‘The Artist’

Dirección y guion: Michel Hazanavicius. País: Francia. Año: 2011. Duración: 98 min. Género: Drama, comedia, romance. Interpretación: Jean Dujardin (George Valentin), Bérénice Bejo (Peppy Miller), John Goodman (Al Zimmer), James Cromwell (Clifton), Penelope Ann Miller (Doris), Missi Pyle (Constance), Malcolm McDowell, Ed Lauter. Producción: Thomas Langmann y Emmanuel Montamat. Música: Ludovic Bource. Fotografía en blanco y negro: Guillaume Schiffman. Montaje: Anne-Sophie Bion y Michel Hazanavicius. Diseño de producción: Laurence Bennett. Vestuario: Mark Bridges. Distribuidora: Alta Classics. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Hollywood, 1927. George Valentin es un célebre actor del cine mudo al que todo le sonríe, pero la llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y le lleva a caer en el olvido, mientras la joven extra Peppy Miller empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas.

Críticas en Blogdecine:

‘The Artist’, un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood

‘The Artist’, una celebración del pasado y del presente

‘Misión: Imposible – Protocolo Fantasma’

Título original: Mission: Impossible – Ghost Protocol. Dirección: Brad Bird. País: USA. Año: 2011. Duración: 133 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Tom Cruise (Ethan Hunt), Jeremy Renner (William Brandt), Paula Patton (Jane Carter), Simon Pegg (Benji Dunn), Josh Holloway (Trevor Hanaway), Michael Nyqvist (Kurt Hendricks), Léa Seydoux (Sabine Moreau), Vladimir Mashkov (Anatoly Sidirov), Anil Kapoor (Brji Nath), Tom Wilkinson (Secretario del FMI). Guion: Josh Appelbaum y André Nemec; basado en la serie de televisión creada por Bruce Geller. Producción: J.J. Abrams, Bryan Burk y Tom Cruise. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Robert Elswit. Montaje: Paul Hirsch. Diseño de producción: James D. Bissell. Vestuario: Michael Kaplan. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: En ‘Misión imposible 4’, el agente Ethan Hunt, acusado de un atentado terrorista con bombas contra el Kremlin, es desautorizado junto con el resto de la organización al iniciar el Presidente el ‘Protocolo Fantasma’. Abandonado a su suerte y sin recursos, Ethan tiene que encontrar el modo de rehabilitar el buen nombre de su agencia e impedir un nuevo ataque. Para complicar aún más las cosas, Ethan se ve obligado a embarcarse en esta misión con un equipo de compañeros del IMF fugitivos, cuyos motivos personales no conoce del todo.

¿Qué podemos esperar? Un espectáculo del director de ‘El gigante de hierro’, ‘Los increíbles’ y ‘Ratatouille’ (una de las dos mejores películas del estudio Pixar). Una oferta imprescindible para los fans de la saga y los que necesitan una ración acción sin freno con la que olvidar los sinsabores del día a día.

Crítica en Blogdecine:

‘Misión Imposible – Protocolo Fantasma’, la mejor de la saga

‘El futuro’

Título original: The future. Dirección y guion: Miranda July. Países: USA y Alemania. Año: 2011. Duración: 91 min. Género: Comedia, romance. Interpretación: Hamish Linklater (Jason), Miranda July (Sophie), David Warshofsky (Marshall), Isabella Acres (Gabriella), Joe Putterlik (Joe), Angela Trimbur. Producción: Gina Kwon, Gerhard Meixner y Roman Paul. Música: Jon Brion. Fotografía: Nikolai Von Graevenitz. Montaje: Andrew Bird. Diseño de producción: Elliott Hostetter. Vestuario: Christie Wittenborn. Distribuidora: Golem.

Sinopsis: Sophie y Jason son extraños de la misma forma que cualquier pareja es extraña cuando está sola. Viven en un pequeño piso en Los Ángeles, odian sus trabajos y dentro de un mes adoptarán a un gato callejero llamado Paw Paw. Como si se tratara de un recién nacido, necesitará que le cuiden las 24 horas del día: puede que muera dentro de cinco meses o que viva seis años. A pesar de sus buenas intenciones, la idea de perder la libertad les aterra a ambos y por eso deciden dejar el trabajo y abandonar Internet para lanzarse tras sus sueños. Sophie quiere crear un baile y Jason quiere dejarse guiar por el destino. Pero a medida que pasan los días, Sophie se siente paralizada y humillada. En un momento de desesperación, llama a Marshall, un hombre de carácter firme de 50 años al que apenas conoce y que vive en el Valle. En este mundo aburguesado, no tiene que ser ella misma. Mientras siga allí, nunca volverá a verse obligada a intentarlo (y a fracasar). Sophie y Jason viven en dos realidades diferentes, vacías y aterradoras. Ahora deberán reencontrar el tiempo, el espacio y sus almas si quieren volver a casa.

Críticas en Blogdecine:

‘El futuro’, treintañeros en crisis

‘El futuro’, amarga comedia sobre el paso del tiempo

‘Perros de paja (Straw Dogs)’

