George Clooney protagoniza ‘El americano’ (‘The American’, 2010), en el papel de un fabricante de armas para asesinos a sueldo que se ve obligado a ocultarse en un tranquilo pueblo de las montañas italianas para evitar las consecuencias del último estropicio que causó tratando de defender su anonimato. Una vez allí, recibirá un encargo que irá cumpliendo poco a poco y así, durante la estancia, desarrollará relación con algunos de los habitantes de Castel del Monte, a pesar de que en su profesión se desaconsejan las amistades.

Anton Corbijn es fotógrafo y realizador de videoclips y de spots publicitarios. Y todo ello se percibe en este film de espíritu e intenciones contemplativas. El holandés, que había dirigido anteriormente ‘Control’, consigue bellísimos planos paisajísticos, tanto en los nevados bosques suecos del inicio, como en las intrincadas carreteras y los amaneceres nublados del transcurso. Corbijn hace un admirable retrato del pueblo y de sus costumbres, que nos recordarán mucho a los del rural español. Como guiño a su persona, Corbijn cambia la tapadera del protagonista, que en la novela pintaba mariposas —elemento que mantiene en otra forma—, para convertirlo en un falso fotógrafo.

En busca de redención

Tan contemplativa es ‘El americano’ como reflexiva. Pero si bien, como decía, hay mucho que contemplar, poco queda para reflexionar. O bien es excesiva la sutileza con la que los autores tratan de trasladar los sentimientos del protagonista —en una intentona behaviorista que pretende mostrarlo todo únicamente con el comportamiento cotidiano— o bien la interpretación de Clooney se queda corta. El caso es que, salvo para quienes lleguen al cine ya informados, las dudas que atenazan al armero y su condición de personaje agotado pueden escaparse hasta que se hagan patentes hacia el final.

De esta manera, lo que resta es un film cargado de instantes aislados muy potentes, que se ven con gran interés y suma atención; pero principalmente vacuo. Y no el pretendido trampolín desde el que lanzar cuestiones existenciales que mantendrían la mente ocupada durante el visionado.

Un sueño a modo de flashback, que rompe con el estilo sobrio de Corbijn, sería el primer atisbo de explicación de sus sentimientos arrepentidos. Pero incluso a pesar de la torpeza en introducir esta escena, la búsqueda de redención me parece más valiosa como motor que impulsase a moverse al personaje que la explicación que se busca hacia en la segunda mitad del film. (Spoiler) A partir de cierto momento, los autores tratan de achacar las decisiones del protagonista al amor. Sin embargo, no se ha sabido hacer ver —por mucho que se diga en palabras— que exista un auténtico vínculo sentimental entre él y Chiara (Violante Plácido), salvo el de la conveniencia. Esta trama amorosa, que supone el único elemento comercial de la película, se introduce de forma forzada y resulta decepcionante que sea eso, finalmente, lo que en teoría justifica todo lo demás (fin del spoiler).

La ausencia de explicaciones sobre los cometidos del protagonista funciona como sustituta de la intriga que tendrían otros thrillers y engancha a los primeros minutos como atraparía una trama ya planteada. Esta opción extrema va deliberadamente en contra de los consejos narrativos más básicos para demostrar que los intereses de los autores están por encima de las tramas policiales. Con la misma indiferencia, se permiten no mostrar qué sucede cuando aparecen cadáveres en la noche: ni se nos hace saber que Jack se ha hecho cargo de ellos, ni acude la policía, ni se hacen preguntas… Esta premeditada despreocupación choca, sin embargo, con la burda introducción de un fleco que queda sin resolver y que solamente se plantea para justificar un elemento —(spoiler) el asesino de prostitutas motivaría la pistola de ella, que a su vez justificaría la paranoia de él (fin del spoiler)—.

Referentes

El referente claro de ‘El americano’ es el polar, es decir, el cine francés policiaco de los años ’60. En estos films encontrábamos personajes como el de Clooney, que están de vuelta de todo y cuyas intenciones vitales acaban de cambiar. Hallábamos, igualmente, el ritmo parsimonioso y detenido de relatos más interesados en reflejar una atmósfera, interna y externa, que en narrar hechos o mostrar acción. Rowan Joffe —hijo de Roland, autor de ‘La misión‘— escribe el guión basándose en la obra del poeta británico Martin Booth ‘A Very Private Gentleman’ (1990). Pero las novelas del francés J. P. Manchette, que mencioné con motivo de la muerte de Chabrol, podrían haber tenido protagonistas como éste.

