Hace poco, mi compañero —y en otros tiempos archienemigo— Adrián Massanet hablaba como se merece de Jeff Bridges, como el excelente actor que es. Hoy os traemos el cartel y el tráiler de ‘Crazy Heart’ una de las últimas interpretaciones del actor —Bridges es uno de esos incansables intérpretes que hacen varios films al año, aunque al final no nos llegan todos—, y que según diversas fuentes, tiene todos los boletos para al menos conseguir una nominación al Oscar al mejor actor en la próxima ceremonia de la dorada estatuilla. Recordemos que Bridges ha estado nominado en cuatro ocasiones, una a actor principal por ‘Starman’ (John Carpenter, 1984) y otras tres a actor secundario por ‘La última película’ (‘The Last Picture Show’, Peter Bogdanovich, 1971), ‘Un botín de 500.000 dólares’ (‘Thunderbolt & Lightfoot’, Michael Cimino, 1974), y ‘Candidata al poder’ (‘The Contender’, Rod Lurie, 2000).

‘Crazy Heart’ narra la historia de un cantante country fracasado que ha tenido demasiados matrimonios, demasiados problemas con el alcohol, y demasiada carretera bajo sus pies. Ahora, en el ocaso de su existencia verá de nuevo la luz gracias a una periodista de la que se enamorará, y que será la única persona que vea al verdadero hombre que hay tras el músico. A Bridges le acompañan la siempre excelente Maggie Gyllenhaal, Robert Duvall, y un no acreditado Colin Farrell; y supone la ópera prima de Scott Cooper.

El tráiler me ha parecido de lo mejorcito de los últimos meses, aunque es imposible no acordarse de varios títulos de los 80 que trataban temática similar —‘El aventurero de medianoche’ (‘Honkytonk Man’, Clint Eastwood, 1982), o ‘Gracias y favores’ (‘Tender Mercies’, Bruce Beresford, 1983), por la que precisamente Robert Duvall ganó un Oscar al mejor actor—. Aún no hay fecha de estreno.

Para los que no lo sepan, Jeff Bridges es un excelente cantante, que en el 2000 grabó un disco titulado ‘Be Here Soon’. Esperemos que en ‘Crazy Heart’ nos deleite con sus aptitudes para la canción.

Vía | Impawards y Trailer Addict

Ya va siendo hora, si es que no es un hecho consumado y una certeza compartida por todos, de decir las cosas como son: Jeff Bridges es uno de los mejores actores vivos. Y cuando digo uno de los mejores, no me refiero solamente a sus dotes como intérprete, sino también al hecho de que es uno de los tipos más sencillamente auténticos que pueblan ese por lo común muy rentable vertedero llamado pantalla de cine. Vertedero no sólo porque se hacen demasiadas, y malas, películas, sino por la suma de ambiciones y carencia de escrúpulos que suelen desprender los ambientes de Hollywood, que parecen no encontrar, sin embargo, en este humilde e imaginativo hombre de cine una de sus presas.

Porque él va a lo suyo, ajeno a farándulas y a las indignantes mieles del glamour, y dedicado a ser, simplemente, Jeff Bridges. Aunque eso sí, próximo a cumplir los 60 años, elegancia y distinción le sobran con solo hacer un gesto, de la misma manera que con una mueca se transforma, sin perder la compostura, en un tipo corriente, en un fulano agradable y sin dobleces, de sonrisa desarmante y mirada a veces bondadosa, otras veces melancólica o incluso gélida, pero siempre muy inteligente y serena. Maduro de muy buen ver, está a punto de abandonar sus cincuenta y, pero no parece que haya perdido un ápice de atractivo, y ha seguido siendo un tipo de puta madre.

Una larguísima carrera en la que hay, literalmente, de todo

De todo, pero sobre todo mucho Bridges. Este hijo de Los Angeles, ciudad donde nació en 1949 y con la que se identifica sobre todo en su vertiente más bohemia, no sólo se interesa por la interpretación, sino que es músico, pintor y un excelente fotógrafo. De hecho, los directores ya saben que, si le llaman, obtendrán un soberbio material fotográfico del rodaje de manos de Bridges, que no va a ningún sitio sin su cámara, y que ha expuesto numerosas veces e incluso publicado trabajos por esa actividad, recibiendo elogios numerosos. Porque este tipo es algo así como una máquina de creatividad y de buen rollo, con el que todos sus compañeros aprecian trabajar, pues su generosidad y simpatía en los rodajes es legendaria, con todos y cada uno de los compañeros de un rodaje. Y no es exageración, pues así lo cuentan todos ellos.