Título original: Straw dogs. Dirección: Rod Lurie. País: USA. Año: 2011. Duración: 110 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: James Marsden (David Sumner), Kate Bosworth (Amy Sumner), Alexander Skarsgård (Charlie), Dominic Purcell (Jeremy), Willa Holland (Janice), James Woods (Tom Heddon), Rhys Coiro (Norman), Billy Lush (Chris), Laz Alonso (John Burke). Guion: Rod Lurie; basado en el guion de David Zelag Goodman y Sam Peckinpah; a partir de la novela ‘The siege of Trencher’s farm’ de Gordon Williams. Producción: Marc Frydman. Música: Larry Groupé. Fotografía: Alik Sakharov. Montaje: Sarah Boyd. Diseño de producción: Tony Fanning. Vestuario: Lynn Falconer. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: En el remake del clásico de 1971 dirigido por Sam Peckinpah, conoceremos al guionista de Hollywood David Sumner y a su mujer actriz Amy en el momento en que ambos se mudan juntos al pueblo natal de ésta en el sureste de Estados Unidos, después de la muerte del padre de Amy. Su plan es reparar y vender la casa de la familia mientras que David aprovecha la tranquilidad del lugar para terminar el guion en el que está trabajando. Pero no todo es tan bucólico como parece en Blackwater (Mississippi) y la llegada de los Sumner despierta antiguos resentimientos. Además, la pareja pasa por una crisis y la tensión va haciendo mella en su matrimonio, al tiempo que surgen viejos conflictos con algunos habitantes, sobre todo con el ex novio de Amy, Charlie, quien junto con sus amigos del pueblo acaba cruzando los límites de la tolerancia de David y del matrimonio Sumner. Todo desencadenará en una serie de acontecimientos que les llevará a una confrontación tremendamente violenta, intensificándose hasta llegar a un clímax catastrófico y terrible que destrozará la vida de todos los involucrados.

¿Qué podemos esperar? Una actualización descafeinada del inolvidable film de Peckinpah. Quizá resulte entretenida, pero hay películas mucho más interesantes en cartelera.

‘Hollywood Talkies’

Dirección y guion: Oscar Pérez & Mia de Ribot. País: España. Año: 2011. Duración: 61 min. Género: Documental. Producción: Oscar Pérez y Lluís Miñarro. Fotografía: Mia de Ribot. Montaje: Oscar Pérez & Mia de Ribot. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Narra la historia de un grupo de jóvenes actores españoles que a principios de los años 30 partieron hacia Estados Unidos para convertirse en estrellas. Eran los inicios del cine sonoro y los estudios de Hollywood empezaban a producir versiones en español de sus propias películas… Este largometraje encarna el drama del hombre moderno: un hombre que ha perdido su unicidad y camina solo a ninguna parte. Los jóvenes actores son invocados a través del espacio y del relato anónimo de sus vivencias más personales. En la naturaleza viva del paisaje, encontramos todavía el rastro y su ausencia. Un viaje a través de lugares comunes donde la última aura se refugia antes de desvanecerse. Una película que se adentra en la Historia a través de sus fantasmas.

¿Qué podemos esperar? La respuesta documental española al estreno de la aclamada ‘The Artist’. Supongo que se podrá ver en Madrid y Barcelona, ya nos contaréis, valientes.

‘Maktub’

Dirección y guion: Paco Arango. País: España. Año: 2011. Duración: 115 min. Género: Tragicomedia. Interpretación: Diego Peretti (Manolo), Aitana Sánchez-Gijón (Beatriz), Goya Toledo (Mari Luz), Andoni Hernández San José (Antonio), Rosa María Sardà (Guadalupe), Amparo Baró (Merche), Mariví Bilbao (Puri), Enrique Villén (Raimundo), Jorge Garcia (Carlos). Producción: Antonio Aporta, Paco Arango y María José Martínez. Música: Nathan Wang. Fotografía: Carlos Suárez. Montaje: Teresa Font. Dirección artística: Llorenç Miquel. Vestuario: Cristina Rodríguez. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: En ‘Maktub’ conoceremos a Manolo, un hombre que se encuentra en plena crisis: la rutina de su trabajo le resulta asfixiante, su matrimonio con Beatriz está al borde del caos, y con esta situación sus hijos son lo último en lo que pensar. Pero se cruza por azar con Antonio, un chico canario de 15 años que padece cáncer pero que tiene unas ganas de vivir y ser feliz muy contagiosas. Ese encuentro hará que la vida de Manolo cambie por completo. La madre de Antonio, un divertido repartidor de comida mexicana, la madre de Manolo y su singular compañera, el vecino, una extravagante enfermera y la hermana de uno de los pacientes del hospital cambiarán el destino de Manolo de una forma que nunca imaginó.

¿Qué podemos esperar? Un cuentecillo navideño sobre lo maravillosa que es la vida, pese a todo. Es un buen mensaje, sobre todo si no vives en un país pobre y tienes un empleo con buen sueldo. Llama la atención el reparto pero no pinta muy bien, parece una película cursi y simplona, llena de tópicos. Espero equivocarme.

‘El musical (Valami Amerika)’

Título original: Valami Amerika 2. Dirección: Gábor Herendi. País: Hungría. Año: 2008. Duración: 110 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Tibor Szervét (Alex), Csaba Pindroch (Tamás), Gyözö Szabó (Ákos), Ferenc Hujber (András), Eszter Ónodi (Eszter). Guion: Réka Divinyi, Gábor Harmat y Gábor Herendi. Producción: Gábor Herendi. Música: Robert Hrutka. Fotografía: Balázs Márton. Montaje: István Király y Tamás Kollányi. Diseño de producción: Viktória Horváth y Zsolt Nánássy. Vestuario: Andrea Flesh. Distribuidora: Paycom Multimedia.

Sinopsis: Se centra en las peripecias de tres hermanos (Ákos, András y Tamás) en su afán de triunfar en Hollywood. Para llevar a cabo su sueño decidieron recaudar 220.000 dólares para que Tamás, director de cine frustrado, pudiera contratar a Alex Brubeck, un reconocido productor estadounidense dispuesto a reactivar su desafortunada carrera como director. Pero, lamentablemente, Brubeck resultó ser todo lo contrario a su ángel salvador, ya que les robó todo el dinero y desapareció del mapa dejándoles totalmente arruinados. Los tres hermanos deciden, ahora, viajar a Manhattan, junto con la novia de Ákos, para tratar de encontrar al desaparecido productor. Durante su aventura, acabarán inmersos en la dirección de un musical, cuyo principal inversor es un peligroso jefe de la mafia, que impondrá como condición que su hija tenga un papel en dicho musical.

