Se está formando un interesante reparto para la adaptación del cómic ‘R.I.P.D.’. Recientemente se ha sabido que Mary-Louise Parker, la estrella de la exitosa serie televisiva ‘Weeds’, está a punto de firmar con Universal Pictures para ser una de las protagonistas de ‘R.I.P.D.’, sumándose a un elenco en el que ya figuraban Ryan Reynolds, Jeff Bridges, Kevin Bacon y Stephanie Szostak. De la puesta en escena se va a encargar Robert Schwentke, director que ya contó con Parker en su última película, ‘RED’, casualmente también basada en un tebeo cuyo título estaba formado por siglas (“Retirado Extremadamente Peligroso”).

La historia de ‘R.I.P.D.’ gira en torno a un policía (Reynolds) asesinado mientras estaba de servicio que despierta convertido en RoboCop… ah, no, espera, EN UN ZOMBIE (mis ganas de ver la película han aumentado). El muerto viviente será reclutado por los agentes del Departamento Descanse en Paz (“Rest in Peace Department”, de ahí el título), teniendo así la oportunidad de buscar a su asesino. Phil Hay y Matt Manfredi se han ocupado del guion, basado en la obra escrita por Peter M. Lenkov e ilustrada por Lucas Marangon y Randy Emberlin. Está previsto que el rodaje comience el mes que viene en Boston, con la idea de un estreno para la segunda mitad de 2012.

PD: Teniendo en cuenta los resultados de ‘Blade: Trinity’, ‘X-Men orígenes: Lobezno’ y ‘Green Lantern (Linterna Verde)’, no conviene esperar demasiado de otra adaptación de cómic con Reynolds en el reparto.

Vía | ComingSoon

Una cosa está clara: catalogar o etiquetar a un director, sobre todo cuando el director en cuestión merece la pena que uno pierda el tiempo con él, es una práctica inútil. Precisamente lo que define a un buen cineasta es una personalidad poliédrica, capaz de interesarse por muy diversos temas y, lo que es más importante, por dar a esa diversidad de temas un punto de vista personal. Lo fácil, siempre, es fijarse en cuestiones superficiales como la historia o el look de la película, y lo difícil, por definición, en el ritmo y en el tono. Y ahí es donde entra ‘Starman’ (id, 1984) en relación por ejemplo a ‘La cosa’ (‘The Thing’, John Carpenter, 1982), y a ‘E.T., el extraterrestre’ (‘E.T.: The Extraterrestrial’, Steven Spielberg, 1982). Tras aterrorizarnos y poblar de forma duradera nuestras pesadillas con la invencible criatura multiforme de la primera, Carpenter nos conmueve con otra criatura venida del espacio, pero en esta ocasión muy bondadosa y, como en la película de Spielberg, deseando largarse de un planeta, el nuestro, que no recibe precisamente con los brazos abiertos a lo extraño o externo.

Pienso que si la película de Spielberg no existiera, ‘Starman’ gozaría de un prestigio mayor. Pero también tiene mucho mérito que apenas dos años después de aquella famosísima película, Carpenter aceptara un encargo del productor Michael Douglas (que, más listo que un zorro, le eligió entre varios directores para hacer realidad este proyecto) y que aún hoy sea una película que, pese a quedar eclipsada por la película de Spielberg (ambos proyectos se desarrollaron al mismo tiempo y fue casualidad que ‘E.T., el extraterrestre’ viera la luz el primero), se mantenga sólida frente a ella. No vamos a compararlas porque, en realidad, no tienen nada que ver, pero ambas comparten una historia parecida. Ahora bien, se diferencian muchísimo en el ritmo y en el tono antes mencionados, pues aunque de algún modo se trata de la película más romántica o simplemente conmovedora de Carpenter hasta la fecha, su puesta en escena es cien por cien Carpenter, y hasta su personaje central, ese ente alienígena, tiene bastante que ver con algunos héroes carpenterianos.

Ahora bien, aunque en algunos aspectos se trata de una película muy emotiva, también lo es porque está impregnada de una arrasadora melancolía. Si Carpenter no se había privado con anterioridad de dejar a las autoridades militares o gubernamentales de su país (o de cualquiera, por extensión) como una panda de arribistas sin escrúpulos, aquí no va a ser menos, y la raza humana entera, con escasas excepciones, recibe una severa crítica. Carga crítica muy importante en la obra entera de Carpenter, pocas veces analizada. Da gusto ver la lucidez con la que Carpenter nos retrata: como unos niños incapaces de aceptar que no estamos solos en el universo, y que las armas, más que salvarnos, destruyen nuestras opciones de avanzar como civilización. Pero además, ‘Starman’ es una desgarradora historia de amor truncado, que a su vez, lejos de redimir a la especie humana por su capacidad de amor, nos describe como unos seres dependientes y frágiles, dignos de toda conmiseración. En resumen: no se trata de una película consoladora o de fácil digestión, sino de una pieza audiovisual tremendamente dura con el ser humano, bajo cuya trepidante aventura laten una serie de reflexiones que aplastan anímicamente al espectador.

Ver el mundo con otros ojos

Al igual que Kal-El, más conocido como Superman/Clark Kent, el alienígena sin forma (apenas una luminosa esfera azulada…) que se encarnará en el marido muerto de Jenny Hayden, observará el mundo con ojos ajenos, y Carpenter situará nuestro punto de vista próximo al suyo en todo momento, usándole como excusa para describir un mundo muy mal diseñado, gris, rutinario y violento, cuyos habitantes conviven en soledad, acuciados por sus miedos, sus complejos y su fragilidad. El relato se estructurará en torno a la huida de Jenny con el alienígena que ha tomado el aspecto de su marido muerto, superado su miedo inicial y su estremecimiento al volver a hablar y tocar a un ser idéntico a su amor perdido. Durante el irregular camino, Jenny, el hombre de las estrellas y el espectador ensancharán sus conciencias, se enfrentarán al vacío de la muerte y comprenderán cuánto de luminoso, y de siniestro, se encuentra en el interior de cada uno de nosotros. La mirada de Carpenter, más emocionante que nunca, narra con serenidad, pero también con pasión, esta historia sencilla e inolvidable.

Imposible imaginarse a otro que no sea Jeff Bridges como Starman. Por fin convertido en una leyenda de su oficio, gracias a su magnífica madurez, contaba con unos espléndidos treinta y cinco años cuando hizo esta película, poco más o menos, y desde luego clava un personaje mucho más difícil de lo que parece, porque no se trata de gesticular ni de mantenerse impávido, mientras se recitan frases monótonas. Lo complejo era interpretar a un ser que aprende a toda velocidad y que posee la mente de un niño (pues es incapaz de hacer daño a nadie), pero involucrado en unos acontecimientos muy graves. Detrás de la mirada entrañable de Bridges pasan un sinfín de emociones que, sospechamos, nacen por primera vez en su interior. En una palabra: impresionante. A su lado, Karen Allen, que muchos recordarán por su papel de Marion Ravenwood en ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders of the Lost Ark’, Steven Spielberg, 1981), demuestra que es una actriz muy solvente que quizás hubiera merecido una carrera más interesante.

