‘Ultimátum a la tierra’ es una de esas películas “intocables”. Dirigida por Robert Wise se erige hoy como uno de los films de Sci-Fi más admirados por el público y cinéfilos en general. Como los remakes lo tocan absolutamente todo, y a veces la vergüenza ajena se apodera de nosotros cuando presenciamos una de esas operaciones, el saber que a finales de año nos llegaría un remake de la mencionada cinta y además protagonizada por Keanu Reeves, pues muchos nos pusimos a temblar.

Aquí tenéis el primer trailer del mencionado remake, y he de decir que no me ha parecido nada desdeñable, es más, tiene buena pinta, exceptuando por supuesto los instantes en los que Reeves aparece, aunque si lo miramos desde cierto punto de vista puede que sea el actor perfecto para el personaje (los que habéis visto el original sabréis porqué lo digo). ‘Ultimátum a la tierra’ (supongo que aquí conservará el título español de entonces) ha sido dirigida por Scott Derrickson, y coprotagonizada por Jennifer Connelly (para mí ya suficiente para ver la película), Kathy Bates y John Cleese entre otros. En los Usa se estrena el 12 de Diciembre.

Vía | Las horas perdidas

‘Hulk’ es una de esas películas malditas, que a pesar de recaudar un montón de pasta, enseguida fue menospreciada por la mayor parte del público, simple y llanamente porque Ang Lee se atrevió como pocos a hacer algo con el cine comercial: hacer pensar a la gente. Y ya sabemos que lo de pensar no es el ejercicio de muchos. La versión de Louis Leterrier va más a tono con las neuronas del espectador pasivo, ése que quiere se lo den todo masticado, y se refugia en el gusto del paladar para defender o atacar el arte. Pero la de Ang Lee, además de ofrecer un espectáculo de primera, ahonda en la psicología de prácticamente todos los personajes, y filma una de las mejores adaptaciones de un personaje de cómic (aquel que asegure que Hulk no tiene profundidad, debería leerse unos cuantos cómics más), y como no, de superhéroes.

A priori podría parecer que Lee, que posee una de las filmografías más diversificadas que existen, no era el director apropiado para dicha película. Después de asistir a peñazos como ‘Sentido y Sensibilidad’ o ‘El Banquete de Bodas’, y proseguir su carrera con films tan dispares e interesantes como ‘La Tormenta de Hielo’, ‘Cabalga con el Diablo’ y ‘Tigre y Dragón’ (con la que le llegó el reconocimiento mundial) era difícil imaginarse a un director tan íntimo en una adaptación de Hulk. Pero si en su anterior film ya daba muestras de un manejo inteligente del espectáculo en la presente película termina de redondear la operación con un inspirado equilibrio entre forma y fondo, dándose la mano con la unión entre intimismo y espectacularidad.

‘Hulk’ versa sobre los experimentos del doctor Bruce Banner, quien hereda la obsesión por los rayos Gamma de su padre, quien hace años realizó un peligroso experimento que muy probablemente dejó secuelas en su descendencia. Banner, ayudado por su novia, Betty, y un amigo, están a apunto de descubrir algo importante cuando un accidente tiene lugar en el laboratorio. Como consecuencia de ello, Banner queda expuesto a una alta radiación de rayos Gamma, que junto con lo que ya lleva en su interior, desencadenará que cuando se enfade se convierta en algo monstruoso, un ser que representa la naturaleza animal y salvaje que todos llevamos dentro, pero libre y sin ningún tipo de limitación.

Lee va condensando poco a poco los momentos espectaculares, y creando una tensión interna entre los personajes y la acción, de manera que cuando ésta estalla es simple y llanamente brutal. Y con esta regla de oro en el llamado cine de acción, logra que el espectador sienta casi en su propia carne las aventuras del monstruo verde, y se emocione con algunas secuencias en las que los efectos de ordenador son increíbles, por lo bien utilizados que están. Hasta ese momento, hemos sido testigo del drama personal de Bruce Banner, con quien más o menos ya nos sentimos identificados, su oscuro pasado, su relación con Betty, todo ello para que cuando veamos su otro yo no sintamos indiferencia, al contrario. Casi padecemos a la bestia, y aunque sintamos que quisiéramos ser tan libres como él, nos derretimos cuando la simple visión de su amada le devuelve a su estado natural.

Y es que Lee se sirve de Hulk para hablar de la sempiterna historia de la bella y la bestia, la cual encaja perfectamente en el contexto. Banner cada vez es más salvaje en su otro yo al que no puede controlar, y admite que cada vez le gusta más el sentirse de una forma tan libre a la que su alterego le proporciona. Pero su amada no se queda atrás, y aunque ella no se convierte en ninguna Hulka, su belleza crece cada vez más hacia un lado salvaje. Al respecto la composición de Jennifer Connelly es perfecta. La actriz es todo un torrente de belleza que evoluciona acorde con la trama de su amado, condenado a la libertad más salvaje. Tal vez, Eric Bana sea uno de los puntos flojos del film, y aunque el actor no están del todo mal, bien es cierto que no pone toda la carne en el asador, resultando un poco soso, y el director parece jugársela cuando lo enfrenta con Nick Nolte, quien borda su papel de padre egocéntrico. El duelo final es una liberación en todos los aspectos, Banner se libra de su peso más mortífero, el recuerdo de un padre que sólo pensaba en él y que en parte es culpable de su maldición, y para ello tendrá que dar rienda suelta a sus más bajos instintos, dejar libre a la bestia.

‘Hulk’ es una magnífica película, un espectáculo sin parangón, tal vez a contracorriente y toda una osadía por parte de su director. Una bofetada al mainstream de los últimos años en cuanto a cine de acción se refiere. No es una película de rápido consumo y disfrute inmediato. Es un film que reposa en la mente después de su visionado, una mirada tranquila y cercana a un personaje fascinante, y que se toma su tiempo para contar las cosas. Ahora pretenden borrar su recuerdo, pero me temo que no lo conseguirán. Las imágenes de ‘Hulk’, algunas de ellas de un perturbadora belleza, permanecerán en nuestra retina prácticamente siempre. Y si Jennifer Connelly no es una de las actrices más bellas de la historia que baje Dios y me lo diga.