¿Qué podemos esperar? Poco o nada, de lo contrario no habrían tardado tres años en estrenarla aquí. Además por lo que veo es una secuela, vendida como si no lo fuese. Muy mal.

‘Bellos suicidios’

Dirección y guion: Rafael Gordon. País: España. Año: 2011. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: María José Sarrate, Teresa Soria Ruano, Arantxa Martínez, Violeta Brazhnikova, María Rosenfeldt, José Luis Senderrubias, Bárbara Allende. Producción ejecutivo: Sergio de Leaniz. Música: David Iturregui. Fotografía: Juan Masides. Dirección artística: Elsa Mayo. Distribuidora: Pirámide Films. Estreno en España: 16 Diciembre 2011. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: En un centro de rehabilitación para personas que han intentado suicidarse y están en riesgo de volver a intentarlo, tres hermosas jóvenes (Ana, Silvia y Virginia) asisten a sesiones de terapia. En el transcurso de dichas reuniones, el espectador va conociendo la vacuidad y ausencia de rumbo de sus vidas, lo que les ha llevado a desear la muerte.

¿Qué podemos esperar? La peor película de la década. Quizá. Ojo al tráiler:

‘Lo más importante de la vida es no haber muerto’

Título internacional: The most important thing in life is not being dead. Dirección: Olivier Pictet, Marc Recuenco y Pablo Martín Torrado. Países: Suiza y España . Año: 2010. Duración: 90 min. Género: Tragicomedia. Interpretación: Emilio Gutiérrez Caba, Francisco Nortes, Mercè Montalà, Marián Aguilera, Carles Arquimbau, Albert Ausellé, Xavier Tor, Jordi Domènech. Producción: Saskia Vischer. Música: Julien Painot y Ladislav Agabekov. Fotografía: Pietro Zuercher. Montaje: Jordi J. Recort. Diseño de producción: Marc Recuenco. Vestuario: Montse Garre Escayol. Distribuidora: Versus Films. Calificación por edades: No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: Jacobo es un distinguido reparador de pianos que lleva cuarenta años felizmente casado. Tan cómoda ha sido su vida que para reparar pianos sólo tuvo que soñar con ellos y a la mañana siguiente aparecían arreglados. Su holgada existencia sin embargo se ve alterada al no poder dormir, y los pianos por reparar se amontonan. Su estado mental empeora cuando un tipo barbudo y con bata tan pronto se le aparece como vuelve a desaparecer. Su mujer, Helena, no sólo niega la existencia del barbudo, sino que insiste en que debe de estar alucinando. Jacobo descubrirá que tras aquella vida placentera ha habido otra realidad oculta, y que ahora, en su vejez, se ha hecho visible. ‘Lo más importante de la vida es no haber muerto’ es una historia humanista de traición y perdón, enmarcada en un contexto histórico que abarca desde la posguerra española hasta los años ochenta. Esta tragicomedia con tintes grotescos se plantea cuestionar nuestra percepción de la realidad y, como consecuencia, mostrar la vulnerabilidad de nuestra condición humana.

¿Qué podemos esperar? Puede ser interesante, si los realizadores han logrado plasmar con imaginación, humor y exigencia todo lo que cuentan en la sinopsis. El plato ideal para los que huyen del cine comercial. Por cierto, ¿soy el único que no soporta que las distribuidoras pretendan decirnos qué tenemos que pensar y decir sobre sus películas?

‘Alvin y las ardillas 3’

Título original: Alvin and the Chipmunks: Chip-wrecked. Dirección: Mike Mitchell. País: USA. Año: 2011. Duración: 87 min. Género: Animación, comedia, familiar, musical. Interpretación: Jason Lee (Dave), Matthew Gray Gubler (voz de Simon), Jesse McCartney (voz de Theodore), Amy Poehler (voz de Eleanor), Justin Long (voz de Alvin), Christina Applegate (voz de Brittany), Anna Faris (voz de Jeanette), Alan Tudyk (voz de Simone), David Cross (Ian). Guion: Jonathan Aibel y Glenn Berger; basado en los personajes creados por Ross Bagdasarian y Janice Karman. Producción: Neil A. Machlis. Música: Mark Mothersbaugh. Fotografía: Thomas Ackerman. Diseño de producción: Richard Holland. Vestuario: Alexandra Welker. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Calificación por edades: Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Regresan las ardillas más divertidas y gamberras: Alvin, Theodore y Simon. Esta vez en 3D y a bordo de un crucero de lujo… hasta que terminan perdidas en una remota isla. Mientras buscan cómo volver a casa, descubren que la isla no está tan desierta como parecía.

¿Qué podemos esperar? Lo mismo que las dos entregas anteriores pero en 3D. Perfecta si quieres castigar a tus críos.

Al ver ‘The Air I Breathe’, una película aún no estrenada en España, reflexioné irremediablemente sobre el auge en el cine de las historias corales, algo provocado sin duda por el éxito de crítica y público de ‘Crash’, esa sobrevalorada película de Paul Haggis. Si bien ‘The Air I Breathe’ me decepcionó profundamente por su artificialidad, se me recomendó ‘Mumford’, del director Lawrence Kasdan, como una oportunidad para ver una historia coral más disfrutable y de mejor calidad argumental.