Aunque la producción sea estadounidense, esta película es muy europea, no sólo por la nacionalidad del director y por sus localizaciones, sino porque lo respira por todos los poros.

Me viene a la mente, asimismo, una referencia más reciente en ‘Los límites del control’, de Jim Jarmusch, que también se centraba en un misterioso mercenario que recibía órdenes en clave y actuaba de forma enigmática. En ambas películas, los personajes secundarios disfrutaban de intervenciones momentáneas, pero intensas —y en ambos casos me atrevería a decir que interpretadas de manera artificiosa—. En las dos se escatiman las explicaciones sobre la misión del protagonista y la forma de actuar de sus pagadores. Y las dos preferían transmitir los sentimientos de los protagonistas a través de sus comportamientos en situaciones cotidianas, más que tirando de la voz en off o de explicaciones más evidentes. La de Jarmusch, mucho más radical en su planteamiento, consideré que no había terminado de resultar lograda, pero a su favor diré que por lo menos iba hasta el fondo de la idea con todas sus consecuencias, cosa que ‘El americano’ no hace.

La música

Si ya hemos hablado de Corbijn como profesional involucrado plenamente en el mundillo musical, por lógica cae que la banda sonora de ‘El americano’ sea digna de mención. Eso no significa que el holandés abuse del acompañamiento musical, como sí hacen otros directores con vínculos igual de fuertes con el mundo discográfico —Wim Wenders, por poner un ejemplo—. Utilizada en su justa medida, la partitura de Herbert Grönemeyer apunta las emociones que ningún otro aspecto del film se digna recalcar. La elección de las canciones sueltas es, también, muy adecuada. No falta, por supuesto ‘Tu vuò fà l’americano’, de Renato Carosone, que el título pide a gritos.

‘El americano’ puede disfrutarse gracias a la belleza de su fotografía y a un primer enganche causado por la curiosidad que se despierta sobre la propia narración, es decir, sobre sus motivos y objetivos. Sin embargo, se trata de una película que pretende más de lo que alcanza y que no provoca las reflexiones que sus autores parecen haber dado por sentado que van a suscitar. Puede ser la presencia del popular Clooney o quizá la ausencia de títulos atrayentes en la cartelera lo que haya convertido a este film tan poco generalista en nº 1 de la taquilla estadounidense, pero apostaría que la mayoría de estos espectadores no ha encontrado en ella lo que buscaba.

Mi puntuación:

‘Lluvia de albóndigas’

La apuesta de Sony Pictures Animation por nueva entrega en 3D para todos los públicos con una parodia del cine de catástrofes. Nos cuenta la historia de un joven científico que sueña con inventar algo que le mejore la vida a los vecinos. Tras varios intentos fallidos consigue crear algo que funciona: una increíble máquina que hace caer comida del cielo. La cinta ha sido bien valorada técnicamente y sus guiños cinéfilos y el acierto con sus personajes han sido también aplaudidos. Me la perdí en su momento, pero tengo que rescatarla. A mi compañero Juanlu no le desagradó, y la valoró positivamente. Además, la edición doméstica trae algunos extras jugosos que le otorgan mayor interés, como un juego, un karaoke interactivo, escenas ampliadas y el habitual cómo se hizo. Creo que un acierto de Sony para ser un lanzamiento de una cinta muy reciente, y algo que se agradece mucho al pasar por caja.

‘The Dammed United’

A pesar de su gran calidad no dispuso de demasiada promoción y su paso por la cartelera fue algo fugaz. Así que no hay mejor excusa que aprovechar el lanzamiento en DVD y Blu-Ray para recuperarla. Realmente merece la pena y es una estupenda película con el tema del fútbol como protagonista. Podemos recordar que cuenta la polémica historia, no exenta de cierto humor, de Brian Cloght y su fugaz paso por el banquillo del Leeds United. Teniendo que sustituir a su gran rival como entrenador y acarrear curiosas consecuencias. Ambientada en los años 60 y 70 cuando el fútbol era bien diferente ahora. A pesar de que no es una producción millonaria, la película está narrada especialmente bien y cuenta con un grandísimo trabajo de Michael Sheen. Recomendable.

