La película no ha dejado de ser hermosa, imperfecta, extraña. Vista hoy es casi una osadía bizarra ¿cómo se atreve el francés a poner sobre la mesa una película que desnuda la puesta en escena, al parecer requisito obligado para hacer una ciencia ficción distópica, y obliga a ese Eddie Constantine, viejo lobo de la serie B, a plantearse cuestiones sobre la poesía y la conciencia? Y encima Godard rescataba al personaje, a Lemmy Caution, como si se pudiera coger un detective y hacerlo habitar un terreno imposible. Pero es que lo contaba mejor Dave Kehr: todo nos es familiar, pero nada resulta reconocible. ¿Quién ha tomado esos saltos estéticos para plantearse un futuro, ahora bañado todavía en el loop del imaginario propuesto por Ridley Scott? Pienso en la audacia de un Cuarón, pero pocos ejemplos más vienen a mi cabeza.

Godard es un poco más abstracto que esas historias preciosas que imaginan la tensión de un androide con su lágrima y lo que hace es imaginar la incomprensión de una mujer ante la conciencia y el amor. La línea final es valiente, suicida: una hermosa declaración de amor que desmiente a los que pensaron en él como un cineasta frío e impasible por tener sentimientos y no sentimentalismo, que nunca vinieron a ser lo mismo.

Pierrot Le Fou (1965) de Godard (me resisto a llamarla Pierrot el Loco, ya sea por el nombre, ya sea por capricho) es todavía la película más libre de su etapa con Anna Karina. No es la más hermosa, de esa ya hemos hablado, pero sí la más libre. Era el cierre de una época, Godard lo sabía, y parecía llegar a uno de los límites con su estilo.

La conversación que mantiene Jean-Paul Belmondo es con Samuel Fuller, para Godard el gran resistente secreto del cine americano, también para cualquier espectador más o menos sensible, más o menos educado. Nada es casual con Godard. Ni la elección de Fuller ni la de Belmondo, el protagonista de su primera película.

Godard es un ensayista.

El espectador también. Por eso Fuller dice que una película es un campo de batalla.

Godard son los padres.

Y nuestros padres (cinéfilos) nos dijeron que Jean-Luc Godard era obtuso y pedante y que François Truffaut es el mejor. Hay algo peor que repetir los errores de los padres y es heredar los prejuicios, prejuicios enteramente basados en un marco de experiencias y cultural absolutamente ajeno al nuestro. No hay que forzar la contemporaneidad, pero en cambio se puede forzar, y a borbotones, el anacronismo. Si nuestros padres tomaron como verdadero el prejuicio de que Truffaut fue siempre mejor, o peor, más humano ( ¿puede Godard ser acaso inhumano?), va siendo hora de levantarse y pensar. Por nuestra cuenta.

Godard es un intelectual.

Intelectual ha encontrado grandes derivados en el lenguaje del prejuicio, el lenguaje como una herramienta que reduce conceptos y básicamente define prejuicios en vez de ampliar significados. Intelectual es una palabra peligrosa actualmente porque, snif, implica una tensión, una tensión que se basa en una jerarquía. Entonces Godard es un intelectual, o lo que es peor, un moderno o un gafapasta. No sé que son las dos últimas cosas, ni me preocupa. Godard es efectivamente un intelectual. Y eso no es ningún problema.

Celebran sus películas ciegamente.

Otra mentira, heredada también. Ningún crítico riguroso, Jim Hoberman, Dave Kehr o Jonathan Rosenbaum a la cabeza, ninguno ha celebrado las películas de Godard ciegamente. ¿Quién puede hacerlo, de hecho? Su carrera es demasiado vasta como para adherirse a una religión que siga ciegamente sus películas. Algunas de sus películas son deleznables. Otras, en cambio, son obras maestras. Otras gozan de un olvido magnífico. Otras todavía cuentan con una incomprensión generalizada. Nadie celebra sus películas ciegamente.

Sus películas son ininteligibles.

Ninguna obra de arte es una fábula para idiotas. Una fábula maneja una serie de símbolos relativamente fácil y le da al espectador una respuesta más o menos satisfactoria sobre los problemas vitales. Y el espectador vuelve a cosa, conforme. Con este criterio, nunca leeríamos El Proceso de Franz Kafka. O veríamos ‘Vértigo’ (id, 1958) de Hitchcock. Nunca. Las películas de Godard son poco convencionales, incluso todavía, estando su discípulo traidor y redneck Tarantino en la primera línea de la cinefilia. Las películas de Godard no son deliberadamente oscuras: son poéticas. La poesía carece de un solo significado. Los versos de Valéry no son una alegoría, llenas de referencias míticas y afortunadas metáforas. Los versos de Valéry son el misterio tras la metáfora: lo mismo, pues, con las películas de Godard.

‘Al final de la escapada’ es su mejor película.

Es una obra maestra inicial, un golpe de frescura todavía, pero no puede ser su mejor película. Es tal vez su película más accesible, pero no la mejor. La mejor película de Godard es quizá el conjunto de ellas: su misma poética no está basada en entregar una obra maestra, acabada y simétrica, sino en fracasar muchas veces en proyectos de ambición desmesurada y extraña. La mejor película de Godard está en la primera, pero también en ‘Vivir su vida’ (Vivre sa vie, 1962), ‘El Desprecio’ (Le Mépris, 1963), ‘Pierrout le fou’ (id, 1965), ‘Masculin-Femenin’ (id, 1966), ‘La Chinoise’ (id, 1967), ‘Passion’ (id, 1982), ‘Histoire(s) du cinema’ (id, 1988) y ‘Film Socialisme’ (id, 2010).

Pero para cerrar este post, ahí va un consejo:

Fracasa otra vez. Fracasa mejor.

Palabras de Beckett. No puede mirar uno a Godard con muchos menos riesgos que los que él toma. No puede ser que mientras él lea y sea un poeta, sus espectadores pasen por prosaicos, por burdos. No es posible, no es ya ni siquiera algo menos que una necedad que mientras Godard fracasa, y no hay mejores fracasos artísticos que los que nacen del riesgo, e incluso hace una poética en marcha de ese fracaso, nosotros permanezcamos con discursos menos importantes, conformes con la dinámica establecida sobre como ver y pensar una película. No puede permitirse que las películas de Godard sean todavía más vivas, más curiosas que los espectadores de las mismas. Toda obra merece a sus mejores críticos, incluso nace de ellos.

Godard son y serán los padres hasta que no sea absolutamente nuestro.