Otros estupendos actores secundarios le dan a la película una gran energía: el mítico Charles Martin Smith, el ya desaparecido Richard Jaeckel, o los muy carpenterianos George ‘Buck’ Flower y Mickey Jones. Por otro lado, energía le sobra a la película, gracias a una magnífica fotografía y uso de la cámara por parte del operador Donald M. Morgan y su equipo, después de los rutinarios resultados de ‘Christine’ (id, 1983), que no parecían propios de Carpenter en ese sentido, y que repite con este profesional, pero mucho más inspirado. Filmaron con el habitual aspect ratio de 2.35:1 (aunque con una relación 2.20:1 para sus copias a 70 mm), y con él puede apreciarse, gracias a la maestría visual de Carpenter, ya convertido en un consumado maestro del scope en su película, mucho mejor los parajes por los que huye la pareja protagonista, y las espectaculares secuencias de efectos especiales, efectos que aún a día de hoy lucen excelentes, y que confirman también a Carpenter como un gran técnico en ese sentido, después de los formidables logros de ‘La cosa’.

La película no funcionó ni una décima parte de bien de lo que lo hizo ‘E.T’, aunque tampoco puede considerarse un fracaso, cubrió gastos en Estados Unidos y recibió excelentes críticas. Carpenter necesitaba que los estudios le vieran como un outsider que, sin embargo, podía llevar a cabo buenos encargos de cine de género, algo que no terminaba de conseguir. No es desacertado poner en paralelo su carrera con la de Spielberg, pues ambos cineastas pertenecen a la misma generación, ambos triunfaron inicialmente con un cortometraje, y ambos han procurado construir cine de género fusionado con cine de autor, pero mientras Carpenter ha mantenido sus constantes, pagando un precio muy alto por ello, Spielberg ha entregado un cine más comercial, habitualmente. Poco importa ya, pues la carga crítica, la profunda emoción y la hermosa historia que es ‘Starman’ le acercan a un espíritu más spielbergiano, pasado por su personalísimo filtro moral.

Conclusión e imagen favorita

Uno de los filmes más completos y recordados de su director, que filma con humildad pero mucha convicción una triste historia sin final feliz, sin grandes secuencias de acción y sin darle concesiones al espectador. Mi imagen favorita, como supongo será la de muchos, es la del ciervo en una de las secuencias más conmovedoras de la película.

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Desde que, la semana pasada, se estrenó ‘Valor de ley (True grit)’, de Ethan y Joel Coen, tengo esta crítica escrita y siempre encuentro que alguno de mis compañeros ha publicado la suya y debo retrasar la mía para no saturar con el mismo tema.

Esta nueva adaptación de la novela de Charles Portis, en la que ya se basó en 1969 Henry Hathaway, comienza con una escena excepcional en un solo plano muy abierto, tanto que es difícil «leer» lo que en él se ve al menos en los primeros segundos, pero que va desvelando su contenido con lentitud. La voz en off de la protagonista nos introduce de forma concisa y bella en la historia hasta que, por fin, distinguimos el cadáver del padre de esta mujer, años atrás, cuando ella tenía catorce años.

Con ese mismo buen gusto está rodada toda la película. Los hermanos Coen realizan un espléndido trabajo al que no le caben reproches en ningún aspecto que se refiera a la realización. De la labor del resto del equipo técnico nada malo puede decirse. La fotografía acompaña de maravilla a los encuadres y la puesta en escena de los hermanos. Del equipo artístico tampoco diría nada en contra, pues todos los personajes están interpretados a la perfección.

Disminuye mi emoción ante la película un detalle que no se puede achacar como defecto, ya que responde a una elección deliberada, pero que a mí personalmente me provoca la pérdida del interés. Se trata del tono ligero o superficial con el que se cuenta la historia. No me refiero al hecho de que haya humor, pues eso podría estar muy bien, pero sí al estilo de humor concreto, tirando a pueril, que presenta el film en determinadas ocasiones, llegando a aportar una sutil —porque no todo el mundo lo ha percibido así— aproximación informal hacia el asunto.

El conflicto podría ser de envergadura. Sin embargo, rápidamente se abandona como tal: la venganza del padre pasa a ser un McGuffin y la relación entre los protagonistas cobra el lugar de asunto principal. No supondría un problema dejar de fondo esta cuestión y centrarse en la personal, pues la épica no es el único componente posible con el que conmover y, muchas veces, esa antiépica de los antihéroes es superior. Pero, para dejar de lado la venganza y quedarse con lo humano, sería necesario hallar una mayor profundidad en el trato de las interacciones entre los personajes.

Sin ello, nos quedamos con una concatenación de situaciones más o menos impactantes, jocosas o arriesgadas que funcionan de forma demasiado aislada. La manera tan episódica en la que van apareciendo los demás personajes responde a esa sucesión de anécdotas con poco nexo que, si bien será intencionada, personalmente la encuentro torpe. Esto se produce especialmente con el hombre encarnado por Josh Brolin. La confusión con respecto a él puede deberse a que le dé vida un actor tan famoso, que esperaríamos una intervención más duradera y significativa. Pero incluso aunque se tratase de un desconocido, su participación parece inconclusa y absurda.

El elemento más atrayente y original de ‘Valor de ley’ se halla en el comportamiento de la niña, que podría no esperarse en la época siquiera en mujeres adultas. Se hace gozoso escucharla desde los primeros minutos, durante su trato con el comerciante y hasta su negociación con el alguacil. Por desgracia, este efecto de sorpresa se agota fácilmente, ya que no puede llevarse más allá y tampoco se busca darle un contrapunto o una evolución. El resto de los personajes se debaten entre tópicos o caricaturescos. Este último epíteto iría que ni pintado, especialmente, al de LaBeouf, del que, tal como está presentado en esta versión, se podría haber prescindido.

La joven intérprete Hailee Steinfeld está magnífica, Jeff Bridges realiza una gran labor y tampoco lo hacen mal Matt Damon o Josh Brolin, pese a contar con papeles poco sólidos. Pero estas grandes interpretaciones, si bien se disfrutan como actuaciones en sí, no penetran en el relato para enriquecerlo en su profundidad.

En conclusión, diría que se trata de una cinta de aventuras muy bien interpretada, rodada con sabiduría, pero a la que no puedo considerar grandiosa debido a que su tono hizo imposible que compartiese ni la épica de la historia ni la emoción de la relación entre los protagonistas.

