Buena explicación de la empatía que este film dirigido por Jim Henson tiene entre el público es su propuesta en esta sección. ‘Dentro del laberinto’, a pesar de su achacable envejecimiento, más estético que otra cosa –recordemos que es un film de 1986 y sus efectos especiales se antojan acartonados hoy día–, es un film que despierta nostalgia, simpatía y sigue gustando a nuevas generaciones. Las razones, o al menos una de ellas, es porque es un film honesto, entretenido y bien contado.

Jim Henson, tras la buena acogida de ‘Cristal Oscuro’ y con su dilatada experiencia en el mundo de la fantasía, los “muppets” y las historias infantiles, demostró que solo hace falta imaginación y saber narrar para convencer. Es lo que logró con ‘Dentro del laberinto’, que ni es original, ni tiene grandes estrellas (bueno, una, pero más de la música) ni posee excesivas pretensiones, pero entretiene.

Uno de las grandes virtudes de la cinta y en lo que Henson es considerado todo un maestro, es en dotar de humanidad y riqueza a simples muñecos. En un alarde de artesanía, el director dota a la historia (escrita por Terry Jones, no lo olvidemos) de esa galería de personajes fantásticos que tanto la enriquece, que tanto aportan y que acompañan a la joven protagonista (recordemos Jennifer Connelly) y al villano de turno, encarnado por la estrella David Bowie. Esos personajes que pueblan el relato, monstruos, duendes, un villano maquiavélico (aunque nunca llega a convencer su lado maligno)… todos están dotados de personalidad, de suficientes matices como para enriquecer el manido y arquetípico esquema narrativo.

‘Dentro del laberinto’, fantasía, aventuras y David Bowie

Con producción de George Lucas, ‘Dentro del Laberinto’ cumple a rajatabla con este esquema del cine de aventuras y fantasía, aquí en nada destaca: quedan bien patentes su referencias a ‘Alicia en el país de las maravillas’ de Carroll o el mismísimo ‘Mago de Oz’, (incluso la patente estética de Escher en un el número previo a la conclusión, repleto de engaños visuales al ritmo del Bowie más enigmático) fuera porque sabe contarlo sin perder el ritmo (a pesar de algún episodio). Se dosifican los episodios con la entrada en escena de nuevos personajes que van completando, dificultando o ayudando según el caso, la aventura fantástica de Sarah, la protagonista a modo de heroína convencida que sumergida en un mundo propio de la imaginación más infantil e inocente, tiene que superar el laberinto hasta rescatar a su pequeño hermanito.

El universo en el que tiene lugar casi toda la película destila una gran imaginación, ese aire artesano, de entusiasmo que es buena esencia del saber hacer de Henson. Cuya primitiva intención era no contar con ningún personaje de carne y hueso (siguiendo la estela de lo que ya alcanzó con ‘Cristal oscuro’), pero aquí la presencia de una estrella de la música con carisma, exótico e histriónico, consiguió que la película alcanzara un mayo status comercial. Un Bowie que encaja a la perfección en su interpretación de Jareth, el rey de los duendes, embutido en trajes y pelucas como pocos podrían lucir con tanto desparpajo y atrevimiento, que además aporta una alta dosis de personalidad al conjunto, que se agradece.

Aunque cierto es que más allá de la estética, de sus canciones y números musicales (nada desdeñables, incluso alguno brillante y en general bien dosificados –para interesados, escuchar la playlist en Grooveshark–), su personaje queda demasiado blando. No resulta un villano que eleve la tensión, se echa en falta que se oponga con más fuerza a la protagonista y su objetivo, al margen de que su motivación no aparece reflejada en ningún momento, más allá de cumplir el deseo que Sarah invoca con sus palabras al comienzo de la historia. Unido a cierta escena menos inspirada (la alocada batalla en la ciudad de los duendes) y ligeras carencias aisladas en el guión son los puntos más débiles.

Junto, quizás a su excesiva inclinación hacia la simplicidad, entendida como concebida y adaptada para agradar al público infantil, en lo que más flaquea, pero esto es algo que los adultos a veces le podemos achacar como negativo. Aunque resulta una película disfrutable de principio a fin por todo tipo de espectadores. Con buenas dosis de humor, fantasía, aventura, personajes sorprendentes y momentos oníricos, casi –o totalmente– surrealistas que la convierten en una cinta entrañable.

Ya pueden hacer su siguiente elección. El equipo (al completo) de editores de Blogdecine está preparado para la siguiente entrega de Críticas a la carta.

