El director Jean-Jacques Annaud tuvo su momento de esplendor a raíz de su éxito por ‘En busca del fuego’ (‘La guerre du feu’, 1981), tras la cual vinieron las aún más exitosas ‘El nombre de la rosa’ (‘Der Name der Rose’, 1986) y ‘El oso’ (L´ours’, 1988). Films que mostraban a un director que sabía encontrar un equilibrio narrativo/estético realmente envidiable, tomando la sencillez como la mejor de las herramientas. Como muchos otros realizadores, enseguida sucumbió al esteticismo y sus films se volvieron estampas muy bonitas pero vacías de todo contenido. Con ‘Oro negro’ (‘Black Gold’, 2011), que ha pasado completamente desapercibida por las carteleras de nuestro país, parece regresar a cierto tipo de cine, podemos llamar clásico, con un punto de épica, en una de esas historias de las que ya no se cuentan.

Annaud intenta devolver al séptimo arte ese tipo de película que parece ya no interesan a nadie —quizá de ahí su poca repercusión en los cines, más sorprendente aún cuando viene de un director que vivió tiempos mejores, narrando historias que sí interesaban a las audiencias— en una película alejada de toda parafernalia visual, aunque no reniegue de las actuales técnicas digitales tan de moda. Con un ajustado presupuesto de 40 millones de dólares —cualquier otro director de mayor renombre hubiese necesitado mucho más— Annaud logra que ‘Oro negro’ luzca como una superproducción en toda regla, llena de extras, y en cuyas imáganes bucea el recuerdo de cierta cinta dirigida por el gran David Lean, salvando las distancias evidentemente.

La película recoge a modo de relato de aventuras los enfrentamientos entre distintos clanes en los reinos árabes a principios de los años 30, cuando una compañía texana intentó explotar los grandes yacimientos de petróleo. En un lugar denominado el cinturón dorado es donde se quiere extraer el crudo, pero dicho lugar permanece intacto como símbolo de la paz entre dos reinos anteriormente en guerra. Los problemas surgirán cuando uno de ellos quiera enriquecerse a costa del petróleo, saltándose el acuerdo con su oponente, quien parece negarse a todo progreso. Premisa muy clásica, en la que se habla entre otras cosas de las tradiciones, de los peligros de todo avance tecnológico, de las creencias y no sólo religiosas, en un marco lleno de arena, sol y siempre con una claridad narrativa que haría las envidias de muchos realizadores perdidos en querer romper las mal llamadas reglas del cine.

La sensación que produce ‘Oro negro’ en su primer tercio es la de desconcierto, incluso rechazo. Cuesta creerse a alguien como Antonio Banderas en la piel de un rey árabe codicioso, pero que en el fondo parece tonto de remate, ofreciendo una visión de los árabes poco menos que ridícula. A su lado, o más bien enfrente, su antagonista, un muy correcto Mark Strong cargando con un personaje más rico en matices. Es en la historia de uno de los hijos del segundo, y la relación con su padre, donde encuentro los mayores atractivos del film, pues se ponen sobre la mesa cuestiones tan antiguas como antiguo es el ser humano, cuestiones que seguirán llenándonos de dudas en siglos venideros. Cuestiones sobre las cosas de verdadero valor, el coraje, la amistad, la compasión, y sobre todo, el amor.

Tahar Rahim, al que todos pudimos admirar en la magistral ‘Un profeta’ (‘Un prophète’, Jacques Audiard, 2009), lleva en cierto momento todo el peso de la función, como joven ensimismado con los libros en un pueblo cuya ignorancia y fanatismo religioso —el Corán se nombra repetidas veces, y no precisamente para dejarlo bien— les llevan a hacer cosas realmente sin sentido. Será precisamente su conocimiento el que le lleve a convertirse en un hombre perfectamente preparado para la guerra, pero también para ser un hombre justo capaz de encontrar el entendiemiento entre oriente y occidente. Pero como todos los grandes hombres que protagonizan grandes historias, encontrará la verdadera madurez y hombría a través del sacrificio y las penurias. Son varios los instantes en los que Annaud nos muestra hechos tristes, pero afortunadamente sin cargar las tintas, por mucho que la banda sonora de James Horner, empeñado en plagiar a John Williams en algunos instantes, se empeñe en ello.