Mi puntuación:

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Voy a hablar claro. Para el que suscribe ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’, Steven Spielberg, 2005) es superior a ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’, Byron Haskin, 1953), ambas basadas en la famosa novela de H.G.Wells. Si retrocedo en el tiempo pienso que ‘Deseos humanos’ (‘Human Desire’, Fritz Lang, 1954) es preferible a ‘La bestia humana’ (‘La bête humaine’, Jean Renoir, 1938), ambas basada en la famosa novela de Émile Zola; y también prefiero, por poco, ‘La cosa’ (‘The Thing’, John Carpenter, 1982) a ‘El enigma de otro mundo’ (‘The Thing from Another World’, Christian I. Niby, 1951), ambas basadas en el relato de John W. Campbell Jr. A los primeros toda la vida se le han llamado remakes, palabra que significa rehacer, ya sea una nueva versión de un guión previo o una nueva adaptación. Para hablar sobre la superioridad de esos remakes jamás se ha necesitado hacer hincapié en que eran nuevas adaptaciones de una novela.

En el 2004, dos hermanos deciden hacer una película titulada ‘Ladykillers’ (‘The Ladykillers’, Joel Coen, Ethan Coen) que curiosamente es un remake de un clásico de la comedia británica, ‘El quinteto de la muerte’ (‘The Ladykillers’, Alexander Mackendrick, 1955). Los Coen llevaron palos hasta de sus admiradores más fervientes —personalmente, el film no me parece tan malo a pesar de su convencionalismo—, y ha debido ser tal el trauma que ahora los realizadores se han asegurado de extender bien el eufemismo conocido como “nueva adaptación de la novela”, cuando pienso que han caído en el mismo error que el film protagonizado por Tom Hanks —impresionante en su heredado papel como lo está Jeff Bridges en el suyo—, logrando su film más comercial y cayendo en concesiones innecesarias. Por supuesto, todo muy bien disfrazado.

No voy a negarle a los Coen el valor de realizar un western en pleno 2010 y conseguir con ello importantes nominaciones a los Oscars, pero no es de recibo defender su trabajo basándose en que su película está alejado del tipo de cine comercial que se hace hoy en día, entregados a las nuevas tecnologías con las que se pretende deslumbrar al cada vez menos impresionable espectador. Y no me lo parece porque los Coen jamás se han dejado llevar por la corriente, su filmografía está llena de trabajos arriesgados, algunos de los cuales se han convertido en éxitos y otros en films de culto. Nadie debería sorprenderse de ver un film como ‘Valor de ley’ (‘True Grit’) compartiendo cartel con memeces del calibre de ‘TRON: Legacy’ (id, Joseph Kosinski, 2010). Son los Coen, y de momento ellos no han sucumbido a las filigranas visuales de colores.

Lo que ya me parece muy poco creíble son las declaraciones de los dos hermanos al respecto del film original, alegando que mientras hacían la película no les interesó ni lo más mínimo el revisar el film de Henry Hathaway, entre otras cosas porque su fama superó a la de la novela y permanece como uno de los films míticos del cine estadounidense. Lo quieran o no esa popularidad seguro que ha ayudado en algo al inesperado —dicen los hermanos sorprendidos, mientras yo me chupo el dedo— éxito que está teniendo ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), un western maravillosamente fotografiado, con excelentes interpretaciones, algunas ideas buenas, pero tan falto de vida y emoción, que personalmente, aún encontrándome dentro del maravilloso universo del western, me he sentido profundamente decepcionado. Así que no voy a soltar la típica coletilla que se suelta desde el estreno de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, Clint Eastwood, 1992) a cada nuevo western que nos llega.

Es curioso que siendo más fiel a la novela de Charles Potis, este remake sea más corto de duración que el film de 1969. Los Coen han efectuado un ejercicio de síntesis, yendo directamente al grano en unos puntos y descuidando otros tantos. Hay brevedad en su inicio, quizá demasiada, aunque la escena de apertura en la que Roger Deakins demuestra que le deben dar un Oscar de una vez, resulta sobrecogedora. La voz en off de Mattie Ross —espléndida Hailee Steinfeld— nos narra el asesinato de su padre por el cobarde Tom Chaney (Josh Brolin) mientras la imagen se va aclarando, para dar lugar al periplo de Mattie buscando venganza. Una odisea llena de peligros, en la que no faltarán alegorías sobre la familia, la pérdida de inocencia y las consecuencias de la violencia en el mundo adolescente. Pero las excelencias de su inicio se ven difuminadas al dar comienzo el núcleo de la historia, el viaje en busca de Chaney, permaneciendo únicamente la labor de Deakins y los actores como únicos elementos sobresalientes.

Y aunque los hermanos de Minnesota atinan en ideas de puesta en escena realmente interesantes —el acercamiento de Mattie al marshall Cogburn en el juicio del inicio, o el excelente tiroteo en la oscuridad bien avanzado el relato—, no son capaces de hacer interesante una historia mucho mejor contada en la película protagonizada por John Wayne. No me interesa lo que les pase a los personajes, no siento simpatía, ni antipatía, por ninguno de ellos, y todos me resultan muy mecánicos. Por supuesto que Jeff Bridges está muy bien, pero es su caracterización y buen hacer lo que llama la atención, no el personaje en sí, el cual debería despertar algún tipo de emoción más allá de las precisa composición de Bridges, en la que cada gesto, palabra, balbuceo y mirada están en su justo lugar. A estas alturas sobraría decir que Bridges es un actor extraordinario, y que Rooster Cogburn es un papel caramelo hecho a su medida, como lo era en el caso de John Wayne.

Bajones de ritmo, elipsis abruptas, y salidas y entradas aleatorias del personaje de Matt Damon, más una falta apabullante de emoción —por mucho que la música de Carter Burwell invite a ello— y humor —el poco que hay es demasiado facilón y ya se encontraba en el film original mucho mejor matizado— visten una película insuficiente, a ratos distraída, a ratos invitando al sopor, y que extrañamente cambia de tono en su tercio final, antes del epílogo, tirando hacia el cuento de hadas con sabe Dios qué intención. Por el camino quedan ajustados homenajes al western —el de ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, John Ford, 1956) es tan descafeinado que apenas se saborea con gusto—, poca tensión en un relato que debería tenerla, y una labor técnica de primera como irresistible envoltorio de un film sin garra. Para colmo, en el innecesario epílogo, los Coen caen en el subrayado más desconsiderado, rindiendo homenaje a los tiempos pasados mostrando el destino de Cogburn y Mattie, figuras desencajadas pertenecientes a otra época ya muerta, mientras la música intenta arrancarnos una lágrima. Qué bonito, qué precioso.

A Hathaway le llegó con un plano congelado.