Bridges tuvo la suerte, claro, de que su padre era una estrella de la televisión, y junto con su hermano pudo aparecer, de niño en ‘The Lloyd Bridges Show’, sabiendo desde muy pronto que quería seguir los pasos de su padre y quizá superarlos. Y vaya si lo consiguió, aunque durante más de una década tuvo que conformarse con anodinos papeles televisivos hasta que por fin le llegó la gran oportunidad con Peter Bogdanovich y su fundacional ‘The Last Picture Show’, oportunidad que aprovechó al máximo y que incluso le proporcionó una candidatura al Oscar. Había nacido un actor de un don natural y completamente instintivo, que sin grandes alardes ni deseos de destacar, exigía lo máximo de sus compañeros de plano si no querían verse eclipsados por su energía.

En los setenta llegó a participar en 12 películas más, haciéndose poco a poco un hueco como actor a tener en cuenta. John Huston, Robert Benton, John Frankenheimer o Michael Cimino llamaron a su puerta y le ofrecieron interesantes papeles. También llegó a trabajar con un muy joven Arnold Schwarzenegger, y en aquel fiasco famoso de la nueva versión de ‘King Kong’. Pero para fiasco su segundo trabajo con Cimino, la épica ‘La puerta del cielo’, que hundió para siempre a la United Artists y a su director, pero que no afectó a la carrera de este hombre. Porque, seamos sinceros, Bridges nunca ha sido una estrella. No es de esos actores que arrastren a las masas, sino de esa raza de intérpretes que justifican una película poco interesante por su mera presencia.

En la mediocre ‘Tron’ (otro fracaso de taquilla) tuvo poco que ofrecer. Mucho más en ‘Starman’, una de las más depuradas películas de John Carpenter, en la que la falta de expresividad de su personaje no fue óbice, sino más bien lo contrario, para un trabajo sobresaliente, muy difícil por la complejidad de interpretar sin gestos ni estados anímicos coherentes o comunes. Aquel exitazo le hizo mucho más conocido en todo el mundo y le ayudó a protagonizar algunos policiacos interesantes, uno de ellos (‘8 millones de maneras de morir’), realmente notable, con la que Bridges ampliaba aún más sus registros al encarnar a un tipo duro pero corriente, algo que otros intentaron sin el mismo éxito que él.

Coppola le llamó para su semiautobiográfica ‘Tucker’, que bordó, y Steve Kloves le llamó para darle la oportunidad de reunirle con su hermano Beau y su amiga Michelle Pfeiffer en ‘Los fabulosos Baker Boys’. De modo que la década acababa inmejorablemente, y comenzaba con la segunda parte de la que fue su película iniciática, de nuevo con Bogdanovich, la infravalorada y otoñal ‘Texasville’. Pero Bridges ya estaba demostrando que su registro era, aparentemente, ilimitado, pues bordó su papel de mendigo en la magnífica ‘El rey pescador’, de Terry Gilliam, y dio un nuevo rumbo con su elogiable papel de ‘American Heart’, que le dirigió Martin Bell en 1992. Tenía 43 años y estaba en plena posesión de su talento. Se convertía en un hombre maduro y maduraba a la vez que su cuerpo. Menos interesantes fueron ‘Si miedo a la vida’ o ‘Volar por los aires’, pero con ‘Wild Bill’ se transformó en el mito. Este excelente western de Walter Hill, que quizá merecía más elogios de los que tuvo, le dio la oportunidad de ejercer de gran histrión. Bridges no tenía límites, y trabajaba con tesón y humildad, sin dárselas de gran actor. Y construía una carrera apasionante.

De nuevo tuvo que lidiar con dos papeles menores, a los que ofrecía todo su talento, con ‘La tormenta blanca’ y ‘El amor tiene dos caras’, pero llegó otro de los papeles por los que le van a recordar dentro de cincuenta años, su fumeta pacifista metido a detective Jeff Lebowski (o El Nota, o El Notarino), que interpretó en la última gran película de los Coen, la proverbial ‘El gran Lebowski’. Este regalo de personaje lo convirtió en un icono del cine de los años 90. Imposible no enamorarse de él hasta las cachas. Y lo alucinante, es que después de este papel se pone a luchar contra terroristas en la inquietante ‘Arlington Road’, o interpreta al mismísimo presidente de los EEUU en ‘La candidata’. Esto es un intérprete de raza.

