Si hay una cosa especialmente molesta en el aluvión de secuelas que padece el cine en los últimos años (igual ya procede más decir décadas) es cuando la gran estrella de la primera entrega decide que no quiere saber nada de las secuelas y aún así la productora decide seguir adelante. Esto es cada vez más inhabitual, ya que los estudios se aseguran de incluir en el contrato una cláusula que obligue al intérprete a aparecer en hipotéticas nuevas entregas, pero siempre siguen saliendo grandes éxitos que muy pocos se esperaban y entonces no se tomaron la molestia de incluir algo así. Uno de los actores que ha tenido más secuelas falsas de este tipo es Jim Carrey, ya que tanto ‘Dos tontos muy tontos’ como ‘La máscara’ y ‘Como Dios’ tuvieron secuelas que no contaron con su presencia. Otra cosa común en los tres casos es que fno gozaron de un comercial a la altura de lo esperado, lo cual desaconsejó seguir rodando nuevos engendros nuevas secuelas.

Sin embargo, la avaricia de las majors americanas parece no tener fin y ahora andan trabajando en secuelas de verdad de ‘Como Dios’ y de ‘Dos tontos muy tontos’. Y es que parece que les merece la pena intentar aprovecharse del hecho de que Carrey no pase por el punto más álgido de su carrera y esté dispuesto a rodar secuelas de alguno de sus grandes éxitos. Recordad que hasta ahora sólo había aceptado aparecer en la de ‘Ace Ventura: Un detective diferente’. En el caso de ‘Como Dios’ se está negociando para contratar como guionistas a Jarrad Paul y Andrew Mogel, los cuales ya se encargaron de escribir el libreto de ‘Di que sí’, otro simpático divertimento protagonizado por Carrey. Hasta ahora sólo se sabía que Carrey había mostrado su interés en volver a interpretar tanto ese personaje como a uno de los protagonistas de ‘Dos tontos muy tontos’ (recordad que allí el protagonismo estaba compartido con Jeff Daniels), pero ahora ya sabemos que la secuela de ‘Como Dios’ está a punto de tener guionistas y que el guión de la de ‘Dos tontos muy tontos’ aparentemente ya está escrito (Sean Anders y John Morris son los responsables), y la idea es que también los Hermanos Farrelly, cuya carrera conoció también tiempos mejores, se encarguen de dirigirla. Eso sí, se desconocen más detalles al respecto de los dos proyectos.

Yo no tengo muy claro que vayamos a encontrarnos con buenas películas, pero lo que sí es casi seguro es que serán mejores que las secuelas de mentira ya existentes, ¿no creéis?

Vía | Collider

La película está actuada con solvencia y después de todo no voy a quejarme de ninguna interpretación, ya sea el siempre histriónico y aquí perfecto Russell Crowe o la bienvenida delicadeza de Rachel McAdams, capaz de dotar de inteligencia y fragilidad a su joven e inexperta reportera. Por supuesto, los secundarios son de lujo (Helen Mirren, un sobrio Jeff Daniels, Robin Wright Penn) y Ben Affleck sorprende con un registro perfecto como el senador Stephen Collins, cuya lucha tal vez oculte algún que otro secreto.

Uno se pregunta qué anda mal en los grandes estudios, y estamos hablando de uno con gusto, cuando atiende a la vigorosa construcción de la serie original de la BBC, seis episodios en los que cada maquiavélico plan encuentra su espacio narrativo adecuado. La Focus Features, dirigida gustosamente por James Schamus, merece desde luego otro destino y también su director, autor de la estimable ‘El último rey de Escocia’ (The Last King of Scotland, 2006) que protagonizaron James McAvoy (uno de los protagonistas, por cierto, de la serie que inspiró esta película) y Forrest Whitaker y cuyas resonancias en los circuitos de premios le dieron visibilidad pero menor atención de la que merece.

El problema, ah, el eterno problema, está en el tercer acto. Desastrosa construcción de un momentum que nunca llega, con un trasfondo ideológico muy subversivo, en el que los congolomerados corporativos pueden decidir el destino por encima de los gobiernos y como esos intereses concluyen con un aislamiento político y una impotencia, para luego desvelar una maraña sentimental, mucho más nihilista si se quiere, en la que todo el mundo es corrupto y, por ende, se olvidan las implicaciones políticas de la trama, aquellas que conciernen a las consecuencias de una privatización de la seguridad nacional. Ya había disculpado el espectador más exigente las forzosas conexiones, pero estaba dispuesto a llegar al final con una interesante reflexión periodística y política sobre lo que no aparece en los medios y las razones por las que no lo hace.

