“Recuerdo a mi madre cuando se estaba muriendo. Se veía encogida y gris. Le pregunté si tenía miedo. Ella sacudió la cabeza. Yo tenía miedo de tocar la muerte que veía en ella. No veía nada hermoso ni noble en su regreso a Dios. He oído hablar de la inmortalidad, pero aún no la he visto.”

-Soldado Witt

Del negro de la pantalla funde a la hipnótica y poderosa imagen de un cocodrilo que, lentamente, se introduce en la marisma, hasta que todo su cuerpo se sumerge en el agua. La música de Zimmer suena como en un templo, y se apaga al sumergirse la bestia. No hay cortes. Encadenado a la jungla: bellísimas y sobrecogedoras imágenes de la naturaleza en estado salvaje. De fondo, las reflexiones filosóficas del soldado Train (John Dee Smith). Comienza la película.

Las primeras secuencias de ‘La delgada línea roja’ nos trasladan, sin el menor complejo ni énfasis, al Paraíso en la Tierra. Eso sí, las palabras de Train nos trasladan un tono existencialistas ineludible: ¿por qué esta guerra en el corazón de la naturaleza? ¿Se enfrenta la tierra al mar? La cámara de Malick penetra con curiosidad en la misma textura de la jungla, suena un coro diríase celestial. En manos de Malick, la vegetación cobra personalidad, como un personaje más, o como el verdadero protagonista o Dios de la creación. Con su cámara los árboles parecen dioses.

La luz del mundo

Desde el mismo comienzo, la luz y la imagen del operador John Toll (fulgurante comienzo de carrera con dos Oscars consecutivos, uno de los pocos que lo ha logrado, por ‘Leyendas de pasión’ y ‘Braveheart’) se muestra un verdadero prodigio. Ya hablaremos poco a poco de la maestría desplegada por este hombre en este trabajo sublime, pero de momento anotar que toda luz es natural, solamente ayudada por algunas sedas y reflectores, y con el negativo expuesto hacia las sombras, aprovechando al máximo las localizaciones de Queensland, Guadalcanal y las islas Solomon, con un uso de los objetivos panavisión como no se recuerda haberse empleado jamás.

Malick vira de la naturaleza a sus habitantes, concretamente los indígenas de las islas Solomon, sobre todo sus niños, que son los primeros en que nos fijamos. Hay algo de documental en estas imágenes, que son como pedazos de vida antropológicamente arrancados del mundo. De ahí a varios planos de ensueño con los niños indígenas buceando en busca de conchas y otros objetos, como ángeles. Estamos en el Paraíso Terrenal, sin duda, y los cánticos se acentúan. Sobre los niños, en falso punto de vista, navega el soldado Witt (Jim Caviezel). El agua y la barca de Witt son dos de los iconos visuales más importantes de este primer bloque. El agua lo será de toda la película.

Witt, sobre la barca, asemeja un hombre entre dos mundos. Con su chapa de soldado está claro que pertenece al ejército. Pero no actúa como un soldado, sino que se parece a un nativo, y parece llevarse bien con ellos. Con exquisito gusto, Malick encadena, no corta, de ese viaje en barca, a un pequeño lago donde los nativos limpian a sus hijos. Pareciera que Malick le señala a su personaje su camino. Pero Witt se encuentra lejos del lago, y lo observa con extrañeza. Este soldado, que parece haber abandonado el ejército y haberse refugiado allí, es un hombre espiritualmente en el filo, que se pregunta sobre la muerte una y otra vez.

Observando a una madre jugando en el agua con su hijo, Witt recuerda a su madre y habla de ella. Lo que parece una voz en off es un diálogo (reproducido arriba del todo). La música cambia, entramos en un nuevo tono, en una nueva estrofa de este poema. Se establecen, de manera nítida, tres melodías que formarán una sinfonía: la imagen, la música y la voz en off. Las tres se alimentarán mutuamente, se negarán, se darán sentido y se superpondrán las unas a las otras, como en una sinfonía que se concentrara en lo abstracto para dar una expresión concreta de la vida y la muerte.

Witt asemeja una estatua de piedra, un hombre que no teme rechazar todas las convenciones del mundo y que se enfrenta, directamente, a las cuestiones más terribles e inasibles a las que puede enfrentarse todo ser humano: ¿existe la inmortalidad? ¿qué es la muerte? ¿qué sentiré cuando sepa que ese es mi último aliento? No recuerdo ahora mismo quién dijo que las únicas historias que merecen ser contadas son aquellas que le contarías a un moribundo en el lecho de muerte. Y es auténticamente cierto. Esta es una de ellas.

Con extrema sensibilidad, obtenemos un nuevo encadenado, posiblemente al recuerdo de la madre de Witt. Aunque no hay nada que nos haga pensar que no es, simplemente, la imagen de la muerte de cualquier ser amado. Con la música de Zimmer siempre consolándonos, observamos a una mujer en su lecho de muerte, esperando la parca con tranquilidad. Los gestos son sencillos pero extraños: la mujer se acerca a la niña, pero no sabemos si le da algo o le indica alguna cosa con un gesto. La niña es, además tremendamente misteriosa, vestida de blanco y con una sonrisa celestial, liberadora. Malick realiza un plano de dos pájaros en su jaula, en la misma habitación. ¿Metáfora del alma encarcelada que pronto echará a volar? Imposible asegurarlo. Con Malick el espectador ha de ser co-creador de la imagen, y otro verá algo diferente a lo que veo yo, sin duda.