Cierto que en la presente década ha tenido que lidiar con películas bastante menores, pero dio muestras de su genio en la desgarradora ‘The door in the floor’, junto a una inmensa Kim Basinger, repitió con Gilliam en la siniestra ‘Tideland’, y participó en el taquillazo ‘Iron Man’, entre otras. Ahora, dicen que suena muy fuerte para ser nominado al Oscar, premio que se le resiste desde siempre, con la venidera ‘Crazy Heart’, a la que pertenece la imagen de arriba del todo. Lo logre o no, es lo de menos. Lo importante es que siga demostrándonos lo grande que es.

Ojo a esto que tiene una pinta tremenda. Se trata del primer tráiler de la comedia ‘The Men Who Stare At Goats’, que cuenta con un lujoso reparto encabezado por George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges y Kevin Spacey. El vídeo es muy divertido, hay varias escenas de carcajada (¿no parece dirigida por los Coen?) y adelanta lo que puede ser una estupenda película, cargada de humor y crítica.

Dirigida por Grant Heslov y basada en el libro de Jon Ronson, ‘The Men Who Stare At Goats’ (“Los hombres que se quedan mirando a las cabras”) gira en torno a Bob Wilton, un reportero enviado a Irak que podría conseguir la historia de su vida cuando conoce a Lyn Cassady, un hombre que asegura ser un soldado psíquico, entrenado por el ejército de los EE.UU. para usar su mente como un arma. A los cuatro actores estelares los acompañan, entre otros, J.K. Simmons, Robert Patrick, Rebecca Mader y Stephen Lang, que parece que se ha puesto de moda (también está en ‘Enemigos públicos’ y ‘Avatar’).

La fecha del estreno es el próximo 6 de noviembre.

PD: Lo más fuerte de todo esto es que la unidad existió realmente.

Vía | TheMovieBox

Uno de los platos fuertes que nos tenía reservados la Comic Con de San Diego de este año ha resultado ser el primer tráiler de ‘Tron: Legacy’, la secuela de ‘Tron’ (1982), que ya veis que finalmente no se titula ‘Tr2n’, como se había rumoreado. Arriba tenéis el vídeo con el avance de la película, que ha sido dirigida por el debutante Joseph Kosinski, y que la Disney espera poder estrenar a finales de 2010. ¿Qué os parece? ¿La marcamos como una de las más esperadas del año que viene?

La original, dirigida por Steven Lisberger y protagonizada por Jeff Bridges, se ha convertido en un auténtico título de culto dentro del género de la ciencia ficción, gracias, sobre todo, a esa peligrosa y espectacular competición de motos virtuales, que dejaban estelas de luces a su paso. Todo eso ha vuelto para la segunda parte, veintisiete años después, incluido Bridges, aunque ahora el protagonista es su hijo (en la ficción, claro), interpretado por Garrett Hedlund. La guapa Olivia Wilde también interviene en la película, porque si no hubiera una mujer en el reparto, esto podría resultar demasiado “friki”.

PD: Seguro que tras ver el tráiler estáis deseando comprobar cómo era la vieja carrera de motos en la película original. Vuestros deseos son órdenes…

Vía | Moto22 | ¡Gracias a todos los lectores que nos habéis avisado!

El coche del mañana…hoy

-Preston tucker

Ni en sueños podía Francis Ford Coppola imaginar, cuando en 1973 sacó su talonario para asegurar la difícil distribución de una película por la que nadie daba un duro y que sería un bombazo pocas semanas después, que aquel gesto le valdría la oportunidad de hacer una película que, en parte, iba a contar su propia vida, o al menos iba a hablar de sí mismo más que muchas otras de las suyas. Ahora bien, tampoco fue esa gran película que algunos exégetas de la obra coppoliana aclaman, ni mucho menos. Y es que no estaba Coppola para grandes delirios de autor.

De modo que Lucas le devolvió el favor de ‘American Graffiti’, tres lustros más tarde, cuando Coppola no tenía el menor poder a la hora de elegir proyectos, y le puso en bandeja el guión de ‘Tucker, un hombre y su sueño’, ejerciendo las funciones además de productor ejecutivo, y asegurándole, a pesar de los graves descalabros económicos de los años anteriores, una cierta libertad en el montaje final. ¿Aprovechó FFC la oportunidad? Sólo parcialmente…

La primera película de Coppola después de la trágica y traumática muerte de su hijo, es una de las más melancólicas de toda su carrera, y sorprende esto, sobre todo, cuando su tono, por contra, es bastante festivo, y la historia que cuenta, a pesar de estar plagada de malos momentos, de luchas a menudo infructuosas, de sueños a menudo frustrados por la implacable maquinaria industrial del mundo moderno, es una historia de esperanza y de fe. Nunca una fe, sin embargo, transmitió tanto desamparo.