Annaud se muestra simpre seguro, manejando el ritmo a la perfección, aunque habría que demandar algo más de pasión, y sobre todo el no descuidar a ciertos personajes. Baste recordar el papel de una decorativa Freida Pinto, a quien se le echa en falta un poco más de empaque en una historia en la que continuamente nos recuerdan que el amor es el bien más preciado del hombre. Los diálogos entre Mark Strong y Tahar Rahim están llenos de grandes frases para enmarcar, grandes verdades que nos hacen reflexionar sobre lo verdaderamente importante en la vida. La posible grandeza de ‘Oro negro’ se encuentra más en sus líneas de diálogo que en sus imágenes, filmadas con más corrección que maestría, y es que da la impresión de que Annaud ha jugado sobre seguro, sin haberse arriesgado. El riesgo se ha corrido a la hora de estrenarla, pues las audiencias de hoy día reniegan de este tipo de productos de factura clásica.

El cineasta francés Jean-Jacques Annaud es un artesano que, con no demasiadas películas en su filmografía, ha desarrollado una carrera bastante interesante, con proyectos arriesgados, heterodoxos y bastante ambiciosos. Con sus luces, como la magnífica ‘El nombre de la rosa’ (‘Der Name der Rose’ y sus sombras’, 1986), y sus sombras, como la insulsa ‘Siete años en el Tíbet’ (‘Seven Years in Tibet’, 1997), Annaud ha demostrado su gusto por lo ecléctico y lo aventurero, y su solidez y buen oficio. Era cuestión de tiempo que se interesara por un proyecto bélico, y éste llegó en 2001, con la muy libre adaptación de’La batalla por Stalingrado’, escrito en 1973 por Stuart William Craig, así como en ‘War of the Rats’, de David L. Robbins, que describía el duelo entre dos expertos francotiradores durante la eterna batalla de Stalingrado, uno de ellos el legendario Vasily Grigorievich Zaitsev.

Siendo una de las más caras superproducciones de la historia del cine europeo (la película contó con participación estadounidense, pero también alemana, británica e irlandesa), y aunque las comparaciones con la por entonces reciente y brutal ‘Stalingrado’ (‘Stalingrad’, Joseph Vilsmaier, 1993) eran inevitables, ‘Enemigo a las puertas’ (‘Enemy at the Gates’, 2001) se ve diez años después como un ejemplo de buen cine comercial, que pese a sus arritmias (que las tiene bastante considerables) y sus limitaciones es buen cine de aventuras y más que digno cine bélico, un género en el que muchos cineastas, y no pocos célebres, han probado fortuna, pero en el que muy pocos han salido con nota, pues siempre supone un desafío domeñar los complejos espacios y ritmos del bélico, y al mismo tiempo no caer en un fango de lugares comunes. Annaud lo consigue proponiendo un relato a medio camino entre el melodrama y el western.

Carne de cañón rusa

Algunas voces críticas se levantaron contra la película poco tiempo después de su estreno. La mayoría provenientes de veteranos o especialistas rusos, que se ofendían por el tratamiento que en los primeros minutos se da a los oficiales rusos, que poco menos entregan al grueso de sus tropas al matadero, casi sin armas, contra las feroces defensas alemanas. Como no sé si es cierto o no, porque no soy ningún experto, me limitaré a decir que no parece muy disparatado que ocurrieran cosas parecidas, pues el pueblo ruso es uno de esos eternamente maltratados por sus dirigentes, y en cierto modo esta película es un homenaje a los desamparados, a los humildes arrastrados por la maquinaria bélica hacia una guerra que les importa poco porque no tienen ni de qué comer. A medida que avanza la historia, Annaud deja paso al corazón de la historia, el enfrentamiento entre los tiradores, pero nunca pierde de vista al pueblo llano, que es siempre el que más sufre, lo que le honra.