Y ya va siendo hora.

Entre los muchos lugares comunes que rodean el mundo del cine, existe ese que dicta que, entre los años treinta y cincuenta del siglo veinte, sobre todo esa última década, se llegó a cimas inalcanzables. Una Edad de Oro irrepetible en la que se conjugaron genios a los que no pueden ni siquiera aspirar los grandes talentos de la actualidad, apagados injustamente por la llegada de la televisión en los años sesenta, y por el derrumbe de los estudios que levantaron un imperio de sueños y mentiras de celuloide. Como no me gustan los lugares comunes, ni estoy de acuerdo con esa idea en su mayor parte, debo decir que en verdad, bajo mi punto de vista, la cumbre del cine, en cuanto creación artística, tuvo lugar precisamente en esos años convulsos que tantos (para mi sorpresa) desprecian: los tumultuosos sesenta y los fundacionales setenta, que a mi juicio cambiaron el cine para siempre, lo devolvieron al lugar que merece entre las bellas artes, y lo despojaron de esa servidumbre consistente en considerarlo dependiente de otras artes como la literatura o el teatro, y otorgarle su verdadera plenitud.

El cine existe, entre otras cosas, porque en dos horas, poco más o menos, y dependiendo siempre del formato o de las inquietudes del artista que haya detrás, proporciona al espectador una experiencia de vida que, en el cada vez más asfixiante siglo XX (¡no digamos ya el siglo XXI!) no permite al hombre común experimentar en su propia existencia. Y esa experiencia de vida se hizo por primera vez patente con algunas de las ficciones más importantes de los años veinte, en plena época muda. Pero mientras esas obras maestras del cine mudo eran incompletas, porque carecían de la fundamental existencia del sonido, la llegada del cine con diálogos y ruido sincrónico significó una regresión en toda regla: la de olvidarse de que la imagen, y el sonido, son absolutos, y la de condenar al cine a un absurdo academicismo, a la mentira del glamour y del estrellato, a su fabricación industrial, que lo que consiguió fue encorsetarlo para poder venderlo como el arte (y el espectáculo) del siglo XX, cuando aún continúa siendo el arte del futuro, el que más cualidades posee para liberar al hombre del estado de letargo que la sociedad le impone.

Desde luego, en los años cuarenta y cincuenta, el cine norteamericano conquistó unas cuantas cumbres. En su mayor parte, gracias a emigrantes europeos que, en Estados Unidos, supieron ceñirse a las necesidades comerciales del momento para hablar de cuestiones profundamente personales. Pero no fueron cumbres más importantes que las que tuvieron lugar en Europa, con el neorrealismo, o en Asia, con la eclosión de inmensos talentos creadores. Pero estoy convencido de que no pueden compararse con las que tendrían lugar en los sesenta y los setenta. Por la sencilla razón de que el cine ya no era virgen. La semilla plantada por una serie de grandes obras de los cincuenta conocería su germen una década después. Ignorar esto, creo que es ignorar que el arte evoluciona, pese a quien pese. Si en los 50 los más grandes autores, como John Ford, habían deshecho la figura del héroe trágico, con ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, 1956), o como Robert Bresson, habían erosionado hasta destruirlo el concepto de puesta en escena tradicional (y por tanto, inservible para el espectador) con películas como ‘Un condenado a muerte se ha escapado’ (‘Un condamné à mort s’est échappé ou Le vent souffle où il veut’, 1956) o ‘Pickpocket’ (íd, 1959), o como Orson Welles, habían dinamitado el cine épico, histórico, de género o adaptaciones con ‘Sed de mal’ (‘Touch of Evil’, 1958) o ‘Mister Arkadin’ (‘Mr. Arkadin’, 1953), el cine estaba preparado para pasar al siguiente estadio.

Los artistas que liberaron el cine

A veces pienso que se dieron la mano una serie de factores externos, más una serie de circunstancias sociales y estéticas, más algo de eso resbaladizo que llaman destino, para que en los años sesenta todo cambiara. El inabarcable pesimismo que rodeó el fin de la Segunda Guerra Mundial, la constatación de que el hombre se había superado a sí mismo en su capacidad para destruir a los de su propia raza y al resto de razas, y al propio planeta Tierra, el existencialismo y la perfección técnica de otras bellas artes como la novela, el ensayo o la divulgación científica a lo largo de los años cincuenta, la exploración de resortes emocionales como el fuera de campo, el punto de vista, el sonido psicológico, la mixtura de géneros, la secuencia musical y el silencio (inventado por el cine sonoro…), la renovación de conceptos fotográficos que bebían de las vanguardias europeas, el arte por el arte, el hedonismo conceptual y moral, se hicieron dueños de la representación cinematográfica y echaron abajo la idea del cine como un mero cuenta cuentos más o menos lujoso, para echar a andar por el fangoso (pero apasionante, rebelde, doloroso) camino del cine moderno: el que observa al hombre y al mundo con total libertad.

El cine de los años cuarenta y cincuenta, grande en sí mismo, no puede competir con el de los grandes artistas de los sesenta y setenta, porque todavía era esclavo de esa artesanía industrial en la que las estrellas mediáticas, las etiquetas de los géneros, la idea del cine como evasión lo dominaban practicamente todo. Además, sus enormes logros se veían empañados por su conservadurismo ideológico, que proponía especulaciones morales tales como que la puesta en escena era una demostración, antes que una creación de vida, un fin en sí mísmo, antes que una forma de expresión. Pero ya se estaba plantando la semilla, en los títulos nombrados y algunos otros, para dar el siguiente paso. Y tuvo lugar. En 1961 llega la fundamental ‘El año pasado en Marienbad’ (‘L’annèe dernière à Marienbad’, Alain Resnais), que tantas cosas destruyó y creó, ‘La noche’ (‘La notte’, Michelangelo Antonioni) y ‘Como en un espejo’ (‘Såsom i en spegel’, Ingmar Bergman), y el cine deja de ser un espectáculo y se convierte en una reflexión culta, profundísima, de los sentimientos y emociones humanas. Pero antes llega ‘La aventura’ (‘L’avventura’, Antonioni, 1960), y antes aún ‘Sombras’ (‘Shadows’, John Cassavetes, 1959).