‘La noche de su vida’

Comedia que explota la popularidad de la pequeña actriz Hayden Panettiere y cuenta como Denis, el empollón de la clase, está locamente enamorado de Beth, la chica más popular y su vida cambia cuando le declara su amor en el discurso del instituto. Para sorpresa de Denis, Beth y sus mejores amigas van en su busca para que viva una auténtica noche de marcha. Denis tendrá que seguir el ritmo de Beth y escapar de las garras de su ex-novio… ¿Sobrevivirá a la “noche de su vida”? La película está dirigida por Chris Columbus aunque no logró llamar demasiado la atención. La edición en DVD viene con el final alternativo y escenas eliminadas como únicos extras.

‘Dos hombres en Manhattan’

Un thriller curioso e intrigante dirigido por el gran Jean-Pierre Melville con música de Christian Chevallier y Martial Solal y protagonizada por Pierre Grasset y Christian Eudes (además del propio Melville). Es la traslación del habitual escenario de los bajos fondos parisinos del realizador por el enclave neoyorkino y de los detectives por periodistas. No es de las mejores de Melville, pero mantiene su particular estilo en la narración y en la puesta en escena, además de ser un cineasta enormemente influyente y del que merece bucear su breve pero intensa filmografía. La edición especial que pone a la venta Versus incorpora como extras el documental ‘Jean-Pierre Melville: retrato en 9 posturas’, además de un libreto de 70 páginas.

‘El gran Houdini’

Biografía del famoso mano y escapista protagonizada por Tony Curtis y Janet Leigh dirigida por George Marshall en 1953. Todo lo que rodea a Houdini siempre ha sido misterioso y estimulante y esta cinta bucea en su vida y reconstruye algunos capítulos sobre sus trucos más famosos. También recrea la misteriosa muerte del mago en una noche de Halloween y su obsesión por comunicarse con su madre muerta a través de sesiones de espiritismo. Es una de las películas que mejor ha reflejado a este personaje. Esta edición comercializada por Paramount no trae extras.

‘¿Qué pasó anoche?’

Sony Pictures lanza en edición Blu-Ray esta comedia ochentera con Rob Lowe, Demi Moore, James Belushi y Elizabeth Perkins. Su argumento es muy de aquella época: Historias de romances y amistades juveniles; Danny y Bernie son dos jóvenes deportistas solteros que se conocen en un bar e inician una relación que dura varios meses, hasta que ambos se dan cuenta de que sus personalidades son incompatibles. A pesar de ello el amor que sienten es tan fuerte que no desean dejarlo. La cinta fue dirigida por Edward Zwick y no aportó una historia especialmente original, con los actores como principal reclamo. Hoy día parece que el tiempo la ha envejecido demasiado. La edición trae como extras ‘La conversación de Ed Zwick y Rob Lowe’ y el making off. Para nostálgicos de los ochenta más blandos.

‘Trenes rigurosamente vigilados’

Película checa de 1966 dirigida por Jirí Menzel y que alcanzó gran popularidad gracias a alzarse con el Oscar. Ambientada en la Segunda Guerra Mundial nos traslada a la Checoslovaquia ocupada por los alemanes y como un joven trabajador de una estación ferroviaria de una pequeña localidad intenta tener su primera experiencia sexual. Es una de las obras más conocidas y clave del cine checo, y supone una mirada tierna del despertar adolescente, con cierto tono humorístico pero muy humana.

Vía | ZonaDVD

El próximo 24 de enero dará comienzo la primera edición de Retroback, el primer festival internacional de cine clásico en España. Tendrá lugar en la ciudad de Granada y se desarrollará hasta el día 1 de febrero. Durante esos nueve días se proyectarán 62 películas, entre los que destacan títulos como ‘Desayuno con diamantes’, ‘La dolce vita’, ‘El sueño eterno’ o ‘Manhattan’.