Exagerado o exacto, lo cierto es que el comienzo impresiona. Con el desembarco de ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’, Steven Spielberg) siempre en la recámara de la memoria, las imágenes de Annaud no desmerecen. Notable es también la presentación del niño Zaitsev, que aprende a disparar para no morir de hambre, y que en su juventud es reclutado a la fuerza para contener el imperioso avance de los nazis en la que será la más sangrienta batalla (documentada) en la historia de la humanidad: entre tres y cuatro millones de muertos, entre ellos un millón de civiles. Sentimos la magnitud del evento ya en las barcazas del Volga, y mucho más cuando los oficiales están dispuestos a sacrificar a miles de soldados en la Plaza Roja con tal de mantener alguna esperanza de victoria. En medio del desastre, Zaitsev (un buen Jude Law) se revela como un tirador fuera de serie, y el comisario Danilov (un competente pero algo desvaído Joseph Fiennes) le utiliza como icono para subirle la moral a las tropas.

Tenemos, por tanto, una también interesante descripción de las artimañas de la propaganda de guerra, que ejerce tanto de cortina de humo como de ensalzadora de valores patrios, deshumanizando casi siempre a los soldados que participan de ella. Zaitsev se sentirá siempre incómodo con la etiqueta de héroe y estandarte de los valores soviéticos, y no tendrá miedo de admitir su inferioridad frente a su oponente König (un impresionante, como casi siempre, Ed Harris) y de ignorar lo que se espera de él, enamorado además de la misma mujer que Danilov, la valiente Tania Chernova (interpretada por una más que convincente Rachel Weisz). Pero al final todo esto acaba siendo muy secundario frente a lo que verdaderamente importa: los intensos duelos entre el oficial alemán de alta cuna y el campesino ruso, que son de lejos, de muy lejos, lo mejor, lo más interesante y emocionante de la película, y que acaban sabiendo a poco, engullidos por el necesario (para la taquilla y para los diferentes targets de público) envoltorio melodramático.

Pero podemos fantasear con una versión íntegramente compuesta por los varios y muy ingeniosos duelos entre ambos contendientes, que no se vea continuamente interrumpida por triángulos amorosos ni justificaciones históricas. Un duelo en el que la vida y la muerte se definen en un microsegundo, y en el que detalles como la distancia, la velocidad del viento, los trucos visuales para despistar al otro, las ruinas como trampa pero también como escondite, entre otros muchos detalles cruciales, fueran la materia primordial de la película. Así, obtenemos momentos trepidantes como la bestial muerte del personaje de Ron Perlman, el juego de espejos en pleno bombardeo, o la larga espera del objetivo anhelado, luchando para no dormirse. Momentos que beben, como casi todo gran cine de aventuras que se precie, de los códigos y los rituales del western norteamericano.

Conclusión

Una más que digna aventura, con algunos bajones de ritmo que no consiguen perjudicar las grandes secuencias, más bien crean una enorme expectación por ellas. Los actores están bastante bien, sin grandes alardes, y la fotografía de Robert Fraisse logra extraer de los edificios destripados y de las hierros retorcidos de una ciudad arrasada toda la fuerza expresiva que cabría esperar. En definitiva, sin ser de lo mejor del género, sí que es una propuesta estimable.

“Sí, es culpable. Culpable de haber malinterpretado, en su juventud, el mensaje de los evangelios. Y es culpable de haber confundido el amor a la pobreza con la ciega destrucción de la riqueza y la propiedad. Pero, mi señor abad, él es inocente de los crímenes que han bañado en sangre esta abadía, porque el hermano Remigio no sabe leer griego, y todo este misterio gira en torno al robo y posesión de un libro escrito en griego y escondido en alguna parte de la biblioteca”

-Fray Guillermo de Baskerville

Si uno vive en perpetuo enganche a las pantallas, como yo mismo, tiende a colocar películas en lo más alto de su escalafón personal, por detalles o rasgos de esas películas. Puede haber otras que no haya visto, que sean mejores, pero hasta que no las vea no moveré el escalafón. Me explico: siempre coloco a ‘Aliens’ en lo más alto en cuanto a relatos de horror+Sci-fi. Cuando vea una mejor, la sucederá en el escalafón. De momento no ha sucedido. Tampoco ha sucedido que ninguna película que yo haya visto, hasta ahora, supere a ‘El nombre de la rosa’ en cuanto a recreación histórica de la oscura época medieval.