En Blogdecine | ‘Hulk’, la génesis de un monstruo

Como sabéis, este próximo viernes se estrena en nuestro país ‘El Increíble Hulk’ (‘The Incredible Hulk’, 2008), dirigida por Louis Leterrier y con Edward Norton como principal protagonista. Desde el principio, desde su concepción, se habló y se vendió la idea de “volver a empezar” (y no me refiero precisamente a cierta película de Garci). De romper con el pasado reciente y darle al público justo lo que quería: acción, acción y acción. Hulk dando hostias a diestro y siniestro. “¿Qué más se puede pedir al personaje si no es eso?”, preguntaban muchos, incluso los fans más declarados del mismo, una creación de Stan Lee y Jack Kirby que Marvel desea seguir explotando. Quizá la pregunta es “¿por qué sólo se pide eso?”, puesto que se demostró que hay margen para algo más que simple acción desenfrenada en la historia de Bruce Banner/Hulk (o La Masa, como se llamaba en España).

Años atrás, Ang Lee tomó las riendas de ‘Hulk’ (2003) y se fijó en el origen y en el hombre, para luego hablar de la bestia. Exploró a Bruce Banner. ¿Quién es? ¿Cómo es su vida? ¿Cómo y por qué se transforma en Hulk? ¿Qué consecuencias se derivan del nacimiento de un monstruo, a priori, incontrolable e indestructible, tanto para él como para los que le rodean? ¿Cuál debería ser su destino? ¿Pueden vivir unidos el hombre y la bestia? Estas cuestiones, y algunas más, son las que afronta, y lo que es más importante, las que responde el arriesgado film de Lee.

Posteriormente, en 2005, Christopher Nolan se ganó el respeto de muchos en el subgénero de los superhéroes con su reinvención de Batman. En realidad, lo más defendido de ‘Batman Begins’ ya estaba en ‘Hulk’. Nolan, como Lee antes, se interesó en el ser humano y en la construcción del “monstruo”, más que en la acción o el espectáculo (que también los hay, en abundante ración). Entonces, ¿por qué Nolan fue aplaudido y Lee abucheado? Sinceramente, las causas que se me ocurren dejan en mal lugar a los detractores de ‘Hulk’, y creo que por lo dicho y por lo que diré quedará claro, por lo que prefiero no concretarlas de forma obvia y dejar que sea cada uno quien busque las respuestas, le gusten o no.

La sinopsis de la película es, básicamente, la siguiente: Bruce Banner es un científico con un problemático pasado oculto en su mente. Tras un experimento donde sufre una violenta exposición a unos rayos gamma, Banner deja de ser el mismo. Comienza a experimentar cambios, tan radicales que incluso lo transforman físicamente, cuando el odio se apodera de su mente, desvelando una monstruosa criatura de color verde. Betty Ross, compañera y ex-novia de Bruce, intentará ayudarle, mientras los padres de ambos, por diferentes razones, tratarán de aprovecharse de las posibilidades que podría generar la genética del científico.

Creo que, ante todo, lo que llama la atención poderosamente es la factura visual de ‘Hulk’. Ang Lee se toma al pie de la letra la tarea de adaptar al cine una historia de cómic y nos ofrece una película donde la narración se divide constantemente en varios planos, como si la pantalla fuese una página donde incluir diferentes viñetas. Esto se hace como modo de recordanos el origen de todo, pero también de forma inteligente para que podamos prestar atención a diferentes aspectos de una misma escena. Así, por ejemplo, hay un momento que me encanta donde tras una charla desagradable, asistimos al cruce de miradas de tres personajes, mientras uno de ellos abandona la habitación. Es también, este estilo, un modo de agilizar la narración, generando en el espectador un interés por ver qué sucede a continuación. Esto puede apreciarse en un momento brillante donde Lee nos deja congelada la imagen de Nick Nolte mirando a la cámara mientras debajo vemos lo que sigue a ese gesto.

Pero la multiplicación de planos en ‘Hulk’ no es sólo visual, formal, estilística. También lo es a un nivel más profundo, de contenido, de desarrollo. Lee no se contenta con un espectáculo visual y con mostrarnos a un monstruo destrozando cosas. Eso es algo que llama la atención y que pronto se pasa. Es algo que no dura, ni en la memoria del espectador ni en el séptimo arte, a menos que aportes una dosis de originalidad altamente impactante o unos efectos especiales totalmente revolucionarios. Como ni lo uno ni lo otro son cuestiones al alcance de la mano, menos aún conforme pasan los años, Lee opta por dotar a su criatura de profundidad y ofrecernos un producto donde lo principal es el drama y lo secundario es la acción. Es Banner quien más interesa a Lee, no Hulk.

Así, nos encontramos con que ‘Hulk’ podría considerarse un drama psicológico sobre el pasado y el presente (y unos apuntes del futuro) de un hombre que nace con un monstruo en su interior, dispuesto a salir al exterior una vez que se le provoque. Estamos, casi, ante la historia del Doctor Jekyll y Mr. Hyde. Pero también ante Frankenstein (y luego ‘La Bella y la Bestia’). Y es que Lee se preocupa mucho en mostrarnos el origen del “problema” de Banner, que no es otro que las esperanzas de su propio padre por lograr un éxito científico sin precedentes, la vida eterna a través de la regeneración. Tras experimentar consigo mismo, el padre transmite al hijo una serie de mutaciones genéticas que provocarán, en el futuro, el despertar de Hulk, el monstruo verde, violento, bestial, irracional. Bueno, no del todo.

Precisamente, como venimos diciendo, el ‘Hulk’ de Lee es mucho más que ofrecer al monstruo y su espectáculo. Es intentar descubrir su origen y su desarrollo en el ser humano. Tanto en el que propiamente lo sufre como en los demás, en las personas que están a su alrededor y que también se verán afectados por la existencia de la criatura. ¿Qué es una película sin conflictos? Lee apuesta por un tridente de conflictos: Banner contra Hulk (su alter ego bestial), contra su padre (el culpable de su trauma) y contra los que quieren apoderarse de lo que tiene en su interior para fines militares (enemigos más claros, ya que no dudarán en destruirle). Entre los tres frentes se encuentra otro poderoso sentimiento humano, el amor, representado por una mujer que tiene dudas sobre cómo ayudar a Banner, pero no sobre lo que comparten. Es la paz contra la guerra, el odio y la violencia que representan los otros conflictos que debe afrontar el protagonista.

Sin duda, el reparto de la película de Ang Lee, uno de esos pocos directores capaces de ofrecer un “blockbuster de autor”, es otro de los grandes aciertos. Eric Bana, Jennifer Connelly, Nick Nolte, Josh Lucas y Sam Elliot son los actores que encarnan a los personajes de mayor entidad del film. Y lo hacen a la perfección, dotando a sus roles, que en principio son meros cartones móviles, de profundidad y personalidad, de alma. Lee permite que todos tengan su hueco en la trama, incluyendo numerosos primeros planos (recordemos el intento de simular un cómic) donde ofrecer intensidad y emoción, drama. Esto permite que encontremos planos donde los personajes casi viven, ofreciendo una naturalidad muy poco corriente. A modo de ejemplo, se puede uno acordar de la escena posterior al ataque brutal de los perros, en la que Banner habla sobre cómo se siente y comienza a imitar el sonido de su corazón.