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Si me dicen a mí, hace ahora casi veinte años (coincidiendo con el estreno de ‘Barton Fink’ (id, 1991), la cual triunfaría ese año en Cannes), que dos décadas después los Coen recaudarían ciento cincuenta millones de dólares solamente en la taquilla de su país, que tendrían diez nominaciones a los Oscar, o que en los carteles de su película rezaría un “Recompensa 2011” (en una campaña de promoción, por lo demás, absolutamente brillante), no lo habría creído. Que Steven Spielberg sea el productor ejecutivo de la película es casi una anécdota en comparación con todo eso. No tiene nada de malo, ni voy ahora a esgrimir el manido argumento del cine de autor en oposición al cine comercial, pues hay cine comercial con más autoría que mucho cine de autor, y viceversa, pero sí es una constatación de cómo cambian las cosas y de cómo pasa el tiempo. Y aún menos me hubiera creído de qué forma, los hermanos más aguerridos e indómitos del cine norteamericano de los años noventa, han perdido toda su personalidad hasta el punto de quedar irreconocibles, mientras reciben todo tipo de elogios, bajo mi punto de vista tremendamente inmerecidos.

Nueva versión (según los Coen, no es un remake, y no se van a cansar de repetirlo…) de la emocionante, y homónima, novela corta de Charles Portis, publicada en 1968, este nuevo ‘Valor de ley’ es un lujoso, preciosista y extraño juguete en manos de los famosos directores, que sigue punto por punto el texto original, y que por lo tanto es imposible no comparar con la película de Henry Hathaway de 1969 (que, recordemos, hace pocos días comentaba Alberto Abuín en una apasionada crítica), con la que no resiste ninguna comparación, porque mientras la película de Hathaway era una hermosa reflexión acerca de lo injusto de la justicia (tanto terrenal como divina), del papel de la mujer en un mundo de hombres acostumbrados a la supervivencia extrema, o de la soledad redimida gracias a los no deseados compañeros de viaje, la de los Coen no es más que otro ejercicio retro más (y llevan…) que en ningún momento emociona ni cautiva, que indaga en los ancestrales rituales de la caza del hombre por el hombre con irritante ligereza, y que se olvida a los cinco minutos de verse.

De lo que no cabe ninguna duda, es que los hermanos Coen son los más listos de la clase. En astucia y pericia narrativa, les igualan muy pocos, y eso es mucho decir. Finalmente reciclados y engullidos, pese a su alteridad, por los patrones más ortodoxos del cine de género de hoy en día, era cuestión de tiempo que se atreviesen con un western. Ya en ‘Sangre fácil’ (‘Blood Simple’, 1984) o en ‘Arizona Baby’ (‘Raising Arizona’, 1987) se percibía que el género por antonomasia no andaba lejos, y en posteriores trabajos le han homenajeado, siempre a su manera, en no pocos detalles y personajes, con ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, 2007) como definitivo acercamiento y, de alguna forma, preludio a este ‘Valor de ley’, en el que la ambientación es prácticamente perfecta, en el que los disparos de revólver suenan como jamás sonaron ni en ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, John Ford, 1956) ni en ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, Clint Eastwood, 1992), y que para muchos es el título más importante del género en muchos años, como si eso fuera algo representativo.

¿Los Coen?, domesticados

El que espere algo a la altura de ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller’s Crossing’, 1990) o ‘Fargo’ (id, 1996) no lo va a encontrar aquí. La impresionante carrera de los hermanos Coen se terminó en 1998 con ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’) y, desde entonces, su cine, siempre de factura perfecta y a menudo con actores famosos y taquilleros, es mucho menos interesante. ‘Valor de ley’ es, en cierta forma, muy parecida a las siete películas que filmaron en la pasada década: una trama mínima y gélida, un personaje central con un papel muy agradecido (ya sea de comedia, drama, tragedia o sátira), una fotografía sensacional, una puesta en escena mecánica y previsible, una sensación global de que estos directores no se ponen el listón de la autoexigencia demasiado alto, un resultado final agradable y digno de ver, pero en modo alguno notable. El subversivo espíritu que animara ‘Arizona Baby’, la negrura visual y anímica que presidiera ‘Muerte entre las flores’, el existencialismo que brota por los poros de ‘Barton Fink’, la increíble mala hostia y crueldad con la que construyeron ‘Fargo’, han desaparecido de su cine. Ahora adaptan una novela, jurando por sus muertos (o casi, y jugando en mi opinión al despiste, para evitar siempre la temida palabra “remake”) que no han pensado en la primera adaptación en absoluto, y lo hacen con precisión pero sin alma

Porque a estas alturas del negocio, los Coen se las saben todas, y filman como si respirasen. La magnífica dirección de fotografía de su habitual Roger Deakins, que lo mismo justifica una iluminación nocturna con la luz de la luna y el fuego del interior de una cabaña, que una diurna con el sol perfectamente en raccord o con el brillo de los copos de nieve, se suma al fenomenal diseño de producción de Jess Gonchor, en su cuarta participación con los Coen, que construye un universo western realista y minucioso. Los directores, por su parte, planifican con su brillantez habitual (propensos a la falta de espontaneidad, dada su obsesión por dejar todos los planos diseñados previamente, y de manera férrea, con un storyboard muy detallado), y el reparto está muy ajustado. Lástima que para estos cineastas, un western se limite a acentos marcados de paleto norteamericano, a caracterizaciones extremas y sin fuerza, y en general a arquetipos mil veces vistos con anterioridad y que jamás pueden erigirse en una nueva mirada a un género, simplemente en un ejercicio retro en el que no veo esa pretendida desmitificación ni realismo, porque es un western aséptico, con poco dolor, menos mugre y ninguna oscuridad, a pesar de la historia que cuenta.

Mattie Ross (interpretada con soltura y valentía por Hailee Steinfeld, aunque en mi opinión bastante inferior a la maravillosa Kim Darby de la película original) es una cría de inquebrantable fuerza de voluntad, que no parará hasta vengar a su padre, asesinado por Tom Chaney (aquí Josh Brolin, también bastante inferior a esa presencia brutal de Jeff Corey en el original), y que consigue convencer al granuja (alcohólico y de gatillo fácil) Rooster Cogburn para que cace al escurridizo criminal, acompañados ambos por el ranger LaBoeuf (un muy menor Matt Damon). De alguna forma, Rooster significaba una muy imperfecta figura paterna y LaBoeuf un hermano, y la dureza de la persecución terminaba uniendo fraternalmente a tres caracteres tan distintos. Por otra parte, el relato de Portis era apasionante en la forma y muy conservador en el fondo, con los rangers y los marshalls ejerciendo como héroes, con los bandidos castigados, con la venganza como forma de justicia, y con la niña sobreviviendo al viaje y creciendo como persona. Todo eso está en la película de los Coen, tal cual.

