Mañana (1963)

3. Jane Fonda en Barbarella (1968)

2- Jamie Lee Curtis en Mentiras Arriesgadas (1994)

1. Kim Basinger en Nueve Semanas y Media (1986)

Se ha planteado la posiblidad de que Peter Webber pueda dirigir el evento, y su productor, de nuevo el incombustible Dino De Laurentiis, ha declarado que esta nueva versión será como una especie de James Bond femenina, pero en el espacio. Por eso, no es de extrañar que la escritura de su guión haya sido encargada a Neal Purvis y Robert Wade, dos de los escritores de algunas de las últimas películas sobre 007. Todo está en el aire, asi que ya veremos cómo termina esto.

Vía | JoBlo