Ni tan siquiera esos melancólicos títulos de crédito finales, describiendo el aspecto ya anacrónico de la imprenta de un periódico en sus últimas horas de vida. La pregunta que queda es si puede el cine hecho para las audiencias generales ser realmente subversivo o las correcciones de guión fuerzan a toda idea que contenga propuestas inquietantes termine de un modo más bien inofensivo. Tal vez sea exagerar un poco, pero esta película dice mucho sobre la situación estética, política y ética de cierto cine de masas.

Dirige McDonald, sin demasiado alardes más allá de una rutinaria aplicación del poderío de los Alan J. Pakula de los setenta, el guión, basado en la (superior) serie de la BBC, fue escrito por Billy Ray, Matthew Michael Carnahan, Tony Gilroy y Peter Morgan. Todos estos guionistas parecen capaces de escribir progresiones dramáticas con más sentido que la de esta película. En general, estoy de acuerdo con Alberto Abuín. Mis compañeros Juan Luis Caviaro y Beatriz Maldivia fueron más partidarios en su día.

¡Vi las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura, hambrientas, histéricas, desnudas…!

Allen Ginsberg (James Franco)

Una vez más tras un considerable retraso, cuando ya puede adquirirse en tiendas de carácter internacional (y no digamos por otras vías de peor reputación), llega por fin a nuestras carteleras una extraña y estimulante propuesta titulada ‘Howl, la voz de una generación’ (‘Howl’, 2010). Primer trabajo de ficción escrito y dirigido por los documentalistas estadounidenses Rob Epstein y Jeffrey Friedman, con el inclasificable Gus Van Sant en labores de producción ejecutiva, la película se centra en la figura del poeta Allen Ginsberg y su obra más conocida, ‘Aullido’ (‘Howl and other poems’, 1956), uno de los títulos clave de la llamada “Generación Beat”, de los años cincuenta, junto a ‘En el camino’ de Jack Kerouac (‘On the Road’, cuya película veremos próximamente) y ‘El almuerzo desnudo’ de William S. Burroughs (‘Naked Luch’, adaptada por David Cronenberg en 1991). Cabe destacar asimismo que la música original del film está compuesta por Carter Burwell, recientemente nominado al Oscar por su exquisito trabajo en ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010).

La excusa para retratar a Ginsberg y analizar su obra es un juicio celebrado en San Francisco en 1957, donde se acusa al editor de ‘Aullido’, Lawrence Ferlinghetti, de publicar una obscenidad. Así que la película se divide en dos grandes líneas narrativas; por un lado, lo que acontece en el tribunal, la resolución de un conflicto que podría acabar con el editor en la cárcel y la censura de la obra (cambiando los términos polémicos por unos inofensivos); mientras que por otro se recrea, como si fuese un documental, una entrevista en el apartamento de Ginsberg, una mirada íntima a su mundo personal y artístico, lo que en su caso viene a ser la misma cosa. A esto hay que sumar los flashbacks (en blanco y negro) de la vida del poeta y su círculo de amigos, en la que se incluye una lectura de ‘Aullido’ en un pequeño pub, y también la representación de esa lectura, a través de una serie de imaginativos y coloridos segmentos animados, que ayudan a asimilar más fácilmente el texto de Ginsberg. Todos estos niveles se intercalan con mucha habilidad, creando una singular pieza audiovisual que a ratos resulta maravillosa y fascinante. Tiene tramos menos jugosos, pero el conjunto merece mucho la pena.

La parte del juicio es la más floja de la película, no por el contenido, que es apasionante, sino por la forma, la manera en la que está planteada, demasiado dramatizada y filmada de manera convencional, como si fuera un corriente telefilme. La fortuna es que interviene un abanico de personajes muy variopinto que están interpretados con mucha convicción por actores de talento, pero se nota que los realizadores están mucho más interesados en la figura de Ginsberg, algo que se traslada al espectador. Con todo, no deja de ser entretenido el debate que tiene lugar ante el juez, para decidir si ‘Aullido’ es una obra obscena y carente de valor artístico, como pretende concluir el abogado que interpreta un formidable David Strathairn (el más inspirado de los secundarios), pues está en juego nada y nada menos que la libertad de expresión, el derecho de una persona a proclamar públicamente su singular discurso, suene como suene. Se habla de poesía, arte, censura…, y los intérpretes están estupendos, así que no es posible aburrirse, incluso con una puesta en escena rutinaria.

No hay generación “beat”. Solo un puñado de tíos… intentando que publiquen sus obras.

(Ginsberg)

Por el contrario, tanto en el retrato de Ginsberg (a través de sus recuerdos y su presente, atendiendo al ficticio periodista) como en la ilustración de su cruda y libérrima poesía (con dibujos del artista Eric Drooker) se desborda ingenio, pasión y verdad. La fuerza y la lucidez con la que están cargadas las palabras de este peculiar autor traspasan la pantalla, sintiéndose ese radiante deseo de expresar lo que se lleva dentro, con total libertad, sin ataduras de ningún tipo, sin límites, sin reglas, sin vergüenza; tal como fluye. Esta idea la expone el protagonista cuando se refiere a su modo de entender la escritura, señalando que la clave, a su parecer, está en romper la barrera que separa la comunicación con la musa, más seria, correcta y trascendental, y el modo en el que se conversa con los amigos, donde uno se muestra más desinhibido y trata temas que no pondría sobre el papel, en primer lugar por miedo a que lo lean determinadas personas (los padres, por ejemplo). Él apuesta por no pensar en el posible receptor, por una voz pura, libre y personal.

