A principios de junio os hablé de los nuevos rodajes que tenía previstos en su agenda el señor Bradley Cooper, uno de los intérpretes más cotizados del momento. Mientras se filma ‘The Place Beyond the Pines’ (en la que comparte protagonismo con Ryan Gosling), ya ha aparecido en la red una primera imagen oficial de ‘The Words’, en la que vemos al actor acompañado por Zoe Saldana. A pesar de la envidiable situación en la que se encuentra, el personaje al que encarna Cooper parece estar preocupado, con la mente en otra parte…

Y es que la trama de ‘The Words’ (‘Las palabras’) gira en torno a un escritor que se encuentra en la cúspide en su carrera, vendiendo libros como rosquillas, cuando otro hombre le acusa de haber plagiado el trabajo en el que se basa todo su éxito. Brian Klugman y Lee Sternthal (‘Tron: Legacy’) firman el guion y se han ocupado de la puesta en escena, siendo su debut como directores. Jeremy Irons, Dennis Quaid, Olivia Wilde, Ben Barnes, John Hannah, Nora Arnezeder y J.K. Simmons completan el atractivo reparto de este thriller que tiene previsto su estreno en 2012.

PD: A Dan Brown lo acusaron de plagio y no pasó nada. Esperemos que esto sea más entretenido.

Vía | ComingSoon

Los días que pasé contigo fueron los únicos en los que he existido realmente.

(Song Liling)

Mientras se desarrollaba el rodaje de la imposible adaptación de ‘El almuerzo desnudo’ (‘Naked Lunch’, 1991), David Cronenberg comenzó a discutir con el productor Jeremy Thomas la realización de otro apasionante reto, llevar a la gran pantalla la novela ‘Crash’ de J.G. Ballard. Sin embargo, no fue ése el siguiente trabajo del cineasta canadiense. Se encontraba lleno de energía y deseaba lanzarse cuanto antes a dirigir otra película, una que no necesitara tanto tiempo de pre-producción ni otra problemática búsqueda de financiación. Y se encontró con el proyecto de trasladar al cine ‘M. Butterfly’, una exitosa obra de teatro escrita por David Henry Hwang, que al parecer fue ofrecida en primera instancia a Peter Weir. Tal como desvela Cronenberg en el único “extra” que incluye la edición de la película en DVD, la historia le cautivó especialmente al descubrir que estaba basada en hechos reales, y se reunió con el productor David Geffen para convencerle de que él era el director apropiado para el puesto.

Geffen, al igual que todos los no conocen de verdad la obra de Cronenberg, no entendía qué interés podía tener el director de ‘La mosca’ (‘The Fly’, 1986) en el texto de Hwang, así que el canadiense tuvo que hacer un ejercicio de introspección y explicarle por qué se sentía atraído por ‘M. Butterfly’. Vista la película, resulta bastante evidente; la identidad, la metamorfosis, la construcción de una realidad alternativa, la ambigüedad sexual… son elementos que podemos encontrar en otros relatos “cronenbergianos”. Geffen quedó convencido y dejó la película en sus manos. Se rodó en 1992, en localizaciones de China, Hungría y Francia para las escenas exteriores, y en Canadá para las interiores, y se estrenó en 1993 tras ser presentada en el festival de Toronto. No obtuvo el éxito esperado y hoy es uno de los títulos más olvidados del realizador. Él culpa a las circunstancias, a que el público tenía muy recientes otras películas de argumentos similares con enfoques más suaves y accesibles. Supongo que eso debió influir, quizá ahora habría obtenido una respuesta más entusiasta, pero sinceramente creo que Cronenberg fue muy ingenuo, su película no es nada comercial y lo más normal es que provocara rechazo. Señal de que lo hizo bien.

No sigas leyendo si no has visto la película.

- Camarada, ¿por qué en la ópera de Pekín los papeles femeninos están tradicionalmente interpretados por hombres?

- No lo sé. Lo más probable es que sea un vestigio de la reaccionaria y patriarcal estructura social.

- No. Es porque solo un hombre sabe cómo debe actuar una mujer.

La historia en la que se basó David Henry Hwang para escribir primero la obra de teatro y luego el guion de la película, tiene lugar en los años 60. Bernard Boursicot, un muchacho francés que trabaja como contable en la embajada de su país en Pekín, conoce a un joven chino llamado Shi Pei Pu, actor de ópera, que hace creer a Bernard que realmente es una mujer disfrazada, porque su padre quería un hijo varón. Ambos inician una relación sentimental que los termina llevando a vivir juntos en París como una familia corriente (Pu simuló haber sido madre cuando Bernard vuelve de un viaje de negocios) hasta que son arrestados por el gobierno francés por haber pasado documentos secretos a los servicios de inteligencia chinos. El caso debió ser todo un espectáculo en su momento: un francés casado con un chino, padres de un misterioso bebé, detenidos por traición… Ninguno de los dos llegó a cumplir la condena impuesta, y no volvieron a estar juntos (Bernard vive todavía aunque intentó cortarse el cuello en la cárcel mientras que su peculiar pareja en esta aventura falleció en 2009). Según Cronenberg, Bernard quedó encantado con su película, no por la fidelidad a los hechos, pues se toma muchas libertades, sino por hacerle revivir la atmósfera y los sentimientos de aquella época.