Porque en los sesenta empiezan algunos de los más grandes, y transforman la faz de la cinematografía: el franco-polaco Roman Polanski en 1962, el mismo año que comienza a dirigir el gran director ruso Andrei Tarkovski. Pero otros veteranos como Luis Buñuel y Akira Kurosawa llegan a la plenitud de su trayectoria con las obras más personales (y probablemente las más completas) que han hecho hasta entonces, como ‘Viridiana’ (1961), ‘El ángel exterminador’ (1962), ‘Simón del desierto’ (1965), ‘Los canallas duermen en paz’ (‘Warui yatsu hodo yoku nemuru’, 1960), ‘Yojimbo’ (‘Yôjinbô’, 1961), ‘Sanjuro’ (‘Tsubaki Sanjûrô’, 1962). Para rematar, los mejores frutos de la Nouvelle Vage francesa (con François Truffaut y Eric Rohmer a la cabeza) y del Free Cinema británico llegan en los sesenta, muchos directores televisivos comienzan a pasarse al cine y a dotarlo de una inmediatez impensable hasta entonces, recuperando sobre todo un estilo documental que el cine norteamericano había perdido hacía varias décadas. Finalmente, de nuevo en 1960, Jean-Luc Godard firma ‘Al final de la escapada’ (‘À bout de souffle’) y el cine vuelve a ser tan libre como lo era en sus inicios, al margen de industrias, de público, de ganancias mercantiles, de academicismos. Un renacer.

Los libérrimos caminos del cine esencial

Y si en Europa cristalizaban todos estos movimientos artísticos, todas estas pulsiones creativas, EEUU supo recoger las esencias de todo ello y darles una oportunidad a toda una serie de nuevos cineastas, pertenecientes a la primera generación de estudiantes universitarios de cine, llamados por la historia para reflejar a su modo tanta libertad creativa, tanta alegría de filmar. Los más combativos, como Dennis Hopper o John Cassavetes, impulsaron el cine independiente hasta límites que otros, hoy día, no pueden ni soñar. Y los más ambiciosos, los Spielberg, Lucas, Scorsese, Coppola, De Palma y compañía, se curtieron en televisión, en documentales, en seminarios, en cortos, hasta que por fin pudieron demostrar todo el genio que llevaban dentro. Se daban la mano los grandes talentos de EEUU y Europa para insuflar de vida y de verdad al cine, que ya daba síntomas de morir enquistado en tanto conservadurismo conceptual. Todos ellos rompieron con el pasado, mientras aprendían de él (pues había mucho de bueno también) y bebían de las ventanas abiertas por Lang, Ford, Walsh, Wilder, Hawks, Welles, Ozu, Mizoguchi, Buñuel, Hitchcock, Tourneur... La nueva generación tomaba un testigo tardío, pero robusto, y se proponía llegar lo más lejos posible.

Sin embargo, ya comentamos hace poco que todo este resurgir, este caudal de talento en ambos continentes, sin llegar a secarse, se truncó demasiado pronto, atenazado por los gustos del público (que considera, en muchas ocasiones, a este cine verdaderamente culto como el menos interesante que puede ver, lo que es desolador), por la avalancha de cine para adolescentes que comenzó a apabullar en los años ochenta, por haber atendido demasiado los cantos de sirena de los grandes estudios, y por haberse pervertido en parte. Sin embargo, hoy día, gran parte del cine más interesante de ambos continentes pertenece a esa misma estirpe esencial, transita por los mismos caminos estéticos e intenta ir más allá, sin preocuparse tanto del pasado y mirando siempre hacia el futuro, como todo verdadero artista que se precie. Los grandes artistas que surgieron o llegaron a la plenitud en los sesenta y setenta, crearon las obras de arte más audaces de la historia, y posiblemente las verdaderamente clásicas. Esto es, las que nunca envejecen, nunca pasan de moda, y están fuera de su tiempo mientras lo describen y se nutren de él.

Es un actor antidocumental, incluso cuando saluda nos deslizamos en la ficción, por no decir en la ciencia-ficción. Su realismo es el mismo que el de los sueños.” François Truffaut acerca de Jean-Pierre Léaud

El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria ha dedicado un homenaje al mítico actor Jean-Pierre Léaud.

Alter-ego y actor fetiche de François Truffaut, Léaud ha participado en varias cintas del autor. Comenzó en el papel de Antoine Doinel en ‘Los 400 golpes’ (1959), en la que no era más que un niño; y siguió con este personaje hasta ‘El amor en fuga’ (1978), pasando por ‘Antoine y Colette’ (1962), episodio de la película colectiva ‘El amor a los veinte años’ (1962), ‘Besos robados’ (1968) y ‘Domicilio conyugal’ (1970). Otros films de Truffaut en los que interpretó otros personajes fueron ‘Las dos inglesas y el amor’ (1971) y ‘La noche americana’ (1973).

Se le reconoce como uno de los rostros de la Nouvelle Vague. Además de para Truffaut, Léaud trabajó para otros directores, como Jean-Luc Godard, Jean Cocteau, Jean Eustache, Olivier Assayas, Agnès Varda, Dominique Cabrera, Philippe Garrel, Tsai Ming-Liang, Luc Moullet, Pier Paolo Pasolini o Jerzy Skolimowski.

Protagonizó la magnífica ‘Contraté a un asesino a sueldo’, del director finlandés Aki Kaurismäki, para el que también interpretó ‘La vida de bohemia’ (1992) y para el que ha rodado ‘Le Havre’ (2011), que se estrenará en Finlandia en septiembre de este año y que espero que llegue a continuación a nuestro país.

El homenaje iba acompañado de un ciclo retrospectiva. El actor, que estuvo presente en el festival, concedió varias entrevistas a medios españoles, en las que desveló, entre otras cosas, que dentro de unos meses trabajará a las órdenes de un director español del que lo único que quiso adelantar es que es «de mucho talento».

Léaud inauguró el festival el día 1 de abril, junto a Willem Dafoe, quien aprovechó que presentaba uno de sus últimos trabajos, ‘A Woman’, dirigido por su esposa Giada Colagrande.

Jean-Pierre Léaud en ‘Domicilio conyugal’ (François Truffaut, 1970).”

Palmarés

El jurado oficial, compuesto por Jerzy Skolimowsky, Vicente Molina Foix, Pascal Vimenet y Arsinée Khanjian, ha entregado los siguientes galardones:

El principal premio, denominado Lady Harimaguada de Oro, ha ido a parar a ‘Jean Gentil’, de Laura Amelia Guzmán e Israel Cárdenas (República Dominicana, México, Alemania, 2010). La Lady Harimaguada de Plata ha recaído en ‘Nannerl, la hermana de Mozart’, de René Féret (Francia, 2010) , película que también se ha llevado dos premios ex aequo a la Mejor Actriz, para Marie Féret y Lise Féret. El Mejor Actor ha sido Pedro Casablanc por su interpretación en ‘El mundo que fue y el que es’, de Pablo Llorca (España, 2011).