Y uno se cree al Allen Ginsberg de la pantalla porque lo encarna con seguridad un portentoso James Franco, que vive su personaje de manera plena, insuperable, quedando transformado en este escritor, moviéndose y hablando con espontaneidad, sin fingimiento ni dramatismo. Sencillamente, no ves al actor, ves a alguien real, cercano, que mientras fuma te cuenta sus ideas, sus recuerdos, se atasca intentando componer la frase que quiere decir y sonríe cuando descubre que quizá no ha dicho lo que debía… Es una gozada ver hasta dónde puede llegar este intérprete, quizá en su mejor momento, considerando su no menos inspirada labor en ‘127 horas’ (‘127 hours’, 2010), un título de mayor repercusión que ‘Howl’, pero sin la autenticidad y la inteligencia de ésta. En resumen, puede que no te diga nada el nombre de Ginsberg o la “generación beat”, y que no te interese la poesía, pero creo que al menos apreciarás lo atípico de la propuesta, las actuaciones de un elenco muy comprometido (Jon Hamm, Jeff Daniels, Mary-Louise Parker Treat Williams, Alessandro Nivola…) y unas brillantes piezas animadas.

• Otra crítica en Blogdecine:

60º Festival de Berlín: estupendas ‘Howl’ y ‘The Ghost Writer’

‘Suker Punch’

Dirección: Zack Snyder. País: USA. Año: 2011. Duración: 109 min. Género: Acción, fantástico. Interpretación: Emily Browning (Babydoll), Abbie Cornish (Sweet Pea), Jena Malone (Rocket), Vanessa Hudgens (Blondie), Jamie Chung (Amber), Carla Gugino (Dra. Vera Gorski), Jon Hamm (Gran Apostador/doctor), Scott Glenn (Hombre Sabio), Oscar Isaac (Blue Jones). Guion: Zack Snyder y Steve Shibuya; basado en un argumento de Zack Snyder. Producción: Deborah Snyder y Zack Snyder. Música: Tyler Bates y Marius DeVries. Fotografía: Larry Fong. Montaje: William Hoy. Diseño de producción: Rick Carter. Vestuario: Michael Wilkinson. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: relata la historia de una joven que es internada en una institución mental, puesto que su padrastro está empeñado en que sea sometida a una lobotomía. Junto a sus compañeras de centro, crea una realidad alternativa que le permite planear su fuga del lugar.

¿Qué podemos esperar?: Como dijo alguien que yo me sé “puede ser un coñazo o la repera”. Pronto lo sabremos.

‘El último verano’

Título original: 36 vues du pic Saint Loup. Dirección: Jacques Rivette. Países: Francia e Italia. Año: 2009. Duración: 84 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Sergio Castellito (Vittorio), Jane Birkin (Kate), André Marcon (Alexandre), Jacques Bonnaffé (Marlo), Julie-Marie Parmentier (Clémence). Guion: Jacques Rivette, Pascal Bonitzer, Christine Laurent, Sergio Castellito y Shirel Amitay. Producción: Martine Marignac y Maurice Tinchant. Música: Pierre Allio. Fotografía: Irina Lubtchansky. Montaje: Nicole Lubtchansky. Diseño de producción: Emmanuel De Chauvigny. Vestuario: Laurence Struz. Distribuidora: Baditri.

Sinopsis: Al incio de la gira de verano, el propietario y fundador de una pequeña compañía de circo muere inesperadamente. Para poder salvar la temporada, la compañía decide pedir ayuda a Kate, la hija mayor del fundador, para suplir su ausencia. Aunque dejó el circo hace quince años, para sorpresa de todos, Kate acepta el reto de volver y se une a ellos. Por casualidad, Kate se cruza con Vittorio, un italiano que, fascinado por el estilo de vida del circo, decide seguirlos. Poco a poco, empieza a ser parte de la compañía y hasta llega a unirse al espectáculo. Pero, por encima de todo, Vittorio trata de descubrir el secreto de Kate: ¿Por qué dejó el circo y por qué accedió a volver a la compañía?

¿Qué podemos esperar?: Rivette siempre es una garantía, tiene pinta de cinta con un fuerte aire nostálgico.