Precisamente, la fuerza, la violencia, la brutalidad que Banner intenta contener es otro de los aspectos más cuidados del film, y hay que mirar a Eric Bana como el principal responsable. No sólo en la escena mencionada, en toda la película el actor consigue hacernos creíble a su personaje, un científico que intenta afrontar la vida cargando con un pasado oscuro (los flashbacks son magníficos, sobre todo el último) y luchando por conservar su humanidad ante los peligros que residen en su interior. Aquí también podemos mirar concretamente la película y recordar la escena en la que Banner se transforma en Hulk tras un enfrentamiento violento en su propia casa (rodado maravillosamente) con el personaje de Josh Lucas. Y en la orilla opuesta, hay varios (Hulk es fuerza, pero también gozosa libertad), me quedo con el momento que os pongo a continuación en la imagen, precedido por una transformación inversa, de bestia a hombre, y rematado con uno de los mejores diálogos del film.

Pero no es ‘Hulk’ sólo conflictos psicológicos, relaciones humanas, pasados oscuros y búsqueda de la paz o el amor; la acción, por mucho que se critique, es abundante y espectacular en la obra de Ang Lee. Podríamos decir que es escasa, en relación a la duración de la película (poco más de dos horas) y los demás aspectos de la trama, pero no que es inexistente o que no llama la atención. Los efectos especiales posibilitan que Hulk parezca un ser físico, real, y que los efectos devastadores de su presencia resulten impresionantes. Son tres secuencias las que Lee dedica a la acción: el ataque de los perros, la huida del recinto militar y el duelo final con el padre (un Nolte fantástico, en todos los sentidos). La primera es sencillamente una brutalidad, la segunda nos muestra abiertamente a Hulk y sus posibilidades (con detalle sobre su bondad humana hacia un piloto, que luego continúa en una escena copiada en ‘Iron Man’), y la última, un intenso clímax, de liberación, precedido de una secuencia dramática casi “shakesperiana”. Nota de atención también sobre el final, precioso (esa imagen del pasado), y el epílogo, divertidísimo, con Bana hablando en español.

En definitiva, y para un servidor, nos encontramos ante una película magistral. Interesantísima, de múltiples lecturas, con estupendas interpretaciones de un reparto acertadísimo, de gran fuerza dramática y con poderosas secuencias de acción, sin perder de vista, tampoco, esa dosis de humor que siempre se agradece. Una propuesta arriesgada, realizada con extraordinaria habilidad, que sorprende en su primer visionado y mejora en los siguientes. ‘Hulk’ nos presentó el origen de un monstruo, desde la visión de Ang Lee. Pronto descubriremos qué tiene que decir Louis Leterrier sobre… ¿el desarrollo del monstruo? Esperemos que tenga algo que ofrecer a lo ya visto, desde luego hay ganas de comprobarlo. Y de comparar.

En realidad se editó la semana pasada, pero su lanzamiento ha pasado desapercibido. Servidor la descubrió mirando en cierta sección de cierta multitienda de procedencia francesa, y casi le da algo. Sin lugar a dudas, una de las obras cumbres del séptimo arte, cuya historia sería también inmortalizada en la magistral versión animada de la Disney. Cocteau sentó las bases del género con elementos irrepetibles, ya sea la impresionante dirección artística o el maquillaje de la Bestia. Pocas veces lo onírico y lo lírico compenetraron tan perfectamente. Edita Suevia, y eso a veces es un peligro.

‘Arma Fatal’

Una de las comedias más aplaudidas del años pasado. Reunión de los mismos responsables de la también divertida ‘Zombies Party’ (o ‘Shaun of the Dead’, que cada vez que pienso en el título español me vuelven a dar arcadas), Simon Pegg y Edward Wright. Probablemente no es tan buena como algunos nos quisieron hacer ver (vivimos unos tiempos de mediocridad tan absoluta, que cualquier cosa con un mínimo de calidad es elevada a los altares), pero indiscutiblemente tiene momentos desternillantes, aunque al final viva demasiado de la referencia. El dvd viene con los típicos extras de escenas eliminadas, tomas falsas, y un reportaje sobre la versión televisiva, ‘Hot Funk’.

‘Un Cruce en el Destino’

Dirigida por Terry George, que engañó a todo el mundo con la fallida ‘Hotel Rwanda’, este thriller está interpretado por Joaquin Phoenix, Jennifer Connelly y Mark Ruffalo. Casi nada. Pues bien, su paso por las carteleras españolas el pasado Noviembre fue poco menos que fugaz (¿alguien puede decir que la haya visto realmente en cartelera?), algo incomprensible con ese reparto. Desde luego habrá que estar pendiente de ella, porque a pesar de que su director es bastante impersonal, la película tiene su interés. Dvd con muy pocos extras.

‘Wolfhound’

Película rusa, perteneciente al olvidado subgénero de espada y brujería. Versa sobre un guerrero que buscará venganza por la aniquilación de su tribu (uff, cómo me suena esa premisa). Como aquí evidentemente no sabemos que los rusos también hacen cine, pues nos la editan directamente para el marcado casero, porque claro ¿quién iría al cine a ver esta película, si no tiene nombre famosos en su ficha técnica? Dvd pelado de extras.

‘Fados’

Carlos Saura, después de acercarse al mundo musical del flamenco o los tangos, lo hace ahora en el universo del fado portugués, con el que cierra su llamada trilogía sobre la canción urbana moderna. A día de hoy, no hay detalles sobre la edición de esta trabajo, como tampoco una fecha concreta para su salida.

Más información | Zonadvd

Como sabéis, Scott Derrickson, responsable de la correcta ‘El Exorcismo de Emily Rose’ dirige, y lo cierto es que se me ocurren un buen número de directores mejor capacitados para semejante proyecto, aunque también me viene a la mente otro buen número de realizadores que nos harían temer lo peor, así que tal vez no haya que perder la esperanza. Lo averiguaremos las próximas Navidades.

Vía | Dark Horizons

La nueva versión de ‘The Day the Earth Stood Still’ ya contaba con Keanu Reeves, Jennifer Connelly y Jon Hamm como protagonistas. A ellos se han unido recientemente dos más, Kathy Bates y Jaden Smith. Bates no necesita presentación; Jaden es el hijo de Will Smith y lo pudimos ver junto a su padre en la correcta ‘En Busca de la Felicidad’. El rodaje de la película comenzó en diciembre y continuará hasta el mes de marzo. Se debería estrenar a finales de 2008.