Como están, intactos, la mayoría de los diálogos originales, que tan bien salen de la boca de un Jeff Bridges en su recién asumida condición de actorazo legendario, al que le basta un gesto, una mirada, y ya tiene en el bolsillo a cualquier espectador. Su caracterización, con el parche y el vestuario, con su voz ronca por el licor, bastaría para muchos actores de menor valía, y él la explota al máximo, sabiendo que es un bombón de personaje. Repitiendo con los Coen tras su ya mítico El Nota, ni siquiera tiene que esforzarse demasiado, al igual que ellos. Es lo más destacado, junto con el humor negro, de una película incapaz de emocionar, en la que la consabida cabalgada final sabe a muy poco, en la que Mattie observa la aparente renuncia de Cogburn sin que le importe demasiado (y si no le importa a ella, a nosotros menos) o se encuentra cara a cara con el asesino de su padre o se enfrenta a una muerte casi segura, y apenas sentimos una desazón o una tensión, todo lo contrario que con Darby en la primera película. Pero ya la relación entre ella y Cogburn es increíblemente superficial, y jamás se llega a acceder a la verdad que encierra su compleja amistad. El cierre de la película nos confirma a unos Coen que por poco narran un cuento de hadas, incapaces de dotar de épica a una historia tan épica.

Conclusión

Diez nominaciones al Oscar para esta película me parecen, a todas luces, exageradas. No dudo que los merezca en disciplinas como la fotografía o la dirección artística, pero ya en guión adaptado, en dirección o en película, creo que la única razón de que esté entre las finalistas, como ocurre con ‘Origen’ (‘Inception’, Nolan) o ‘La red social’ (‘The Social Network’, Fincher), se debe a que tampoco hay mucho que nominar. ¿Alguien se imagina a alguna de estas compitiendo en 1991, disputándole el codiciado premio a obras maestras como ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of the Lambs’, Demme) o ‘J.F.K., caso abierto’ (‘JFK’, Stone)? No es en absoluto una “mala película” (concepto que cada vez entiendo menos), pero se trata de un cine de escaso vuelo artístico, prediseñado, artificial, sin fuerza y sin demasiado interés. Ni una sola gran secuencia, ni una sola idea visual realmente poderosa. Los Coen han hecho lo que jamás creí que serían capaces: una película “bonita”.

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Justo cuando surgen tímidos e infundados rumores de una posible secuela de ‘El gran Lebowski’, que los propios hermanos Coen han desmentido, nuestra sección de Críticas a la carta encuentra en este título su nueva entrega. Curiosa película, tremendamente popular y elevada a los altares de la veneración, cuyo ensalzamiento se produce después del discreto estreno del film. Y calificada incluso de ser la primera película que Internet ayuda a convertir precisamente en una obra de culto.

Y es que esta comedia satírica y divertida confirmó el talento de los Coen para la comedia alocada, para narrar una historia sin mucho aliciente y conseguir momentos brillantes. Aunque el mayor acierto, más allá del análisis crítico de la sociedad que destila ‘El gran Lebowski’, son sus personajes. ‘El gran Lebowski’ no sería lo que es sin el “Nota” (o “Dude” en su versión original). Y en ello tuvo mucho que ver la composición de Jeff Bridges como protagonista, sin olvidarnos de sus compañeros de bolera.

El guión de esta película es anterior a ‘Fargo’, con la que los hermanos Coen alcanzaron un status de prestigio, y es de agradecer que supieran esperar para tener en el cast a Jeff Bridges, John Goodman y el propio Steve Buscemi. Tres actores encargados de darle vida a unos personajes sobresalientes. Aunque quizás, el papel de Buscemi sea el que menos presencia e importancia contiene en la historia, aunque es una buena réplica en las excelentes escenas de la bolera, donde los diálogos suponen la esencia misma del film.

‘El gran Lebowski’: extraña, divertida y generacional

Los Coen consiguen con esta película el retrato de una generación, pero también de unos personajes reales, estrambóticos que reflejan en buena medida el carácter excéntrico (y alocado) de la sociedad norteamericana, especialmente en la ciudad de Los Ángeles, el escenario donde está magníficamente ambientada. Lebowski, o mejor “Dude”, como siempre insiste en ser nombrado, es también el reflejo de ese espíritu abandonado, lejos del gran sueño americano y en el que se arrastra el legado de un pasado de drogas, música y daños colaterales mentales de Vietnam. Todo ello combinado con el culto al pasotismo, a intentar subsistir, a toda costa aunque se esté conscientemente nada preparado para cualquier intento de éxito.

Es una película extraña, donde la narración de la historia, de sobra conocida, fluye con una voz narradora con personaje presente, que intenta hilar la trama, aunque sin demasiada convicción. Pero poco importa. Porque “Dude” siempre improvisa e intenta salir como puede de cada situación en la que se ve inmerso sin haberlo buscado. Es el fiel reflejo de la resistencia pasiva. Aquí los Coen demuestran un enorme dominio del relato a base de escenas brillantes, que sin embargo rompe el hilo conductor y les cuesta cerrarlo. De hecho la conclusión es algo decepcionante. Pero poco importa, puesto que han logrado eso tan importante que es entretener y, sobre todo, desprender química con unos personajes a los que se le coge cariño, con los que empatizar, comprender y uno quiere abrazar.

‘El gran Lebowski’ está repleto de referencias, de imágenes, gags que la convierten en una comedia única. Hilarante por momentos y en el se aprecia un gran libertad creativa justificada con una inspiración elevada. Si no fuera así, no tendría mucho sentido la inclusión de esos nihilistas alemanes, de las referencias musicales tan dispares (de la electrónica a los Eagles), de alfombras voladoras, de exitosos guionistas de televisión que sobreviven artificialmente, de engaños a dos bandas, de jugadores de bolos con hambre de humillación (inolvidable el breve papel de John Turturro), de tributo-crítica a los judíos o de escenas oníricas de musical.

Todos estos elementos, y muchos más que salpican todo el universo de el “Nota” y sus amigos, consiguen conformar un comedia salvaje, irreverente, ácida, divertida. Esencial en la filmografía de los Coen y bandera para una generación que se identifica con esos antihéroes sin motivación existencial. Cuyo único cometido es disfrutar de su principal afición y charlar para encontrar justificación a los errores cotidianos. Muy bien reflejados en las escenas de la bolera, donde los diálogos están salpicados de vulgaridades, pero que reflejan a la perfección el día a día de personaje socialmente marginados.

Y a la hora de reflejar este peculiar escenario de Los Ángeles, la película contiene también dos pilares esenciales que consiguen elevar aún más el resultado global. Uno es su excelente (y ecléctica) banda sonora, que mezcla la partitura del habitual Carter Burwell con temas clásicos y dispares, que contienen desde Bob Dylan a Elvis Costello, o la acertada (y apropiada a la escena) adaptación del ‘Hotel California’ por los Gipsy Kings. El otro pilar es la excelente fotografía de Roger Deakins. Que consigue sacar un enorme rendimiento a las escenas más emblemáticas (incluido el poderoso sueño musical).

Ahora es su turno, ya pueden elegir y votar por el siguiente título de Críticas a la carta.

Los hermanos Coen pillan la delantera tras tres semanas y ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, Joel & Ethan Coen, 2010) asciende al número uno, con excelentes críticas y una muy buena acogida por parte del público. Personalmente me llena de satisfacción que un western sea un éxito de taquilla hoy día con el público acostumbrado a efectos especiales, películas de consumo rápido y gafas.