El premio especial del Jurado se lo ha ganado ‘Jiabiangou’ /‘The Ditch’, de Wang Bing (Hong Kong / Francia / Bélgica, 2010), que también ha obtenido el premio del Público y el Premio Signis. El jurado José Rivero al Mejor Nuevo Director, integrado por Sonia Herman Dolz, Francisco Javier de Lucas y Sophie Mirouze, ha otorgado el premio a Olivier Masset-Depasse por su película ‘Illégal’ (Bélgica / Luxemburgo / Francia, 2010).

El resto de los premios se puede consultar aquí | página oficial del Festival de cine de Las Palmas.

Nos encontramos en una de las pocas semanas en las que llegan estrenos potentes. La esperada arribada de ‘Tron: Legacy’ es un acontecimiento para los seguidores de la película original, pero también existe una gran curiosidad por ver lo que ha hecho Álex de la Iglesia en ‘Balada triste de trompeta’. Para quienes busquen otro tipo de films —que los hay, aunque no sean comentaristas mayoría en Blogdecine— también existen propuestas interesantes, como ‘El último bailarín de Mao’. Lo restante compone una cartelera de lo más internacional, que parece más bien el festival de Eurovisión, con un film franco-suizo —Godard, ¿quién si no?—, uno noruego, uno checo y otro rumano.

‘Tron: Legacy’

Nacionalidad, año: EE. UU. 2010.

Dirigida por: Joseph Kosinski.

Interpretada por: Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde, Michael Sheen, James Frain, Beau Garrett y Bruce Boxleitner.

Sinopsis: Sam Flynn es un experto en tecnología que, investigando la desaparición de su padre, Kevin Flynn, acaba metido en el mismo mundo de programas violentos y juegos de lucha donde su padre ha estado viviendo los últimos 25 años. Padre e hijo se embarcan, junto a su leal confidente, en una aventura a vida o muerte a través de un cíber universo que se ha hecho más avanzado y mucho más peligroso.

¿Qué podemos esperar? Grandiosos efectos especiales en 3D, pero la crítica en EE. UU. no la ha puesto muy bien, con argumentos como que el guion —por cierto, ya es oficial que escribirlo con tilde es una falta de ortografía— es malo, que parece un videojuego y que no hay humanidad en ella. Esperemos que no sea tanto como dicen y que, por lo menos, entretenga.

Tráiler de ‘Tron: Legacy’

‘Balada triste de trompeta’

Nacionalidad, año: española, 2010.

Dirigida por: Álex de la Iglesia.

Interpretada por: Carlos Areces (Javier), Carolina Bang (Natalia), Antonio de la Torre (Sergio), Manuel Tallafé (Ramiro), Fernando Guillén Cuervo (capitán miliciano), Enrique Villén (Andrés), Santiago Segura (padre del payaso tonto), Sancho Gracia (coronel Salcedo), Juan Luis Galiardo (Ring Master), Manuel Tejada (jefe de pista), Gracia Olayo (Sonsoles).

Sinopsis: Javier perdió a su padre en la guerra civil. Ahora, en 1973, quiere seguir su tradición y trabajar en el circo, pero sabe que no podrá ser payaso tonto, pues no ha tenido infancia y no puede hacer reír a los niños. En su lugar, será un payaso triste y, para ser feliz, buscará la venganza, como le aconsejó su padre. Cuando entra a trabajar nuevo en un circo se enamora de una trapecista y comprueba que su pareja, el payaso tonto, la maltrata.

¿Qué podemos esperar? La conclusión a la que llegaba en mi crítica es que se trata de una buena película, pero no de una película complaciente ni agradable de ver. Es desmesurada y grotesca y su final resulta un desparrame, pero no diferente al de otras propuestas de de la Iglesia, así que seguro que estaba en sus intenciones crear esa locura y, por lo tanto, los fans del director no saldrán decepcionados.

‘El último bailarín de Mao’

Título original, nacionalidad, año: ‘Mao´s Last Dancer’, estadounidense, 2009.

Dirigida por: Bruce Beresford

Interpretada por: Chi Cao, Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan y Joan Chen.

Sinopsis: film biográfico sobre Li Cunxin, un extraordinario artista que aprendió en la escuela del régimen comunista de Mao, pero que fue descubierto a una temprana edad por el coreógrafo Ben Stevenson, quien le consiguió una estadía estudiantil en EE. UU. Allí, Li conoció a una chica y aprendió a sentir auténticamente lo que bailaba. Por ello, cuando llegó la hora de regresar a su país natal, su empeño de permanecer en América causó un incidente diplomático que se conoció en el mundo entero.

¿Qué podemos esperar? Como ya comentaba en mi reseña, se trata de una película convencional en muchos sentidos, pues es un biopic con tintes políticos y retrato de época, pero dentro de lo que pretende ser, está sumamente conseguida y logra emocionar. Por lo tanto, me parece una opción que no habría que descartar rápidamente. Puede haber influido que el guion es de Jan Sardi (‘Shine’).

‘Don Mendo Rock ¿La venganza?’

Nacionalidad, año: española, 2010.

Dirigida por: José Luis García Sánchez.

Interpretada por: Fele Martínez, Paz Vega, Manuel Bandera, Antonio Resines, María Barranco, Juanjo Cucalón y Elena Furiase

Sinopsis: ‘Don Mendo Rock ¿La venganza?’ narra las vicisitudes que un grupo de esforzados habitantes de un pueblo de Andalucía sufre para grabar en un programa de televisión la popular obra de Muñoz Seca ‘La Venganza de don Mendo’. Sus escasos recursos económicos les llevan a solicitar la colaboración de las fuerzas vivas: Guardia Civil, alcalde y demás personajes de la vida pública. Mientras tanto, los ciudadanos, mayoritariamente inmigrantes, protagonizarán una gran manifestación a las puertas del Ayuntamiento por que quieren participar en la grabación…..pero ¿cómo no?, cobrando. El guión, escrito por el propio director y por el importante escritor José Luis Alonso de Santos, homenajea a los maestros de la comedia neorrealista de la España de los ’50, como Berlanga, autor con el que siempre ha guardado una similitud García Sánchez, aunque sólo fuese por compartir a Azcona como guionista.