Vía | Dark Horizons

Bueno, damas y caballeros, con este post doy por terminado el repaso a los títulos favoritos de un servidor, dividiéndolo por décadas, tal y como habéis visto en las últimas semanas. Por supuesto que la presente aún está en curso, pero he creído conveniente incluirla, así la dificultad de elegir sólo diez películas se disminuye considerablemente. Como siempre faltan muchas, pero para eso ya estáis vosotros.

• ‘Million Dollar Baby’. Después de la impresionante ‘Mystic River’, va Eastwood y se marca este peliculón. Planteada narrativamente como si se tratase de un combate de boxeo, el director te noquea en un momento dado y ya no deja que te levantes, característica natural en su último cine. Interpretaciones antológicas, y un uso de la voz en off ejemplar. Dicen que es la última interpretación de tito Clint, cosa que de ser cierta (y todo apunta a que sí), no ha podido elegir un personaje mejor para despedirse de la actuación.

• ‘El Protegido’. De uno de los últimos genios descubiertos en los últimos años, M. Night Shyamalan. El mejor homenaje que se la hayan hecho nunca a los comics, con un inconmensurable Bruce Willis, que despistó a mucha gente porque pensaron que se iban a encontrar algo parecido a ‘El Sexto Sentido’. La banda sonora de James Newton Howard es impresionante, y está muy bien utilizada en la película.

• ‘Inteligencia Artificial’. Una de las mejores películas de Steven Spielberg, un cuento de hadas tan maravilloso como sorprendentemente cruel. Haley Joel Osment era capaz de dar clases de interpretación a más de la mitad de actores famosos, ¿qué ha pasado con él? Uno de esos casos de separación casi total entre crítica (rendida a sus pies) y público (muchos siguen empeñados en ver extraterrestres, y a punto he estado de meter una foto con tremendo spoiler para demostrar que no es así, que vuelvan a ver la película).

• ‘Amelie’. Probablemente la mejor película de Jean-Pierre Jeunet. Una absoluta maravilla que roza con increíble ingenio lo edulcorado, sin llegar a pisarlo nunca. Con pequeños ecos de Truffaut, es un total y absoluto festín para los sentidos, desde su impecable fotografía, pasando por su fascinante historia, y como no, su excepcional banda sonora de Yann Tiersen, sin la cual la película no sería lo mismo. Audrey Tautou nos enamoró a todos.

• ‘Ciudad de Dios’. Se le atribuye todo el mérito a Fernando Meirelles, y nadie nombra a Kátia Lund, que fue la co-directora. Una obra maestra que parece la respuesta brasileña a algunos films de Scorsese. Narrativa y técnicamente perfecta es un film brutal de principio a fin, que no ofrece respiro al espectador.

• ‘Camino a la Perdición’. Segunda obra maestra de Sam Mendes, basada en una novela gráfica. Perfecta en todos sus aspectos, amén de contener la última aparición en pantalla grande del grandísimo Paul Newman. También empezaba a hacerse notar un excelente Daniel Craig. Contiene uno de los mejores trabajos de fotografía de toda la historia del cine del tristemente fallecido Conrad L. Hall, que sería premiado con un más que merecido Oscar, recogido por su emocionado hijo.

• ‘Chicago’. El última gran musical salido de Hollywood. Lleno de emoción, sorprendía en muchos aspectos, y uno de ellos es que hasta Richard Gere lo clava. Excepcional debut de Rob Marshall, quien no sería capaz de repetir, en calidad, en su siguiente película. Fabulosos números músicales, en los que todo el reparto demuestra sus estupendas dotes para el canto. Merecida ganadora de los Oscars de aquel año.

• ‘Casa de Arena y Niebla’. Una de las películas más tristes y desesperanzadoras del reciente cine americano del desconocido Vadim Perelman. Una historia muy dramática sin ningún tipo de concesión al espectador. Bellísima Jennifer Connelly (como siempre), e impresionante interpretación de Ben Kingsley, con momentos sublimes difíciles de soportar por lo dramáticos de los mismos. El cansino James Horner vio la luz, y compuso una excelente banda sonora.

• ‘La Pasión de Crsito’. La demostración palpable de que no hacen falta diálogos (los que la película tiene en arameo y latín hasta podrían sobrar) si se es un excelente narrador, tal y como lo es Mel Gibson, infinitamente mejor director que actor, aunque tampoco es malo. Con una historia hiperconocida por todo Dios (nunca mejor dicho), el director consigue hacerla totalmente nueva. A destacar el uso excelente de los flashbacks, sobre todo aquel en el que la madre de Jesús rememora cuando su hijo siendo pequeño tropieza, que combinado con los hechos presentes forman uno de los momentos más emotivos jamás vistos en una pantalla. Las famosas polémicas que levantó la película son simple y llanamente una tontería.

• ‘Zodiac’. La Obra maestra de David Fincher, una minuciosa película llena de detalles sorprendentes, en cuanto a realización. El trío protagonista cumplió con las interpretaciones de sus vidas. Con ciertos ecos de films de los años 70, Fincher elabora un prodigio de narración y ritmo, que incluso puede sentar cátedra. Olvidada por parte del público, sus productora la relanza en estos momentos para intentar conseguir nominaciones en los próximos Oscars.

Ahora me retiraré una vez más a mis aposentos a pensar en nuevos posts que ofreceros. Ha sido un placer, en la medida de lo posible, compartir con todos vosotros mis títulos favoritos, aunque por supuesto me he quedado corto. Es vuestro turno.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40
• Mis películas favoritas (4): años 50
• Mis películas favoritas (V): años 60
• Mis películas favoritas (6): años 70
• Mis películas favoritas (VII): años 80
• Mis películas favoritas (8): años 90

Ahora nos llega la noticia de que el personaje que interpretó Patricia Neal en 1951 será interpretado por la maravillosa Jennifer Connelly, que tiene un par impresionante (de ojos quiero decir). Bueno, al menos podremos disfrutar del trabajo y la belleza de esta cada vez mejor actriz (¿os acordáis de ella en la insuperable ‘Érase una Vez en América’?). El rodaje de ese temido remake empezará en Diciembre, y desgraciadamente algún día se estrenará. Por otro lado, la actriz Kathy Bates está en negociaciones para intervenir en la película.

Vía | Comingsoon

Repito los nombres de las actrices que se repartirán los episódicos papeles: Scarlett Johansson, Jennifer Connelly, Drew Barrymore y Jennifer Aniston.