‘Encontrarás dragones’

Título original: There be dragons. Dirección y guion: Roland Joffé. Países: España y USA. Año: 2011. Duración: 117 min. Género: Drama. Interpretación: Charlie Cox (Josemaría Escrivá), Wes Bentley (Manolo), Dougray Scott (Robert), Olga Kurylenko (Ildiko), Golshifteh Farahani (Leila), Ana Torrent (Dª. Dolores), Alfonso Bassave (Jiménez), Jordi Mollà (D. José), Rodrigo Santoro (Oriol), Geraldine Chaplin (Abileyza), Derek Jacobi (Honorio), Unax Ugalde (Pedro). Producción: Roland Joffé, Guy J. Louthan, Ignacio Núñez e Ignacio Gómez Sancha. Música: Stephen Warbeck. Fotografía: Gabriel Beristain. Montaje: Richard Nord. Diseño de producción: Eugenio Zanetti. Vestuario: Yvonne Blake. Distribuidora: Aurum.

Sinopsis: ‘Encontrarás dragones’ se centra en la investigación que Robert, un periodista, está realizando sobre una serie de acontecimientos durante la Guerra Civil Española que tuvieron como protagonistas a su propio padre y a un joven sacerdote, Josemaría Escrivá de Balaguer. A través del relato de su padre, Robert va a descubrir una terrible historia de traición, celos y muerte, pero también de redención y perdón, con el terrible trasfondo que supuso la guerra de un país enfrentado entre sí.

¿Qué podemos esperar?: Me abuuuuuuuuuurrrrro.

‘Esta abuela es mi padre’

Título original: Big mommas: Like father, like son. Dirección: John Whitesell. País: USA. Año: 2011. Duración: 107 min. Género: Comedia. Interpretación: Martin Lawrence (Malcolm/La gran abuela), Brandon T. Jackson (Trent/Charmaine), Jessica Lucas (Haley), Michelle Ang (Mia), Portia Doubleday (Jasmine), Emily Rios (Isabelle), Ana Ortiz, Henri Lubatti. Guion: Matthew Fogel, basado en un argumento de Don Rhymer y Matthew Fogel; sobre los personajes creados por Darryl Quarles. Producción: David T. Friendly. Música: David Newman. Fotografía: Anthony B. Richmond. Montaje: Priscilla Nedd-Friendly. Diseño de producción: Meghan C. Rogers. Vestuario: Leah Karznelson. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: Martin Lawrence regresa como el agente del FBI Malcolm Turner y como su álter ego Hattie Mae Pierce, “La Gran Abuela”. Pero esta vez le acompañará su hijo Trent, testigo de un asesinato a manos de unos gángsters rusos, por lo que deberán camuflarse en una Escuela de Arte sólo para chicas, donde tendrán que encontrar al asesino antes de que él los encuentre a ellos.

¿Qué podemos esperar?: nada.

‘Howl’

Título original: Howl. Dirección y guion: Rob Epstein y Jeffrey Friedman. País: USA. Año: 2010. Duración: 90 min. Género: Biopic, drama. Interpretación: James Franco (Allen Ginsberg), Jon Hamm (Jake Ehrlich), David Strathairn (Ralph McIntosh), Mary-Louise Parker (Gail Potter), Jeff Daniels (profesor David Kirk), Alessandro Nivola (Luther), Treat Williams (Mark Schorer), Aaron Tveit (Peter Orlovsky). Producción: Elizabeth Redleaf, Christine K. Walker, Rob Epstein y Jeffrey Friedman. Producción ejecutiva: Gus Van Sant y Jawal Nga. Música: Carter Burwell. Fotografía: Edward Lachman. Montaje: Jake Pushinsky. Diseño de producción: Thérèse DePrez. Vestuario: Kurt & Bart. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: Allen Ginsberg fue un poeta estadounidense que se considera parte esencial de la generación beatnik de los años 50. Una de sus obras más conocidas, “Howl” (“Aullido”), se convirtió en víctima de la censura al ser tachada de escandalosa por la crudeza de su lenguaje. Esta obra sacudió a toda una generación y supuso el nacimiento de la Contracultura. La obra, considerada obscena por los sectores más reaccionarios de la sociedad, fue llevada a juicio en San Francisco.

¿Qué podemos esperar?: Una buena labor actoral con James Franco a la cabeza.

‘Mademoiselle Chambon’

Dirección: Stéphane Brizé. País: Francia. Año: 2009. Duración: 101 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Vincent Lindon (Jean), Sandrine Kiberlain (Verónique Chambon), Aure Atika (Anne-Marie), Jean-Marc Thibault (padre de Jean), Arthur Le Houérou (Jérémy), Bruno Lochet. Guion: Stéphane Brizé y Florence Vignon; basado en la novela de Eric Holder. Producción: Milena Poylo y Gilles Sacuto. Música: Ange Ghinozzi. Fotografía: Antoine Héberlé. Montaje: Anne Klotz. Diseño de producción: Valérie Saradjian. Vestuario: Ann Dunsford. Distribuidoras: Karma Films y Absolut Media Films.