El doctor Mickey Mumford (Loren Dean) es el psicólogo más apreciado de la pequeña ciudad de Mumford (precisamente). Al haber llegado hace poco, sólo tiene como amiga a su vecina Lilly (Alfre Woodward). A lo largo de la película se muestra cómo Mumford tiene unos métodos poco convencionales para atender a sus pacientes. Se muestra especialmente preocupado por Skip (Jason Lee), un joven multimillonario por haber inventado un nuevo de módem que se siente profundamente solo; Sofie (Hope Davis), una recién separada afligida que se aqueja de fatiga crónica; Althea (Mary McDonnell), que compra cosas de forma compulsiva para quedarse con sus cajas, mientras sobrevive como puede en su vida familiar; Henry A. Follett (Pruitt Taylor Vince), un hombre reprimido que sin embargo se apoya en elaboradas fantasías sexuales…

Lawrence Kasdan muestra con una fluidez asombrosa los perfiles de una amplia gama de personajes encarnados por actores que hacen un buen trabajo casi al mismo nivel. Por supuesto destaca Loren Dean como un psicólogo que escucha secretos de todo el mundo y que sin embargo alberga el mayor secreto de todos. Podría considerarse una comedia dramática, en la que se respira humor y melancolía casi a partes iguales. Para Mumford no es fácil arreglar algunos problemas mediante la palabra, aunque ejemplifica una forma de tomarse la vida mediante su serenidad y franqueza. La primera mitad se corta repentinamente cuando Mumford revela su secreto a su nuevo amigo Skip, y esto supone un punto de inflexión demasiado brusco, no sólo por todo lo que conlleva que el espectador sepa esta información, sino porque el tono habitual de la historia es interrumpido de un golpe. No obstante, la atención y el interés se mantienen al incluir un aura de intriga sobre el paradero de los personajes, que se van curando poco a poco de una manera simpática y agradable.

A pesar de que los detalles de estos detalles escabrosos sobre el verdadero origen de Mumford pueden adivinarse tras inteligentes insinuaciones, es cierto que le otorga un estatus de personaje memorable cuando uno se identifica con su auténtico propósito. El reparto es tan fabuloso que todo defecto del film podría ver eclipsado por la entrega de todos sus actores. Los diálogos, minuciosamente proporcionados, escuetos o extensos según la escena, son de una maestría innegable. Y por supuesto, la música de James Newton Howard es para levantarse espontáneamente y aplaudir. La influencia de Howard en cuanto a estilo se nota en otros compositores como Thomas Newman o incluso Vangelis (nótese que cuando Nessa mira las revistas, la canción es clavada a cuando Bagoas baila en ‘Alejandro’).

Por tanto, un guión perfecto donde todo encaja y pensado para que la película no se haga larga en ningún momento a pesar de su lento ritmo, realizado por el propio Kasdan. Tengo que destacar a Jason Lee, que muestra ampliamente sus dotes de skater, y que ahora es conocidísimo por su protagonismo en la serie ‘Me llamo Earl’. Lee define un personaje inseguro y empático. Asimismo, Hope Davis, que ha destacado luego por varias interpretaciones de producciones independientes, aquí ya apuntaba maneras con un registro de gestos y forma de hablar portentosa. Y como personaje secundario, casi cameo, hay que hablar de Ted Danson, como el marido arrogante de Althea, que incomoda sobradamente con su presencia.

Las elipsis entre una escena y otra, tan habituales y frecuentemente arriesgadas, surten su efecto para mantener esa tensión que Mumford comparte con el espectador, SPOILER ya que su secreto, el hecho de que Mumford no es realmente un psicólogo, sino un ex-drogadicto estafador, hace que nos identifiquemos con su personaje y podamos complacernos con su sabiduría innata a la hora de conectar con la gente. Cuando el doctor Delbanco, psiquiatra de la ciudad, acude a él, podemos ver el triunfo de la escucha sencilla antes que los medicamentos, los términos puramente psicológicos, y el arte de la palabra como arma curativa para el reconocimiento de las miserias propias y ajenas con claridad meridiana. Además, es un acierto el falso happy ending propuesto, ya que mientras todo el pueblo está curado, él acaba en la cárcel porque un programa de televisión revela a todo el pueblo (y a la justicia) su fraudulento oficio. FIN SPOILER.

Se le puede achacar a ‘Mumford’ el tener algunas escenas forzadas y/o demasiado pastelosas, como por ejemplo SPOILER que todos se curen a la vez y que Skip termine liándose con Lilly, por no hablar de que Sofie acabe enamorándose de Mumford tan “fácilmente” FIN SPOILER. Pero desde luego es una maravilla ver una película tan falta de maldades, tan pensada para que el espectador disfrute y se implique como un paciente más (o quien sabe, como un psicólogo más), sin acusar en ningún momento un tono comercial. A veces se disfraza de película de sobremesa, y eso es bueno, porque resalta aún más sus riquezas frente al convencionalismo manido de ese tipo de películas.

‘Mumford’ es, como dicen muchos, una pequeña joya, una película sencilla que sin hacer albricias de guión, se sustenta divinamente en un esplendoroso reparto, en un sólido protagonista, en sus magníficos diálogos, y como ya he dicho, la banda sonora de James Newton Howard es como para encargarla en Amazon en cuanto uno acaba de ver el film. Totalmente recomendable, y algunos detalles es muy probable que se queden clavados en la mente del espectador.

Jarf, Jarf, Jarf, he usurpado la identidad de mi dueño, y mientras se ve una de esas mierdas de películas clásicas me he venido a su ordenador (qué burros estos humanos, no saben que podemos manejar como nadie estos simples chismes) y me he apresurado a escribir la crítica, una de verdad, de ‘Superdog’ antes de que él la destroce con uno de sus tan comentados textos. Menos mal que mi dueño no es uno de esos críticos pedantes y llorones que se creen con el derecho de decirle al autor de una película cómo debe hacer su obra, a esos buscadores de la verdad (juarf juarf juarf) objetiva, ramplones defensores con aparatosa dialéctica, de utopías, les aplicaba yo con mis colmillos una de esas operaciones sin retorno en cierta parte anatómica, para que no envenenasen el mundo con su descendencia.