Los hermanos Coen y su western dejan paso a Michel Gondry con una película que no se esperaría de sus manos: ‘The Green Hornet’. La adaptación de la mítica serie de televisión protagonizada por el no menos mítico Bruce Lee se alza vencedora en el top ten a pesar de que las críticas la ponen por los suelos, mientras el público votante en la IMDb no parece muy entusiasmado.

En el segundo puesto se coloca la última película dirigida por el casi siempre impersonal Ron Howard. ‘¡Qué dilema!’ (‘The Dilemma’, 2010) es una comedia en la que se narra como un hombre descubre que la mujer de su mejor amigo tiene un amante. Vince Vaughn, Kevin James, Jennifer Connelly —la única razón por la que yo vería esta película—, Winona Ryder y Queen Latifah forman su reparto. La crítica no la trata demasiado bien, y el público votante otro tanto de lo mismo. Llegará a nuestras carteleras el 25 de marzo.

Vía | IMDb

Universal Pictures ha lanzado ya el tráiler de ‘The Dilemma’, la nueva película de Ron Howard (‘Una mente maravillosa’, ‘El código Da Vinci’). Como os comenté, se trata de una comedia, inicialmente titulada ‘Cheaters’, que gira en torno a un tipo que descubre que la mujer de su mejor amigo está liada con otro. El vídeo dura más de dos minutos y deja bastante claro lo que nos podemos encontrar. Personalmente, la veré sólo si estoy obligado por alguna razón que ahora mismo no soy capaz de imaginar.

Escrita por Allan Loeb, ‘The Dilemma’ se centra en el mayor problema de Ronny, esto es, ¿decirle la verdad a su mejor amigo, que su esposa tiene una relación con otro hombre, o debería quedarse callado y hacer como que no sabe nada? No sé qué os habréis encontrado vosotros, pero en mi caso siempre he visto que acaban de la misma forma: el pájaro canta, y cuanto antes. Vince Vaughn, Kevin James, Winona Ryder, Jennifer Connelly, Queen Latifah, Channing Tatum y Amy Morton protagonizan la película, que cuenta con música de Hans Zimmer, y se estrena en EE.UU. el 14 de enero de 2011.

Actualización: La película llega a España el 3 de junio con el título ‘¡Qué dilema!’.

PD: Howard ya está trabajando en su próximo film, la primera parte de una trilogía basada en ‘La torre oscura’ de Stephen King.

Jean Seberg

Conseguir el papel para la Juana de Arco de Otto Preminger (‘Saint Joan’, 1957) a los dieciocho años frente a 18.000 candidatas, ya la destinaba a la leyenda. En su breve pero fascinante carrera aún pudo ser la protagonista del magistral ‘Lilith’ (1964) de Robert Rossen, y antes la maravillosa Patricia Franchini de ‘Al final de la escapada’ (‘À bout de souffle’, Jean-Luc Godard). Su posterior carrera fue muy poco afortunada, y poco se puede rescatar, salvo ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’ (‘Paint your Wagon’, 1969). Su vida personal fue tortuosa, oscura y melancólica. Simpatizante de los Panteras Negras, fue acosada por el FBI. Según parece, se suicidó a los 40 años. Nunca envejeció esta enigmática y bella actriz.

Sharon Tate

Esta preciosa tejana de trágico y sangriento final, fue modelo antes que actriz, y no pudo demostrar su gran talento apenas, porque la secta de Charles Manson la asesinó, junto a sus amigos, una aciaga noche del 9 de agosto de 1969, a los 26 años, embarazada de ocho meses y medio de un hijo con Polanski. En ‘El baile de los vampiros’ (‘The Fearless Vampire Killers’, 1967) está sublime, sin contar con su belleza. Lástima que no pudiera trabajar más allá de sus 26 años. Quién sabe hasta dónde habría podido llegar. Por supuesto, habría protagonizado la venidera ‘Tess’ (id, Polanski, 1979).

Gloria Grahame

Siempre he sentido una profunda y salvaje fascinación por Gloria Grahame, como quizá algunos sabrán. Más secundaria que principal, su rostro es uno de los más atractivos e inclasificables de los años cuarenta y cincuenta. Aunque ganó el Oscar gracias a Minnelli por ‘Cautivos del mal’ (‘The Bad and the Beautiful’, 1952), el papel en el que me enamoré de ella y que es de lejos mi preferido, es el breve pero inolvidable que tiene en la inigualable ‘¡Qué bello es vivir!’ (‘It’s a Wonderful Life’, Capra, 1946), en la que interpretaba a la problemática, atractiva, patética Violet.