Esto viene a demostrar, cuando hablamos de grandísimos cineastas, que lo más importante, la razón de ser de una película y lo que conforma su acabado final, es el director, su visión y su estado anímico, y todo lo demás fluctúa dependiendo de eso. Pero esa no es la razón para que ‘Tucker’, al menos para quien firma estas líneas, en lugar de formar parte del selecto grupo de sus obras maestras (los tres ‘Padrinos’, claro, ‘Apocalypse’, ‘La conversación’, ‘La ley de la calle’, ‘Dracula’), lo haga de sus películas soberbiamente ejecutadas pero que nada aportan a su leyenda (‘Legítima defensa’, ‘Corazonada’). Es decir, hace compañía con su gran desastre financiero (y una de sus películas menos conseguidas) y a un encargo solventado con todo su poderío visual y narrativo, pero menor si tenemos en cuenta que está hecha por quien está hecha, aunque si la hubiera dirigido otro probablemente saludaríamos a ese nuevo gran director.

Y la razón de que ‘Tucker’ sea tan menor es que es un juguete en manos de un director pensando incapaz de hacernos sentir empatía por su personaje. Pero hablemos antes de la razón primera de hacer esta película.

Preston Coppola

Esta interesante historia real que es ‘Tucker’, nos cuenta los azares, desventuras y anhelos de un hombre que debía ser una fuerza de la naturaleza comparable al propio Coppola. Preston Tucker es una leyenda dentro de la larga y tumultuosa historia de las compañías automolísticas estadounidenses. ¿Por qué Coppola se dispone a dirigir esta película? Es bien fácil.

Pues porque Tucker fue un visionario que se enfrentó a las grandes compañías dispuesto a innovar en cuanto a diseños de coches, no sólo interior, también exteriormente. Sus sorprendentes ideas fueron un fracaso, sobre todo la más importante, el Tucker Torpedo, pero con él se adelantó a su tiempo y ayudó en el desarrollo de los automóviles actuales. Los paralelismos con el propio Coppola son evidentes, más aún si tenemos en cuenta que los coches de Tucker eran, además de transformadores del concepto de su tiempo, muy bellos para la época, por mucho que no tuvieran éxito de ventas.

Coppola parecía así asumir su posición como artista: la de un creador apasionado, capaz de configurar muchas de las características del cine futuro, y de dar vida a películas muy bellas, pero que quizá se arruinaría en el camino. Ignoraba quizá que sus dos próximas películas (sobre todo la segunda) conocerían un éxito de público que durante tanto tiempo se le había resistido y que por fin recobraría la tranquilidad económica.

Una fábula ligera

No hay la más mínima emoción, ni capacidad de sugestión, en un aparato narrativo tan alambicado y preciosista como carente de la más mínima capacidad para conmover. El juego visual de las llamadas telefónicas y la superposición de varios ambientes lumínicos en un mismo plano, para dar la falsa impresión de que la pantalla está dividida, se agota a la tercera vez que hace uso de él. Y aunque la dirección de fotografía de Storaro y el diseño de Tavoularis son magníficos, acaban ahogando a los personajes y ofrecindo más densidad que ellos. Estamos más cerca, pues, de la frialdad de ‘The Cotton Club’ que de la valentía de ‘Peggy Sue’.

Jeff Bridges está bien como Preston Tucker, pero no ofrece uno de sus habituales registros que hacen de la sencillez una virtud, sino que es un trabajo sin profundidad, sin aristas, un héroe trágico que se sale con la suya a pesar del éxito, que continúa adelante y al que no nos sentimos especialmente unidos, y del que no nos importa si triunfa o no, quizá como al propio Coppola, que da la sensación de filmar con su habitual brillantez, pero si en ‘The Cotton Club’ o ‘Jardines de piedra’ lo hacía con el corazón ausente, aquí está con el alma ausente, como un cineasta autómata.

La película pasó sin pena ni gloria por la taquilla de todo el mundo. A Coppola ya le daba igual. Había probado que podía seguir adelante aún con fracasos, trabajando como un mercenario más. Los ochenta habían terminado y sus cuentas seguían en números rojos. En pleno ‘impasse’ creativo le llegó la oferta de un mediometraje en compañía de dos amigos (Allen y Scorsese), que se acabó titulando ‘Historias de Nueva York’, y del que su ‘Vida sin Zoe’ es claramente el más inferior, el menos interesante (el que más, sin duda, el impetuoso ‘Apuntes del natural’, una pequeña obra maestra de Scorsese).