La primera novedad del top ten es ‘En tiempo de brujas’ (‘Season of the Witch’, Dominic Sena, 2010), una historia de espada y brujería y protagonizada por el insufrible Nicolas Cage y en cuyo reparto también aparece el mítico Christopher Lee. La crítica yanqui la pone por los suelos, y el público votante en la IMDb no parece demasiado entusiasmado.

‘Country Song’ (id, Shana Feste, 2011) es un drama sobre un compositor de música country que ve la oportunidad de su vida al conocer a una estrella en decadencia. Protagonizada por Gwyneth Paltrow, que también canta, la película no ha sido bien recibida por la crítica y al público votante no le ha llamado demasiado la atención.

Vía | IMDb

No soy tu padre, Sam.

(CLU)

Veintiocho años después del estreno de ‘TRON’ (1982), aquel torpe producto de la Disney que (sin ser un éxito comercial) con el tiempo se convirtió en un título de culto debido a sus efectos visuales, llega a las pantallas de medio mundo la segunda parte, ‘TRON: Legacy’ (2010), una lujosa superproducción dirigida por el debutante Joseph Kosinski, que cuenta con las mismas bazas pero mayores pretensiones que la original. Con el reclamo de la más sofisticada tecnología, y el 3D que puso de moda James Cameron, la película busca arrasar en taquilla y enamorar a las nuevas generaciones, esto es, convertirse en un nuevo hito del cine fantástico, a la altura de ‘Star Wars’, ‘Matrix’ o la más reciente ‘Avatar’.

Producida por Steven Lisberger (co-guionista y realizador de la primera parte) y escrita por Edward Kitsis y Adam Horowitz, ‘Tron: Legacy’ es una excesiva, aparatosa y hueca aventura digital basada en el impacto y la sorpresa, en sus sensacionales efectos visuales, pero desprovista de ritmo, coherencia y emoción alguna. La película ha sido diseñada para entretener y fascinar (con la esperanza de iniciar una rentable franquicia), pero solo lo consigue a ratos durante la primera mitad, atascándose enseguida ante la falta de ideas, hasta el punto de que sus dos horas llegan a parecer interminables. Para una producción de este calibre, que ha requerido tanto dinero, tanto tiempo y el esfuerzo de tanta gente, desde una perspectiva puramente cinematográfica, es un rotundo fracaso.

‘Tron: Legacy’ arranca con la desaparición de Kevin Flynn, el protagonista de la primera ‘TRON’, nuevamente interpretado por un Jeff Bridges rejuvenecido gracias a los mismos avances técnicos que vimos en ‘El curioso caso de Benjamin Button’. A diferencia de lo que ocurría en ese film, en el que Brad Pitt parecía realmente más joven, el Kevin Flynn de ‘Tron: Legacy’ resulta falso, parece un muñeco. Han intentado dar un paso adelante, e integrar un personaje digital entre humanos como si fuera uno más, pero el tiro les ha salido por la culata. Todavía no hemos llegado a ese punto en el que no notas la diferencia, así que en lugar de ayudar, de que creamos que es el mismo Bridges, el efecto perjudica la verosimilitud del relato, resulta imposible creerse al nuevo Flynn, lo mismo que al otro personaje que se origina a partir de él.

Ha pasado el tiempo y la empresa de Kevin, ENCON, se ha convertido en una especie de Microsoft (hay algún diálogo que suena a burla sobre el Windows), pero su hijo Sam no está conforme con esta dirección. Sam es un joven y rico heredero al estilo Bruce Wayne/Batman, entiende de todo, es más inteligente y hábil que nadie, y se juega la vida en arriesgadas misiones para luchar contra la injusticia (la manera en la que escapa del rascacielos parece sacada de ‘The Dark Knight’). Un mensaje en el busca de Alan Bradley (Bruce Boxleitner), exsocio de Kevin, lleva a Sam a buscar a su padre en un viejo local de recreativas donde éste trabajaba. Tras la máquina del juego ‘TRON’, Sam encuentra la puerta al despacho secreto de Kevin, y tras toquetear un poco el ordenador, activa la fantástica puerta a un mundo paralelo, cibernético. Allí descubrirá una fría sociedad controlado por un ser llamado CLU, un tirano cuya mayor diversión es asistir a unos juegos mortales donde extraños gladiadores se lanzan discos de luces.

Fantástico 3D, bochornoso guión

Con un potente acompañamiento musical compuesto por Daft Punk, que en algunos momentos recuerda a la de Hans Zimmer para ‘Origen’ (‘Inception’), y un espectacular diseño de producción, ‘Tron: Legacy’ intenta atrapar con sus arrolladores efectos visuales, y lo consigue durante un tiempo, el arresto y las secuencias de acción iniciales son impresionantes. Pero es imposible sostener la magia con un guión tan lamentable, inútil a la hora de presentar un mundo de fantasía verosímil (¿quiénes asisten a los combates?, ¿qué se bebe allí?) y construir unos personajes coherentes. Resulta increíble, cuando no directamente estúpido, pretender que se pasen por alto situaciones como el primer combate de Sam, sin saber absolutamente nada de las reglas ni de las posibilidades del juego, o que el plan del perfecto villano pase por la supervivencia del chaval y su posterior rescate, en lugar de simplemente secuestrarlo y exigir la entrega del objeto que durante tanto tiempo ha estado buscando.

Es tan absurda e infantil la película que incluso Jeff Bridges está mal, perdido. El veterano actor, de los más carismáticos que pisan hoy el planeta, se arrastra por la pantalla disfrazado de una especie de Obi-Wan Kenobi que pretende solucionarlo todo no haciendo nada (tal cual), leyendo clásicos o jugando al Go (facilona metáfora de su enfrentamiento con CLU). El reencuentro con su hijo, al que se supone que había perdido para siempre, y en ese entorno cibernético en el que en teoría nadie más iba a entrar, es el mejor ejemplo de lo poco que se ha trabajado el guión y la escasa visión dramática de Kosinski; debería ser una escena emotiva pero no transmite nada, es tan gélida como los escenarios (por cierto, el dormitorio de Sam es muy similar al que aparece al final de ‘2001’). Sencillamente, los actores no importan en ‘Tron: Legacy’, son cosas que se mueven de un lado para otro y sueltan frases simples o mantienen conversaciones ridículamente profundas (la del Sol es de vergüenza ajena).

Así las cosas, es lógico que encontraran en Garrett Hedlund al perfecto Sam Flynn. Da el pego en las escenas de acción y es lo suficientemente atractivo para llamar la atención de las chicas; que fruncir el ceño sea su mayor recurso interpretativo no tiene importancia. No hay mucho sitio para las mujeres en este relato, Quorra, a la que da vida Oliva Wilde, es un maniquí de bonita figura, entre la Pris (Daryl Hannah) de ‘Blade Runner’ y la Trinity (Carrie-Anne Moss) de ‘Matrix’. Michael Sheen tiene un breve personaje, pero en lugar de suponer una pequeña alegría (como lo es el cameo de Cillian Murphy), lo interpreta de manera tan exagerada y absurda que llega a resultar demasiado cargante. Tan mal dirige Kosinski a los actores, que quizá el mejor personaje es precisamente el menos humano de todos, Tron, un súper-luchador entre Darth Vader y Darth Maul (‘Episodio I: La amenaza fantasma’) que no puede dejar de ronronear.