¿Qué podemos esperar? Es una pena que la película no tenga demasiada buena pinta, ya que la obra de teatro me resulta muy divertida y no me habría importado disfrutar de una versión actualizada y metalingüística de ella. No la descarto del todo, si tengo un rato, le daré una oportunidad.

‘Burlesque’

Nacionalidad, año: Estadounidense, 2010.

Dirigida por: Steven Antin.

Interpretada por: Cher (Tess), Christina Aguilera (Ali), Eric Dane (Marcus), Cam Gigandet (Jack), Julianne Hough (Georgia), Peter Gallagher (Vince), Alan Cumming (Alexis), Kristen Bell (Nikki), Stanley Tucci (Sean).

Sinopsis: una ambiciosa muchacha (Christina Aguilera) de un pequeño pueblo que posee una increíble voz y que viaja hasta Los Ángeles, ciudad en la que el regente de un local (Stanley Tucci) le da la oportunidad de que demuestre su talento. Éste es a su vez el mejor amigo y confidente de Tess (Cher), una antigua bailarina que toma a la chica bajo su protección. Sin embargo, ello desata los celos de Nikki (Kristen Bell), quien hasta el momento era la principal atracción del lugar.

¿Qué podemos esperar? Pues para ver una historia de bailarina que empieza y tiene que pelear contra el ego de una veterana, me quedo con ‘Showgirls’.

‘Film socialisme’

Nacionalidad, año: Francia y Suiza, 2010.

Dirigida por: Jean-Luc Godard.

Interpretada por: Catherine Tanvier, Christian Sinniger, Jean Marc Stehlé, Patti Smith, Alain Badiou, Robert Maloubier, Elizabeth Vitali, Eye Haidera, Agatha Couture, Marie-Christine Bergier.

Sinopsis: Una sinfonía en tres movimientos. COSAS COMO: Un crucero por el Mediterráneo donde se relacionan múltiples pasajeros, la mayoría de vacaciones, un filósofo (Alain Badiou), un embajador de Palestina (Elias Sanbar), una cantante americana (Patti Smith), un antiguo criminal de guerra, un agente doble… y donde lo que se ve (la imagen) es muy diferente de lo que se dice (la palabra). NUESTRA EUROPA: En el transcurso de una noche, una adolescente y su hermano pequeño convocan a sus padres ante el tribunal de su infancia. Les exigen explicaciones sobre los temas de libertad, igualdad y fraternidad. NUESTRAS HUMANIDADES: Se visitan seis escenarios de leyendas verdaderas y falsas: Egipto, Palestina, Odessa, Hellas, Nápoles y Barcelona.

¿Qué podemos esperar? La verdad es que tengo sentimientos encontrados con respecto a ella. Por un lado, sospecho que será una gran película, con capacidad para hacernos reflexionar. Pero también me da miedo encontrarme con algo durito de soportar.

‘Historias de la Edad de Oro’

Título original, nacionalidad, año: ‘Amintiri din Epoca de Aur’, Rumanía, 2009.

Dirigida por: Cristian Mungiu, Ioana Uricaru, Hanno Höffer, Razvan Marculescu y Constantin Popescu.

Interpretada por: Teo Corban (alcalde), Emanuel Pirvu (inspector del partido), Avram Birau (fotógrafo), Vlad Ivanov (Grigore), Tania Popa (Camelia), Liliana Mocanu (Marusia), Ion Sapdaru (agente Alexa), Diana Cavalioti (Crina), Radu Iacoban (Bughi).

Sinopsis: Los últimos quince años del régimen de Ceausescu fueron los peores de la historia de Rumanía. Sin embargo, la maquinaria propagandística de la época se refiere indefectiblemente a aquel periodo como la Edad de Oro. La película es una adaptación para la gran pantalla de las leyendas urbanas más famosas de aquella época, en la que abundaban las historias cómicas, absurdas y sorprendentes, inspiradas en los acontecimientos surrealistas de la vida cotidiana bajo el régimen comunista. El sentido del humor es lo que sostuvo a los rumanos, y el filme se propone capturar ese estado de ánimo al reproducir la supervivencia de una nación que tenía que afrontar día a día la lógica distorsionada de la dictadura. ‘Historias de la Edad de Oro’ es la combinación de varias historias reales que se remontan a una época en la que la comida era más importante que el dinero, la libertad más importante que el amor y la supervivencia más importante que los principios.

¿Qué podemos esperar? Con una duración de dos horas y media, esta película puede resultar interesante para quienes tengan curiosidad por la historia reciente en Rumanía. Su otro aliciente puede estar en el humor, ya que la película tiene como punto de partida presentar de forma cómica lo que podría ser trágico.

‘Aventuras en el desván’

Título original, nacionalidad, año: ‘Na půdě aneb kdo má dneska narozeniny?’, República Checa, 2009.

Dirigida por: Jirí Barta.

Sinopsis: En “Aventuras en el desván, ¿quién cumple años hoy?”, los héroes son valientes juguetes que emprenden un viaje lleno de aventuras a través de una vieja y misteriosa buhardilla para rescatar a su amiga, una hermosa muñeca.

¿Qué podemos esperar? El regreso de uno de los más importantes maestros de la animación en stop motion puede valer la pena.

‘La montaña mágica’

Título original, nacionalidad, año: ‘Julenatt i Blåfjell’, Noruega, 2009.

Dirigida por: Katarina Launing y Roar Uthaug.

Interpretada por: Simen Bakken, Sigve Bøe, Nikoline Ursin Erichsen, Kari Ann Grønsund, Kyrre Hellum, Johan Tinus Lindgren, Lillian Lydersen.

Sinopsis: La princesa Bluerose es un pequeño gnomo que vive en las montañas. Allí, una comunidad de gnomos se encarga de controlar el paso de la noche al día gracias a la plata mágica que poseen. Un día, un grupo de gnomos y humanos roban la plata, condenando así al mundo a vivir en penumbra para siempre. La princesa Bluerose se embarcará en un increíble misión para recuperar la preciada plata.

¿Qué podemos esperar? Una película noruega… de aventuras… para niños… ¿tengo que añadir algo? Bueno, sí, quizá me queda añadir que nada que ver con Thomas Mann, aunque ese dato podría animar más que desanimar.

Vía | La butaca.

“En un año que sea un ‘buen reserva’, se producen cinco o seis buenos títulos en el mundo. No más. Puede estar bien ver esas cinco o seis películas. A veces también puede estar bien contentarse con lo peor, la verdadera mierda, sólo para aprender lo que no hay que hacer. Los malos filmes siempre serán más instructivos que los buenos.”