Terminado ese proyecto insustancial, Coppola accedió a culminar la historia de los Corleone con una tercera y definitiva entrega. Si contando su propia lucha contra los estudios no había podido redimirse como artista, intentaría regresar a sus orígenes (creativa y familiarmente hablando) y quizá librarse de sus fantasmas con una catarsis definitiva.

Estudio F.F. Coppola en Blogdecine

• Francis Ford Coppola, el artista maldito
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• ‘El padrino’, manchándose el traje de sangre
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• Francis Ford Coppola, una nueva vida
• ‘La conversación’, el sonido de la soledad
• Francis Ford Coppola, regresa Michael Corleone
• ‘El padrino, parte II’, el origen de los Corleone
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• ‘Apocalypse Now’, terminar al coronel
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• ‘Apocalypse Now’, la plantación francesa

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• ‘Apocalypse Now’, el fin de toda razón

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• ‘Corazonada’, frágil colorido

• ‘Rebeldes’, juventud dorada

• ‘La ley de la calle’, el Chico de la Moto reina

• ‘The Cotton Club’, música desalmada

• ‘Peggy Sue se casó’, juventud sin juventud

• ‘Jardines de piedra’, el dolor de una ausencia

‘Un botín de 500.000 dólares’ es el título que en nuestro país tuvo ‘Thunderbolt and Lightfoot’, la ópera prima de Michael Cimino, director al que descubrió Clint Eastwood, dándole aquí la oportunidad de dirigir tras haber escrito parte del guión de ‘Harry el fuerte’, la exitosa segunda entrega de las aventuras de Harry Callahan. Recordemos que el caso de Cimino es uno de los más llamativos en la historia de Holllywood. Tras ser apadrinado por alguien de la fama de Eastwood, consigue el reconocimiento de la Academia al ser premiado merecidamente por una obra maestra del calibre de ‘El cazador’ (The Deer Hunter’, 1978), para dos años más tarde arruinar a la United Artists con ‘La puerta del cielo’ (‘Heaven´s Gate’, 1980), hermoso western lírico que fue destrozado en su distribución, acortando en casi una hora su duración.

Cinco años tardó en volver a ponerse tras las cámara, regresando con la que para muchos es su mejor película, la impresionante ‘Manhattan sur’ (‘The Year of the Dragon’, 1985), para dos años más tarde volver a caer en los fracasos económicos (lo único que les preocupa a los grandes estudios) con ‘El siciliano’, con un imposible Christopher Lambert, seguida de ’37 horas desesperadas’, nada desdeñable remake de una de las obras maestras de William Wyler, y ‘Sunchaser’ que sólo la vimos cuatro gatos. Ahora Cimino vive en Francia, donde ha publicado varios libros y sigue escribiendo guiones, soñando tal vez con encontrarse con alguien como Eastwood, que le dé una oportunidad, como la que el actor le dio en 1974.

‘Un botín de 500.000 dólares’ es un thriller rural, con toques de road movie, que narra la historia de un famoso atracador de bancos (Thunderbolt) que entabla amistad con un delincuente de poca monta (Lightfoot) que intenta emularle en todo, mientras son perseguidos por antiguos socios del primero, que creen se ha quedado con el botín de un importante atraco. Será el novato el que proponga la idea de repetir el atraco en el mismo sitio utilizando los mismo métodos.

Eastwood, una vez más en su carrera, da vida a un antihéroe, rompiendo esquemas sobre su propia imagen. El inicio es un indicativo de cómo Eastwood trata sus personajes y el reflejo que éstos desprenden hacia un espectador que cree haberlo visto todo cuando se trata de asistir a películas de sus actores predilectos. Eastwood da vida a un peculiar predicador (no sería la única vez), al que un particular visitante en su parroquia empieza a disparar. La persecución que sigue a continuación, en la que el perseguido guarda una calculada distancia con su perseguidor, de forma que éste no le alcance con los disparos de su arma, indica al final de la misma que ambos personajes están cansados. No nos encontramos ante dos personajes jóvenes que se lían a tiros en una secuencia de acción. Es entonces cuando Lightfoot hace acto de presencia con un coche robado, conduciendo de forma temeraria, haciendo gala de su juventud y vitalidad. Ambas personalidades han sido expuestas, y su encuentro no puede ser más contundente.