‘Superdog’ es lo que es, una película en la que hay un superperro, sí como ése ser al que que tanto adoráis, Superman, pero en su versión canina. Tras un fallo por parte de un perro policía que tiene serios problemas con su olfato (pobrecillo, verdaderamente lo pasamos mal cuando el olfato nos empieza a fallar), éste es secuestrado para realizar un experimento, en el que por cosas de la vida (la humana, por supuesto, que siempre andáis metiendo la pata), se produce un estropicio de narices en las que mi canino amigo termina con unos poderes que ya los quisiera yo para seducir a la perra del vecino del memo de mi dueño.

Porque el memo éste de Abuín opina que la película es mala de narices, se rió únicamente un par de veces y me estuvo dando la brasa durante toda la proyección. Por eso, creo de justicia el hablar por encima de esa mente débil y malpensante (aunque coño, que bien me alimenta) que renuncia del cine comercial más básico y patatero. Sí, es una película patatera, pero bajo esa apariencia de producto de rápido consumo, se esconde un oculto mensaje (el de la supremacía canina) para nosotros, la raza amiga del hombre, un verdadero filete fílmico de inigualable sabor, sólo para paladares exquisitos (absténgase humanos admiradores de Tarkosvski y Godard). Un plato realmente gozoso de mirar y contemplar gracias a alguien que nos ha tratado siempre con muy buena mano, Frederick Du Chau (suya es esa obra maestra sobre la unidad titulada ‘Héroe a Rayas’). Mi amo insiste una y otra vez en que su puesta en escena es de lo más simple, y que no contiene ni fuerza. Blarf, blarf, blarf.

Du Chau dirige con ritmo, que es lo que importa, así el espectador, el canino y el humano, entiende perfectamente que es lo que está pasando, y gozamos todos como enanos. Humor, aventuras y todo en unos escasos y bien condensados 80 minutos (mi amo dice que le sobra metraje, puarf, ¿qué va a decir el barman éste de las narices?) Pero lo mejor de todo es su estrella principal, ese extraordinario compañero, que con la ayuda de unos excelentes efectos visuales consigue hacer realidad los sueños de todo perro, volar, hablar, etc, pero sobre todo, lograr coger la maldita pelotita que todos los humanos tenéis la manía de lanzarnos debajo del sofá donde no podemos cogerla. Por lo menos coincido con mi amo en que lo mejor de la película es el perro.

A su lado, salen actores como vosotros, me refiero a que son humanos. Entre otros desfilan un cansado James Belushi, que hace de padre del joven protagonista que conoce el secreto del perro, al cual por cierto le pone voz Jason Lee, bastante divertido, la verdad. Peter Dinklage hace un villano digno, a pesar de que ése al que llamáis crítico, dice que está totalmente exagerado y fuera de lugar. Pero a ver, mequetrefe, ¿acaso no sabes que la película está basada en una serie de dibujos animados de los años 60, y que toda serie de dibujos animados de idénticas características tiende siempre hacia la exageración?

Un excelente film que… ostras, viene el paleto ése de ver una de sus basuras en blanco y negro (una de un robot que creo os comenta mañana), hala, a mover la colita y ladrar. Le quiero, pero no tiene ni idea de cine canino

Stuart

Alvin, Simon y Theodore , tres ardillas muy peculiares, deciden instalarse en la casa de Dave Seville. En seguida las ardillas se dan cuenta de la necesidad de convencer a Dave de que las deje vivir en su casa para demostrarle que no sólo pueden andar como una persona… ¡sino que pueden cantar! No tardarán en revelarse como la sensación musical del momento. Los problemas comienzan cuando las ardillas comienzan a darse cuenta de su éxito y se revelan contra Dave. Sin embargo, pronto descubrirán que haber formado una familia con Dave es el mayor éxito de todos.

La dirección es de Tim Hill y el guión, que se basa en la serie de TV, corre a cargo de Jon Vitti, Will McRobb y Chris Viscardi; con argumento de Jon Vitti.

Lee encarna a Dave, mientras Justin Long presta la voz original a Alvin, la ardilla.

Más adelante podéis ver tres carteles de la película.

Página oficial española, en la que puedes crear tu propia ardilla, y web estadounidense de ‘Alvin y las ardillas’ (‘Alvin and the Chipmunks’).

Mi perro está emocionadísimo desde que ha visto este trailer de ‘Underdog’, película basada en una serie de televisión de idéntico título, y que narra las aventuras de un superperro en su lucha contra el crimen y los canes malos, al mismo tiempo que impresiona a alguna perrita en celo. El film ha sido dirigido por Frederick Du Chau, quien ya tiene experiencia en filmar con animales que “hablan”. Por cierto Jason Lee es el que presta su voz al perro en cuestión y por lo oido en el trailer se ve que ha hecho un trabajo magnífico, porque su voz es de lo más graciosa.

Al igual que en el teaser, las referencias al ‘Supermán’ de Richard Donner son evidentes. La película se estrena el 3 de Agosto en los USA, y por aquí de momento no se se sabe. Ya oigo ladridos de desaprobación.

‘Underdog’ (trailer, Quicktime, Flash)

Vía | The Movie Box

Lee será el responsable de Alvin y sus ardillas: Simon y Theodore, en ‘Alvin And The Chipmunks’. Se trata de una película que mezclará la animación por ordenador con la imagen real, como tantas que se han hecho últimamente. Las productoras responsables son Fox 2000 y Fox Animation.

Jason Lee tendrá que exigirle muchos favores al Karma a cambio de tener que soportar las voces más agudas del planeta.

El director será Tim Hill, que fue guionista en ‘Garfield 2’ y en ‘Bob Esponja, la película’ (‘Spongebob Squarepants: The Movie’). Como director, hizo ‘Max Keeble’s Big Move’ y ‘Los teleñecos en el espacio’ (‘Muppets From Space’), de Sony.

El guión de ‘Alvin’ es de Jon Vitti y, como nos podíamos imaginar, está basado en la serie de dibujos animados de 1950 sobre las ardillas cantantes.