-Werner Herzog

En sus ciento quince años de existencia, se ha vaticinado la Muerte del Cine, o al menos la muerte del cine tal y como lo conocemos, casi cada año. Presentado de manera más o menos oficial el 28 de diciembre de 1895, en París, fue despreciado en un comienzo como un número de barraca de feria, una atracción que suponía, como mucho, una extensión de mal gusto de la fotografía. Pero ya Edison estuvo muy cerca de inventar el cine, aunque parece poco probable que su eminente ingenio hubiera previsto lo que han significado algunas películas. Ahora, con el cine convertido en una gigantesca industria mundial de entretenimiento, que maneja presupuestos multimillonarios y eclipsa casi por completo otras formas de expresión, parece que los grandes títulos escasean más que nunca, que los grandes maestros son cosa del pasado, que las formas están agotadas.

¿Significa esto que el cine ha entrado en una decadencia irreversible y que afronta sus últimos coletazos? No parece viable que las grandes compañías renuncien a continuar creando productos audiovisuales de masas durante muchos años, y a ganar grandes cantidades de dinero con ello, eso lo asumimos todos. Tampoco parece demasiado viable que el venerado cine de los años treinta, cuarenta y cincuenta vaya a conocer una réplica actual en cuanto a autores importantes y a número de grandes obras. Esto también lo asumimos todos. Pero, y aunque no tengo la menor intención de contestar a ese interrogante, sí se puede hacer una reflexión en torno a las razones que llevan a muchos a hacérselo, y así aprovechamos para hacer un repaso de la compleja situación actual del cine y de la no menos compleja figura del espectador en el siglo XXI.

Hace algunos días, leí un comentario de una entrada de alguno de mis compañeros (confieso que no recuerdo en cuál, lo he buscado y sigo sin encontrarlo…), en la que el autor afirmaba que 2010 no estaba siendo un año tan malo como otros comentaristas aseguraban, y daba varios títulos que apoyaban su idea. A grandes rasgos, estoy de acuerdo con él, porque también estoy de acuerdo con Werner Herzog, cuya cita de arriba del todo es muy ilustrativa de su forma de ser. ¿Por qué queremos, o necesitamos, o creemos que son posibles veinte o treinta grandes películas en un año? ¿Son muchos espectadores capaces de distinguir verdaderamente una gran obra dentro de la enorme masa de obras mediocres? ¿No tenemos el listón demasiado alto, o demasiado bajo en algunas ocasiones? ¿Por qué tanta gente se empeña en considerar las películas como mero entretenimiento y luego protestan cuando al cabo de un año le han entusiasmado verdaderamente muy pocas películas entre todas las que ha ido a ver al cine? Vamos por partes, y prometo que no es mi intención sentar cátedra, ni nada por el estilo. Sólo reflexionar e invitar a la reflexión en los comentarios:

1. Hacer cine hoy es muchísimo más difícil que hacerlo hace cincuenta años. No creo que esto se pueda discutir. Los espectadores y los directores que hacían cine hace medio siglo sólo habían podido ver, y muchas veces muy poco, el cine hecho hasta entonces, lógicamente, mientras que nosotros conocemos (o podemos conocer, al menos) todo ese cine y todo el de después. Es decir, es mucho más difícil sorprendernos, emocionarnos, enseñarnos algo que nunca hayamos visto. Por otra parte, ha de competir con otras formas de entretenimiento como la televisión o los videojuegos. Esto me lleva al segundo punto.

2. Vemos, nosotros y los que hacen cine, demasiadas películas. Los grandes maestros del mudo y muchos del sonoro (Lang, Mizoguchi, Griffith, Murnau, Ford, Lubitsch…) inventaron algo que todavía no existía, y ahí radica gran parte de su fuerza. Ya no hay, y es una pena, espectadores ni creadores “inocentes”. Más bien imitadores de formas ya establecidas, en lugar de buscar sus propias formas. Hasta la televisión o los videojuegos imitan las formas del cine.

3. Hablando de formas, existe una gran limitación a la hora de considerar las formas del llamado “cine clásico norteamericano” como las únicas válidas, o por lo menos las mejores y las más perfectas, cuando se trata más bien de una artesanía esquemática, la cual sin embargo es prolífica en grandes títulos porque los grandes autores europeos emigraron allí debido a la Segunda Guerra Mundial o simplemente por ganar más dinero (¡lógico y normal!) y por disponer de mejores medios. Esa plenitud artesanal ha generado muchos prejuicios que arrastramos hoy día, hasta el punto que la mayoría valora una película en relación a lo que sería el modelo clásico, en lugar de valorarla sólo en relación a sí misma y a su director. Hasta que no nos demos cuenta de que el cine sigue cambiando, evolucionando, buscando su forma, seguiremos estancados y el cine seguirá desaprovechado. Así lo veo yo.

4. Se hacen demasiadas películas. No soy nadie para sugerir ningún tipo de criba ni de mínímos profesionales, pero creo que (según unos datos publicados hace pocos años) casi mil películas al año en Europa, más de mil en India, alrededor de medio millar en Estados Unidos, más de trescientas en China, más de cuatrocientas en Japón, cada año, es una barbaridad. Esto, además, provoca una consecuencia directa: que muchas películas que probablemente sean muy valiosas, nunca alcancen una distribución medianamente digna, y pasen al olvido, mientras solamente se potencia la carrera comercial de productos fabricados para entretenimiento de masas, no precisamene el cine de autor, que es el único que soporta el paso del tiempo.

5. Parece que no nos damos cuenta de lo que ha costado conquistar una serie de espacios y derechos para la libre opinión después de que Franco se fuera al otro mundo de una vez. Ha sido un avance lento y lleno de dificultades que, ahora, se ha visto interrumpido y ha conocido un gran retroceso, sobre todo con la llegada de internet. Y el lector dirá: ¿Adrián, qué me estás contando, qué tendrá que ver con lo demás? Muy sencillo: el cine no solamente son las películas, también son los espectadores y los especialistas que las reciben. Sería inútil que se hicieran 50 obras maestras al año si los medios de comunicación valoran más el pepinazo mediático y el morbo fácil, si no hay margen para lo diferente y lo personal, si los foros de opinión arrinconan de forma violenta cualquier punto de vista divergente o rompedor. Ver cine es muy fácil, y escribir sobre cine también (basta con juntar unas cuantas palabras, en realidad) pero elaborar criterios, llevar a la reflexión, practicar la coherencia, mojarse en el punto de vista, aceptar ideas diferentes a la tuya sin ofenderte (???)... eso es muy difícil, y también influye a la hora de ver y de aprender viendo cine. Y es cierto que todos tenemos una opinión, pero no todas las opiniones valen lo mismo. En caso contrario entramos en una dictadura de la opinión sobre la jerarquía del conocimiento.