‘Un botín de 500.000 dólares’ fue una de las primeras películas que se inscriben dentro del subgénero buddy movies, impulsado durante aquellos años por films como el presente o ‘Dos hombres y un destino’, que poco antes había sido un superéxito taquillero ganador de varios Oscars. Precisamente lo mejor del film de Cimino son sus dos personajes centrales, algo a lo que contribuyeron las interpretaciones de Clint Eastwood y Jeff Bridges, que por aquel entonces venía de protagonizar las prestigiosas, y maravillosas, ‘La última película’ de Peter Bogdanovich, y ‘Fat City’ de John Huston, y cuya actuación en ‘Un botín de 500.000 dólares’ le reportaría una más que merecida nominación al Oscar a mejor actor secundario. Ambos actores tienen una compenetración perfecta, muy bien reflejada en pantalla. Dicen que Cimino le sugirió a Bridges que durante el rodaje estuviese todo el tiempo intentando hacer reír a Eastwood, al que muy pocas veces se le había visto sonreír en pantalla. El joven actor así lo hizo, logrando que Eastwood nos mostrase hasta dónde pueden llegar sus labios cuando sonríe. Esto se aprecia en los distendidos momentos de humor que el film tiene, y en los que Bridges da lo mejor de sí mismo.

Como toda ópera prima en la que casi siempre se quiere abarcar demasiadas cosas, en ‘Un botín de 500.000 dólares’, Cimino toca varios palos. Siendo en su totalidad una película de hombres y para hombres (la mujer apenas tiene cabida en el relato, y cuando hace acto de presencia es para ser usada como elemento puramente sexual), se refuerza el universo de la amistad masculina, reflejada en la evolución que sufren Thunderbolt y Lightfoot, a pesar de que el primero le advierte al segundo que llega diez años tarde para ser su amigo, enfrentada a la relación que Thunderbolt tiene con sus antiguos compañeros (interpretados por dos excelentes actores que no sería la última vez que trabajarían con Eastwood, George Kennedy y Geoffrey Lewis), donde la traición está a la orden del día (¿ecos de Peckinpah?). En el viaje de los personajes, Cimino se para en retratarnos una América rural a través de estrambóticos personajes, como el del hombre que conduce como un loco y tiene el tubo de escape de su coche conectado al interior, recreándose en los extensos paisajes de Montana. Al mismo tiempo, el director construye un film sobre golpes perfectos, en el que su parte final está dotada de un excelente dominio del suspense y la violencia. Sirva como ejemplo la secuencia en la casa del director del banco, al que obligan a decir el número de la combinación de la caja fuerte, o el golpe en sí, en el que vemos un enorme cañón, recuerdo de la Guerra de Corea, en la que combatió Thunderbolt (no sería la única vez que Eastwood interpretase a un veterano de dicha guerra). Cimino no es capaz de mezclar todos estos elementos y encontrar el equilibrio perfecto, acentuándose además con un torpe uso de las elipsis.

Aún así, ‘Un botín de 500.000 dólares’ permanece como una estupenda película, cuyos máximos atractivos están en las relaciones entre sus personajes, perdedores eternos en un mundo en el que no se adaptan. La ironía final, aquella que señala que el mundo es de los que tienen experiencia en sobrevivir, se presenta a través del cumplimento del sueño americano en la figura de un botín escondido tras la pizarra de una vieja escuela, para poder acariciarlo y soñar lo que se hubiera hecho con él, antes de caer en brazos de la muerte mientras Thunderbolt acompaña a Lightfoot en su viaje de destino incierto.

La película fue un moderado éxito que no afectó lo más mínimo a la carrera de Eastwood, quien ya se encontraba pensando en dirigir un curioso thriller de alpinismo, ‘Licencia para matar’, en el mismo año en el que no pudo trabajar en ‘Tiburón’ de Steven Spielberg, pero de eso hablaremos en el próximo episodio. Mientras tanto os dejamos con el precioso final de ‘Un botín de 500.000 dólares’, en el que se puede escuchar una bonita canción de Paul Williams.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’

• ‘Harry el fuerte’

‘Tron 2’ es una realidad. La segunda parte de uno de los films más recordados de los 80, y sobrevalorados añadiría yo, nos llegará en el 2011. De momento, lo único que se sabe es que el director de la película de 1982, Steven Lisberger, ejercerá ahora de productor ejecutivo, cediendo las riendas de la dirección al desconocido Joseph Kosinski, nombre también ligado al más que posible remake de ‘La fuga de Logan’. Por supuesto Jeff Bridges (extraordinario actor muchas veces menospreciado) lidera el reparto.

A ello ahora podemos sumar el hecho de que Olivia Wilde compartirá cartel con Bridges. La actriz ha sido vista en películas como ‘Turistas’, o en series de televisión como ‘House’. Nada se sabe de su función en la secuela, de la que tampoco se sabe mucho más allá de que Bridges recupera el personaje de la original. No hay duda de que en estos tiempos los efectos visuales de la secuela serán infinitamente superiores a los de la primera entrega, y su éxito también será mayor.