Jennifer Connelly

Connelly podría ser, perfectamente, la actriz más bella y la que más han desperdiciado de su generación. Dentro de poco cumplirá los cuarenta, pero ya a los catorce participaba, con un rol inolvidable, en ‘Érase una vez en América’ (Leone, 1984), para después convertirse en mito sexual de los noventa, y para a continuación demostrar lo gran actriz que es en varias películas. Con esos ojos, y ese estilazo, se merecía mucho más que la carrera que ha tenido. Pero claro, ser actriz en Hollywood no es necesariamente un lecho de rosas.

Claudia Cardinale

Aún nacida en Túnez, sus padres eran sicilianos, y sus genes quedaron así establecidos para siempre. Basta con echar una mirada a su voluptuosa figura o a sus ojos negros. Italiana de pura cepa, y con todas las consecuencias. Actualmente con setenta y dos años de edad, fue una de las actrices europeas más deseadas y famosas del mundo durante los sesenta y setenta. Debía estar en esta listas de manera impepinable, por su arrolladora imagen y porque sus papeles en ‘Hasta que llegó su hora’ (‘Once Upon a Time in the West’, Leone, 1968) o ‘El gatopardo’ (Visconti, 1963) eran díficiles de olvidar.

Grace Kelly

Grace Kelly, luego Grace princesa de Mónaco, fue el segundo amor frustrado de Hitchcock (frustrados porque ni Bergman, ni Kelly ni Hedren le hicieron ni caso…). Su carrera fue muy breve, pero su leyenda es inmensa. Quizá haya sido el rostro más perfecto del cine. Eso sí, niña pija entre las niñas pijas, nacida en Filadelfia (¿dónde si no?) y luego mujer del príncipe Rainiero de Mónaco. Tenía cincuenta y dos años cuando su coche se precipitó por un terraplén, causando su muerte. Su mejor película, sin duda, ‘La ventana indiscreta’ (‘Rear Window’, Hitchcock, 1954).

Marilyn Monroe

Excelente actriz de comedia loca, algo más limitada para el melodrama, la Monroe es el icono sexual por excelencia de la historia del cine. Y otra que murió joven y en circunstancias sospechosas. Posiblemente, con los cánones de belleza actuales, hoy día no causaría el furor de entonces, aunque nunca se sabe. Sus problemas de autoestima y con la bebida propiciaron una muerte anunciada que, según algunos, fue orquestada por los hermanos Kennedy, los cuales se la repartieron como quisieron y después la tiraron a la basura. También me inclino a pensar que el incompetente de su terapeuta (vean algún documental al respecto, son muy esclarecedores) tuvo mucho que ver.

Jane Fonda

Otro mito erótico, aunque por una vez sin final trágico. El problema, claro, es que a sus setenta y dos años se ve relegada a comedias basura y anuncios. Siempre presumió de preciosas piernas, y no era para menos. Aunque también poseía una mirada desarmante, fuerte y frágil a un tiempo. Mi Fonda preferida, la más fuerte y atractiva, es la de ‘La jauría humana’ (‘The Chase’, 1966), cuando ya era toda una estrella. Sin embargo, sus Oscar fueron por ‘Klute’ (id, Pakula, 1971), en la que salía muy guapa y muy misteriosa, además de bordar el papel, y por ‘El regreso’ (‘Coming Home’, Ashby, 1978). Mujer de ideas muy izquierdistas, es una leyenda por derecho propio. También en el aerobic.

Halle Berry

No podía faltar esta extraordinaria mujer, me parece a mí. Con el pelo largo o corto, con vestido o con vaqueros, siempre es una presencia arrolladora. Auténtico animal cinematográfico, que supo esperar pacientemente hasta poder demostrar todo su talento. No es sorpresa que su carrera esté dando mucho menos de lo que es capaz, siendo una mujer tan sensual y de piel oscura en Hollywood. No deben existir muchos personajes a su altura.