Pero no sólo eso. Pocas películas hay más clásicas que esta. Y digo clásico en el sentido estricto: una obra que no cesa de producir nuevos significados. Es decir, una obra que estará viva durante mucho tiempo. Y por la desgraciada razón de que, por lo visto, la Iglesia Católica, esa secta infame, seguirá viva mucho tiempo, cometiendo crímenes impunes, o crímenes ocultados durante décadas, que para el caso viene a ser lo mismo. ‘El nombre de la rosa’ posee, entre otras muchas virtudes, la sana disposición de no mostrar piedad con los poderes fácticos de la Iglesia Católica y Apostólica, mientras nos narra una apasionante aventura de investigación criminal.

En el ‘making of’ de la edición especial en DVD, Annaud contaba cómo Umberto Eco, autor de la novela homónima, esperaba que aquel año fuera el año de la película, igual que hacía pocos meses había sido el año triunfal de una novela extraordinaria, éxito de ventas en todo el mundo, sobre la que los críticos literarios no habían cesado de vertir lógicos y ferovorosos parabienes. Y lo fue, entre otras porque Annaud, que cinco años antes había filmado la inolvidable ‘En busca del fuego’, se dejó literalmente la piel en éste su cuarto largometraje, y es que por aquel entonces Annaud sólo filmaba hazañas que pudieran demostrar su suicida instinto artístico.

Una ambientación magistral

Con los mínimos elementos, pero sin dejar nada al azar, cuidando al máximo los detalles, Annaud se rodea de espléndidos profesionales que aportan una creación individual de indudable peso en el conjunto. Tanto la soberbia y humilde fotografía del gran operador, ya fallecido, Tonino Delli Colli (habitual de Sergio Leone), como el espectacular, pero comedido, diseño de producción del ahora famoso Dante Ferreti (que lleva dos décadas trabajando para Scorsese), y el inteligentísimo diseño de vestuario de la genial Gabriella Pescucci, sin olvidarnos de la extraña y emocionante música de James Horner.

Este grupo de eminentes artistas, orquestado con mano de hierro por el director, no tiene el menor reparo en mostrar la más oscura época de la edad media en todo su “esplendor”: sentimos en nuestra piel la mugre y la peste de la extrema pobreza (muchas veces provocada por los diezmos salvajes que la Iglesia pedía (robaba) a sus seguidores (esclavos); y también, sobre todo, la jerarquía de clases entre los monjes más poderosos y los más humildes. Pocas veces, o nunca, hemos presenciado una crítica más feroz, pero sutil, y más culta a los estamentos más básicos de la Iglesia, a su hipocresía, su crueldad, su ceguera.

Y Annaud se mueve por este ambiente como pez en el agua, conociendo cada objeto, cada gesto, cada detalle de la escenografía y de la vida de los monjes. Otorgando importancia a cada escenario por separado (la biblioteca, el scriptorium, el patio, las celdas…), filmando con total humildad, sin buscar lo bonito o lo espectacular, indagando en una vida que se nos antoja completamente real, un verdadero viaje en el tiempo. Y no se escatima tampoco en un reparto genial de rostros feos o directamente simiescos, no sólo el de Ron Perlman (que a fin de cuentas, interpreta con genio a un personaje deforme), sino el de casi todos los monjes, excepto algunos particularmente bellos, de belleza casi efébica.

Y frente a todos ellos un superlativo Sean Connery, de belleza más rotundamente viril, serena incluso, que conoció un renacer con esta película, a la que aporta su inmensa humanidad. Guillermo de Baskerville, monje franciscano (quizá la única orden religiosa que merece la pena que haya existido en la cristiandad), ya era una gran creación sobre el papel, pero Connery alcanza otra gran creación en la imagen. Criminalista e investigador, observador de la naturaleza, hombre de mente analítica y creativa a la vez (el prototipo de detective de Edgar Allan Poe), Baskerville sobre todo nos conmueve por su profunda compasión, por su verdad interior.

La luz de la razón frente a las tinieblas del fanatismo

Como no podía ser de otra manera, encuentro perfectamente actual esta historia, más ahora con la avalancha de escándalos acerca de la vergonzosa actuación de la iglesia, no sólo comentiendo crímenes que parece que nadie va a pagar, sino ocultándolos. No sé de qué se sorprende la gente, siempre ha sido igual con ellos. Y en esta abadía, cuyo nombre Adso guarda en prudente silencio, suceden hechos terribles, cuya investigación por parte de Guillermo apunta a la existencia de un libro secreto, y por parte de la Inquisición (o más bien, de Bernardo Gui, interpretado por F. Murray Abraham) apunta al Maligno.