El film contará cómo viven sus relaciones amorosas diferentes mujeres basándose en la estructura que más de moda está en la actualidad: la de historias cortas entrelazadas. Esta comedia romántica, cuya sinopsis podéis conocer aquí, es una adaptación del libro de Greg Behrendt y Liz Tuccillo, escrita por Abby Kohn y Marc Silverstein.

Se encargará de llevarla a la pantalla Ken Kwapis, director de algunos capítulos de la serie de televisión que probablemente ha retratado con mayor fidelidad la etapa adolescente: ‘Freaks and Geeks’. Kwapis también es responsable de la versión norteamericana de ‘The Office’ y de películas como ‘Hasta que el cura nos separe’.

En ‘El indomable Will Hunting’, también fue guionista, junto a Matt Damon, con quien ahora escribe otro. Por su autoría en ‘Good Will Hunting’ ganaron un Oscar en 1997.

Acaba de dirigir ‘Gone Baby Gone’, debutando en esta área. Este film se estrenará en España el 31 de octubre con el título de ‘Adiós, pequeña, adiós’.

Las actrices y el actor mencionados estarán acompañados por Justin Long, Kevin Connolly, Bradley Cooper y Ginnifer Goodwin.

Fuente | El País

Nuestros colegas de Las Horas Perdidas nos traen el póster de una película que huele a Oscar por los cuatro costados y alguno más. ‘Reservation Road’ narra las relaciones entre dos parejas, afectadas por la muerte de un niño, parejas que están protagonizadas por Joaquin Phoenix, Jennifer Connelly, Mark Ruffalo y Mira Sorvino (¿qué era de esta mujer? ¿el no estar de moda ha hecho que no incluyan su careto en el póster?). Han sido dirigidos por el impersonal Terry George, y la película se estrenará entre nosotros el próximo 16 de Noviembre. Hagan sus apuestas señoras y señores, ¿oiremos alguno de estos nombres en las próximas nominaciones a la dorada estatuilla?

‘He’s Just Not That Into You’ (‘No está tan interesado en ti’) es el título de esta comedia romántica que reunirá un estelar elenco: Scarlett Johansson, Jennifer Connelly, Drew Barrymore, Jennifer Aniston, Justin Long, Kevin Connolly, Bradley Cooper y Ginnifer Goodwin.

Ken Kwapis (‘Freaks and Geeks’, ‘The Office’, ‘Hasta que el cura nos separe’) dirigirá este film que seguirá la estructura que más de moda está en la actualidad: la de historias que se entrecruzan. Además de porque la originalidad reina por su ausencia en una importante cantidad de producciones, supongo que esta fórmula es del gusto de los productores porque puede albergar un gran número de nombres de estrellas en sus títulos de crédito sin que haya disputas por el protagonismo, como ocurre en este caso.

Abby Kohn y Marc Silverstein, que escribieron ‘Nunca me han besado’ (‘Never Been Kissed’, 1999) para Drew Barrymore, firmarán el guión, que se basa en el libro de auto-ayuda de Greg Behrendt y Liz Tuccillo, asesor y guionista, respectivamente, de ‘Sexo en Nueva York’. Este volumen pretende ser un estudio sobre los tópic… perdón, sobre las relaciones de pareja de la sociedad contemporánea y sobre cómo se malinterpretan las intenciones del sexo opuesto.

Aniston encarnará a una mujer cuyo novio no quiere comprometerse para casarse, es decir, el mismo papel que hacía en ‘Como Dios’ y en tantísimos otros films. Luego se habla de encasillamiento. Si lo menos ofensivo que se puede hacer con ella es seguir refiriéndose a la serie ‘Friends’ cada vez que se menciona su nombre. No sólo eso, es que Rachel podría ser el personaje con más carácter que ha interpretado esta mujer.

Scarlett será una monitora de pilates y aspirante a actriz que tiene una aventura con un hombre casado y espera que deje a su mujer por ella. Es posible que el papel de casado lo interprete Bradley Cooper y que Jennifer Connelly sea su esposa en la pantalla. Kevin Connolly estará interesado, a su vez, en el personaje de Johansson.

Barrymore, como era de esperar, ha elegido ser la chica a la que las citas le crean confusión. Ginnifer Goodwin (‘Big Love’, ‘Walk the Line’) será la que trate de crear encuentros fingidamente accidentales con el personaje de Kevin Connolly (‘El séquito’).

Drew Barrymore y Nancy Juvonen producen con su empresa Flower Films, junto con la productora New Line Cinema. Michele Weiss y Michael Disco serán los productores ejecutivos que supervisen de parte de New Line.

La supuesta comedia transcurrirá en Baltimore, pero la producción comenzará en Los Ángeles en septiembre.

Fuente | Empire

La historia gira en torno a un matrimonio que se desplaza a un idílico pueblo inglés para formar una familia. Su perfecta vida se rompe cuando el marido, un artista, descubre que los personajes de arcilla que ha creado están actuando en la vida real, tranformándola en una pesadilla.

‘Born’ ha sido escrita por Daniel Simpson, Clive Barker y Paul Kaye; Simpson se encargará de dirigirla y en labores de producción encontramos al mexicano Guillermo del Toro. El rodaje debería comenzar a mediados de agosto en Reino Unido. Muy buena pinta tiene este proyecto.

Vía | DarkHorizons

El pasado 9 de febrero se estrenó en España ‘Diamante de Sangre’, la nueva película de Edward Zwick, con un reparto encabezado por Leonardo DiCaprio, Djimon Hounsou y Jennifer Connelly; una película que ha generado mucha expectación sobre todo por su protagonista principal. Por un lado, porque DiCaprio puede conseguir el Oscar al mejor actor, gracias a un año en el que ha demostrado que ya es uno de los grandes; por otro, porque al actor le tocó probar en sus carnes la particular forma de entender el periodismo que tienen muchos en nuestro país, recibiendo un vergonzoso abucheo por culpa del retraso que llevaba el vuelo que había tomado la estrella hollywoodiense para llegar a España. En cualquier caso, esto sólo es parte de lo que ha rodeado a ‘Diamante de Sangre’ y que debe olvidarse al quedarse a oscuras la sala de cine. La luz la pone un film más que notable, una obra realmente espectacular, de las que hasta ahora sólo pueden hacerse con capital y producción de Estados Unidos. Una película que cuenta una historia propia del género de aventuras pero en el presente y terrible contexto de la África más salvaje y conflictiva. El primer mundo revisa sentado cómodamente sus ganancias y el tercer mundo se retuerce mientras trata de sobrevivir. No es ‘Diamante de Sangre’ una película política, pero contiene suficiente carga crítica como para dejarnos la conciencia alterada. Y eso en una gran producción norteamericana tiene mucho mérito.