El director se enfrentaba a una historia que por primera vez en su carrera, no estaba ambientada en el presente y necesitaba de un contexto político muy concreto (necesario para plasmar el turbulento entorno en el que se desarrolla este peculiar romance), así como a un rodaje fuera de Canadá, algo con lo que tampoco había tenido que lidiar antes. Así que fue fundamental para él contar con su equipo habitual de colaboradores, destacando la directora artística Carol Spier (realiza un trabajo insuperable con los interiores), el compositor Howard Shore, el montador Ronald Sanders y el director de fotografía Peter Suschitzky (en su tercera colaboración con Cronenberg). Igualmente pudo conseguir a Jeremy Irons, con quien había trabajado en ‘Inseparables’ (‘Dead Ringers’, 1988), para el papel del diplomático francés, siendo una de las pocas veces en las que Cronenberg ha repetido protagonista; ya que iban a rodar esencialmente en inglés, la elección de Irons fue un rotundo acierto, es capaz de reflejar todo el abanico de emociones y frustraciones que caracterizan al personaje, un hombre gris y apático que se transforma al hallar el amor. La cuestión más complicada era encontrar a Song Liling. Tras considerar la opción de un auténtico travesti, el canadiense se decantó por John Lone, que solo puede pasar como mujer en tomas lejanas (aunque esto supongo que es relativo).

Fue una decisión arriesgada que, según Cronenberg, acabó con las posibilidades comerciales de la película (al margen de que el trabajo del actor es impecable). El público reconocía a Lone en las primeras escenas (o al menos que Song era un hombre) y no podía creerse ni su interpretación ni el romance, considerándolo un error insalvable; buscaban otra ‘Juego de lágrimas’ (‘The Crying Game’), estrenada solo un año antes. Pero el realizador no estaba interesado en algo semejante, no pretendía sorprender a nadie de esa manera. Contaba con que el espectador descubriera enseguida el papel de Lone, su nombre aparece en segundo lugar en los créditos tras el de Irons, y en los carteles solo se destacaba la participación de estos dos intérpretes, nadie más, no hay actriz principal. Cronenberg quería que Song Liling fuese vista en todo momento como una actuación, como una creación, ya que es de lo que se enamora el protagonista, de un hombre que, exclusivamente para él, se comporta como una mujer, una muy concreta a la que idolatra. No le fascina una persona irresistiblemente atractiva (sin duda este enfoque habría tenido más éxito) sino lo que ésta representa; como dice en una escena del final de la película, René Gallimard (alter ego de Bernard) amaba a una mujer creada por un hombre.

En la escena del juicio (organizada como si se tratase del penúltimo espectáculo teatral), cuando se pregunta cómo es posible que René no descubriera el engaño, Song responde que nunca llegó a desnudarse, y que en cuanto al sexo, inventó unas costumbres supuestamente ancestrales que le permitían ocultar su entrepierna (hay un contraste muy claro entre el comportamiento reservado de Song y la vulgaridad de la mujer occidental que se entrega fácilmente, siendo esto último desagradable para René). Los allí presentes intentan hacerse una idea de la relación de una forma convencional, superficial, sin entender la complejidad de la fantasía que han vivido estos personajes. Porque René se enamoró de una representación, su amor era solo una ilusión. Como en otros relatos “cronenbergianos”, las alteraciones que alteran el cuerpo afectan también a la identidad y por tanto a su sexualidad; a pesar de su actuación seria y confiada ante los demás (el enlace con el partido, la criada, la justicia francesa), con el tiempo Song también ha llegado a creerse su mentira, a sentirse realmente en la carne de esa mujer ideal que creó para René. No entiendo cómo alguien puede decir que este film no encaja en la obra de Cronenberg, quizá si en lugar de un chino fuese una enorme oruga… Pero la transformación definitiva tiene lugar en la última secuencia: René, traicionado, humillado, abandonado, se presenta ante sus compañeros de celda con el maquillaje, la ropa y la pose de “Madame Butterfly”, esa fantasía que había amado y sin la cual no puede vivir. De nuevo, la tragedia irrumpe en el cine del canadiense.

Un aspecto muy interesante de ‘M. Butterfly’ es el juego que se establece con ‘Madama Butterfly’, la famosa ópera de Puccini, representada hasta en tres ocasiones en el film de Cronenberg, con formas y efectos muy diferentes; la primera vez, en una modesta representación en Pekín, une a los protagonistas, la segunda, en un edificio más lujoso de París, muestra a René echando de menos a Song, y la última, en el deprimente escenario de la cárcel, sirve de catarsis y despedida. La historia de la ópera habla de una japonesa obligada a casarse con un estadounidense, al que, según su particular código, debe y aprende a amar con devoción; sin embargo, el hombre no estaba realmente interesado en ella, y se marcha a su país poco después de consumar el matrimonio. La mujer espera su regreso e incluso rechaza un compromiso con un príncipe que la pretende, para acabar descubriendo la verdad, que no había sido amada, que todo había sido un engaño. Lo curioso aquí es que, a priori, se mantienen los papeles de este falso romance entre una oriental y un occidental, pero lo que vamos descubriendo es que conforme avanza la película, se fusionan y al final se intercambian los papeles; a mujer asiática se convierte en un hombre occidental que traiciona a su amante, un hombre occidental que se ha transformado en una mujer asiática, que exclama “es mejor morir con amor que vivir con deshonor”, antes de ejecutar un haraquiri.

He ahí otra de las características más llamativas de la película, la mezcla de culturas, como peligro y como deseo, y la visión estereotipada que se tiene desde fuera. Parece ser que en el texto original había más elementos que subrayaban los tópicos a los que recurrimos los occidentales cuando retratamos las culturas orientales, pero Cronenberg quiso restarle importancia para centrarse en lo que consideraba más importante, la distorsionada “realidad” en la que se sumerge René, en la que es crucial su creencia de que está siendo aceptado en una cultura asombrosa de la que desea formar parte, pues la suya parece en declive, acabada y aburrida. Hay dos detalles que me parecen impagables; uno es ese picnic junto a la mismísima muralla china (en ‘El almuerzo desnudo’ bromean con que los norteamericanos van al extranjero a comer hamburguesas) y el otro es cuando regalan a René una libélula, y él se la queda, como un símbolo del cambio que se está originando en su interior. Bellísima, intensa, cruda, turbadora, ‘M. Butterfly’ es uno de los trabajos más atrevidos y logrados de Cronenberg, con una reflexión extraordinaria sobre el modo en el que se construye una relación íntima con otra persona, cómo podemos elaborar y entregarnos a nuestra propia fantasía compartida (que a ojos de los demás puede resultar imposible o ridícula), resultando tan terrible cuando esa ilusión termina, y es hora de enfrentarse a la fría y amarga realidad.