6. Con la llegada de algunos éxitos 3D (un fenómeno que, creo, va a ser muy efímero) los fatalistas repiten las letanías que ya se oían con la llegada del sonido o del color, “profetizando” un final más rápido aún para el cine. El 3D es solamente una herramienta más, y creo que como tal debe ser empleada. No creo que mejore o empeore una película, y dudo mucho que dentro de unos años todo el cine sea en 3D, ni siquiera un porcentaje considerable lo será.

7. Sería bueno abandonar ciertos fanatismos y ciertas posturas extremas. Al igual que ha pasado con otras artes, la intransigencia y la intemperancia, pueden hacer mucho daño al cine, aunque el cine no sea un arte (y no estoy seguro de que lo sea). Tal como digo más arriba: el cine no solamente son las películas, también sus autores y sus receptores (el público). Todos existen gracias a los otros dos. Y el fanatismo hace mucho más daño del que parece.

8. En el último punto me gustaría retomar la afirmación de arriba del todo de Herzog. Evidentemente, un año en que se produzcan cinco buenas películas, buenas de verdad, es un gran año. Y además estoy seguro de que la mayoría de los años se producen más de cinco buenas, aunque es probable que no veamos algunas de ellas porque lleguen tarde o directamente no lleguen.

Para terminar, y esperando que aportéis vuestras propias reflexiones, dejo dos citas más, muy interesantes, de Carl Theodor Dreyer y de Jean-Luc Godard, que digo yo que “algo” sabían de esto:

“Sin duda, estamos todos de acuerdo en que el cine, tal y como lo conocemos hoy en día, no es perfecto. Pero eso es motivo de alegría, porque lo imperfecto postula la evolución. Lo imperfecto vive; lo perfecto está muerto, fuera de competición, no nos tenemos que preocupar por ello. En lo imperfecto hay miles de posibilidades en conflicto.”

- Carl Theodor Dreyer

“Lo único que necesitas para hacer una película es una chica y una pistola.”

- Jean-Luc Godard

La mítica película de Jean-Luc Godard ‘Al final de la escpada’ (‘À Bout de Souffle’), que supuso el punto de referencia para la Nouvelle Vague y con ella una revolución del lenguaje cinematográfico, cumple 50 años desde su estreno en Francia. Cinco décadas que la han convertido en una cinta de culto, alabada como una obra maestra por muchos, punto de referencia para entender la historia del cine, es un referente que para conmemorar tan honorable ocasión, ha sido restaurada apropiadamente (se puede ver un clip con el resultado en The Guardian).

El motivo es aprovechar su aniversario para un nuevo lanzamiento en DVD y Blu-ray que llegará el próximo mes de septiembre (previo paso por cines británicos en unos días), aunque no sabemos aún si en España lo hará al mismo tiempo.

Curiosamente el octogenario director ha regresado al cine con ‘Film Socialisme’, un trabajo provocativo que pasó por el Festival de Cannes, pero que no consiguió precisamente buena acogida. La edad no perdona, aunque no a todos por igual. Lo que no quita que se le reconozca su enorme valor en una época en la que gracias a sus inquietudes, junto a lo de otros críticos y analistas reconvertidos a cineastas entusiastas, lograran revolucionar el cine e impulsarlo en el curso de la historia. Y a pesar del tiempo transcurrido, la película sigue manteniendo ese aura de cine diferente, de imposición del estilo de su realizador y que no conviene olvidar.

Con motivo de este aniversario, también se pone en marcha una exposición de fotografías sobre la película que capturaron la esencia de la Nouvelle Vague. Tendrá lugar a partir del próximo mes de julio en Londres, así que cualquier cinéfilo que pase por la capital británica, ya tiene una interesante cita.

Vía | The Guardian

En realidad se trata de un vídeo documental que responde al título de ‘Meetin’ WA (1986)’, que grabó Jean Luc Godard durante su estancia en Nueva York, y en el que destaca una amistosa entrevista a Woody Allen, en concreto sobre la película que por aquella época tenía entre manos, ‘Hannah y sus hermanas’. La entrevista elogia la obra del cineasta neoyorquino, y además incluye, en la parte menos interesante, reflexiones y comentarios del propio Godard, para rellenar los tiempos muertos del vídeo.

Pensado para los fans de Woody Allen. Ahora que su ‘Vicky Cristina Barcelona’ está en camino, no viene mal escuchar que tenía que decir el neoyorquino por aquel entonces sobre su cine y su trabajo, y ante la mirada de otro cineasta. Unos muy interesantes minutos y una pequeña lección de cine.

Vía | Spout Blog
Más información | Dailymotion

‘Al final de la escapada’ (‘À bout de souffle’, 1960)

Se trata del mítico film del suizo Jean-Luc Godard, que revolucionó el cine con el montaje discontinuo y una preciosa fotografía en blanco y negro. Junto con otras obras, dio comienzo a la Nouvelle Vague, la nueva ola, un movimiento creado por críticos y cineastas para dar con un cine más auténtico.

En el guión, además del propio Godard, participaron François Truffaut y Claude Chabrol. ‘À bout de souffle’ fue pionera incluso en la actitud de sus intérpretes principales: Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg. Con una traducción de título absolutamente absurda, es una de esas películas imprescindibles que supongo que ya ha visto cualquier persona interesada en el séptimo arte y que tendría que ver cualquiera que aún no haya tenido la oportunidad. Por otro lado, es uno de los Godards más llevaderos, si no el más ligero y accesible a todos los públicos.

Michel Poiccard es un ladrón de coches que viaja en un coche robado por la carretera Marsella-París. Durante el camino asesina a un policía que intentaba multarle por exceso de velocidad, tras lo que emprende una alocada huida. En París conoce a Patricia Franchini, una joven estudiante estadounidense que anhela ser periodista, a la que convence para que le deje esconderse unos días en su casa hasta que tenga dinero.

‘Mi hermano es hijo único’ (‘Mio fratello è figlio unico’, 2007),

Fil de Daniele Luchetti en el que Accio (Elio Germano) es irritable, explosivo y problemático. Su hermano mayor, Manrico (Riccardo Scamarcio), es guapo, carismático y querido por todos, aunque en el fondo es igual que Accio. Ambos metidos en política, se unen a partidos opuestos. La lucha por defender sus ideales y por una misma mujer les distanciará. Deberán pasar 15 años hasta que se den cuenta de que a pesar de sus diferencias, son iguales.