Sinopsis: Jean es una persona sencilla. Lleva una vida feliz junto a su adorable mujer y su hijo. Un buen día se cruza en su camino la maestra de su hijo, mademoiselle Chambon. Una mujer discreta, fascinante, de una elegancia exquisita. Aunque proceden de mundos muy diferentes, la evidencia de sus sentimientos les desborda. Este encuentro puede ser un punto de inflexión en su vida: una oportunidad de cambio o una locura a lamentar.

¿Qué podemos esperar?: Otra exquisitez francesa o un soberano coñazo.

‘Piraña 3D’

Título original: Piranha 3D. Dirección: Alexandre Aja. País: USA. Año: 2010. Duración: 89 min. Género: Terror, comedia. Interpretación: Elisabeth Shue (Julie), Richard Dreyfuss (Matt Boyd), Ving Rhames (Fallon), Christopher Lloyd (Sr. Goodman), Eli Roth, Jerry O’Connell (Derrick), Adam Scott (Novak), Steven R. McQueen (Jake), Dina Meyer (Paula), Kelly Brook (Danni), Jessica Szohr (Kelly). Guion: Peter Goldfinger y Josh Stolberg. Producción: Alexandre Aja, Mark Canton, Gregory Levasseur y Marc Toberoff. Música: Michael Wandmacher. Fotografía: John R. Leonetti. Montaje: Baxter. Diseño de producción: Clark Hunter. Vestuario: Sanja Milkovic Hays. Distribuidora: DeAPlaneta.

Sinopsis: Una especie de piraña que se consideraba extinguida, pero que ha conseguido sobrevivir en las profundidades, logra salir a la superficie. Las pirañas amenazarán la zona del Lago Victoria, un habitual lugar de vacaciones de adolescentes. La sheriff Julie Forester tratará de salvar la vida de su familia y la de todos los visitantes de Lago Victoria antes de que sean devorados.

¿Qué es?: Una soberana memez de la que os hablaré en breve, muy a mi pesar.

‘Potiche, mujeres al poder’

Título original: Potiche. Dirección: François Ozon. País: Francia. Año: 2010. Duración: 103 min. Género: Comedia. Interpretación: Catherine Deneuve (Suzanne Pujol), Gérard Depardieu (Maurice Babin), Fabrice Luchini (Robert Pujol), Karin Viard (Nadège), Judith Godrèche (Joëlle), Jérémie Renier (Laurent Pujol), Sergi López (camionero español). Guion: François Ozon; adaptación libre de la obra de Pierre Barillet y Jean-Pierre Grédy. Producción: Éric Altmeyer y Nicolas Altmayer. Música: Philippe Rombi. Fotografía: Yorick Le Saux. Montaje: Laure Gardette. Dirección artística: Katia Wyszkop. Vestuario: Pascaline Chavanne. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Francia, 1977. Suzanne es una mujer consagrada a su hogar y su familia, y sometida al acomodado industrial Robert Pujol. Robert dirige con mano de hierro su fábrica de paraguas y tiene un comportamiento desagradable y déspota tanto con los obreros como con sus hijos y con Suzanne, a la que considera tan sólo una mujer florero. Después de una huelga y del secuestro de su marido, ella tiene que asumir la dirección de la empresa y, para sorpresa de todos, se revela como una mujer inteligente, capacitada y decidida. Pero cuando Robert vuelve a casa, en plena forma después de una cura de reposo, la situación se complica.

¿Qué podemos esperar?: Que tanto cine francés no nos empache.

‘Sin compromiso’

Título original: No strings attached. Dirección: Ivan Reitman. País: USA. Año: 2011. Duración: 104 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Natalie Portman (Emma), Ashton Kutcher (Adam), Cary Elwes (Dr. Metzner), Kevin Kline (Alvin), Olivia Thirlby (Katie), Greta Gerwig (Patrice), Lake Bell (Lucy), Chris “Ludacris” Bridges (Wallace), Jake Johnson (Eli), Mindy Kaling (Shira). Guión: Elizabeth Meriwether; basado en un argumento de Mike Samonek y Elizabeth Meriwether. Producción: Ivan Reitman, Joe Medjuck y Jeffrey Clifford. Música: John Debney. Fotografía: Rogier Stoffers. Montaje: Dana E. Glauberman. Diseño de producción: Ida Random. Vestuario: Julie Weiss. Distribuidora: Paramount Pictures Spain.