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

‘Vinieron de dentro de…’

‘Rabia’

‘Fast Company’

‘Cromosoma 3’

‘Scanners… su solo pensamiento podía matar’

‘Videodrome’

‘La zona muerta’

‘La mosca’

‘Inseparables’

‘El almuerzo desnudo’

Alguien tendrá que pagar…

Hay muchas maneras de llamar la atención hacia el cartel de una película (aquí hay una) pero si cuentas con un amplio reparto de rostros conocidos, y un puñado de estupendos actores como garantía, la tarea es muy sencilla. Jeremy Irons, Kevin Spacey, Stanley Tucci, Paul Bettany, Demi Moore y Zachary Quinto (se ha hablado mucho de los dos últimos recientemente, por motivos que nada que tienen que ver con el cine) se agolpan en el sobrio póster español de ‘Margin Call’, quedándose fuera otros como Simon Baker, Penn Badgley y Mary McDonnell, que aun así también aparecen citados, debajo de un enigmático eslogan que puede despistar a muchos espectadores, llevándoles a creer que van a ver un thriller sobre algún tipo de venganza, cuando lo de pagar hay que entenderlo literalmente. Va de banqueros tratando de salvar el culo, que no os engañen.

Escrita y dirigida por el debutante J.C. Chandor (menuda suerte filmar tu ópera prima con estos intérpretes), ‘Margin Call’ es un tenso drama ambientado en el mundo de las finanzas y centrado en las 24 horas previas al inicio de la crisis financiera que estalló en 2008. Es uno de los estrenos más potentes del año, y llega a nuestros cines el próximo viernes, ocho meses después de que fuera presentada en el festival de Berlín, donde tuve la oportunidad de verla (así como de asistir a la rueda de prensa con el director y algunos de los protagonistas). Podéis leer el artículo que escribí entonces, ahora mismo lo que recuerdo es que me sorprendió la manera en la que Chandor lograba mantener el interés en todo momento, a pesar de las dificultades que supone narrar una historia de este tipo, y que se sentían muy cercanos y auténticos todos los personajes, resultando una película muy sustanciosa y entretenida. Espero que vosotros encontréis algo similar, por el tráiler parece que el doblaje no ha arruinado completamente las interpretaciones, aunque por supuesto lo recomendable es verla en versión original. Ya me contaréis.

PD: El único trabajo previo de Chandor era un corto titulado ‘Despacito’ (2004), con Will Arnett, Jose Araujo y Jack Gwaltney. No he podido encontrarlo, ¿alguien lo ha visto?

Vía | Elseptimoarte

“Al instrumento no le ocurre nada, es el cuerpo. ¡El cuerpo de la mujer está completamente mal!”

Beverly Mantle (Jeremy Irons)

Parece ser que en su momento causó sorpresa que David Cronenberg dirigiera ‘Inseparables’ (‘Dead Ringers’, 1988), justo después de ‘La mosca’ (‘The Fly’, 1986), llegándose a decir que el canadiense estaba abandonando el (infravalorado) terror fantástico para adentrarse en el “mainstream”, en un cine más accesible a todo el mundo, como si buscase mayor reconocimiento. Desde luego, no hay en la película una criatura monstruosa como “Brundlefly” o alguien con las extraordinarias habilidades de los “scanners”, pero, como el propio realizador ha manifestado alguna vez, sí que hay cierta atmósfera de terror y matices de ciencia-ficción en ‘Inseparables’, un relato tenebroso y enfermizo que solo podía llevar su firma. Ya lo he comentado anteriormente, Cronenberg no se mueve entre géneros, y da igual la trama, él narra a su manera, introduciendo elementos e imágenes que le resultan interesantes, proporcionando a sus trabajos un enfoque singular.

Quizá lo que puede llegar a despistar al espectador de ‘Inseparables’ es que la historia está inspirada en hechos reales, no parte de un argumento ficticio o una idea original del cineasta. Así es, los gemelos Mantle existieron, aunque verdaderamente su apellido era Marcus. En 1975, la policía encontró a los cadáveres de los dos hermanos en el suelo de su apartamento, rodeados de basura; los Marcus eran ginecólogos centrados en el tratamiento de la fertilidad que cayeron en la adicción a las drogas, como los personajes a los que da vida Jeremy Irons. A Cronenberg le resultó interesante una novela basada en la escandalosa vida de estos hermanos, ‘Twins’ (1977), escrita por Bari Wood y Jack Geasland, y quiso llevarla a la gran pantalla a principios de los 80. Sin embargo no fue hasta 1988, después de estrenar otras tres películas, y una vez resultas numerosas discusiones con los productores, cuando por fin se consiguió financiación y pudo dar comienzo el rodaje de uno de los trabajos más recordados, oscuros y perversos, de David Cronenberg.

Desde el mismo arranque de ‘Inseparables’ (incluyendo unos extraños títulos de crédito, en los que la música de Howard Shore parece empeñada en esquivar toda clasificación, aportando una primera y confusa información sobre el relato que vamos a ver), Cronenberg se desmarca de lo que podría haber sido una dramática y convencional (y premiable en los Oscars) adaptación de un relato inspirado en hechos reales, y nos adentra en su mundo, en su manera de filtrar la realidad, centrándose en dos seres que en cierta manera son monstruos de la naturaleza, dos personas aparentemente idénticas; dos criaturas anormales, especiales, que desde la infancia comprueban que poco tienen que ver con el resto de la gente, más allá de las apariencias. Es muy interesante y divertida la primera secuencia (iniciada con un travelling muy similar al que abrirá ‘Una historia de violencia’), con los Mantle aún siendo niños, pidiendo a una vecina que participe en un experimento sexual bajo el agua; la negativa de la niña (cuya respuesta termina siendo más perturbadora que la propuesta, al presumir de conocimientos sexuales), que los llama “freaks”, hace que se tengan que conformar con juguetes.