Como instrumento de control del gobierno, como tentáculo represor del pueblo, la Iglesia y su apéndice más temible, la Inquisición, son mostrados en toda su inimaginable atrocidad, como nunca antes, y creo que nunca después, en la historia del cine. Ante ellos, Guillermo sólo puede aportar las pruebas. Impagable su frase: “apostaría algo más que mi fe a que esas torres contienen más que aire”. Sin embargo, Guillermo es un hombre profundamente espiritual. Como Thoreau, como Bacon, un hombre moderno y libérrimo. Su vanidad intelectual es la llama que desencadenará la dolorosa verdad, para que el pueblo llano, que son los que importan (porque son los que siempre sufren) se tome la justicia por su mano.

Poema acerca de la necesidad de confrontar fe y sensatez, arrepentimiento y orgullo, humildad y dignidad, relato terrible y consolador, que pinta un mundo desolador y gélido en el que, pese a todo, hay lugar, aunque ínfimo, para el amor fraternal, el placer sexual, la risa liberadora (legendario el combate dialéctico entre Guillermo y el Venerable Jorge en la biblioteca, acerca de la risa…), y, sobre todo, de la necesidad de hacer perdurar la cultura, los libros, el arte, la esperanza en un mundo gobernado por seres sensibles y sabios, y no por fanáticos o ambiciosos.

Obra maestra intemporal, que nos concede la oportunidad de redimirnos, pues nos dota de herramientas intelectuales frente a aquellos que manejan la espiritualidad como un negocio, como una artera institución capaz de todo por el poder.

El fam-oso director francés Jean-Jaques Annaud ha rodado en España la película ‘Su majestad Minor’ (‘Sa majesté Minor’, 2007), que se estrenará el próximo viernes, 12 de diciembre.

Se trata de la adaptación del libro de Gérard Brach que se describe como una comedia mítica situada en una isla del mar Egeo antes de la fundación de la antigua Grecia.

José García (‘Arcadia’, ‘Usted primero’, ‘GAL’, ‘El séptimo día’…), Vicent Cassel (‘El pacto de los lobos’, ‘Ocean’s Twelve’ y ‘Ocean’s Thiteen’ ) y Sergio Peris-Mencheta (‘Los Borgia’) son los protagonistas.

Annaud me ha resultado interesante en prácticamente todas sus películas y esta historia parece bastante original. Además, me encanta como actor el gallego afincado en Francia José García. Por todo ello, prestaré atención a este estreno de la semana que viene.

Más adelante se puede ver el tráiler en versión original y leer la sinopsis:

En una isla imaginaria perdida en el mar Egeo, en época muy anterior a Homero, Minor (José García), mitad hombre y mitad cerdo, huérfano y mudo, pasa los días tranquilamente en la tibieza de la pocilga en compañía de su buena amiga la Cerda (Mauricette). En el curso de una escapada a un bosque mitológico, Minor se encuentra con uno de los personajes más influyentes de su época, el dios Pan, alias Sátiro (Vincent Cassel), que lo inicia a su manera de macho cabrío en las complejidades del paganismo. Encaramado a una rama de olivo para espiar a Clytia (Mélanie Bernier), la hija del Patriarca (Jean-Luc Bideau), prometida al poeta Karkos (Sergio Peris-Mencheta), Minor sufre una mala caída y se mata. Como todavía estamos al comienzo de la película y el tiempo lo permite, resucita y recobra la palabra. Los asombrados aldeanos descubren que no sólo no ha muerto, sino que revela un asombroso sentido de la elocuencia. Siguiendo los consejos del adivino (Bernard Haller), Minor es consagrado rey. Empiezan los problemas.

“Inspirándome en la enorme riqueza de la mitología griega, he concebido esta película insolente, iconoclasta y manipuladora. He desvíado algunos mitos, he retomado otros, resolviendo tabúes y explorando complejos. Salvando los impedimentos, la historia se presenta en forma de leyenda antigua, barroca, insolente, grotesca, divertida y dramática. Se desarrolla en el siglo XVII antes de Cristo en una isla imaginaria de las Cícladas”, declaró Jean -Jacques Annaud.