La producción comenzará el 28 de marzo y la película se estrenará el 14 de diciembre, junto con todas las novedades navideñas.

Otro proyecto de Jason Lee, que, por el momento, se encuentra en preproducción es ‘The Other Side’ (2007), ‘El otro lado’, pero no de la cama… ¿o sí? Estará dirigido por David Michaels y en él acompañarán a Lee Ryan Gosling y Brittany Murphy.

La trama de esta película de aventuras, fantasía, misterio y comedia, versa sobre el viejo dicho: “las cosas no son lo que parecen”. Ha sido descrita como un cuento de hadas moderno, como una comedia sobre el otro mundo que cuidadosamente yuxtapone lo humano y emotivo con personajes alucinantes y humor irreverente. Tiene lugar en un mundo que es extraño y retorcido. Sustituye las metáforas convencionales por elementos surrealistas. Según la persona que hace esta descripción, está en el estilo de ‘Beetelchús’, ‘Amelie’, ‘Un largo domingo de noviazgo’, ‘Moulin Rouge’, etc…

Mientras tanto, Lee ha puesto la voz a ‘Underdog’, un perro superhéroe, que llegará a las pantallas en agosto.

Fuente: Empire

Cuando me enteré de que existía una película sobre un superperro, no levanté ni una ceja ni mostré el más mínimo interés por el proyecto, y menos aún cuando su responsable es Frederick Du Chau, el mismo que firmó aquella lindeza protagonizada por una cebra, y unos cuantos animales más: ‘Héroe a Rayas’.

Sin embargo, este simpático teaser me ha parecido bastante gracioso, ya que aprovecha al máximo la idea, siendo un completo homenaje a la película de Richard Donner, la mítica ‘Superman, habiendo incluso una voz en off, como la de Marlon Brando, hablando sobre las responsabilidades de ser un superhéroe y terminando con un solemne “El mundo necesita un héroe, y el hombre a su mejor amigo”. Incluso se parodia la famosa secuencia del ladrón que va escalando un edificio. Es muy probable que la gracia del film se quede en este teaser.

‘Underdog’ (teaser trailer, Flash)

Vía | The Movie Box

Kevin Smith vuelve a sus orígenes para levantar cabeza. Creo que fue en el verano de 1996 cuando vi ‘Clerks’ (1994), una comedia con escasos medios, en blanco negro, pero, sobre todo, con diálogos brutales. Otra de las ‘grandezas’ de la película era que los protagonistas eran tipos corrientes con escasa suerte, malhablados, frikis, sarcásticos y con una mala leche increíble. Smith se ganó a un fan en ese momento. Este fan le siguió fielmente en ‘Mallrats’ (me costó bastante encontrarla, era otra época), ‘Persiguiendo a Amy’ (para mí, su mejor película), ‘Dogma’ (comienza el bajón) y la flojísima ‘Jay y Bob el Silencioso Contraatacan’. Ahí se acabó el chollo que significaba este cineasta, cuya gran virtud era (es) escribir diálogos chocantes, retorcidos, maleducados y desternillantes. Smith se vino abajo y lo demostró con su siguiente obra, la rosa y tonta ‘Jersey Girl’. Con ‘Clerks 2’ recuperamos una parte del mejor Smith pero también es toda una evidencia de algo que costaba reconocer: los mejores años de Kevin Smith ya pasaron.

‘Clerks II’ comienza cuando Dante Hicks acude, como cada día durante los últimos diez años, a abrir el Quick Stop, para encontrarse el local totalmente destrozado, envuelto en llamas. Tanto él como su amigo Randal Graves entran a trabajar en un burger llamado Mooby’s (cuyo gran lema es ‘I´m eating it’). Pasado un tiempo, vemos que Dante está prometido y cuenta las horas que le quedan para marcharse de su querida/odiada New Jersey e irse a Florida con su futura esposa. Es su último día de su vida actual y está deseando que acabe para empezar una nueva. Sin embargo, ahí está siempre Randal para complicar las cosas y, por otra parte, Becky, la atractiva jefa del ‘restaurante’, con la que Dante mantiene una estrecha relación de amistad, no cree que Dante deba casarse. El día será más largo de lo esperado.

Supongo que yo no era el único interesado (muy interesado) en conocer la respuesta a la siguiente pregunta: ¿qué ha pasado con los personajes de ‘Clerks’ tras 12 años? Tras abandonar (a la fuerza) el Quick Stop, Dante y Randal, los dos amigos protagonistas de la primera película, se van a trabajar a un burger y allí se repiten buena parte de los diálogos y situaciones que tan buenos resultados dieron allá por 1994. Sin embargo, no sólo el trabajo y color han cambiado. Dante es más triste y, dicho en plata, más gilipollas. Y si no, díganme qué hombre, en su sano juicio, iba a pasar por alto las insinuaciones de una mujer como Rosario Dawson. Y es que ya aquí vemos el primer problema de la historia: resulta bastante increíble que una impresionante chica como la que interpreta Dawson esté loca por un tipo como el que interpreta Brian O’Halloran. ¡Y el tipo está deprimido! Hay que joderse. Salvando este pequeño inconveniente (a fin de cuentas, no es la primera vez que vemos a un idiota feo salir con una belleza despampanante), lo demás no está nada mal. Es decir, Randal (Jeff Anderson) sigue tan divertido y malhablado como siempre, sus escenas son de lo mejor de la película; Jay y Bob están apoyados en la pared y tienen sus escenas-paréntesis que tan bien quedan cuando son breves y no se abusa de ellas (como se hizo en la estúpida película que protagonizaron); cameos de Ben Affleck o Jason Lee; y, para terminar de poblar la película, tenemos a los habituales super-frikis amantes de los ‘Transformers’, ‘El Señor de los Anillos’, etc. La fauna de toda película de Kevin Smith, y, especialmente, de ‘Clerks’, está al completo y cumple con creces. Como ya he dicho, si además añadimos a Rosario Dawson, mejor que mejor.