Sinopsis: Emma y Adam deciden prescindir del follón emocional que conlleva una relación y ser simplemente amigos con derecho a roce. Rollo sin cuelgues, sexo sin sustos, coitos sin coste. Sin ataduras, ni mentiras, ni celos, ni achuchones, ni emoticonos, ni desayunos compartidos, sin “te echo de menos”, sin apodos para ciertas partes del cuerpo, sin liarse… en definitiva, sin compromiso. Lo que comienza siendo una solución perfecta para sus necesidades físicas se convierte en algo más peliagudo cuando Adam, sin darse cuenta, lleva sus sentimientos a la cama (y al armario del hospital, al asiento de atrás del coche y a prácticamente cualquier sitio que ofrezca un soporte horizontal). Al final, ambos terminan intentando desatar los lazos que intentaban evitar y esforzándose por responder a una pregunta clave: ¿pueden dos amigos practicar el sexo sin que el amor se interponga?

¿Qué podemos esperar?: Que Natalie Portman y Ashton Kutcher no se conviertan en pareja romántica cinematográfica

Vía | Labutaca.net

‘Un lugar donde quedarse’ es el título con el que han decidido estrenar en España la última película del siempre interesante Sam Mendes, uno de los directores más prestigiosos y respetados del planeta, tras haber filmado obras del calibre de ‘American Beauty’ (su debut, premiado con cinco Oscars) o ‘Camino a la perdición’ (una de las mejores películas de cine negro de las últimas décadas). En su nuevo trabajo, el inglés vuelve a retratar la vida de una joven pareja, si bien con un tono muy diferente al de su anterior largometraje, la devastadora ‘Revolutionary Road’ (estrenada a principios de año en nuestro país).

De este modo, aunque sería discutible si en realidad no tienen más problemas, el drama de Burt y Verona, los protagonistas de ‘Un lugar donde quedarse’ (‘Away We Go’, 2009), está narrado de forma más alegre, con más humor, sin que por ello el cineasta abandone nunca su mirada crítica sobre la sociedad, sus reglas, y sus integrantes. A diferencia de lo que ocurría con los Wheeler (el matrimonio interpretado por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet en ‘Revolutionary Road’), en el túnel que deben recorrer Burt y Verona hay luz, hay esperanza. Por más que el mundo sea un lugar desagradable lleno de problemas y personas egoístas, ellos no olvidan que se aman, y que los dos quieren lo mismo: criar a su futuro hijo de la mejor forma posible.

Pero claro, también es otra época. Y Mendes lo retrata muy bien. Los Wheeler vivían en los 50 y la sociedad de ese momento aspiraba a otras cosas; a una gran casa en un buen barrio, a formar una familia numerosa, a tener un buen coche y unos altos ingresos para toda la vida, a que él trabaje y ella se quede en casa, cuidando el hogar, etc. Cuando los Wheeler logran esto, se dan cuenta que no es lo que querían de verdad, y cuando quieren escapar ya es demasiado tarde. Burt y Verona, que para empezar no están casados (ella se opone, por una perfecta razón), no tienen casa propia, no tienen sueldos altos ni un trabajo seguro, y el embarazo les llega, claro, de improviso, sin haberlo planificado. La vida de la joven pareja actual es inestable, una completa ruina, en comparación con la de hace décadas, pero no está unida por lazos superficiales, está más allá de las apariencias y las formalidades.

La cuestión es que, además de que la década de los cincuenta es más atractiva que la actual, la bondad y los buenos sentimientos no queda tan bien en la pantalla. O al menos, a Mendes no se le da tan bien mostrarlos. Que Burt y Verona se amen durante toda la película y no tengan grandes conflictos por delante arruina un poco la película. ‘Revolutionary Road’, más triste, amarga y trágica, se disfrutaba muchísimo más, emocionaba y alteraba en cada secuencia. ‘Un lugar donde quedarse’ entretiene, se ve con una sonrisa y hace reflexionar, pero no hay nada en ella realmente poderoso, algo que la haga especial y que justifique tanto su realización como su visionado.

Claro que John Krasinski y Maya Rudolph tampoco son DiCaprio y Winslet. No lo hacen mal, ni mucho menos, interpretan estupendamente sus respectivos papeles, pero no son actores de un talento desbordante, como sí lo son los otros dos. De todas formas, el primer problema es que el guión escrito por Dave Eggers y Vendela Vida es muy blando, muy esquemático, e incapaz de abordar con profundidad las diferentes situaciones que plantea. Las parejas que vamos conociendo durante el viaje de los protagonistas en busca de ese lugar donde quedarse (donde criar a su primer bebé), están compuestas por personajes artificiales y exagerados, no por personas reales con conflictos de verdad, que posibiliten una verdadera reflexión sobre los temas del film (la vida en pareja, la madurez, la paternidad, los sueños rotos, la vejez).