Julie Christie

Nunca estuvo tan guapa como en ‘Doctor Zhivago’ (Lean, 1965), en la que daba vida a la inolvidable Lara Antipova. Con este personaje pasaba de la adolescencia a la madurez de manera admirable. Pero no sólo es una presencia hipnótica, también es una magnífica actriz, quizá algo infravalorada, como ha demostrado en cincuenta años de carrera. Es una de las miradas más poderosas que han existido en Hollywood. Aunque claro, con esos ojos…

Zhang Ziyi

Para terminar, un rostro que era obligatorio. Lleva unos años con menos presencia internacional, pero Zhang Ziyi siempre será Zhang Ziyi, sobre todo la de ‘La casa de las dagas voladoras’ (‘Shi mian mai fu’, Yimou, 2004), pero también en ‘Héroe’ (‘Ying xiong’, Yimou, 2002), ‘Tigre y dragón’ (‘Wo hu cang long’, Lee, 2000) y por supuesto en ‘2046’ (Kar-Wai, 2004). Una belleza casi frágil, etérea, que se combina con la increíble fuerza de unos ojos y una sonrisa hipnóticos. Además, es una excelente actriz. Dios estaba sembrado.

¿Cuáles son las vuestras?

En Blogdecine:

• Las más guapas (por Alberto Abuín)

Aquí os traigo las primeras imágenes de una película que os debería interesar, titulada ‘What´s Wrong With Virginia’. Primero, y ante todo, porque el reparto está encabezado por Jennifer Connelly y Ed Harris; ellos son también los protagonistas de las fotos que tenéis en esta entrada. También cabe destacar que se trata del segundo largometraje de ficción que dirige Dustin Lance Black, ganador del Oscar al mejor guión original por ‘Mi nombre es Harvey Milk’ (‘Milk’, 2008).

Escrita por el propio Black, ‘What´s Wrong With Virginia’ se centra en la encantadora pero también desequilibrada Virginia, una mujer que mantiene en secreto, desde hace veinte años, un romance con Richard, el sheriff de su localidad; la historia entre ambos se tambalea cuando el hijo de ella comienza una relación con la hija de él. Connelly y Harris están acompañados por Toby Jones, Emma Roberts, Lucas Grabeel, Carrie Preston, Amy Madigan y Harrison Gilbertson, entre otros. El rodaje ya terminó pero por el momento no hay fecha de estreno.

PD: Black ha escrito el guión de ‘Hoover’, lo próximo de Clint Eastwood, con Leonardo DiCaprio.

Vía | ThePlaylist

‘Dark City’ (id, 1998, Alex Proyas) fue un fracaso debido as que su distribuidora, la New Line, no supo cómo venderla. ¿Es un film de ciencia ficción? ¿Es cine negro? ¿Se trata de un pastiche de multitud de cosas? Sea como fuere lo cierto es que el film de Proyas no lo vio casi nadie —aún recuerdo en el momento de su estreno los cuatro matados que estábamos en la sala, mientras yo me sorprendía por no ver a casi nadie en la nueva película del director de la admirada ‘El cuervo’ (‘The Crow, 1994)—; sin embargo al año siguiente todo el mundo alucinó en colores con ‘Matrix’, la odisea de los Wachowski que plagiaba en más de un punto el film de Proyas. Está claro que ‘Matrix’ tuvo un presupuesto mucho mayor, revolucionó por completo el mundo de los efectos visuales, en su reparto había una estrella taquillera y se supo vender como el no va más en el cine de acción.

No obstante no quiero ser malinterpretado, soy de los que se lo pasa de miedo con ‘Matrix’, excelente película que debió permanecer sola sin secuelas que no eran más que una mera y desvergonzada explotación de la gallina de los huevos de oro. Pero al César lo que es del César, los Wachowski se inspiraron descaradamente en el universo creado por Proyas, un plagio muy disfrutable que iba más allá de lo meramente argumental, y si no seguid este enlace que os llevará a la comparativa que de ambos films hace Jorge Morales a nivel estético. La sorpresa para algunos será mayúscula. Pero ojo, ‘Dark City’ tampoco es original al cien por cien, en realidad Proyas bebe de infinidad de influencias, entre ellas la de ‘Blade Runner’ (id, 1982, Ridley Scott) film con el que en cierto modo está hermanada.

Como habéis podido ver en la foto de arriba existe una edición en DVD del montaje del director —ese invento de Ridley Scott que vuelve locos a los consumidores de formato casero con cien mil remontajes de una misma película— y que como es lógico en nuestro país no se encuentra disponible, por lo que hay que recurrir a maravillosos reinos como el de Amazon para poder conseguirla. Al igual que la famosa obra maestra de Scott, ‘Dark City’ es una película cuya fama ha ido creciendo con el paso de los años que la han ido revalorizando hasta convertirla en lo que es, una pequeña joya del cine de ciencia ficción, no exenta de algunos errores que no empañan un film fascinante de principio a fin.