El breve viaje por el pasado de los Mantle, valioso para entenderlos antes de que estallen los conflictos de la trama, se completa con otro segmento que tiene lugar durante su etapa universitaria (muy temprana la presencia de Irons), donde ya pueden experimentar con cadáveres y donde se inicia la separación de roles que continuará en su madurez, como resultado de la diferente personalidad de cada uno (ya en la primera secuencia se veía que uno era más extrovertido, y no puede ser casual que se tratara del más alto). Precisamente, la cuestión central de ‘Insperables’ es la identidad (¿hasta qué punto estamos condicionados biológicamente?, ¿cómo nos transforma compartir la vida?), lo que para los Mantle resulta especialmente relevante; Cronenberg juega con nuestros prejuicios y el deseo por diferenciarlos, por encontrar la individualidad, algo que se convertirá en una obsesión para uno de los protagonistas, que ama y odia a su hermano; necesita separarse de él, pero, como rendido a su naturaleza, no puede escapar a la unión. Una mujer irrumpirá en la vida de los hermanos, agravando y acelerando su problemática relación.

La aparición de ese tercer personaje principal, una famosa actriz en horas bajas (encarnada por Geneviève Bujold) que busca desesperadamente ser madre, nos adentra en la etapa madura de los Mantle, con uno de ellos, Beverly, centrado en el trabajo médico, en las pacientes (por fin pueden operar en seres vivos), y el otro, Elliot, ocupado en la dirección de la clínica y la obtención de fondos. Pronto descubrimos que los gemelos acostumbran a intercambiar sus identidades o incluso aparentar que solo existe uno de ellos; así es como Elliot, seductor y cínico (en cierta manera, el macho), consigue las mujeres con las que luego se acuesta Beverly, quien cierra el ciclo narrando a su hermano sus encuentros privados, como si así ambos hubiesen estado allí (hay una escena que representa esta idea: los hermanos bailando con la pareja habitual de Elliot, formando un trío donde las manos se pierden sensualmente entre los cuerpos). Ellos siempre han compartido todo, separados del resto (Cronenberg quería que la vivienda de los hermanos recordase a un acuario apartado del mundo), pero entonces Beverly se enamora y decide que quiere unirse a otra persona.

Sin embargo, el tormentoso proceso de separación, con la drogadicción y el deterioro físico y psicológico (de nuevo el apartamento es una extensión de los personajes, cada vez más caótico), los acerca aún más, hasta el punto de que es imposible diferenciarlos si no se mencionan sus nombres. Imposible no destacar la formidable actuación de Irons, que gracias a un inteligente uso de los efectos especiales, da vida con absoluta convicción a los Mantle (un apellido cuya pronunciación se asemeja a la de “mental”, en español “loco” o “desequilibrado”), logrando con mínimos gestos y detalles que sea posible diferenciarlos, siempre de manera realista, creíble. Como ya hizo anteriormente, Cronenberg emplea la excusa de las pesadillas para incluir situaciones inquietantes o desagradables; aquí convierte a los Mantle en hermanos siameses que son separados de manera un tanto primitiva, repitiendo uno de los momentos más famosos de ‘Cromosoma 3’ (‘The Brood’). Otra imagen que llama mucho la atención de ‘Inseparables’ es el atuendo rojo con el que se viste a los cirujanos, enrareciendo las incómodas escenas del quirófano.

Valorando el conjunto, creo que Cronenberg no está muy acertado sintetizando el material del que dispone (el guion, basado en el best-seller de Wood y Geasland, lo firman Norman Snider y el propio director), recurriendo a demasiadas elipsis y secuencias muy directas, que no dejan que repose el relato y se asimilen mejor los cambios que llevan a la destrucción de los hermanos (por cierto, vuelve a recurrir a la forzada situación del protagonista celoso para llevarlo a cruzar un umbral que lo llevará al desastre), mientras que por otro lado se detiene en detalles o escenas poco relevantes (como la discusión de la actriz por el vestuario) y se subrayan asuntos ya tratados (la debilidad de Beverly), lo que provoca algunos bajones de interés a lo largo de casi dos horas, que acaban resultando algo pesadas. No lo considero uno de los trabajos más redondos ni fascinantes de su director, pero la peculiar e interesante propuesta, el impecable trabajo interpretativo, la elegante puesta en escena y los elementos “cronenbergianos” (esos instrumentos para operar a mujeres mutantes…) convierten a ‘Inseparables’ en un plato inusual y sustancioso.

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‘Stereo’

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‘Rabia’

‘Fast Company’

‘Cromosoma 3’

‘Scanners… su solo pensamiento podía matar’

‘Videodrome’

‘La zona muerta’

‘La mosca’

No había visto ‘Eragon’ cuando se estrenó en cines ni cuando apareció en DVD, así que, este fin de semana, me quedé a verla al comprobar que la emitían por televisión. El motivo de haber pasado de ella en su estreno cinematográfico y su lanzamiento doméstico, era, lógicamente, que había leído y escuchado que no tenía demasiada calidad. Aun así, esperaba que funcionase algo mejor en varios aspectos: que fuese algo más entretenida y que se decantase más hacia un tono oscuro de fantasía, reservada únicamente a lo seguidores acérrimos del género, en lugar de ser accesible para cualquiera, especialmente para la gente menuda.

Estoy segura de que, tras este titular, no hace falta decir más para que se sepa con qué película estoy comparando ‘Eragon’. Por mucho que desee escribir una crítica que hable exclusivamente del título que nos ocupa, me resulta imposible evitar equipararla a ‘El señor de los anillos’ para comentar cada uno de los aspectos de su desarrollo narrativo y de su realización. Y es que la mejor forma de demostrar lo que no está bien hecho aquí es señalar el lugar donde sí se ha conseguido, especialmente cuando se parte de materiales tan similares.