Yo no la he visto, pero Alberto Abuín dice en su crítica que es la típica nostalgia italiana.

‘Ángeles S.A.’ (2007)

Eduard Bosch dirige a Anabel Alonso, María Isabel, Jaime Barnatán, Pablo Carbonell, Silvia Marsó y a Darío Paso en la historia de Carlos (Pablo Carbonell), un hombre felizmente casado con Julia y padre de dos hijos, María Isabel (María Isabel) y Dani, lo tiene todo en la vida. Un accidente mortal hace que suba al cielo y conozca a Simona (Anabel Alonso), la “jefe” de los ángeles. Al llegar al cielo, se da cuenta de que todos tenemos un ángel de la guarda asignado menos su hija, María Isabel. Así que, con la ayuda de Simona, Carlos se convertirá en el ángel que tanta falta le hace a la pequeña y la ayudará a triunfar como cantante. Si todos tuviésemos asignado un ángel de la guarda, ¿quién sería?

‘Provoked: A True Story’ (2007)

Película basada en hechos reales y dirigida por Jag Mundhra, en la que Kiranjit (Aishwarya Rai), enamorada de Deepak (Naveen Andrews), decide irse de la India y trasladarse a Londres para casarse. Su vida de ensueño se desvanece cuando descubre que su marido es un alcohólico. Los maltratos tanto físicos como psíquicos empiezan a sucederse e incapaz de soportar la brutalidad de los maltratos y las violaciones continuas, decide deshacerse de él. Acusada de asesinato en primer grado, Kiranjit debe enfrentarse a una cadena perpetua. Es entonces cuando empieza una lucha a muerte por sobrevivir y vengarse de todos aquellos que la inculparon.

‘Dillinger’

Afortunadamente, no se trata del insufrible film de Marco Ferreri con Michel Piccoli, ‘Dillinger è morto’, sino de la vida del auténtico John Dillinger, el criminal más buscado del mundo en los años ‘30.

Salen a la venta varias películas de los años noventa: ‘Enemigo’ (‘Enemy Within’, 1994), de Jonathan Darby, con Jason Robards y Sam Waterston. ‘Entre el bien y el mal’ (‘Always Outnumbered, Always Outgunned’, 1998), de Michael Apted, con Laurence Fishburne. ‘Escuadrón de combate 332’ (‘The Tuskegee Airmen’, 1995), de Robert Markowitz, también con Laurence Fishburne y con Cuba Gooding, Jr. ‘Tyson’ (1995), de Uli Edel, con George C. Scott. ‘Juguetes de guerra’ (‘The Pentagon Wars’, 1998), de Richard Benjamin, con Olympia Dukakis.

Los fans de Bette Davis están de enhorabuena, pues varias de sus interpretaciones se pueden comprar ahora en DVD: ‘Engaño’ (‘Deception’, 1946), de Irving Rapper, en la que acompañan a Davis, Claude Rains, Paul Henreid y John Abbott. ‘Como ella sola’ (‘In This Our Life’, 1942), de John Huston, con Bette Davis y Olivia de Havilland. ‘El cielo y tú’ (‘All This And Heaven Too’, 1940), de Anatole Litvak, con Bette Davis y Charles Boyer. ‘La gran mentira’ (‘The Great Lie’, 1941), de Edmund Goulding, protagonizada por Bette Davis. ‘La solterona’ (‘The Old Maid’, 1939), de Edmund Goulding, con un reparto compuesto por Bette Davis, Miriam Hopkins y George Brent, entre otros. Valdrá la pena acercarse a los trabajos de una de las actrices con mayor fuerza y expresividad de la historia del cine, que ha encarnado algunos de los mejores dramas psicológicos de la época clásica del cinematógrafo.

Encontramos también a la venta una serie de películas clásicas, como ‘La viuda alegre’ (‘The Merry Widow’, 1934), dirigida por el maestro Ernst Lubitsch, e interpretada por Maurice Chevalier. ‘El demonio de las armas’ (‘Gun Crazy’, 1949), de Joseph H. Lewis, con Peggy Cummins y John Dall. ‘Kismet (un extraño en el paraíso)’ (‘Kismet’, 1955), de Vincente Minnelli, un director que no me gusta demasiado por lo barroco de sus escenarios y lo afectado de sus historias. En ella aparecen Howard Keel y Ann Blyth. Nos vamos acercando a nuestros días y dejando la etapa clásica para encontrar ‘Los seres queridos’ (‘The Loved One’, 1965), de Tony Richardson, en la que aparecen Roddy McDowall, Lionel Stander y Robert Morley. ‘Te quiero Alice B. Toklas’ (‘I Love You Alice B. Toklas’, 1968), de Hy Averback, en la que el protagonista es Peter Sellers. ‘El valle de Gwangi’ (‘The Valley of Gwangi’, 1969), de Jim O’Connolly. ‘El otro señor Klein’ (‘Mr. Klein’, 1976), de Joseph Losey, con Alain Delon, Francine Bergé, Suzanne Flon, Jeanne Moreau, Juliet Berto, Suzanne Flon, Massimo Girotti y Michael Lonsdale.

Alquiler:

‘Las crónicas de Spiderwick’ (‘The Spiderwick Chronicles’, 2008)

Película de Mark Waters, protagonizada por David Strathairn, Freddie Highmore, Sarah Bolger, Mary-Louise Parker, Nick Nolte, Martin Short, Joan Plowright, Izabella Miko, Andrew McCarthy.

Se basa en los textos de Tony Diterlizzi y Holly Black que nos hablan de los desesperados esfuerzos de los dos niños gemelos y su hermana adolescente para proteger la Guía Del Mundo Fantástico e impedir, con la ayuda de algunas de las extraordinarias criaturas del Mundo Oculto, que caiga en manos del malvado ogro Mulgarath. Su resultado es más que digno, como ya os decía en mi crítica.

Otros títulos en alquiler son el remake de ‘Llamada perdida’ (‘One Missed Call’, 2008), de Eric Valette. ‘Punto de impacto’ (‘Impact point’, 2008), de Hayley Cloake. Y ‘Atraco en la iglesia’ (‘First Sunday’, 2008), de David E. Talbert, con Ice CUbe.

Fuente | Index DVD.