El festival se inaugurará con una gala en la que actuará Monica Mancini, que ofrecerá su primer concierto en España, y se hará entrega de un premio honorífico al cineasta granadino Eugenio Martín por el conjunto de su obra. En cuanto a la gala de clausura, se rendirá un tributo a Audrey Hepburn, con la participación de sus dos hijos, Sean Hepburn y Luca Dotti. Asimismo, la Orquesta Ciudad de Granada rendirá homenaje al gran compositor Henry Mancini.

Los ciclos que se han preparado en esta primera edición de Retroback están dedicados a Audrey Hepburn (podrán verse películas como ‘Vacaciones en Roma’ o ‘Dos en la carretera’), Federico Fellini (‘Ocho y medio’, ‘La strada’), Eugenio Martín (‘Pánico en el Transiberiano’ o ‘El precio de un hombre’, al parecer, una de las favoritas de Quentin Tarantino), el cine fantástico italiano (‘La máscara del demonio’ o ‘Suspiria’), Georges Franjú (‘Ojos sin rostro’ o ‘La cabeza contra la pared’), Jean-Pierre Melville (‘El confidente’ o ‘Círculo rojo’), a recuperar clásicos inmortales como ‘El gabinete del doctor Caligari’, ‘Ninotchka’ o ‘¿Qué fue de Baby Jane?’ y echar un vistazo al pasado del cine español con títulos como ‘Goyescas’ o ‘Fulano y Mengano’. Eso y mucho más, en Granada desde el 24 de enero al 1 de febrero.

Destacar también tres exposiciones que estarán, paralelamente, a disposición del público: una de vestidos, complementos y objetos personajes de la mítica Hepburn, otra sobre carteles de cine fantástico italiano y otra sobre la historia del cine en Granada.

Quizá la idea de un festival como éste os resulte extraña o sin sentido, pero, personalmente, todo lo que sea recuperar clásicos y verlos en pantalla grande, en versión original, me parece una estupenda noticia. Espero que os resulte interesante y que podáis pasaros por la preciosa ciudad andaluza. Por mi parte, no dejaré pasar la oportunidad y os informaré sobre las películas que vaya viendo.

Para más información, como la programación, los horarios y la venta de entradas, podéis entrar en el sitio oficial del festival: Retroback.

El director Johnnie To quiere al popular actor Orlando Bloom para que protagonice ‘Red Circle’, una producción de Studio Canal que cuenta con un presupuesto de 40 millones de dólares. To habrá pensado que es preferible vender muchas entradas a buscar un actor de calidad contrastada. Nada que objetar en este sentido, Orblandito Bloom cuenta con muchas fans en todo el planeta; si a esto le sumamos la cantidad de frikis que adoramos a To, ya tenemos un proyecto con dinerillo asegurado.

Eso sí, decir que la película que nos quieren vender es un remake de la famosa ‘Círculo Rojo’ (‘Le Cercle Rouge’), una joya del cine negro que dirigiró Jean-Pierre Melville en 1970 y que estaba protagonizada, entre otros, por Alain Delon. Wai Ka-Fai, habitual colaborador de Johnnie To, y responsable de la horripilante ‘Peace Hotel’, está encargándose de la escritura del guión. Copiar, pegar y poner algunas palabras modernas, vamos. Además de Bloom, se quiere conseguir a Chow Yun-Fat, muy activo últimamente; curiosamente, los dos coincidieron en la última y prescindible entrega de ‘Piratas del Caribe’ (‘Piratas del Caribe: Hasta el fin del bostezo’). Si todo marcha bien, el rodaje de esta ‘Red Circle’ comenzaría en junio en Hong Kong.

Vía | Dark Horizons

Sébastien es un joven de 22 años que se gana la vida como puede. Trabaja como obrero en una casa cuyo propietario muere repentinamente de sobredosis. Antes de su muerte, el dueño de la casa había recibido un misterioso sobre con un billete de tren y unas instrucciones. Por las conversaciones de la viuda con otros hombres, Sébastien adivina que se trata de un negocio interesante, así que decide tomar ese tren para ganar el dinero que el fallecido ya no podrá obtener. Poco a poco irá recibiendo pistas que le conduzcan a un lugar en el que no sabe qué va a ocurrirle.