Siempre me ha gustado decir que el guion es lo importante en una película y que la forma en la que se dirige es secundaria. Se demuestra que erraba con esta comparación –así como en tantas otras ocasiones–, cuando la forma en la que Peter Jackson rueda las arengas, las huidas, las peleas, los encuentros… hace que cobre una dimensión épica que, en manos de otros cineastas, está completamente ausente. Podría parecer que lo necesario está incluido en el guion de ‘Eragon‘, pues se plantean incluso los preliminares de la batalla y se menciona su importancia con insistencia, para aumentar el impacto del clímax de esa lucha. A pesar de eso, lo que Jackson inundaba de emoción sobrecogedora aquí se queda en nada. No hay mejor prueba del excelente trabajo del neozelandés detrás de las tres entregas de la adaptación de Tolkien que ver otros films de fantasía teóricamente semejantes, en los que no se produce ni el 1% de la palpitación e implicación que suscitan las tres partes de ‘ESDLA’.

La facilidad con la que se derrota a los enemigos, la simplicidad con la que son abatidos los héroes, la comodidad con la que se rescata a las damas, la rapidez con la que se ganan las batallas, la inmediatez con la que se alcanza el lugar buscado, la tranquilidad con la que se afrontan las dicotomías… todo es tan fácil en ‘Eragon’, que no hay enganche para saber si se resolverán estos obstáculos. Que la dragona hable tiene como menor problema su posible efecto de ridículo, pues lo peor de esta opción es que lo hace todo todavía más sencillo: no quedan incógnitas ni preguntas que nos impulsen a ver más allá, todo está dicho y resuelto desde muy temprano.

No existe, por otra parte, dilema moral o lucha interna que convierta esta aventura en algo mucho más complicado que un simple viaje tortuoso. En este aspecto no se trata de una diferencia en la forma de rodar y montar la película, sino del contenido. El libro de Christopher Paolini no es que esté dirigido a niños, lo cual es muy respetable, es que es infantil en un sentido nada positivo del término. Los conflictos de Tolkien no sólo eran más difíciles de acometer, sino también más profundos y cósmicos.

Le ocurre a ‘Eragon’, asimismo, lo que ya he comentado muchas veces sobre las películas pensadas para inaugurar franquicias. La presentación de personajes, elementos y reglas particulares de ese mundo de ficción se hace muy extensa, con la intención de que eso tenga un valor a largo plazo, es decir, en sucesivas entregas. Sin embargo, la cinta por sí misma queda descompensada, cargada en exceso de diálogos, de explicaciones, de consejos y otros momentos aburridos para los que no hay recompensa suficiente con la escasa acción del final. Si, además, le añadimos la desgraciada circunstancia de que el éxito de taquilla no fue suficiente como para motivar las continuaciones, el film resulta todavía más amorfo.

La labor de Stefen Fangmeier nos haría pensar en una factura barata y de un acercamiento cutre con bajas pretensiones. Sin embargo, encontramos efectos especiales más que solventes –al menos, vistos en televisión– en la eclosión del huevo de la dragona y todo su movimiento y vuelo posteriores y nombres de categoría en el reparto: Jeremy Irons, Robert Carlyle o John Malkovich –este último con un personaje que no hace nada, pues puede que rodase su papel en una jornada, y que se deja claramente para la segunda parte–. Así que habrá que concluir que la falta de dinero no fue la culpable (se hablaba de un presupuesto de 100 millones de dólares).

Edward Sleepers, en el papel que da título al film, no aporta a la película la épica que le falta, en todo caso, restaría emoción y credibilidad, si las hubiese de partida. El papel que se asigna a Sienna Guillory, quien sí podría haber servido de refuerzo a la película, consiste en permanecer tumbada y enferma casi toda la duración, con lo que decir que es un cero a la izquierda es quedase corta. Pero es que ni esos actores tan buenos y reputados que se mencionan antes –entre los que hay que incluir a Djimon Hounsou– elevan la temperatura en ninguna ocasión. Como han demostrado las películas de Uwe Boll, cualquier actor se puede dirigir mal o puede estar en el rodaje absolutamente ignorante de su personaje o de la trama, figurando para llevarse posteriormente el cheque. Y, claro, ya que mento al diablo y hago la comparación con Boll, diré que sus prefiero sus películas a cosas como esta, pues, aunque sean todavía peores y, en el caso de ‘En el nombre del rey’, igual de plagiarias; al menos permiten una diversión basada en la risa y el despropósito. ‘Eragon’ es sosa hasta para disfrutarla como cine malo.

En definitiva, ‘Eragon’ es una película demasiado simple y que parece que solo pueda contentar a un público infantil. Sabiendo incluso que se trataba de un pastiche de plagios, esperaba algo más de ella. El material literario del que parte probablemente no sea excelente, pero la puesta en imágenes que se ha hecho del libro no ha favorecido nada la narración que se sitúa detrás. Carece de la emoción, de la épica y de la implicación que serían necesarias para entrar en este tipo de fantasía. Y estos mundos, contemplados de forma ajena y distante, solo pueden resultar risibles.

Mi puntuación:

Irons: “Lo peor fue trabajar con Kevin Spacey”.

Spacey: “¡Él no se sabía los diálogos!”

Siguen llegando estrellas a la Berlinale 2011. Si ayer tuvimos la oportunidad de asistir a una rueda de prensa con los hermanos Coen y los protagonistas de la poderosa ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010), hoy, en la segunda jornada, todo giraba en torno a la visita del espectacular elenco de otra película estadounidense, ‘Margin Call’ (2011), la primera de la sección competitiva que se ha proyectado en Berlín (la anterior se presentaba fuera de concurso); Jeremy Irons, Kevin Spacey, Paul Bettany y Zacary Quinto juntos en la misma sala. Un lujazo.