Las diferencias entre la versión estrenada en cines y el montaje del director son la eliminación de algunas escenas, como la del prólogo, unos diez minutos de metraje inédito repartidos a lo largo del film, y la supresión de la voz en off de Kiefer Sutherland, obligada a grabar por la New Line ya que consideraban la historia algo incomprensible. El montaje del director es la demostración palpable de que tal afirmación es absurda. La historia de John Murdoch es perfectamente entendible desde el inicio cuando despierta en la bañera de una habitación de hotel hasta el falso final feliz en el que tomando conciencia de sí mismo y sus poderes convierte su viejo mundo en la materialización de sus recuerdos, implantados o no. Las lecturas que se dejan entrever en su argumento son de lo más variopintas, desde la típica historia detectivesca en la que en la mejor tradición del Film Noir nada es lo que parece, hasta las teorías sobre sueños y recuerdos, la búsqueda de la identidad, el individualismo frente al colectivismo, pasando por la eterna lucha entre el Bien y el Mal, un elemento muy común en las grandes historias.

Proyas ha declarado haber estado influido por la lectura de varios libros sobre psicología y por la teorías sobre el sueño de Freud y Jung —de considerable influencia en muchos cineastas—, construyendo una historia que fascina por su tratamiento y su puesta en escena. El director viste su película de sombras, ambientada en una ciudad en la que la vida sólo sucede de noche y los recuerdos son fantasmas diurnos de difícil explicación. No sabemos la época ni el lugar, los anacronismos nos indican que éste no es importante, al final cuando los protagonistas descubren la verdad sobre la ciudad donde viven —la verdadera sorpresa del relato— la terrorífica realidad se revela como el lugar del que no podrán salir jamás, pero todos tendrán sus recuerdos, sean cuales sean, y sus sueños más la posibilidad de poder cumplirlos o mantenerlos sin el miedo invisible de que sean cambiados cada medianoche.

Los Ocultos —en el montaje del director se elimina por completo la explicación de su existencia— representan en cierto modo la propia búsqueda del ser humano en intentar explicar la existencia del alma, algo tan antiguo como la propia memoria. Extraterrestres que necesitan los cuerpos muertos de gente para poder sobrevivir, de aspecto lúgubre —el ‘Nosferatu’ de Murnau tiene mucho que ver con ello— son todo lo contrario a la humanidad. Fríos, sin sentimientos, con una memoria única, pero con una enorme curiosidad por saber qué hay detrás del gran misterio del hombre. Esa búsqueda del alma por parte de los Ocultos es quizá el elemento más ingenuo de todo el relato, y sin embargo da lugar a multitud de reflexiones que se derivan de las distintas situaciones que atraviesan algunos de los personajes. El portero del hotel que sigue comportándose igual al mando de un quiosco, la negativa de Murdoch a ser un asesino, o también cómo el poseer nuevos recuerdos cambia por completo la actitud y la vida de otras personas. Múltiples posibilidades para el logro más alto de la historia.

Rufus Sewell no es un actor conocido por la gran audiencia, pero su John Murdoch logra ser muy creíble. Jennifer Connelly, antes de ser una superestrella, compone un personaje de mujer típica del cine negro, con interpretación de canciones clásicas incluidas; Kiefer Sutherland, aún lejos de convertirse en Jack Bauer forever, tiene en su haber el personaje clave del relato, una especie de mad doctor que tiene en su poder todos los recuerdos posibles. William Hurt da vida a un curioso detective de policía, al que casi nadie hace caso, pero es de los pocos que sabe que las cosas no están bien. Richard O´Brien es el Sr. Mano —Proyas escribió el papel específicamente para el actor—, un Oscuro que decide inocularse los recuerdos de Murdoch para encontrarle pues representa una amenaza para su especie, produciéndose otra interesante reflexión con ello: el hecho de que el Sr. Mano posea los recuerdos de Murdoch responde más a una necesidad de sentirse humano, pues los recuerdos en parte es lo que nos hace únicos.

‘Dark City’ posee una extraordinaria dirección artística, obra de Richard Hobbs, en la que una ciudad entera se transforma por completo, ocultando calles y edificios y naciendo nuevas construcciones, algo así como los recuerdos que viene, van y desaparecen. Trevor Jones hace gala de una muy acertada grandiosidad en su banda sonora, y Dariusz Wolski viste de oscuridad una película que en su parte final se llena de luz, el despertar de la nueva memoria que está por construirse.