Con retazos de los mayores éxitos del género (todos los títulos que he ido mencionando), la película es un espectáculo mal entendido (sin progresión, sin ritmo) desprovisto de alma, con un realizador que no puede ir más allá de lo superficial, de imágenes que lucen muy bien por separado, pero que no contribuyen a crear un relato compacto y potente. En resumen, ‘TRON: Legacy’ es un enorme pastiche de brillantes efectos visuales que no logran cubrir las deficiencias de un guión ridículo y una puesta en escena mediocre. Un blockbuster miserable con aspecto de videojuego de última generación que sólo entusiasmará a los jóvenes más impresionables y a los fans más conformistas del cine de ciencia-ficción. Menuda cosecha la de este 2010, madre mía.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Tron Legacy’ es lo que esperábamos: divertida y espectacular por fuera, floja por dentro

Cuando la maquinaria del marketing trabaja con la intensidad y expansión con una película como ‘Tron Legacy’ es difícil escapar a su influjo. Y como consecuencia, aproximarse al visionado resulta una experiencia contradictoria. Por una parte, se desea con ansiedad descubrir una película de la que se lleva tiempo conociendo, incluso intentando esquivar cualquier atisbo de su contenido. Por otra parte, los comentarios, las primeras críticas, la abundante información hacen que ya casi tengamos preconcebida una valoración previa que resulta difícil aparcar, a pesar de todo.

Dicho esto, cabe destacar que ‘Tron Legacy’ es lo que esparábamos. Sorprende en cuanto a su espectacularidad y no tanto en el resultado global. Pero al fin y al cabo es una película concebida para entretener. Que nadie espere encontrar una dimensión catártica en ese escenario irreal, onírico, ese mundo digital paralelo donde proyectar profundas reflexiones. Nada de esto se ha buscado y nada de esto hay en la producción de Disney. Sólo y únicamente puro entretenimiento y 3D espectacular.

‘Tron Legacy’: espectacular 3D

Y es que ‘Tron Legacy’ retoma con los recursos y esquemas de la actualidad esa pionera cinta de 1982 a la que entrega una secuela que intenta corregir y aumentar el legado digital, ese bonito traje vanguardista de colores azules y rojos de neón. Naturalmente, en este sentido empequeñece a ‘Tron’, por mucho que la que dirigiera Steven Lisberger supusiera un hito. Y es que el resultado visual es espléndido, sorprendente, con un 3D de lo mejor que se ha visto hasta el momento. También cabe señalar que la historia, el escenario y el planteamiento lo ponían en bandeja para hacer un trabajo brillante en cuanto a sus efectos visuales, como así ha sido.

Con todos los fastos dignos de una superproducción hollywoodiense épica, el ‘Tron Legacy’ de Joseph Kosinski nos regala un videojuego muy caro, un paseo por el espectáculo tridimensional de un mundo idílico, irreal pero asombrosamente bien construido (técnicamente hablando), tanto como el que fue el creado por Cameron en ‘Avatar’. Un paisaje digital cargado de luces, donde se respira en binario y donde todo es posible. Así es el mundo de Tron, donde la historia se retoma con claros guiños y donde también se recuperan los elementos esquemáticos de 1982 con solvente coherencia y bien integrados.

Ésta es la parte fácil, donde un presupuesto poderoso y un excelente equipo técnico ha trabado con cuidado y mimo para ofrecer la esencia visual de ‘Tron Legacy’. Y no se puede negar la valoración sobresaliente en este sentido, con el gran acierto del acompañamiento de Daft Punk, que compone una música machacona pero perfectamente apropiada, emocionante y que engrandece aún más si cabe a las escenas más espectaculares.

‘Tron Legacy’ por dentro: historia rídicula, personajes absurdos y diálogos forzados

Pero cuando hablamos de cine, no solo el envoltorio es importante, aunque aquí sea básico, esencial y por donde empieza a construirse la producción –no nos olvidemos–, para completar la ecuación necesitamos una historia, unos personajes y una narración que justifique, le de sentido y emocione a unas imágenes tan bien cuidadas. Lamentablemente ‘Tron Legacy’ adolece de lo mismo que su antecesora, ‘Tron’. Demasiado esfuerzo en el apartado técnico y enormes fallas y tropiezos a la hora de construir el relato. Aunque ya ‘Tron’ demostraba que sus intenciones no eran precisamente trascender en este apartado, ofreciendo una historia tan esquemática como arquetípica, uno espera que se enmienden estos errores y obtener una continuación que consiga alejarse de estos defectos tal y como se ha conseguido visualmente. Pero no es así.

‘Tron Legacy’ se aprovecha de tópicos facilones (‘Blade Runner’ y ’2001: una odisea del espacio, por ejemplo) en la búsqueda de una continuación tan obvia, por momentos rídicula y no logra convencer en este sentido. La narración está condenada a ofrecer espectáculo y su búsqueda deja en evidencia el lastre de una narración condicionada para ello. En la que ni siquiera la recuperación del personaje de Kevin Flynn, en torno al que gira la aventura, se consigue aprovechar adecuadamente. Es más, su aparición en vez de emocionar –y más teniendo en cuenta que Jeff Bridges retoma su personaje casi tres décadas después– provoca bochorno. Convirtiendo en el ambicioso, hábil y atrevido joven entusiasta en un padre compulgido, que se debate entre el amor de su hijo, la carga de salvar al mundo sobre sus espaldas y conseguir una pureza interior que recoge el espíritu zen de forma absolutamente rídicula. Tando es así, que el Kevin Flynn de ‘Tron Legacy’ no es sino una especie de pésima parodia de Obi Wan.

Por no hablar de la aportación de algunos personajes metidos con calzador y donde se acentúan las costuras de un guión sin suficiente empeño (y la presencia de un nuevo personaje, interpretado por Olivia Wilde, cuyo único cometido es aportar la belleza femenina). A todo hay que sumar lo poco convincentes que resultan las interpretaciones, aunque lastradas por diálogos a los que es difícil otorgarle seriedad, pasión y credibilidad. Tan impostados como accesorios.

Con todo hay que decir, que tampoco sorprende en este sentido. No es cuestión de querer ver defectos en el guión como si fueran excepcionales. Son los mismos que vemos a menudo en las grandes superproducciones de Hollywood. Es un mal del cine que se intenta suplir con presupuestos desorbitados y una imaginería desbordante que oculte el vacío. Aunque también hay que decir que no siempre se consigue ni siquiera este cometido. Al menos ‘Tron Legacy’ entretiene y mucho, sorprende con escenas tan esperadas como esas potentes motos luminosas (como ya lo fue en ‘Tron’) y logra dejar esa sensación de haber asistido a un espectáculo visual no hace mirar el reloj.