Sobre la avaricia y la moralidad

En una escena de la ingeniosa y tensa ‘Margin Call’, que nos devuelve al año 2008, justo antes de que estalle la crisis financiera, el directivo interpretado por Simon Baker intenta hacerse una idea de lo que está a punto de ocurrir, no solo en su empresa sino en todo el planeta, para calcular las posibles soluciones, y sin terminar de creérselo del todo, suelta en voz alta un pensamiento: “Esto parece un sueño”; otro ejecutivo al que da vida Kevin Spacey le responde de inmediato: “No, creo que acabamos de despertarnos”. En más de una ocasión, el afortunado debutante J.C. Chandor, director y autor del estupendo guion, incide en la idea de un despertar. El de los depredadores que estaban ganando una salvajada, que se sentían los reyes del mundo, y que en un instante descubren que han matado a la gallina de los huevos de oro, que se les ha acabado el chollo. Mientras la firma se prepara para el hundimiento, y los jefazos traman un auténtico saqueo el personaje de Spacey llora por la inminente muerte de su amado perro, enfermo de cáncer. No creo que haga falta explicar el simbolismo.

‘Margin Call’ comienza con el despido de Eric Dale (Stanley Tucci), el jefe del departamento de previsión riesgos de una importante entidad financiera, al que tratan de una manera rastrera, inhumana, como si fuera un objeto que ya no sirve. Antes de abandonar el edificio, Dale deja un pendrive a uno de sus empleados, Peter Sullivan (Zachary Quinto), el único que se muestra afectado por su marcha, para que continúe un importante análisis que estaba llevando a cabo. Mientras sus compañeros se van de copas, Sullivan decide emplear la noche de un viernes (casualidad) para terminar el trabajo de su exjefe y lo que descubre es el abismo al que se dirige la compañía (y todas las demás dedicadas a la inversión); o en palabras de otro de los personajes, anticipa la llegada del silencio, del fin de la música.

Relato coral, apoyado en un sólido guion y un reparto extraordinario, ‘Margin Call’ es el emocionante retrato de las horas desesperadas que viven unos lobos que entran en pánico, y que deben decidir qué y quién se sacrifica para poder sobrevivir. Un film muy crudo, y crítico con el sistema capitalista. Desde su mismo arranque se representa a (casi todos) los protagonistas como seres egoístas, solitarios y avariciosos, que ganan tanto dinero que no saben qué hacer con él, pero que aun así, lo desean, y cuanto más, mejor, siendo irrelevante a quién perjudique, porque es un juego de supervivencia, y gana el más fuerte. Dicho esto, Chandor no ha escrito personajes simples, tienen alma, son cercanos, creíbles, y claro, están interpretados de manera inmejorable, por lo que no les deseas ningún mal (al menos a los personajes principales), aun siendo los “malos”. Punto flaco de ‘Margin Call’: dura demasiado, se dan demasiadas vueltas sobre los mismos puntos para subrayar las ideas que se quieren transmitir. Aun así, una película notable.

Rueda de prensa de ‘Margin Call’

La rueda de prensa estuvo marcada por el buen humor, pese a que se habló de la crisis, la avaricia y la moralidad (o falta de ella). Por fortuna, aunque hubo alguna pregunta tonta (inevitable), el encuentro resultó más interesante que el de la jornada anterior. El primero en intervenir fue Zachary Quinto, que apenas habló después, siendo eclipsado por sus otros compañeros, visiblemente más experimentados y relajados. El actor, al que le recordaron su trabajo en ‘Star Trek’ (2009), explicó cómo llegó a involucrarse en ‘Margin Call’, que es además su primer film como productor. “Unos amigos comunes me hablaron del proyecto, leí el guion, me gustó y a partir de ahí fue una sucesión de acontecimientos”, respondió, “es todo un honor haber participado y estar hoy aquí en Berlín presentando la película”.

Enseguida se empezó a preguntar por la humanidad de algunos de los personajes, por la visión de Chandor de los responsables de la crisis financiera. Spacey se hizo con el micrófono y dijo que habían intentado eliminar “lo malo”, presentando a los personajes como “gente normal con empleos normales que siguen órdenes”. El realizador le siguió cuando alguien planteó la avaricia de los banqueros e inversores; “No son más avariciosos que el resto, Estados Unidos es un país de avaricia, toda la cultura va enfocada a eso, y de ahí que falle… hablar de maldad es absurdo, no soluciona nada”. Bettany, tras un par de bromas (con una actitud muy similar a la de Brolin ayer), dijo que la gente puede llegar a ser muy hipócrita, que en el fondo todos intentan lo mismo: hacer el mayor dinero posible.

Irons se ganó los mayores aplausos de la rueda de prensa, si bien creo que se malinterpretaron sus palabras. Lo comento porque he leído en varios sitios que el actor acusó a los bancos de falta de moralidad y que por eso el sistema falla. No fue eso lo que dijo. Sí habló de falta de moral, pero para decir que es algo normal, que no tiene cabida en el mundo de las finanzas, tal como se ve en el film; sin embargo, añadió, seguimos haciendo juicios morales, porque lo necesitamos. Bettany le siguió al decir que como actores no juzgan a sus personajes, solo los interpretan. Un periodista le preguntó cómo había sido capaz de interpretar tan bien a su personaje, logrando que no resultara odioso; Spacey contestó por él diciendo: “Porque es un gran actor, hace muy bien su trabajo”. Tras las risas, Bettany intentó responder, pero no supo, y soltó una de las perlas del día: “La interpretación es como el sexo, es genial hacerlo, pero no hablar de ello”.