¿Similitudes entre ‘Matrix’ y ‘Dark City’? Todas. Los protagonistas viven en un mundo que no es real, controlados por unos seres que los vigilan en todo momento, el héroe de la historia termina revelándose como una especie de Mesías con superpoderes. Alex Proyas se arriesgó no dándole todo mascado al espectador, arrastrándolo a un mundo incómodo de final lógico pero jamás deseado; los Wachowski sucumbieron con inteligencia a las necesidades de las nuevas eras de espectadores jóvenes. En realidad la producción supermillonaria se lo debe todo al pequeño film, hoy de culto, de Proyas. Preferir una u otra es cosa de las inquietudes de cada uno. Un servidor se queda con las dos.

Antes de embarcarse en el complicado y polémico proyecto de trasladar al cine ‘La torre oscura’, Ron Howard rodará este próximo verano una película ligera y sencillita, de las que le gustan a él, que se titula ‘Cheaters’ (algo así como ‘Infieles’). En las últimas semanas se ha ido cerrando el reparto protagonista del que dispondrá Howard, integrado por rostros muy conocidos: Vince Vaughn, Kevin James, Winona Ryder, Jennifer Connelly, Queen Latifah y Channing Tatum.

‘Cheaters’, cuyo guión firma Alan Loeb, es una comedia que gira en torno a un hombre (Vaughn) que descubre que la esposa (Ryder) de su mejor amigo (James) está teniendo una aventura con un tipo más joven (Tatum, que al parecer llevará muchos piercings y tatuajes); entonces el protagonista se encuentra con un gran dilema, debe decirle la verdad a su amigo, que es un cornudo, o debe callarse, intentar olvidarlo, y dejar las cosas como están. Bueno, al menos no su mujer. En fin, no creo que nadie se sienta fascinado por esta trama, pero vamos a esperar a ver un tráiler, puede que no esté tan mal. El rodaje comenzará el próximo mes de junio en Chicago y ya tiene fijada una fecha de estreno: 14 de enero de 2011.

PD: Ya que estamos, ¿qué creéis que debería hacer el protagonista?

Vía | TheHollywoodReporter

Un título a tener en cuenta en el futuro: ‘Salvation Boulevard’. Menudo reparto se ha formado ahí. Hoy se ha sabido que Jennifer Connelly, Greg Kinnear y Marisa Tomei han firmado para acompañar a Pierce Brosnan, Ed Harris y Jim Gaffigan, que ya habían sido fichados con anterioridad. El tipo que los ha unido a todos es el director George Ratliff, de quien quizá hayáis visto la nada despreciable ‘Joshua’.

Con guión de Douglas Stone, quien ha adaptado una novela de Larry Beinhart, ‘Salvation Boulevard’ es un thriller con tintes de comedia situado en un mundo controlado por grandes iglesias, en el que un hombre es tomado por una especie de Jesucristo reencarnado, por lo que será perseguido por los fundamentalistas de una de las religiones, que creen haber encontrado por fin a su gran pastor. El rodaje comenzará el mes que viene, a ver qué sale de todo esto.

PD: Ratliff ya dirigió en 2001 un documental sobre los alocados miembros de una religión (‘Hell House’). Lo increíble es que estamos en el año 2010 y la gente sigue creyendo en castigos divinos.

Vía | Variety

La Sci-Fi ha sido siempre un género muy del gusto popular, la idea de imaginar cosas más allá de las posibilidades actuales del ser humano como especie ha tenidos durante décadas soñando al espectador. Uno de los tópicos o clichés de este género es el de las visitas alienígenas a nuestro planeta, casi siempre con actitud amenazadora. Grandes clásicos como ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ (‘The Invasion of the Body Snatchers’, Don Siegel, 1956), ‘Ultimátum a la tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, Robert Wise, 1951) o ‘E.T.’ (Steven Spielberg, 1982) permanecen en la memoria del cinéfilo como tres muestras del tema desde ópticas muy distintas. Lamentablemente no todo es como en esas tres joyas, y tanto ahora como hace años, se ha jugado con el género de forma muy poco original, en ocasiones demasiado atrevida, y siempre cayendo en ridículos insultantes.