La película tiene mucho de film de estudiante, expresión que aquí —al contrario que en EE. UU.— no se suele manejar, pero que no deja dudas sobre lo que indica: un film que se rueda como proyecto fin de carrera, como tesis o nada más terminar los estudios en cine. No significa que sea un mal producto, pues puede tener una serie de ventajas con respecto a aquellas realizadas con más experiencia y arropadas por todo un aparato de producción, pero sí que tiene detalles muy característicos de alguien que comienza. Suelen ser películas frescas, pero también llenas de ambiciones o, en ocasiones, de demasiadas ínfulas. Por otro lado, pueden ser más perfectas que otras al haberse realizado bajo la supervisión de profesores y con sumo cuidado y preparación.

El saber que el director tenía 26 años cuando realizó el film no es lo que me impulsa a sacar esta conclusión, pues desconocía el dato mientras lo veía, pero era fácil imaginarse que se trataba de una persona joven. Entre las características de cine de estudiante estaría el argumento de ‘13 (Tzameti)’, apropiado para un público joven y muy similar a los que se utilizan en cortometrajes. Por aquí vendría el otro rasgo que denota que el director está comenzando: toda la película tiene aire de corto estirado. Sin embargo, no sé si de manera casual o por sus habilidades como director, Géla Babluani ha conseguido que lo que le ayuda a convertirlo en largometraje sea lo más interesante de su primer trabajo. Además de introducir subtramas que le dan entidad, lo que hace el cineasta es alargar los preliminares.

Y es, precisamente, durante esa presentación tan extendida cuando logra escenas verdaderamente interesantes que podrían haber firmado Louis Malle, Jean-Pierre Melville o algún otro maestro del polar francés. Los rostros de los personajes que persiguen o espían a nuestro protagonista durante su extraño viaje, las situaciones enigmáticas, el tempo pausado, el personaje principal indiferente y casi mudo y la fotografía en un blanco y negro tan contrastado… hacen que nos creamos ante un film policiaco francés de los años cincuenta o sesenta.

También hay que decir que estos momentos intrigantes, rodados con suma parsimonia, se disfrutan si se desconoce por completo a dónde se dirige Sébastien, pues se ven con curiosidad. Pero supongo que serán tediosos para quien ya sepa qué se va a encontrar el protagonista y por lo tanto, contemple el periplo como una espera. Así que, si tenéis la suerte de no saberlo aún, mejor que no leáis otras fuentes que os lo puedan desvelar.

Cuando Sébastien alcanza su destino y tanto él como los espectadores conocemos lo que le depara ese negocio, se introducen nuevas claves. Ya no nos preguntamos qué tiene entre manos, sino que sentimos un desasosiego diferente. Es en este momento cuando la excusa argumental suena a película de estudiante, a cortometraje o a film diseñado para un público joven. Aún así, las escenas tienen una gran fuerza visual y el retrato de los pintorescos personajes secundarios está muy logrado.

En general se podría decir que es una película más interesante o curiosa que buena. Actualmente Géla Babluani, nacido en Georgia, prepara el remake americano —en color y con un presupuesto que ronda los 20 millones de dólares— y presenta en Sundance su segunda película, ‘La herencia’ (‘L’Héritage’, 2006). Es muy probable que estas características que convertían la película de blanco y negro en un producto singular, se pierdan en la nueva realización.

Cuando hablas de cine francés, la gran mayoría sacan a la palestra directores como François Truffaut, Eric Rohmer, Robert Bresson, Claude Chabrol y otros, en su mayoría de la Nouvelle Vague, pero existen directores que han sido injustamente con el tiempo semiolvidados y claramente infravalorados por algunas voces críticas, a la memoria me vienen por ejemplo Henri-Georges Clouzot o Jean-Pierre Melville. Vamos a recordar a uno de los mejores Melville.

Ayer me dispusé a revisionar ‘El silencio de un hombre (Le Samuraï)’ , joya del polar francés, dirigida y coescrita por Jean-Pierre Melville en 1967, y que con el tiempo se convirtió en una de las obras maestras del cine policíaco y en obra de culto.