‘Diamante de Sangre’ se centra en la historia de Danny Archer (DiCaprio), un ex-mercenario de Zimbabwe, y de Solomon Vandy (Hounsou), un pescador de la etnia mende. Ambos son africanos, pero sus historias y sus circunstancias son completamente distintas hasta que sus destinos coinciden en una búsqueda común para recuperar un raro diamante rosa, el tipo de piedra que puede transformar una vida… o acabar con ella. Una periodista (Connelly) se verá envuelta en la aventura mientras persigue revelar al mundo cómo funciona la red ilegal de tráfico de diamantes.

En cuanto al reparto, como ya he dejado claro, merece destacarse sobre todo a Leonardo DiCaprio, que realiza una interpretación impecable, rica en detalles y con una evolución que sólo un gran actor puede hacer creíble; evidentemente, si vemos la película en versión doblada al español, nos perderemos matices de su trabajo, como el acento o la forma de hablar, pero ya sabemos que en este país eso de leer los subtítulos es un esfuerzo demasiado grande. No se queda muy atrás de DiCaprio el habitual secundario Djimon Hounsou, que realiza su mejor interpretación hasta el momento, con un personaje que debe sufrir durante casi todo el metraje; el actor está muy bien y protagoniza algunas escenas de una fuerza visual extraordinaria, mereciendo totalmente su nominación al Oscar. Por último, destacar la labor de Jennifer Connelly, que aunque sale menos de lo que a uno le gustaría (para mí, una película de dos horas donde ella permanezca en pantalla todo el tiempo, sería lo ideal), lo cierto es que cumple con creces con su papel de periodista comprometida con lo que ocurre en África y que hará lo que sea necesario por lograr que la gravísima situación del continente sea conocida en el mundo occidental, donde vivimos muy tranquilos (salvo cuando cenamos con nuestra suegra). Especialmente logrados son los momentos que comparten DiCaprio y Connelly, llegando a una escena que no puedo describir por ocurrir cercana al desenlace final, donde el actor deja evidencias de su inmenso talento.

En resumen, ‘Diamante de Sangre’ es, sin duda, una de las grandes citas cinematográficas de lo que llevamos de 2007 (ya sabéis, luego, en general, todo va cuesta abajo). Una película poderosa, trepidante, que cuenta una historia durísima, y muy emotiva, que mantiene constantemente al espectador sentado en su butaca, a pesar de unos (quizá) excesivos 150 minutos, que sólo se hacen un poco pesados muy al final, cuando ya está todo resuelto y a Zwick le da por atar cabos de una forma un tanto torpe. Pero es algo que ya ocurre cuando la película ha recorrido casi todo su camino y sería muy injusto restarle un punto por eso. ‘Diamante de Sangre’ es de lo mejor que veremos este año en España, no os la podéis perder. Y menos cuando DiCaprio y Hounsou pueden ganar un (merecido) Oscar.

El actor Todd Field, metido a director, sorprendió hace unos años con la maja ‘En La Habitación’, un a ratos intenso drama que se alzó con importantes nominaciones en los Oscars. Algo que parece iba a ocurrir con éste su segundo largometraje, ‘Juegos Secretos’, patética traducción de su sugerente original ‘Little Children’ (nuestro queridísimo traductor nunca aprenderá). Al final se ha tenido que conformar con tres nominaciones correspondientes a actriz pincipal, actor secundario y guión adaptado. Las dos primeras me parecen más que merecidas, no así la del guión, ya que en mi opinión, es donde ‘Juegos Secretos’ tiene más errores, los cuales terminan lastrando las posibilidades de que la película fuera una impresionante obra atemporal, quedándose a medio camino en su propuesta.

El argumento de ‘Juegos Secretos’ nos lleva una barrio residencial, en el que asistimos a las aburridas vidas de algunos personajes. Desde Brad, un joven que se ha presentado varias veces a un importante examen para poder ejercer la abogacía, algo que no sabe si quiere realmente, hasta Sarah, una mujer oprimida por un matrimonio que sabe que no funciona, y que comienza una extraña relación con Brad. También tenemos la figura de un pederasta, que tendrá que aguantar el odio vecinal, mientras intenta superar su problema. Y Larry, un perdedor nato que siempre se está infravalorando y que paga sus frustaciones intentando humillar al pederasta.

Indudablemente lo más atractivo de la película es la impecable labor de todo su reparto. Actores que brillan con luz propia cada uno de ellos, haciéndonos olvidar en más de una ocasión los evidentes defectos de su historia. Kate Winslet se va a enfadar un año más, porque el Oscar no se lo quita nadie a Helen Mirren, pero la Winslet está maravillosa en su personaje, logrando lo que pocos actrices consiguen en la actualidad, que veamos un personaje y no a una actriz. Está increíblemente entregada poniendo toda la carne en el asador, con el que probablemente sea el personaje más interesante del film. Algo que muchos le atribuirán al pederasta, magníficamente encarnado por Jackie Earle Haley, con algunas de las secuencias más incómodas que se hayan visto en una película reciente, como la de la piscina, o cierta masturbación en un coche, escena en la que sale a relucir la verdadera personalidad del personaje en un momento con tintes terroríficos. La preciosa Jennifer Connelly sale muy poco, pero ella cumple a la perfección con un personaje que debería haber tenido un mayor tratamiento. El casi siempre invisible Noah Emmerich realiza un trabajo muy loable, como ese tipo que se siente una verdadera mierda por todo, e intenta agarrase a un clavo ardiendo. Y por último, Patrick Wilson, actor que no me molesta especialmente, aunque tampoco es ninguna maravilla, pero que aquí queda muy bien como el tipo que comete más idioteces por minuto.

El maravilloso reparto se suma a una puesta en escena realmente brillante, y que Todd Field, ayudado por la fotografía de Antonio Calvache, convierte también en lo mejor del film, logrando alguna que otra secuencia antológica. Citar al respecto, todo lo ocurrido en la piscina. Empezando por un elegantísimo montaje que nos va contando el inicio de la relación entre los dos personajes principales. Y por supuesto, la escena en la que el pederasta se mete en un agua llena de niños en bañador. Son escenas que sobresalen sobre todo por un poder visual fuera de toda duda, y que nos hacen más llevadera una historia que sinceramente va perdiendo gran parte de su fuelle según se va acercando al final.