Otra cuestión fue sobre cómo está afectando la crisis al cine. Spacey respondió lo que ya sabemos, que es más difícil hacer películas ahora, y que los estudios no quieren arriesgarse. Aclaró que las películas independientes lo tienen muy complicado porque además de contar con menos copias, los cines las retiran a las dos semanas si no tienen buena taquilla. “No estoy en contra de las franquicias, pero por cada una estaría bien que lanzaran diez películas independientes”, sentenció. Por último, me llamó la atención una reflexión del director sobre lo que considera la mayor tragedia del capitalismo. Chador comentó que las empresas financieras se esfuerzan mucho por captar a los estudiantes más brillantes, que pronto quedan atrapados por las jugosas ofertas económicas; hasta que en algún momento resultan inútiles y son despedidos para ahorrar costes o desplazados por otros más jóvenes. Mantiene que todos hablan de un vacío en sus vidas, cómo ese trabajo les quitó tanto tiempo y tantas oportunidades. Todo por el dichoso dinero.

JL Caviaro, 11 de febrero, Berlín.

Quedaos con este título: ‘Margin Call’. El actor Jeremy Irons, siempre una buena razón para acercarse al cine, es la última y lujosa incorporación del drama ‘Margin Call’, actualmente en su tercera semana de rodaje. Irons, que interpretará al director de la importante entidad financiera sobre la que gira el film, encabezará un estupendo reparto en el que también figuran Zachary Quinto, Kevin Spacey, Paul Bettany, Demi Moore, Stanley Tucci, Simon Baker y Mary McDonnell (a quien nunca olvidarán los fans de ‘Battlestar Galactica’). No está nada mal, ¿eh?

‘Margin Call’ es el primer largometraje que dirige J.C. Chandor, autor también del guión. La historia de la película transcurre en un banco de inversiones de Nueva York durante unas frenéticas veinticuatro horas, en medio del colapso de Wall Street en 2008. La premisa suena interesante, y si hay tantos actores conocidos en el reparto es de suponer que el guión es bueno… O eso espero. Por el momento no hay fecha para el estreno, pero debería estar lista para principios de 2011. O finales de este año, si aspiran a colarse en los Oscars.

PD: Si os lo estáis preguntando, ‘Wall Street: El dinero nunca duerme’ se estrena en España (¡por fin!) el próximo 8 de octubre.

Vía | Deadline

Mañana viernes, día 27, llega a los cines españoles ‘La pantera rosa 2’, así que aquí os dejo el trailer español y dos posters, por si estáis interesados. Yo no vi la primera parte y dudo mucho que vaya a hacerlo en un futuro próximo, a menos que me digáis que es una buena comedia y que está a la altura de la original que protagonizó el gran Peter Sellers en 1963. ¿Es así?

El cómico Steve Martin vuelve a ponerse en la piel del torpe inspector Jacques Clouseau, en esta secuela que gira en torno al robo de un importante tesoro; el inspector jefe Charles Dreyfus pondrá a Clouseau al frente de un equipo de detectives internacionales para tratar de encontrar al ladrón y su botín. Cabe destacar que Martin está muy bien acompañado en el reparto, que incluye a gente como Jean Reno, Emily Mortimer, Jeremy Irons, Andy Garcia, Aishwarya Rai, Alfred Molina y John Cleese, que sustituye a Kevin Kline como el jefe Dreyfus.

No es el único reemplazo, Howard Zwart también se incorpora como novedad, sustituyendo al director de la primera parte, Shawn Levy. Tras filmar esta segunda parte de ‘La pantera rosa’, que no ha sido el éxito que se esperaba, Zwart se encargará de llevar a la gran pantalla el remake de ‘Karate Kid’, que como ya comentamos, estará protagonizado por el Jaden Smith.

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Pd: La primera parte recaudó unos 150 millones de dólares; esta segunda, menos de 50. ¿Habrá tercera?

Vía | Cineando

A finales de octubre, tuve la suerte de estar paseando, como un turista más, por las lujosas calles de París, mirando de reojo la cartelera de cada cine que me encontraba. Sin poder evitarlo, adicto al séptimo arte que es uno, tenía la esperanza de descubrir algún título realmente interesante, que justificara crear una excepción a (suena mejor que romper) la promesa que le había hecho a mon amour, antes del viaje.

Para mi sorpresa, era muy difícil encontrar algo en inglés. Casi todas las películas estaban en francés. Por un lado, hay una increíble cantidad de estrenos propiamente franceses (lo de España es para llorar comparado con lo que hacen allí), y por otro, en el país vecino también doblan las películas extranjeras, quizá por ese fanatismo hacia su refinada (y empalagosa) lengua. Afortunadamente, hay muchos cines, y en varios proyectan películas en versión original con subtítulos. Así encontré ‘Appaloosa’, que se estrena en España el próximo 21 de noviembre. No pude elegir mejor, estamos ante una de las mejores películas del año.

La película supone el segundo trabajo del versátil y prestigioso actor Ed Harris tras las cámaras, ocho años después de la (digamos) difícil ‘Pollock’. Un segundo trabajo que vuelve a demostrar dos cosas fundamentales sobre este hombre de cine. En primer lugar, que dirige lo que le da la gana, dicho en plata, independientemente de que el proyecto pueda venderse bien o no; rueda la historia que quiere, al margen del público o la taquilla. En segundo lugar, que lo que dirige le sirve para interpretar personajes que le fascinan, por la complejidad de su personalidad. Dice Harris que siempre quiso ser un cowboy. Con su segunda película no sólo interpreta a uno, consigue también dar un paso más como director, explotando al máximo una historia sobre personas (no marionetas, no personajes de cartón) al límite, en un escenario típico de western. Destacar, por cierto, el realismo de la película, sensacional.

‘Appaloosa’ nos cuenta la historia de dos hombres que viajan juntos, aparentemente amigos, y cuyo trabajo es el de imponer justicia allá donde se les contrate. De este forma llegan al pueblo que da título al film, un lugar donde los habitantes viven atemorizados por una banda de pistoleros. Los dos justicieros deberán imponer el orden, pero la llegada de una joven y elegante viuda complica la situación más de lo esperado.