He estado dudando en seguir el resto del post con más fotografías de Olvia Wilde, para que todos y todas nos alegremos los ojos, o poner el vídeo de ‘Tron 2’ que se presentó en la Comic Con en su momento, y que aquí todavía no hemos publicado. Tiene una calidad pésima, pero merece la pena sobre todo por la reacción del público.

Vía | JoBlo

El próximo 10 de octubre llegará a los cines españoles ‘Quemar después de leer’ (‘Burn after Reading, 2008), la nueva película de los Coen, motivo por el cual me ha parecido una buena idea repasar su filmografía y elegir las que, en mi opinión, son sus mejores obras.

Nacidos en 1951 y 1954 respectivamente, Joel y Ethan Coen parecen trabajar como una sola persona, a tenor de las declaraciones de los actores que han trabajado con ellos. Sin embargo, por las reglas de la Directors Guild of America no pudieron aparecer juntos como directores de sus películas, quedándose sólo Joel en los créditos. Los hermanos debutaron en 1985 con ‘Sangre Fácil’ (‘Blood Simple’), consiguiendo pronto el éxito de la crítica, que mantienen hasta el día hoy; el público se fue sumando poco a poco, aunque su cine no va destinado ni interesa a las masas. Con ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, 2007) obtuvieron su mayor éxito, logrando el Oscar al mejor guión, director(es) y película.

Elaborados guiones, personajes extravagantes, humor negro, violencia, cuidada puesta en escena y gusto por lo clásico. Éstos podrían ser los principales ingredientes de la obra de estos hermanos tan particulares. A lo que hay que sumar los nombres de sus colaboradores habituales, desde el compositor Carter Burwell a los actores Steve Buscemi, Frances McDormand (casada con Joel Coen), John Goodman o John Turturro, de quienes los Coen consiguen sacar siempre lo mejor.

Sin más, a continuación os dejo con una corta lista de lo mejor que han hecho, por el momento, los hermanos Coen:

• ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller´s Crossing’, 1990)

Cine negro clásico según los Coen. Una maravilla de principio a fin, con unos diálogos extraordinarios (como prueba, por ejemplo, el inicio del film, sobre la ética). De bellísima factura, la película cuenta la típica historia de un hombre en medio de una guerra de bandas, y, al más puro estilo Dashiell Hammett, se ve envuelto en una complicada trama llena de sorpresas y de alianzas engañosas, debiendo hacer uso de todo su ingenio para poder seguir con vida, recopilando información y anticipándose a los movimientos de cada uno. Todo el reparto está en su sitio, realizando una labor impecable, pero hay que destacar por encima de todos a Gabriel Byrne, genial en un personaje que podría haber encarnado Humphrey Bogart, y John Turturro, en el papel de una cobarde, tramposa y astuta lagartija. Mención especial para J.E. Freeman por ese Danés tan implacable como el famoso Anton Chigurh de Javier Bardem. Momento memorable: Albert Finney se basta para responder a un intento de asesinato; brutal.

• ‘Barton Fink’ (1991)

La que más discusión puede provocar de esta lista. A pesar de lograr la (casi siempre) polémica palma de oro en Cannes, es una de las películas menos recordadas de los Coen. Encuentro en ella tanta extraña belleza y me identifico tanto con lo que piensa el protagonista que no puedo evitar ponerla entre lo mejor que han hecho los hermanos. Realmente particular, con un John Turturro sensacional, la película nos habla de las dificultades de un ambicioso (pero inseguro) escritor por seguir progresando y lograr su sueño. Un sueño que pronto se volverá incómodo y dará lugar a pesadillas. Escrito a partir de la experiencia propia de los Coen, el film contiene numerosos homenajes y una ácida crítica a la industria del cine. Momento memorable: Aunque es muy sorprendente lo que ocurre con el personaje de John Goodman, me quedo con la escena de presentación del productor de Hollywood encarnado por Michael Lerner (nominado al Oscar por su estupendo trabajo).