Y es que la historia en un principio tiene un enfoque, casi rompedor y original. Hay un gran atrevimiento al comparar la vida del personaje de la Winslet con Madame Bovary, aunque lo cierto es que simplemente nos da una explicación del porqué de la decisión inicial de la Winslet, un poco más coherente que el hecho de decir que se comporta como una niña, que bien podría ser, si no fuera porque precisamente en esa secuencia sus razonamientos y argumentos no son precisamente los de una niña. Todo lo contraio, por cierto, que el personaje de Wilson, al que nunca entendemos prácticamente del todo. Sus paradas nocturnas a observar como un completo gilipollas a una pandilla que juega al patinete, no tiene explicación de ser y está cogido bastante por lo pelos. Para colmo, el film, en su tercer acto pierde enormemente el interés hasta el punto de que nos da igual lo que ocurra. Y sin embargo, lo que ocurre es una incongruencia total con el resto del film, una falta de coherencia enorme con lo que se quiere contar y retratar. Las decisiones finales del personaje de la Winslet, y sobre todo la de Wilson, no tienen sentido alguno y no se paran a explicarlo mejor. En el caso de Wilson, hubiera tenido mucha más fuerza si su personaje no se parara a hacer lo que hace. Pero el colmo de los colmos es lo que le ocurre a los personajes del pederasta y el de Emmerich, una concesión total y absoluta de cara al espectador. Es como si Field y Tom Perrotta no se atrevieran a llegar hasta las últimas consecuencias de lo hasta entonces narrado. Desconozco si es el mismo final que en la novela de Perrotta, pero lo que en un libro puede funcionar, o no, no tiene porqué hacerlo en una película, cuyos elementos narrativos son totalmente diferentes.

Así pues, queda una película correcta, disfrutable en muchos de sus aspectos, sobre todo formales, pero que nos deja con la miel en los labios, con algo que pudo haber sido grande y no lo fue. Eso sí, Todd Field sigue siendo un director a tener en cuenta.

En Blogdecine:

• ‘Juegos Secretos (‘Little Children’): de aburridas existencias y catarsis imposibles

Últimamente he estado apartado de mis quehaceres cinéfilos debido a la brutal gripe que he pillado la semana pasada, y que por lo que he podido comprobar ha pillado a un montón de gente, incluídos algunos de nuestros lectores más asiduos. Es por eso, que el pasado sábado en ‘Sesión Numerada’ sólo hablé de la estupenda ‘Diamante de Sangre’, mientras procuraba aguntar la tos y soportaba ese molestísimo pitido sobre el que ya os aviso. Eso sí, quizá la gripe tuvo algo bueno, ya que cuando Olga me preguntó si había algún estreno que no había que ir a ver por malo, me olvidé completamente de citar ese bodrio espantoso titulado ‘Todas Contra Él’.

‘Sesión Numerada’ (10-2-07, audio, mp3, 5´4 MB)

Kate Winslet protagoniza ‘Juegos secretos’ (‘Little children’), la adaptación del actor y director Todd Field (‘In the Bedroom’) de una novela de Tom Perrotta, autor de la nada graciosa ‘Election’, de Alexander Payne. A partir de este viernes, ‘Juegos secretos’, que también cuenta con un pequeño papel de Jennifer Connelly, formará parte de la cartelera.

El film comienza con unas escenas magníficas y en toda su parte inicial hasta llega a atrapar. Pero según va desarrollando la tesis que quiere transmitir, no sólo se va desinflando en cuanto a interés, sino que hasta se va mostrando tan opresor y suburbial como aquello que buscaba retratar.

Sus mayores valores recaen, sin duda, en las actrices, y quizá en algunos buenos diálogos. Junto a esto, se puede apreciar una gran elegancia en su realización y fotografía. Pero finalmente nos estamos quedando en temas superficiales. El corazón de la película no merece elogios, si bien tampoco un vapuleo, pero cuando menos, el veredicto sería la indiferencia.

Como señalaba Carlanga, el trailer puede ser uno de los mejores del año, pero el uso del sonido lo convierte en engañoso al 100%, pues ninguna de las sensaciones que transmite se corresponde con el tono o el argumento del film.

Sarah Pierce (Kate Winslet) sería en este film el trasunto de Madame Bovary, idea que, como punto de partida podría tener gancho, pero que conlleva un error de concepto pues, en la sociedad de hoy en día, por suburbial que sea, no existen las mismas ataduras sociales y los impedimentos que por aquel entonces sufrían las mujeres. Por lo tanto, la justificación catártica que alega el personaje de Winslet en su apología del adulterio como una forma de escapar a la infelicidad, no tiene sentido. Si ella se siente atrapada en un matrimonio que no le aporta alegrías no es sino por elección propia y en su mano está poner fin a un enlace tan poco satisfactorio. Así que la teórica presión social que sería el punto de partida del film, en realidad no es más que una mala excusa.

Los personajes femeninos están definidos con consistencia, pero el protagonista masculino es un hombre sin apenas personalidad y con una actitud demasiado infantil. Aunque esto esté, en parte, creado así a propósito, en otra gran parte es un defecto del guión —y quizá también de la elección del actor: Patrick Wilson— que provoca que haya una menor empatía de la necesaria para seguir la historia con entusiasmo.

Por otro lado, la subtrama que se refiere al pederasta, que da título (original) a la película y que quizá es el punto con mayor fuerza dramática de ésta, no se relaciona más que tangencial y artificialmente con la aventura romántica central. Los personajes de esta historia sin duda tienen mayores facetas y más profundidad que los que pueblan la trama principal y, por ello, provocan una mayor identificación emocional. Sin embargo, algo hace pensar que el tema está demasiado visto y que no nos están contando nada nuevo.

SPOILER: Un final conservador viene a confirmar el mensaje que a partir de cierto momento empieza a intuirse. Mientras el comienzo de la película parece ir por derroteros opuestos, su conclusión es que ese romance no ha sido más que una aventura, un entretenimiento, una frivolidad y, por lo tanto, algo por lo que no merece la pena hacer que se tambaleen los bien cimentados muros de la estructura familiar. No es que el final resulte incoherente, pues a partir de un punto en la película se va perfilando como la única opción posible, pero sí demasiado conformista. Y demuestra que la película es todo lo convencional que hacia su inicio parecía no ser. Muchas veces es frustrante ver que los personajes a los que has seguido durante un tiempo prolongado no han tomado ninguna decisión que valga la pena. FIN DEL SPOILER

Edward Zwick siempre ha sido un director cuyas historias pueden parecer emocionantes y emotivas, de esas que gustan a todo tipo de público. Y digo pueden parecer, porque una de las taras de este director es que sus films nunca llegan a tener la pasión y fuerza que esas historias piden. Una cosa es escribirlas sobre el papel, y otra bien distintas, ponerlas en imágenes. Así pues, sus películas nunca han pasado de ser meros entretenimientos, unos más y otros menos, algunos trascendentales como ‘Leyendas de Pasión’ (la que más me gustaba, hasta ahora, de su filmografía), y otros faltos de garra como ‘El Último Samurai’. Lo mismo le pasa a anteriores films como ‘Estado de Sitio’ o ‘Tiempos de Gloria’. Por eso, cuando empezamos a hablar de ‘Diamante de Sangre’, mis expectativas no eran demasiado altas. Sabía que me encontraría con un producto realizado muy correctamente, pero la cosa no pasaría de ahí. Cual ha sido mi sorpresa que Zwick se ha mostrado muy por encima de lo habitual y nos brinda un film lleno de emoción y aventura, con dos elementos que brilla con luz propia, dos joyas en estado puro: Leonardo DiCaprio y Djimon Hounsou.