No digo que nosotros no estemos rodeados de personas tan extravagantes como los padres de Burt (Jeff Daniels y Catherine O’Hara) o esos locos que creen que las sillitas para niños son objetos demoníacos (Maggie Gyllenhaal y Josh Hamilton), pero cuando planteas la narración de una historia, especialmente en una película, debes pensar en una dirección, y en los acontecimientos que verdaderamente pueden ayudarte a contar esa historia, los personajes y las anécdotas que son realmente importantes. La inseguridad y la paternidad son grandes temas, pero hay que afilar bien el guión. Si no, te queda algo vago, descafeinado, sin un rumbo claro y unos protagonistas (ya sean principales o secundarios) sin chispa, poco interesantes. Mendes filma con su habitual talento y elegancia, pero lo que muestra la cámara no resulta tan fascinante como para quedarse mirando. Junto a ‘Jarhead’, ésta es su película más vaga e intrascendente.

Menuda sorpresa me he llevado. He tenido que leerlo varias veces para estar seguro de que mi entusiasmo no me estaba jugando una mala pasada. ¡Lo nuevo de Sam Mendes! Apenas unos meses después de ‘Revolutionary Road’ (de lo mejor que he visto en mucho tiempo), ya tenemos el trailer del nuevo trabajo de Mendes. Un (estupendo) trailer que dura dos minutos y medio, así que puede que os revele más de lo que os gustaría; tened lista la flechita en el botón de pausa.

‘Away We Go’ es el título de su película, que tiene como fecha de estreno el próximo 5 de junio. La historia se centra en el viaje de una joven pareja que recorre los Estados Unidos en busca de un lugar donde asentarse y crear una familia. Los protagonistas no son Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, antes de instalarse en la calle que les llevó a la tristeza y la desesperación (no me imagino a Mendes rodando una precuela), sino John Krasinski y Maya Rudolph, a quienes acompañan en roles secundarios Maggie Gyllenhaal, Cheryl Hines, Allison Janney, Paul Schneider y Jeff Daniels.

‘Away We Go’es desde ya uno de los títulos más esperados del año; al menos por mi parte.

PD: Krasinski fue co-protagonista de ‘Ella es el partido’, el último trabajo como director de George Clooney, pero quizá os suene más de la versión norteamericana de la serie ‘The Office’, con Steve Carell.

Vía | TheMovieBox

Aquí os dejo con el trailer y el póster de un thriller que tiene bastante buena pinta (lo digo por el trailer, no por el cartelito). ‘Traitor’ (‘Traidor’) ha sido dirigida por Jeffrey Nachmanoff y se estrena en los Estados Hundidos el próximo 27 de agosto. Para España aún no hay fecha. El guión también es de Nachmanoff, escrito a partir de una idea de… ¡Steve Martin! Don Cheadle, Guy Pearce, Jeff Daniels, Neal McDonough, Saïd Taghmaoui, Archie Panjabi y Lorena Gale son los principales protagonistas de este film, que gira en torno a un agente de la CIA infiltrado en un grupo terrorista y a otro agente, esta vez del FBI, especializado en terrorismo, que le persigue.

Vía | Tierra de Cinéfagos

El punto de partida no se puede decir que sea excesivamente original. Por ello, el comentario que se me ocurre al conocer la historia ya lo he hecho varias veces: en EE. UU. les parecerá extraño, pero aquí es lo más normal que alguien viva con sus padres a los 29 años y esté enmadrado.

Sin embargo, el reparto podría hacer que la comedia valiese la pena pues Heder es sumamente gracioso y ya sabemos que Diane Keaton es muy grande, aunque últimamente sólo haya elegido papeles en películas malas. No sólo eso, además me ha parecido ver por el tráiler a Simon Helberg, uno de los cuatro friquis, concretamente Howard, de una de las series más desternillantes del momento: ‘The Big Bang Theory’.

‘Mama´s boy’ ya se ha estrenado en algunos países, pero en el nuestro aún no tiene ni fecha prevista.

Más información en Blogdecine sobre Jeff Daniels, Diane Keaton, Anna Faris y Jon Heder.

Fuente | IMDB

Después de realizar algunos curiosos guiones, como ‘Morir Todavía’ o ‘El Pequeño Tate’, a principios de los 90, y últimamente ‘Minority Report’ y ‘La Intérprete’, Scott Frank ha decidido pasarse a la dirección y dejar de ver así como otros ponen en imágenes sus libretos. Y lo ha hecho con una historia enmarcada dentro del mejor cine clásico, aquel glorioso cine en blanco y negro de hace décadas, pero realizado en la actualidad. No es que estemos ante una resurrección de la enorme calidad de algunas de aquellas películas, ya nos gustaría; sino más bien a una resurrección temática, con una serie de personajes que encajan perfectamente en el esquema clásico del género.

‘The Lookout’ cuenta cómo una joven promesa estudiantil echa por tierra todos sus sueños cuando tiene un estúpido accidente. Un par de años después trata de recomponer su vida, trabajando como bedel en un banco. Un día y como quien no quiere la cosa, conoce en un bar a un tipo que planea robar el banco en el que trabaja nuestro protagonista. Si colabora en el robo, podría recuperar todo el poder que una vez tuvo.