‘The Brain from Planet Arous’ (Nathan Juran, 1957), ‘The 27th Day’ (William Asher, 1957) y ‘Ultimátum a la tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, Scott Derrickson, 2008) son tres ejemplos muy claros de mala ciencia ficción. Las dos primeras son productos de serie B, de pocas pretensiones pero argumentos delirantes y realizadas en un momento álgido de la Guerra Fría. La tercera es el remake del famoso film de Wise, una producción de gran presupuesto llena de efectos visuales que cae en el ridículo por no tratar con seriedad y respeto un género al que parece ahora le están cogiendo algo de aprecio en la Academia de Hollywood con las nominaciones de ‘Avatar’ y ‘District 9’ a mejor película.

El cerebro que quería dominar el mundo

Nathan Juran había empezado en el cine trabajando como director artístico para directores de la talla de John Ford, en ‘¡Qué verde era mi valle’ (‘How Green Was my Valley’, 1941) —por la que ganó un merecido Oscar—, Anthony Mann, en ‘Winchester 73’ (1950) o Edmund Goulding, en ‘El filo de la navaja’ (‘The Razor´s Edge’, 1946). A principios de lo años 50 se pasó a la dirección, especializándose en westerns, thrillers, Sci-Fi y fantasía, dejando en estos dos últimos géneros alguna película simpática como ‘La gran sorpresa’ (‘First Men in the Moon’, 1964) y alguna joya como la muy imaginativa ‘Simbad y la princesa’ (‘The 7th Voyage of Sinbad’, 1958). ‘The Brain from Planet Arous’ fue realizada por Juran en 1957 firmándola con su primer apellido Herz, y en ella no se ve absolutamente nada del nivel de inspiración que muy pocas veces alcanzó.

El argumento es simple y llanamente delirante: un cerebro del tamaño de una calabaza gigante decide invadir la tierra el solito, mientras otro trata de darle caza para que no cometa más crímenes. Para ello invade la mente de uno de los científicos más famosos del lugar y así poder dar una muestra de su inmenso poder —puede provocar explosiones mucho mayores que las de una bomba atómica— doblegando así al ser humano a su voluntad. En plena caza de brujas de la era McCarthy, el temor más grande era tener al enemigo en casa, y al igual que en la famosa cinta de Siegel antes mencionada, la sustitución de la personalidad era el principio del fin del ser humano.

Juran narra todo con un ritmo torpe, a veces muy acelerado, dejando todo el peso de la función únicamente en dos cosas; por un lado la histriónica interpretación de John Agar, actor muy familiarizado con el género de la Sci-Fi en lo años 50 —desde ‘Tarántula’ de Jack Arnold hasta ‘Attack of the Puppet People’ de Bert I. Gordon—; y por otro, un enorme cerebro que es el delirio en efectos visuales, una gran masa sujeta por cables bien visibles que harían las delicias del peor Ed Wood. Evidentemente la película provoca risa y carece del mínimo encanto que adquieren este tipo de producciones con el paso del tiempo.

Poniendo a prueba al ser humano

‘The 27th Day’ fue realizada el mismo año que ‘The Brain from Planet Arous’, y dirigida por William Asher, realizador casi siempre ligado al mundo de la televisión. En ella se seguía la moda impuesta por films como ‘Ultimátum a la tierra’, versión 1951, en la que la invasión alienígena se produce para lanzar un mensaje al ser humano y que éste recapacite sobre su comportamiento tanto con sus semejantes como con el planeta Tierra. En este caso abducen a varias personas de distintas nacionalidades a las que los visitantes cargan con una gran responsabilidad: unas cápsulas que podrán ser utilizadas en cualquier coordenada del planeta para eliminar vida humana, con la peculiaridad de que dichas cápsulas caducan en 27 días.

En ‘The 27th Day’ se nota más claramente la época en la que fue filmada, pues los malos de la función son los rusos, tratados como auténticos animales que no merecen vivir en nuestro planeta. El sorprendente final —que hace ser al film un poco mejor que el anterior, pero sólo un poco— pone de relieve la enemistad que había entre americanos y rusos en aquellos años, dejando a los segundos como la mismísima esencia del mal. Evidentemente visto con la perspectiva que concede el paso del tiempo, esto produce más risa que otra cosa.