La historia de ‘Diamante de Sangre’ se centra en los años 90 en Sierra Leona, durante la cruenta guerra civil que vivó aquella zona de África. Archer es un traficante de diamantes que en prisión conoce a Solomon, un africano que ha perdido a su familia en un asalto por parte de los rebeldes a su aldea. Ambos unirán sus fuerzas en la búsqueda de un diamante rosa, poco común, que el segundo ha encontrado y muy inteligentemente ha escondido. Cada uno tiene intereses distintos, pero se necesitan mutuamente. Así, con la ayuda de una periodista norteamericana, bastante idealista, emprenderán un viaje hacia el mismísimo infierno.

La película dura unos 145 minutos y bien es cierto, que quizá su metraje pese un poco sobre ella, pero no demasiado, ya que el espectador se muestra continuamente interesado por lo que sucede en pantalla. Eso es gracias a tres cosas principalmente. Una es su conciso y perfecto guión, obra de Charles Leavitt, directo al grano, sin perder tiempo en cosas demasiado obvias, aunque quizá al final, en sus últimos minutos, se vuelve un poco redundante, en un epílogo que si bien no molesta en demasía, podrían habérselo ahorrado. La segunda es una dirección enérgica por Parte de Zwick, más inspirado que de costumbre,y que se nota que se lo ha pasado en grande dirigiendo la película. A destacar especialmente las escenas de acción, de las mejores vistas en los últimos años en una película, y donde el técnico de sonido se ha lucido de forma brillante. Dichas escenas trasnmiten la sensación de caos, inseguridad y desorden que impera en la región africana donde se desarrolla la película, donde un día estás vivo, y al día siguiente te pueden cortar las manos para que no votes. Al respecto, decir que el film no evita hacer denunica sobre ciertos aspectos del continente africano, en cuanto al salvajismo que allí se comete, y como el resto del mundo permanece impasible, sin actuar, ante tanta atrocidad, por intereses meramente económicos. Zwick no carga las tintas en este punto, pero sí lo refleja un par de veces, para que nos quede claro. Además, el director es bien consciente de que ante todo está haciendo CINE, y no un panfleto político.

Pero si hay algo maravilloso en la película, ya de por sí excelente, son las interpretaciones de su pareja protagonista. No hay duda de que el 2006 ha sido el año de Leonardo DiCaprio, uno de los mejores actores de su generación, primero por su increíble interpretación de la magistral ‘Infitrados’, y ahora por su impresionante trabajo en ‘Diamante de Sangre’, por el que ha sido justamente nominado al Oscar. Imprescindible verlo en versión original, ya que DiCaprio cambia el acento, cambiando el suyo propio por uno sudafricano, y eso es algo que en la versión dobalada no se va a apreciar absolutamente nada. El actor pone toda la carne en el asador y nos brinda una interpretación histórica, llena de matices, cargada de emoción. Atención a los emotivísimos momentos finales, donde uno se da cuenta de lo gran actor que es DiCaprio. Una verdadera pena que Forest Whitaker tenga más peso para ganar el Oscar, aunque nunca se sabe.

Y por otro lado Djimon Hounsou, un verdadero torrente de emociones, interpretando un personaje lleno de fuerza, que hará lo que sea por salvar a su familia. Su compenetración con DiCaprio es excelente, y ellos dos son el verdadero alma de la película, los verdaderos diamantes en bruto, que hacen que disfrutemos como enanos. A su lado, poniendo el toque femenino, una excelente Jennifer Connelly, cuyas escenas con DiCaprio son de una química increíble, más allá de lo que se pudiera pensar en un principio. Su personaje tiene más protagonismo del esperado, está muy bien tratado, aunque en cierto momento desaparece un poco forzadamente, para que el film se concentre en otra cosa, y luego vuelve a ella.

Una película muy buena, sin duda el estreno estrella de la semana, y no creo equivocarme si le auguro un extraordinario éxito de taquilla en nuestro país, donde este tipo de historias son bien recibidas por todo tipo de público. Un relato de aventuras extraordinario, con su toques de drama y denuncia, muy bien insertados. Otra excelente película a sumar en este buen comienzo de año. A ver lo que dura.

El guión es del propio director que ha sido ayudado por Tom Perrolta basándose en una novela del mismo. Sus dos protagonistas principales ya van a lograr que yo me acerque al cine a verlas: la cada día más bella Jennifer Connelly y la encantadora Kate Winslet. Les acompaña en el reparto Patrick Wilson, actor más bien mediocre con facilidad para meterse en producos interesantes.

‘Little Children’ (página web y trailer)

Vía | Comingsoon

El primero la historia. Se trata de un remake de la película japonesa del mismo título que dirigió el mismo director que “The ring” Hideo Nakata. La novela de Kôji Suzuki está impregnada de misterio y tensión. Esta vez una madre y su hija se trasladan a un piso donde todo es perfecto porque no necesitan más, pero en el techo de una de las habitaciones hay un “ligero desperfecto”...

El segundo el director. Algunos esperábamos ver el siguiente trabajo de Walter Salles. Después de “Diarios de motocicleta”, con un joven Ernesto Guevara interpretado por Gael García Bernal, este brasileño afrontaba la película con el reto de transmitir unos registros completamente diferentes. Veremos los resultados.

El tercero la actriz principal. Jennifer Connelly, que después de haber conseguido su oscar en el 2002 parece que ha conseguido interpretar los personajes principales de sus películas, como en “Hulk” o en “House of sand and fog”.

Naturalmente que en los títulos de crédito vayan a estar nombres como Shelley Duvall, Tim Roth, John C. Reilly, Dougrey Scott o Pete Postlethwaite, también aumentan el interés. Aunque creo que ya era suficiente.