Sin embargo, hay serios problemas en ‘Clerks 2’. Cuando uno se encuentra con una escena a cámara lenta, donde los protagonistas ríen alegremente, mientras suena un tema pop super trillado, y todo se alarga exageradamente, significa que algo en la película va mal. Cuando se repite, con mínimas variaciones, en otros momentos del film, definitivamente, algo va mal. El Smith rosa que quedó en evidencia hasta niveles vergonzosos en ‘Jersey Girl’, sigue vivo y amenaza con quedarse. El Smith rosa es el que se carga ‘Clerks 2’. No puede ser que a estas alturas nos intente colar una comedia romántica tan floja como ésta con la excusa de que veremos a los mismos divertidos protagonistas de ‘Clerks’. Es la evidencia más palpable de que hemos perdido al mejor Smith. Quizá el dinero, la fama o un replanteamiento espiritual sean las culpables. Ahí ya prefiero no meterme, que cada uno saque sus propias conclusiones.

Desde su primera película, algo quedó bastante claro: Kevin Smith escribe bien pero dirige mal. Su estilo de dirección podría calificarse de ‘televisivo’, lo que se resume en, básicamente, poner la cámara en el sitio que menos moleste y dejar que los actores se harten de hablar. Esto hace que sus películas nunca tengan un ritmo fluído, sino que se vayan desplegando con torpeza y avancen a paso de tortuga. Algo que no es muy grave porque la duración de las mismas no suele exceder los 90 minutos. Por otra parte, Smith adolece de una escasísima imaginación a la hora de planificar las escenas, intensificando esa sensación de estar viendo un episodio en la tele, y abusa de los convencionalismos para narrar una historia que, ya de por sí, es muy convencional.

‘Clerks 2’ va, simplemente, de un tipo corriente que está cansado de su situación, de no hacer nada, de no tener futuro, y, por tanto, quiere dar un giro importante y cambiar de vida. Cuando cree que ha encontrado la solución, en forma de matrimonio y de una residencia lejos de su ciudad natal, se abre un camino alternativo, en forma de chica encantadora que implica seguir como hasta el momento. Como argumento, como suele ocurrir, da mucho juego, y es el cómo se narra y cómo se aprovechan las opciones lo que hace a un buen cineasta, cosa que, como ya sabemos, Smith no es. Smith se limita a aprovechar su mejor virtud, los diálogos, para alargar las escenas como chicles (la escena de la cárcel, por ejemplo) y a dar saltos bruscos en la trama para hacerla avanzar. El montaje y la torpeza narrativa de Smith hacen que a veces te preguntes si siguen en el mismo día, algo que sabes afirmativamente por lógica (es el último día de Dante en el burger) pero que no deja de resultar un esfuerzo creérselo. De hecho, la jornada laboral que tienen los protagonistas es de auténtico delirio, pasando de tener mucho trabajo en una escena a no hacer nada en la siguiente, luego están bailando en el tejado, acto seguido vuelven a trabajar, pero al poco tiempo se van a dar una vuelta, y al regreso tienen muchos clientes, etc, etc. Evidentemente, se trata de una comedia y hay que permitir licencias para que la historia tenga sus momentos graciosos, por supuesto. La comedia de Smith juega en su propio terreno y eso es lo mejor de todo. Los que ya conocemos su ‘universo’ nos sentimos muy cómodos y reconfortados, y los que no lo conocen pronto lo estarán. Ahí están momentos para aplaudir como ese breve número musical que ocurre porque sí, los diálogos frikis con ramificaciones hacia todo tipo de cuestiones humanas, y, por supuesto, el mencionado baile en el tejado, con una Rosario Dawson haciendo botar sus encantos de forma bastante notoria. Y es que la chica está absolutamente irresistible.

Si algo está unido a las película de Smith son las carcajadas. Los diálogos tronchantes, las respuestas desternillantes, las situaciones ridículas, todo a base de una imaginación desbordante en todo lo que sea burlarse de las creencias de la gente, ya sea el cristianismo o la saga de los hobbits, aparte de los comentarios racistas y las conversaciones sexuales, la otra gran marca de la casa. Para el recuerdo quedarán diálogos como el ‘culo a boca’, el ‘Porch Monkey’ (que en España han tenido la tonta idea de traducirlo como ‘esclavo de mierda’), pero, sobre todo, lo mejor de la película, la parodia de Randal sobre la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’. Un monólogo genial que, sin duda, será lo más recordado de ‘Clerks 2’. Sin embargo, ya que he hablado de los temas habituales del cine de Kevin Smith es de obligada mención el elemento vital o existencial, el ‘¿qué hago con mi vida?’, ‘¿hago lo correcto?’, ‘¿debería seguir con mi pareja o salir con la otra?’, etc, donde el circo, en esta ocasión, se viene abajo. Y no me malinterpretéis, a mí me gustan esos temas, me encantan, pero en una película deben estar bien tratados, porque ya hay ejemplos (incluso en las propias películas de Smith) suficientes como para se permitan, a estas alturas, topicazos que hemos visto mil veces. Menos aún cuando la película está firmada por un tipo que hizo ‘Persiguiendo a Amy’.

En fin, estamos ante una floja comedia, con momentos románticos y tópicos lamentables, pero también con algunos grandes momentos a base de diálogos asesinos, geniales. Dentro de la filmografía de Kevin Smith, esta secuela de ‘Clerks’ se situaría detrás de ‘Mallrats’ y antes de la que protagonizaron Jay y Bob. Porque, claro, esto es lo de siempre. Dentro del cine de este genial escritor de diálogos cómicos, esta película es de sus peores, pero si la ponemos a comparar con el resto de lo que se estrena hoy día, la cosa cambia; en ese caso, tranquilamente, podemos hablar de una de las mejores comedias del año, sin duda. Así pues, una oferta muy recomendable. Eso sí, si no has visto antes ‘Clerks’ o alguna otra de Smith (y no vale la empalagosa ‘Jersey Girl’), yo que tú me ponía a investigar un poco. Este tipo de películas no son aptas para todos los públicos, precisamente. Y que siga así.