El sosainas de Gene Barry —de aquella muy de moda con films como ‘La guerra de los mundos’ (‘The War of the Worlds’, Byron Haskin, 1953) o ‘40 pistolas’ (‘Forty Guns’, Sam Fuller, 1957)— encabeza un reparto no precisamente en estado de gracia. De la inexpresividad de Barry pasamos al histrionismo de Stefan Schnabel, actor alemán que da vida al dirigente ruso más malo que el hambre. La labor de Asher no ayuda demasiado con una puesta en escena totalmente rudimentaria y falta de personalidad. Sólo la mencionada sorpresa final argumental, por original y arriesgada —aunque no tuvieran el valor de desarrollarla— salva a la película de ser un completo bodrio.

Un remake mal entendido

Pero las malas películas de Sci-Fi no se reducen sólo a films baratos, muchos de ellos desconocidos, no. También en las grandes producciones, sobre todo en las grandes producciones, se mete la pata hasta el fondo. Tal vez piensan que un gran presupuesto que permite vestir al film con una ensalada de efectos visuales llega para despistar al espectador. Es el caso de ‘Ultimátum a la tierra’, versión 2008, en la que se reescribe a la época actual lo narrado en el gran clásico de Robert Wise. Lo cierto es que el film de 1951 es muy bueno, pero algunos de sus elementos podrían haberse mejorado en la actualidad sin ningún problema, por ejemplo, sus efectos visuales. La versión actual goza de unos estupendos efectos visuales, pero lo curioso del asunto es que éstos carecen de fuerza por la desfachatez de la propuesta, su mal desarrollo y su peor desenlace.

En el film de Derrickson un extraterrestre llega a la Tierra para lanzarnos un ultimátum, como nos hemos portado muy mal con nuestro hogar van a exterminarnos pues no tenemos salvación como especie, y el inicio del film no está mal, creando incluso cierto suspense sobre la figura del alien. Pero ahí se acaba absolutamente todo, Derrickson no es capaz de sostener el interés ni un minuto más y todo se desmorona de forma harto previsible, aburrida y alcanzando niveles de una ridiculez increíble. Baste la observación final del extraterrestre, cuya decisión de salvarnos en el último momento viene dado por una estupidez muy gorda en el argumento —si llevan tiempo observándonos, ¿me voy a creer que nunca han visto amor entre nosotros?—, que tira por tierra la seriedad del tema por muy trascendentes que se pongan.

Ni siquiera los ojazos de Jennifer Connelly llegan para salvar la función, pues a la actriz se le nota totalmente perdida con un personaje sin ninguna posibilidad. A su lado, llama la atención el hecho de ver a Keanu Reeves en un papel que todos pensábamos le quedaría como anillo al dedo, pero no, el actor es tan rematadamente malo que ni siquiera sabe ser inexpresivo, algo que Michael Rennie hacía a la perfección el film original. Y como tercero en discordia, Jaden Smith, que va camino de convertirse en uno de los actores infantiles más insoportables de toda la historia del cine. Muchas caras conocidas, a las que hay que añadir la de Kathy Bates, y muchos efectos visuales de poderosa sensación déja vú, uno ya está harto de ver el fin de la humanidad en aparatosas, que no espectaculares, escenas en las que vemos ciudades enteras destruyéndose. Sólo faltaba una ola gigantesca.

Otra crítica en Blogdecine:

• Ultimátum a la Tierra sin memoria

Pareja en la vida real, Jennifer Connelly —los ojos más impresionantes del cine actual— y Paul Bettany protagonizan ‘Creation’, de la que aquí os traemos su original cartel. En ella se nos narra las circunstancias que llevaron a Charles Darwin a desarrollar la teoría de la evolución, y escribir su famosa obra ‘El origen de las especies’, al mismo tiempo que luchaba contra las fuertes creencias de su esposa. Bettany da vida a Darwin, y Connelly a su mujer Emma. Otros componentes del reparto son Toby Jones y Jeremy Northam, y el film se estrena en los USA el próximo 22 de enero.

Aunque yo tengo muy claro que procedo de un mono y no de una costilla, el tema es de potencial interés, pero ya veremos cómo se las arregla Jon Amiel para ponerlo en imágenes, pues este tipo es el mismo responsable de cosas como ‘Sommersby’, ‘Copycat’ o ‘La trampa’, por lo que no podemos fiarnos ni lo más mínimo. El guión, basado en la obra de Randal Keines, es de John Collee, autor de los libretos de films como ‘Master & Commander’ y ‘Happy Feet’, por lo que aún hay esperanza.

Dicen que un buen guión no lo estropea un mal director, ¿no?

Vía | Impawards