Totalmente clásico, com en los viejos tiempos. Pero lamentablemente trasladado a los días actuales con los cambios que se suponen lleva esa traslación. Entre otras cosas diría que los personajes pintan demasiado jóvenes a mi parecer, y me refiero a los personajes principales. Y aunque los actores parecen cumplir con su cometido, da un poco la sensación de que los papeles les quedan grandes. Por otro lado, la historia está perfectamente hilvanada y sin demasiadas sorpresas ni sobresaltos; una trama sencilla, fácil de seguir y sin ningún tipo de trampa efectista, algo en lo que suelen caer los thrillers de hoy día.

Pero una historia sencilla y bien mostrada no llega para realizar una gran película de género, además tiene que estar narrada con fuerza, con alma; la que precisamente le falta a ‘The Lookout’, que adolece de una puesta en escena algo funcional y falta de pasión; una pasión que requiere la historia, la cual resulta algo fría por momentos. También tiende en algún instante hacia el drama más obvio, chirriando un poco, como todo lo que tiene que ver con la chica con la que se lía nuestro personaje central, una relación salida más bien de cualquier telefilm al uso, y que además no está bien resuelta.

Los actores todos muy discretos, siguiendo la tónica de la película, no resaltar demasiado. Joseph Gordon-Levitt debería de empezar a tener un poco más de registro, porque sus últimos papeles empiezan a parecerse demasiado. A su lado, un Jeff Daniels que empieza a cogerle el gustillo a interpretar personajes secundarios un poco estrafalarios; aquí hace del mejor amigo de Gordon-Levitt, y que además es ciego. Indudablemente no le van a dar el Oscar por su performance, pero tampoco molesta demasiado, y eso en Daniels ya es una proeza. El blando Matthew Goode, al que hemos podido ver en ‘Match Point’, ‘Rosas Rojas’ y ‘Copying Beethoven’, en un rol algo alejado de lo que es habitual en él, y que por momentos no resulta convincente, sobre todo cuando tiene que resaltar la maldad del personaje. Y así el resto de actores, aunque bueno, lo de Carla Gugino no tiene nombre, porque su aparición puede considerarse casi un cameo.

Un film con el que pasar un rato ameno, y que muy probablemente no pasará a los anales del cine. No ofrece nada nuevo bajo el sol, pero por lo menos lo que ofrece lo hace con un mínimo de dignidad. Por cierto, que ‘The Lookout’ se estrenó el pasado Mayo en nuestro país, pasando con más pena que gloria por nuestras carteleras, en perfecta consonancia con la propia película, sin resaltar.

El reparto está formado por Jeff Daniels, Matthew Goode, Carla Gugino, Joseph Gordon-Levitt, Bruce Mcgill e Isla Fisher.

La película es la historia de Chris (Gordon-Levitt), un prometedor atleta cuya vida sufrió un giro radical después de un accidente de coche. Ahora, intenta llevar una vida normal, y entra a trabajar como conserje de un banco, pero se verá envuelto en un plan para robarlo.

Página web oficial de ‘The Lookout’

Jeff Daniels ha aparecido en ‘Una historia de Brooklyn’ (‘The Squid and the Whale’), ‘Infamous‘, ‘¡Vaya vacaciones!‘, ‘Buenas noches y buena suerte‘, ‘Mi mejor amigo‘, ‘Las horas‘, ‘Deuda de sangre‘, ‘Pleasantville‘ y muchas más.

Carla Gugino es famosa por ‘Noche en el museo‘, ‘Sin City: Ciudad del Pecado‘, ‘Spy kids 3-D: Game over‘, ‘El detective cantante‘, ‘Spy kids 2: La isla de los sueños perdidos‘, ‘El único‘, ‘Spy kids‘, ‘El beso de Judas‘, entre otras.

A Matthew Goode lo pudimos ver en ‘Copying Beethoven’, ‘Rosas rojas‘, ‘Match point‘ o ‘Deseando libertad‘.

Bruce McGill participó en ‘Slow burn‘, ‘Elizabethtown‘, ‘Cinderella Man: El hombre que no se dejó tumbar‘, ‘Collateral‘, ‘El jurado‘, ‘Los impostores‘, ‘Una rubia muy legal 2‘, ‘Pánico nuclear‘, ‘Ali‘, ‘Amor ciego‘, ‘Herida abierta‘, ‘La leyenda de Bagger Vance‘ y ‘Cartas de un asesino‘.

Isla Fisher forma parte del elenco de ‘Definitely, maybe‘, ‘De boda en boda‘, ‘Extrañas coincidencias‘ o ‘Scooby-Doo‘.

Joseph Gordon-Levitt sale en los títulos: ‘Stop loss‘, ‘Shadowboxer‘, ‘Brick‘, ‘Mysterious skin‘, ‘Cachitos picantes‘ y ‘10 razones para odiarte‘.

Fuente: Buena Vista