En Blogdecine | Crítica de ‘Clerks 2’ escrita por Beatriz

En primer lugar, cabe decir que ‘Clerks II’ tiene más de un diálogo memorable y más de un chiste gamberro que, a buen seguro, van a ser recordados. Por ejemplo, la discusión sobre qué trilogía es mejor, si la de ‘El Señor de los Anillos’ o ‘Star Wars’. O el políticamente incorrecto debate sobre si llamar “esclavo de mierda” a alguien es o no racista. Frases lapidarias y humor irreverente que consiguen sostener una película de ritmo irregular. Por supuesto, unos entrados en kilitos Brian O’Halloran y Jeff Anderson siguen teniendo la misma química que en la primera parte.

El problema viene por el lado de la construcción de la historia y por el personaje de Rosario Dawson. ‘Clerks’ era una inteligentísima sucesión de anécdotas muy hábilmente enlazadas para concluir con una concisa y contundente reflexión acerca de dos personajes incapaces de tomar las riendas de su vida. En esta segunda parte, los personajes siguen siendo dependientes once años después, y la trama central son los esfuerzos del protagonista, Dante, para intentar cambiar de vida. Ese cambio de vida consiste en irse a Florida con su novia mientras los papás de ésta les pagan un piso y ponen a Dante a trabajar en un negocio de lavado de coches. El problema no sólo radica en lo poco atractivo de esta perspectiva — y de su novia, Jennifer Schwalbach, esposa del director en la vida real — sino que, además, vemos que Dante y su jefa, Rosario Dawson, tienen una extraña historia sentimental detrás.

La química entre Brian O’Halloran y Rosario Dawson es nula. Esto podría ser hasta perdonable, a pesar de su falta de verosimilitud, pues sabemos que el nombre y el tremendamente buen aspecto de la actriz eran una baza de la que no podía prescindir Smith si quería atraer público a la taquilla con algo más que la fama de la película original. El problema radica en que Kevin Smith, al igual que en los peores momentos de ‘Persiguiendo a Amy’, se mete en larguísimos y profundos diálogos terriblemente sobreexplicativos. El ritmo se para, el tono de comedia se pierde y Kevin Smith, como cualquier guionista torpe, se dedica a hacer explícitos los conflictos dramáticos. Todo dura el triple de lo que debería y uno se pregunta dónde está aquel Kevin Smith que, disfrazado de “Bob el silencioso” en la primera parte, era capaz de resolverlo todo con una frase lapidaria. En fin, parece ser que esto es lo que entiende Kevin Smith por “madurez”, y que la nefasta herencia de ‘Persiguiendo a Amy’ y ‘Jersey Girl’ se deja notar en la película que ahora nos ocupa.

Pero tampoco debemos ser tan duros. ‘Clerks 2’ nos cuenta la historia de dos personajes que, once años después, no han conseguido hacer nada con sus vidas, y esto, por fuerza, tiene que notarse. La ligereza de ‘Clerks’ ya no es repetible. Si se quiere algo parecido, mejor ver ‘Marchando…’, una película deudora de ‘Clerks’ de la que ya os hablé, ubicada en una hamburguesería (escenario, donde, curiosamente, tiene lugar ‘Clerks 2’ ¿homenaje al homenajeador?). Dicho esto, los diálogos “profundos” ni son tantos ni hunden tanto la película. Incluso, en ocasiones, Kevin Smith logra quitar melodramatismo a muchos momentos ubicándolos en escenas delirantes o redondeándolos con chistes francamente buenos. Más aún: si hubiese durado la mitad, la escena de discusión final entre Dante y Randal está llena de aciertos, reflexiones interesantes, y da la clave para disfrutar ‘Clerks 2’: una comedia romántica gay (Brian O’Halloran y Jeff Anderson se quieren más que cualquiera de los dos y cualquier chica) donde el personaje de Rosario Dawson es un absoluto e impostado postizo. El problema es que parece que, para el director de ‘Jersey Girl’, la madurez sólo puede venir por el camino del matrimonio y la paternidad. E igual que dije esto sobre Eduardo Noriega al escribir acerca de ‘Alatriste’, lo tendré que decir sobre esta impresionante mujer: menudo sacrificio casarse con Rosario Dawson.

Y sí, sé que esto es meterme en cuestiones ideológicas de cada uno, y que Kevin Smith tiene pleno derecho a pensar de forma muy conservadora —que lo es, aunque adorne de chistes frikis sus proclamas—. El problema llega cuando ese conservadurismo te lleva a tomar decisiones de guión torpes, postizas, que frenan el ritmo y que te hacen querer esperar el próximo momento en el que Jay, Silent Bob o Randal hagan una cafrada nueva.

El balance final, en definitiva, es positivo. Kevin Smith ha hecho su segunda mejor película y, quitando a Rosario Dawson, ha escrito la mejor y más cariñosa puesta al día posible para sus míticos personajes. La secuencia final, a buen seguro, emocionará a todos los que, en su día disfrutamos con ‘Clerks’. Aún diría más: me extrañaría que no se produjese un gran aplauso, como también lo merece la divertida escena inicial. ‘Clerks’ era una película única que no volverá, aunque era cierto que merecía estar entre los films más sobrevalorados de la historia del cine, pero ‘Clerks II’ es lo que se llama envejecer dignamente.

Se pueden ver pósters, tráilers, fotos provocativas de Rosario Dawson y mucha más información que se ha publicado en Blogdecine sobre ‘Clerks’ y ‘Clerks II’ en este enlace.