Evidentemente, el reparto protagonista es uno de los puntos fuertes del film. Contar con Viggo Mortensen, Jeremy Irons y el propio Harris como cabezas de cartel es un pequeño gran lujo. Podríamos decir que no es complicado encontrar películas con actores de este nivel, en igual número o incluso más, pero lo que es difícil es que ofrezcan un trabajo que justifique su valía. La mayoría de las veces los productos simplemente contratan nombres, importando poco o nada lo que el actor haga. En ‘Appaloosa’, Harris, Irons y, sobre todo, Mortensen realizan unas interpretaciones soberbias.

Sí, de los tres, me quedo con Viggo Mortensen. Posiblemente, el personaje de Ed Harris sea el más complejo y el más difícil, pero me rindo ante la presencia, el carisma y la integridad del personaje que encarna el señor Mortensen. Podría decirse que repite, en cierto modo, el tipo de interpretación que le ha hecho famoso, ésa que ha ofrecido en películas tan conocidas y respetadas como las tres de ‘El Señor de los Anillos’ o las dos que ha rodado con David Cronenberg, ‘Una Historia de Violencia o ‘Promesas del Este’. Pero sólo es apariencia. El personaje que interpreta para Harris, como los que compuso para Peter Jackson o Cronenberg, tiene entidad propia, su propia personalidad, con una serie de valores que le diferencian del resto.

No me gusta comentar finales ni aspectos relevantes de la trama (a pesar de que en alguna ocasión, sin pretenderlo, se me escapen detalles que puedan ser considerados como tales) en las críticas, ni voy a hacerlo en esta ocasión, pero sí diré algo: cuando empiezan los créditos me dieron ganas de levantarme y ponerme a aplaudir. Rara vez me ocurre, más aún con un año de cine tan mediocre como el actual (y el anterior, y el otro, y el otro, etc.), pero realmente sentí ese deseo. Impresionante, memorable, la secuencia que cierra la película, una lección con la que Harris (como autor de la obra en cuestión) nos golpea en pleno rostro. Tarda en surtir efecto, pero cuando te das cuenta, te ha marcado sin remedio.

A los tres hombres hay que sumar dos mujeres también de sobra conocidas por nosotros, Renée Zellweger y Ariadna Gil, sorprendente presencia que se explica por su trabajo en ‘Alatriste’, donde coincidió con Mortensen; Harris dice que vio una fotografía de ambos y vio que había química entre ellos (no sé qué opinará David Trueba de todo esto). Gil tiene un personaje de escasa relevancia en la película, apenas protagoniza un par de escenas donde conversa con el pistolero que encarna Mortensen, con el que mantiene una sincera y breve relación. La actriz española parece haber entrenado poco su inglés o quizá es que debía hablar así. Es el único elemento extraño en su trabajo, que realiza con absoluta profesionalidad.

También podríamos decir esto mismo de Zellweger, pero la oscarizada actriz (recordemos que premiaron con una estatuilla su interpretación en ‘Cold Mountain’) no encaja demasiado en su rol. Creo que en su lugar se trendría que haber buscado a una mujer de presencia más elegante, de aspecto clásico. Alguien como Naomi Watts, Nicole Kidman o Catherine Zeta Jones, por poner tres ejemplos. Zellweger encarna a una mujer que parece no pertenecer al estilo del pueblo donde llega, es una mujer refinada, que habla bien, que toca el piano y que luce un aspecto deslumbrante. Son apariencias, pero son fundamentales para el desarrollo de la trama. Zellweger no lo hace mal, ya digo, pero creo que otra actriz lo habría hecho mejor.

No quiero acabar este comentario sin aplaudir, esta vez sí, desde este espacio, a Ed Harris por haberse atrevido a filmar esta película. Lo dice el propio cineasta y es por todos sabido, no es fácil hoy día vender un western. Y eso a pesar de que no funcionan mal, sin ir más lejos, el año pasado ‘El Tren de las 3:10’ alcanzó el número uno de la taquilla norteamericana. Pero parece que los estudios ya no quieren este género. Una verdadera pena. La suerte es que aún hay quien pelea por volver a contar historias sobre pistoleros. Aún hay señores inteligentes y talentosos que saben ver que el western es un lienzo amplio donde caben todo tipo de historias. El western se resiste a morir, y los motivos que da para seguir viviendo resultan mucho más convincentes que los que dan otros géneros, muy rentables, muy vacíos.

Enérgica, poderosa, reflexiva, diferente, ‘Appaloosa’ es, sencillamente, una película imprescindible. Por lo menos ahora, el tiempo dirá si se merece una consideración superior (apuesto a que sí). Un regreso al western con los pies en el suelo y la mente lúcida, una película de gran fuerza con todo lo que uno puede esperar: drama, acción, emoción y humor. No os la podéis perder, ya me diréis si al final se os escaparon los aplausos.

Ahora que por fin podéis disfrutar de uno de los mejores westerns del cine reciente, lo cual no es decir mucho dada la cantidad de westerns que se hacen, nos llegan estos nuevos posters de otra película del género cinematográfico por excelencia, ‘Appaloosa’. Como ya sabéis, supone la segunda incursión del excelente actor Ed Harris tras las cámaras, después del coñazo aquel titulado ‘Pollock’.

Los posters son sencillamente geniales, y recuerda un poco a lo que hace Clint Eastwood en los carteles de sus films, personajes cabizbajos o de espaldas con el rostro ladeado (¿No os recuerda un poco a ‘Sin perdón’ o ‘Million Dollar Baby’?). Esperemos que la calidad de la cinta esté a la altura de las expectativas que se están creando alrededor de la película, por lo menos aquí. Harris se reserva, como no, uno de los papeles principales, y el resto son para Viggo Mortensen, Renée Zellweger (puff) y Jeremy Irons. ‘Appaloosa’ se estrena en los USA el próximo 3 de Octubre.

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Vía | Impawards