La única regla es sobrevivir.

Este próximo viernes se estrena por fin ‘Tron: Legacy’ (2010), la esperadísima secuela de ‘Tron’ (1982), auténtico título de culto dentro del género de la ciencia-ficción. Distribuida por Disney con la intención de arrasar en taquilla, la película dirigida por Joseph Kosinski llegará a nuestro país con más de 600 copias, así que no hay de qué preocuparse, no será complicado encontrarla en el cine más cercano. El único inconveniente es que de las 600, solo habrá 8 salas donde podrá verse en versión original subtitulada. Uno de esos asuntos tan viejos y tan absurdos que aún tenemos que soportar los aficionados al cine en España. ¿Hasta cuándo?

Steve Lisberger, co-guionista y director de la película original, ha participado como productor en ‘Tron: Legacy’, que han escrito Edward Kitsis y Adam Horowitz basándose en los personajes del film de 1982. Lisberger no es el único que repite en esta segunda parte, también regresan Jeff Bridges, que retoma el rol de Kevin Flynn, y Bruce Boxleitner, en el papel de Alan Bradley y Tron. Se sabe que Losinski mostró un primer montaje del film a David Fincher, que aconsejó algunos cambios, y también que Brad Bird (director de ‘Los increíbles’ y ‘Ratatouille’) y Michael Arndt (guionista de ‘Toy Story 3’) han trabajado junto al director en escenas adicionales para dotar de mayor emoción a la historia.

En Disney no quieren jugársela y han apostado muy fuerte por esta superproducción filmada en 3D que según parece ha costado en torno a 200 millones de dólares (se rumoreó que la cifra real rondaba los 300), y de la que se ha llegado a asegurar que sus efectos visuales superan lo conseguido por ‘Avatar’ hace un año. Habrá que comprobarlo. Pese a todo, los pronósticos en Estados Unidos apuntan a un fracaso del film en su fin de semana de estreno, al no haber logrado despertar tanta expectación como debería, pero no sería la primera vez que se equivocan. Sería una sorpresa que esto no tuviera éxito. ¿Tú vas a verla?

La historia de ‘Tron: Legacy’

‘Tron: Legacy’ es una aventura de alta tecnología en 3D que tiene lugar en un mundo digital. Sam Flynn (Garrett Hedlund), un experto en tecnología de 27 años e hijo de Kevin Flynn (Jeff Bridges), investiga la desaparición de su padre y se encuentra metido en el mismo mundo de programas violentos y juegos de lucha donde su padre ha estado viviendo los últimos 25 años. Junto a la leal confidente de Kevin, (Olivia Wilde), padre e hijo se embarcan en una aventura a vida o muerte a través de un cyber universo que se ha hecho más avanzado y mucho más peligroso.

El director

Que no te extrañe si no te suena el nombre de Joseph Kosinski. Lo raro será que no suene dentro de unos meses. ‘Tron: Legacy’ es la primera película de este estadounidense nacido en Marshalltown, Iowa, hace 36 años. Todo un reto debutar con un blockbuster que aspira a barrer en las taquillas de todo el mundo, y además hacerlo con una segunda parte de un film de culto como ‘Tron’, uno de los títulos más populares del cine fantástico. Parece un gran riesgo dejar este gigantesco juguete en manos de un director debutante, que hasta el momento “solo” había destacado como técnico de efectos visuales y realizador de piezas publicitarias, así que algo debe tener. Lo que sabemos con seguridad es que le mola la ciencia-ficción; tuvo en sus manos la nueva versión de ‘La fuga de Logan’ (‘Logan´s Run’, 1976) pero, salvo catástrofe en taquilla, su próximo proyecto es un remake de ‘El abismo negro’ (‘The Black Hole’, 1979).

Los actores

Los efectos visuales y el 3D pueden vender una película, pero para que emocione, para quede en la memoria, necesitas actores que estén afortunados con sus interpretaciones. Desde luego, contar con Jeff Bridges es toda una garantía. El veterano y querido actor, ganador de un Oscar por ‘Corazón rebelde’ (‘Crazy Heart’, 2009), vuelve a dar vida a Kevin Flynn, el protagonista de la original ‘Tron’. Gracias a la tecnología, Bridges también encarna a otro personaje que tiene su mismo aspecto, pero con 34 años. Podéis echar un vistazo a un tráiler para comprobar que el resultado es impresionante.

Pero el protagonista de la historia es el hijo de Flynn, Sam, a quien interpreta el joven Garrett Hedlund; prácticamente desconocido para el gran público, aunque ya ha participado en varias películas populares (era el “primo” de Aquiles en ‘Troya’), tuvo que superar a más de cien candidatos para lograr el papel. Otros destacables miembros del elenco son Olivia Wilde (protagonista de la serie ‘House’, ha intervenido en títulos como ‘Turistas’ o ‘Año uno’, recientemente ha rodado ‘Cowboys and Aliens’), Michael Sheen (‘The Queen’, ‘Underworld: La rebelión de los licántropos’, ‘Frost contra Nixon’), James Frain (‘Operación Reno’, ‘La venganza del conde de Montecristo’, o la serie ‘True Blood’), Beau Garrett (‘Turistas’, ‘La boda de mi novia’) y Bruce Boxleitner (‘Tron’, ‘Babylon 5’).

Lo que ha dicho la crítica sobre ‘Tron: Legacy’

La película no tiene la complejidad de ‘Avatar’, y para algunos será como sentirse atrapado en un largo videojuego.

(Kate Muir – Times UK)

Uno de los mejores blockbusters de 2010.

(Silas Lesnick -ComingSoon)

‘TRON: Legacy’ es la mejor película que he visto partiendo de un guión realmente horrible.

(Gabe Leibowitz – Film and Felt)

Es un poco como ‘Fast and Furious’, dirigida por un Stanley Kubrick de vacaciones.

(Paul Byrnes – Sydney Morning Herald)

Como la primera, ‘Tron: Legacy’ no sabe a dónde ir, y se toma demasiado tiempo intentándolo.

(Jack Sargeant – Filmink)

Elegante pero no sofisticada, ‘Tron Legacy’ llega preprogramada para entregar unos buenos efectos visuales, sin ninguna réplica de emoción humana.

(Geoff Berkshire – Metromix)

Es una película que DEBE ser vista en salas 3D, para apreciar los genuinos efectos visuales, la música y un sonido que transporta al público a un delicioso viaje digital.

(Giles Hardie – Sydney Morning Herald)

Carteles

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Tráileres

• En versión original:

• En español:

Videoclip de Daft Punk, autores de la música de ‘Tron: Legacy’

Entrevista a Jorge Lorenzo, que ha intervenido en el doblaje

Vía | Impawards y Rottentomatoes