Entre otras cualidades, ‘El silencio de un hombre’ es un poema desgarrador del hombre solo. Es también, y ante todo, una película policiaca. Este samurai, Jeff Costello (Alain Delon), no es sino un asesino a sueldo del hampa parisina. Asesina cumpliendo órdenes, por contrato. Engañado por sus socios, tiene que defenderse en dos frentes: contra la policía y contra sus cómplices. Se organiza entonces una implacable caza, todos contra un solo hombre. El héroe irrisorio de este combate nocturno triunfará. En la muerte, claro está. Una muerte deseada, organizada, como una apoteosis.

El film se inicia con una cita del código de honor japonés Bushido, y es que en el fondo Jeff Costello vive como un samurai, solitario, sin amigos y con una novia con la que mantiene una relación inestable y extraña y con una tarea que cumplirá sea como sea.

Ante todo Costello es un hombre de palabra, el cual tiene que cumplir una misión: asesinar a una persona, pero aún teniendo coartada, sus socios irán a por él con tal de que no se vaya de la lengua tras los interrogatorios que mantiene con la polícia. Será una persecución a doble banda.

Estamos ante un film maestro formalmente, con multitud de lecturas, de una profundidad envidiable, con una realización de Melville absolutamente magistral dotado de una elegancia superlativa.

Melville nos muestra un film de género negro a la vieja usanza pero a la vez dotandolo de cierta modernidad, de dinamismo, del toque característico del maravilloso polar francés, y nos narra el camino de un samurai urbano hacia su propia muerte, que no entiende de códigos, excepto del suyo propio, en unas calles deshabitadas, en un entorno solitario, con femmes fatale, nightclubs y con un personaje principal que apenas habla, sin aparentes sentimientos, que vive para ello y que solo entiende su propia justicia y pensamiento.

Jean-Pierre Melville era un autentico fan de la cine noir norteamericano de los 30 y posteriores, films como ‘La mujer del cuadro’, ‘Perdición’, ‘Hampa Dorada’, ‘Al rojo vivo’, ‘Laura’, ‘Los violentos años 20’, etc…, han influenciado lógicamente en su obra, nada más hay que comprobar el nombre del personaje de Delon (Jeff Costello) un nombre imposible para un parisino natural de Francia.

A su vez, Melville entre otros realizadores, ha servido de profesor cinematográfico mediante sus obras a una generación de cineastas asiáticos destacables, como pueden ser Johnnie To, John Woo (en su etapa hongkonesa), Kim Jee-Woon, Park Chan-Wook o Wong Kar-Wai.

Alain Delon realiza una interpretación, en mi opinión, colosal, se come la pantalla, realmente nos creemos su creación, la de un hombre insaciable, implacable pero honorable. Un auntentico asesino pero con astucia y saber. Los demás actores y actrices están muy convincentes.

No cabe duda de que este Jeff Costello nos recuerda a ese Chacal interpretado por Edward Fox en el film ‘Chacal’ de Fred Zinnemann, en muchos de los aspectos.

Y es que da absoluto gusto ver todas esas escensa de Delon en el coche bajo la lluvía, en el puente con el encuentro con el socio, la entrada en su casa tras el paso de la polícia, esas escenas en la casa de la pianista, etc…

El guión es buenisimo y la dirección maravillosa, llena de travellings, de planos secuencia, de picados y contrapicados, un sinfín de buenísimos planos orquestrados por Melville de manera indudablemente ejemplar, y con un final redondo.

También es fantástico el tratamiento interno del protagonista (Costello), el personaje del oficial de polícia, un tipo que es capaz de vender lo que sea para conseguir meter entre rejas a Costello, usando incluso trampas con su novia, y por último fabuloso también el personaje de la pianista, un personaje que realmente también anda en ese mundillo oscuro y peligroso y que en el fondo podemos pensar que se siente atraída por Costello.

Si hay algo que destaque en el film (entre otras muchísimas cosas) es ese excelente final, minimalista, con ese révolver sin balas, la femme fatale mirando el cuerpo de Costello. Magnífico final, me recordó a esos finales de Hitchcock que se acababan justo en el punto perfecto (por ejemplo véase ‘Frenesí’).

Recomendación: No os perdáis otra pelicula polar de Melville: ‘El circulo rojo’ de nuevo con Alain Delon.

En definitiva, ‘Le Samuraï (El silencio de un hombre)’ es una obra maestra del cine, una de las cumbres del polar francés y en mi humilde opinión una película de obligado visionado.