• ‘Fargo’ (1995)

La película que situó a los Coen en el mapa. Nominada al Oscar en siete categorías, resultó ganadora en dos, mejor actriz (Frances McDormand) y mejor guión. De una contundencia y una elegancia aplastantes, esta obra reúne todos los elementos típicos de los Coen, resultando la más adecuada para adentrarse en su cine y posiblemente la más completa. Para mí, la mejor junto con ‘Miller’s Crossing’. Una historia aparentemente sencilla que se va complicando por momentos, cuando los personajes, atípicos, comienzan a interactuar entre ellos en busca de algo grande que los saque de la normalidad, violencia, tragedia, reflexión y mucho humor negro. A destacar el gran nivel de las interpretaciones, brillando intensamente William H. Macy, Steve Buscemi y McDormand, y la banda sonora de Carter Burwell, of course. Momento memorable: Buscemi y Peter Stormare, terribles delincuentes, cometen un secuestro 100% Coen.

• ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, 1998)

Confirmó a los Coen como cineastas de culto. Aunque para culto el creado en torno al personaje interpretado (de forma genial) por Jeff Bridges, “The Dude” (“El Nota” en español), convertido en todo un icono popular e incluso en el origen de una religión. De hecho, éste es el título que tienes que defender, por encima de todos los demás de los Coen, si quieres ir de “friki” pero sin dejar de ser “cool”, ya me entiendes. Especialmente destacable, a mi modo de ver, por ser la comedia más redonda, más completa que han realizado, incluyendo de nuevo los elementos típicos de su cine, desde la trama a los personajes. De nuevo, estupenda banda sonora (con la famosa versión del Hotel California por los Gipsy Kings) y aún más estupendas interpretaciones (con hueco para dos gigantes como Julianne Moore o Philip Seymour Hoffman). Momento memorable: John Turturro entra en escena y se encara con Bridges, John Goodman y Steve Buscemi.

George Clooney y Grant Heslov son los productores de ‘The Men Who Stare at Goats’ (los hombres que se quedan mirando a las cabras). Clooney, además, es protagonista de la película, que dirigirá Heslow con un guión en el que Peter Straughan adapta el libro homónimo del columnista de The Guardian Jon Ronson.

Los actores Ewan McGregor, Kevin Spacey y Jeff Bridges están en negociaciones para unirse al reparto.

‘The Men Who Stare at Goats’ tiene lugar en Irak y se centra en Bob Wilton (McGregor), un periodista desesperado que da con el reportaje de su vida cuando conoce a Lyn Cassady (Clooney), que asegura ser un antiguo soldado con poderes psíquicos que trabajaba para el servicio secreto militar de Estados Unidos y que fue devuelto a la actividad tras el 11 de septiembre.

Bridges interpretaría a Bill Django, el creador del programa de entrenamiento y mentor de Lyn. Spacey sería Larry Hooper, antiguo soldado vidente que regenta un campo de prisioneros en Irak.

Actualización del 10 de octubre: Rebecca Mader (Charlotte en ‘Lost’) se une al reparto.

Wilton y Cassady viajan a través de Irak, lo que permite a los espectadores observar a esta unidad del ejército –que supuestamente existió— entrenar a sus soldados para que adquieran poderes paranormales.

Produce Mandate Pictures. Smoke House, que pertenece a Clooney y Heslov, y BBC Films co-producen la película que comenzará a organizarse a principios de octubre.

Pero lo que a mí me mosquea es lo de las cabras, así que voy a buscar algo sobre ese libro en Google, a ver qué averiguo. Aquí va, cuidadín, que tiene tela: esta unidad secreta del ejército norteamericano, creada en 1979, creía que un soldado podría ponerse una capa de invisibilidad, atravesar paredes sin molestarse y matar a las cabras sólo por fijar en ellas su mirada.

Fuente | The Hollywood Reporter.

¿Habéis visto ‘El Aventurero de Medianoche’? Si no es así, buscadla, Clint Eastwood compone un personaje memorable en ese film (vaya “sorpresa”, Clint realizando trabajos memorables, ¿eh?). Me ha venido a la mente ese título por ‘Crazy Heart’, un drama sobre la vida de un músico para el que Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal y Robert Duvall han firmado protagonizar. El director y guionista es Scott Cooper, que ha adaptado la novela de Thomas Cobb.

Más concretamente, la historia de este “corazón loco” se centra en un cantante country alcohólico y desafortunado, autodestructivo, en lo más bajo de su carrera, que tras conocer a una periodista recupera la oportunidad de recuperar tanto su vida como su profesión/vocación. Bridges, a quien hace poco vimos haciendo el ridículo en ‘Iron Man’, interpretará al músico, mientras que Gyllenhaal, una de las protagonistas de ‘El Caballero Oscuro’ (‘The Dark Knight’), encarnará a la reportera. No se dice nada del papel que tendrá Duvall, pero supongo que será el del padre de Bridges (o su representante). El rodaje comenzará en agosto.

Vía | Dark Horizons