Más información en Blogdecine sobre ‘Su majestad Minor’

Vía | Alta Films

Aunque no me gustó nada ‘Siete años en el Tíbet’ (‘Seven Years in Tibet’), pues se me hicieron como siete mil, Jean-Jacques Annaud en general es director de grandes películas, como ‘El nombre de la rosa’ (‘The name of the Rose’), ‘El oso’ (‘The Bear’), ‘Enemigo a las puertas’ (‘Enemy at the Gates’) o ‘Dos hermanos’ (‘Two Brothers’).

El francés se une ahora al proyecto de ‘Kashmir’, un drama sobre terrorismo que transcurre en la región que da nombre al tejido y a la poderosa canción de Led Zeppelin. La zona, conocida en español como Cachemira, se encuentra actualmente dividida entre India, Pakistán y China, siendo uno de los focos de disputas internacionales más importante de la actualidad.

En el film, tres ex-mercenarios descubren dónde se encuentra, por un corto periodo de tiempo, un líder terrorista por el que se ofrece una recompensa de 30 millones de dólares. Los tres deciden, por motivos diferentes, adentrarse en la región de Cachemira.

El guión, que resumido de forma tan concisa me recuerda mucho al de ‘La sombra del cazador’ (‘The Hunting Party’), es de DB Weiss, quien trabaja ahora en la “precuela” de ‘Soy leyenda’ (‘I Am Legend’). Relativity Media compró los derechos a Weiss a quien se le había ocurrido la idea cuando los Estados Unidos pusieron precio a las cabezas de varios enemigos y los hijos de Saddam Hussein, Uday y Qusay fueron asesinados en una masacre por tropas norteamericanas.

Annaud, que en estos momentos se encuentra buscando localizaciones, quiere rodar lo más cerca de Cachemira que pueda, pero los productores también están localizando en Argentina, México y áreas alternativas de la India. A finales de la primavera que viene comenzaría el rodaje.

Vía | Variety.

El director de ‘El oso’, la tierna ‘Dos hermanos’, ‘Enemigo a las puertas’, ‘El nombre de la rosa’, ‘El amante’, ´Siete años en el Tíbet’… Jean-Jacques Annaud, está rodando su nueva película en España. El título es ‘Su majestad Minor’ y sus protagonistas son el excelente actor de origen español, pero afincado en Francia, José García (‘Arcadia’, ‘Usted primero’, ‘GAL’, ‘El séptimo día’…), Vincent Cassel (‘El pacto de los lobos’, ‘Ocean’s Twelve’ y ‘Ocean’s Thiteen’ ) y Sergio Peris-Mencheta (‘Los Borgia’).

Con esta película, Annaud, según afirmó, pretende llevar al espectador “adonde no llega un billete de avión”, una isla perdida del Mediterráneo en la época “pre-homérica”, en lo que calificó de “tragicomedia mitológica”. Un hombre, llamado Minor (José García), vive “feliz en una tranquila y apacible porqueriza localizada en una isla imaginaria del mar Egeo”. Las consecuencias de una “maldita caída harán que los vecinos de su pueblo descubran su gran locuacidad, y de la noche a la mañana es coronado rey”. ‘Su Majestad Minor’ (‘Sa majesté Minor’, 2007) está escrita por el propio Annaud y Gérard Brach (‘El nombre de la rosa’, también de Annaud o ‘El baile de los vampiros’ y ‘Frenético’, de Polanski, entre otras), recientemente fallecido.

Con este nuevo look rapado se presentó José García , el protagonista, a la rueda de prensa. Otro de los intérpretes, Vincent Cassel que encarna a un “Dios del Amor”, llamado Satyr, también estuvo presente. Según Annaud, el personaje “es muy sexual”. “Demasiado sexual”, afirmó en rueda de prensa Cassel, quien, no obstante, apuntó estar “encantado con este papel”. Completan el reparto Alberto Iglesias, Mélanie Bernier y numerosos figurantes, cuyo número alcanza los trescientos.

Preguntado por el motivo de que sus películas siempre trasladen al espectador a épocas pasadas, como ‘En busca del fuego’ o ‘El nombre de la rosa’, Annaud afirmó que sólo el pasado le permite ‘desarrollar mejor su imaginación’. Asimismo, expuso que si en otras de sus películas algunos animales, como el oso o los tigres han sido protagonistas, esta vez ‘lo será un cerdo’. ‘Es bueno comprender el alma humana, previo conocimiento del alma de los animales’, agregó el director francés.

El rodaje en exteriores tiene lugar desde el pasado mes de septiembre en diferentes localidades de la provincia de Alicante. Para los interiores, según expuso Annaud, ha elegido ‘los impresionantes’ platós del complejo industrial audiovisual de Ciudad de la Luz (Alicante), donde se ha reconstruido un pueblo completo de la Edad del Cobre, época en la que transcurre la historia. La producción cuenta con un presupuesto de 30 millones de euros. La película es una coproducción hispano-francesa, formada por las firmas Reperage y Media Pro.

Vía: Terra, Noticine, Diario Información

En la foto de la derecha, Sergio Peris-Mencheta.

Otras películas que se están rodando en la Comunidad Valenciana en general y en la Ciudad de la luz, Alicante, en particular:

Comienza el rodaje de ‘Manolete’.

Anabel Alonso y Pablo Carbonell protagonizan ‘Atasco en la nacional’, de Josetxo San Mateo.

Lolita y Rosana Pastor en ‘La princesa del polígono’, de Rafael Montesinos.

Javier Ríos, Silvia Abascal y Antonio Dechent protagonizan ‘Escuchando a Gabriel’.

‘Astérix en los Juegos Olímpicos’ se rueda en Alicante con Beckham, Zidane y M. Schumacher.

Jean Jacques Annaud ha querido volver sobre los pasos de una de sus películas más famosas, la entrañable ‘El Oso’, pero esta vez no ha quedado tan bien parado. El film versa sobre dos tigres cachorros que son raptados de su seno materno, y son separados, creciendo en ambientes distintos entre el hombre. Ésta sería la premisa argumental de una historia en la que evidentemente hay más cosas.

De todos modos, la gran descompensación que existe entre las escenas de humanos y las de animales hacen que uno no se interese demasiado por lo que está pasando. Por un lado tenemos la historia base de los dos tigres, que dicho sea de paso, el espectador se asombra con lo que los dos animales son capaces de hacer ante la cámara, incluso hay momentos en los que parece que están interpretando, resultando esas escenas superiores en calidad a cualquiera de aquellas en las que salen actores humanos. Uno enseguida conecta con los dos animales, que caen bastante bien, sobre todo cuando son cachorros, que ahí ya no es que caigan bien, es que se desea enormemente llevarse uno de esos tigres para casa y tenerlo como mascota. Así pues, esta parte se sigue con interés al resultar mínimamente entretenida gracias a lo que hacen los tigres.

Lamentablemente todo se estropea siempre que entran en escena personajes humanos que protagonizan subtramas que casi resultan estúpidas de lo convencionales que son, y se nota que las han metido a calzador para alargar una película que no da mucho de sí. En esta parte nos encontramos con algún rostro conocido. Interpretando a un experto cazador, Guy Pearce, que la verdad anda un poco perdido, y es que no parece el actor adecuado para ese papel; y haciendo de niño que se encapricha con uno de los tigres, Freddie Highmore, cuyo papel no está muy desarrollado, pero lo poco que sale en pantalla se le ve con una naturalidad increíble; hay que seguirl la pista a este joven actor, algo que parece que Johnny Depp esté haciendo también.

Encuanto a la labor de Annaud, da la sensación de que el director no ha cogido el proyecto con entusiasmo, pues se limita a filmar con suma corrección, sin dejar impreso su estilo en ningún momento, o tal vez un poco, en las escenas con animales, pero en el resto no asoma ese buen hacer que le carcterizó en otras famosas películas. De hecho, hay secuencias incoherentes y enormemente forzadas.

En fín, un mal día (en este caso una película) lo tiene cualquiera. Aunque no la calificaría como mala, sino más bien como fallida, falta de emoción, con escenas buenas con los tigres y una bonita banda sonora de Stephen Warbeck.