Lo mismo sucede con el siguiente plano a ese: el camisón blanquísimo de la niña, con un extraño dibujo de tres círculos en su pecho. Que cada cual diga lo que puede sentir con eso, pero no hay duda de que existe algo poderoso e indescriptible en ese plano. Malick es un artista capaz de hacer levitar, explotar, la materia con que está hecha un plano, llevarlo más allá del mero carácter visual del mismo y convertirlo en algo más, mucho más, quizá el reflejo de la eternidad, la inmortalidad, precisamente aquello que Witt busca con tanta desesperación. La secuencia termina con las paredes de la habitación sin techo, con el cielo abierto sobre ellas, como si el espíritu quedase por fin libre. Y encadena al barco de Witt (tan inquietante como la barca de Caronte, que lleva a la otra “orilla”) y al propio Witt reflexionando en la playa. Parece que por fin ha encontrado la paz que tanto anhelaba.

El personaje de Witt va a ser fundamental en la trama, pero, de forma extraña, apenas va a tener presencia en la misma. Va a flotar sobre ella, por decirlo de alguna manera, y no precisamente porque habiendo encontrado el Paraíso en la Tierra sea un hombre libre e intocable, nada más lejos, sino porque Malick va a sembrar en este comienzo la semilla del tema y la razón de la película, que no es otro que la muerte y la inmortalidad, en una visión panteísta y elegíaca del mundo, pero también cruel y descarnada, sin falsas componendas.

Por alguna razón, el plano que coge a Witt de espaldas después de haber alcanzado o percibido esa inmortalidad que hasta ahora no había visto, es perfecto para ese momento, significa realmente entrar en un estado de ánimo. Por fin puede hablar con la madre y su hijo, al que lavaba en el arroyo. E incluso porta una visión más ingenua incluso que la de ella, cuando asegura que los niños nunca pelean, y ella le corrige pues sí pelean. Para Malick, la violencia es intrínseca al ser humano, incluso en ese paraíso. Siempre está latente, nadie está a salvo. Pero a Witt no le importa, para él ese es su cielo.

Trabajará con los nativos y jugará con los niños, acompañado por otro soldado renegado de la guerra y del horror, de quien ni siquiera conoceremos su nombre. Para Malick podría dar a otra película ese personaje anónimo, pero de momento se centra en Witt, aunque su compañero parece tan vivo y tan interesante, pese a su leve aparición, como él.

Por fin, tienen lugar los cánticos de las islas Solomon, que como la película, son un diálogo con Dios, pues Malick, como todo gran artista, tiene un diálogo con Dios, o si se quiere, con lo mejor y lo peor de nosotros mismos.

Con estos primeros diez minutos Malick alcanza uno de los comienzos más hermosos de la entera historia del cine norteamericano. Un despliegue de sensibilidad, profundidad, conmoción espiritual como este escritor pocas veces ha visto en su vida. Un bloque que concluye cuando el ejército norteamericano les “caza” y les devuelve a la disciplina militar, para hacer la guerra en Guadalcanal. Un prólogo tras el que comienza la verdadera película.

En el mes de septiembre, mi compañero Adrián Massanet nos ofrecerá un estudio sobre la carrera de Terrence Malick, y preparándome para ello he revisado ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, 1998), que como bien sabéis, compitió directamente con ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’, Steven Spielberg) aquel año, tanto en taquilla como en premios. En ambos casos quedó por debajo de la obra maestra de Spielberg, con la que guarda el único parecido de que ambas pueden incluirse dentro del género de cine bélico, por la costumbre de etiquetarlo todo. Malick juega en otra liga, siempre lo ha hecho, su visión del mundo es distinta a la de cualquier otro cineasta, con sus pros y sus contras.

Terrence Malick llevaba más de veinte años sin dirigir una película, desde la aburrida ‘Días del cielo’ (‘Days of Heaven’, 1978), y su vuelta al cine fue una noticia bomba que rápidamente golpeó en todos los despachos de Hollywood. Prácticamente todo el mundo quería participar en el film que estaba preparando el director de ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1973), no importaba el personaje ni el tema ni nada. Confiaban ciegamente en un director que tan sólo había hecho dos películas. Incluso actores como Sean Penn estaban dispuestos a trabajar con él por tan sólo un dólar. ¿Exageración? ¿Admiración desmesurada?

‘La delgada línea roja’ narra una muy particular historia en el contexto de la batalla de Guadalcanal, durante la Segunda Guerra Mundial, batalla reflejada en el cine multitud de veces, las diversas historias de varios personajes a los que afecta la guerra. Malick no se limita a filmar una película bélica al uso, y esto no va en sentido peyorativo hacia los films bélicos sin más (hay grandes películas de género a lo largo y ancho de la historia del cine), pero la mirada del director de ‘El nuevo mundo’ (‘The New World’, 2005) hace más hincapié en las consecuencias de la guerra sobre el ser humano que en la guerra. Es evidente que ésta es un catalizador para hablarnos de otras cosas que Malick (también guionista, tomando como base la novela de James Jones) considera verdaderamente importantes, y que algo tan inútil y absurdo como una guerra es capaz de terminar con ello para siempre.

La anhelada paz entre los seres humanos, el lugar con el que todos soñamos para ser felices, se materializan en las experiencias del soldado Witt (un entregado Jim Caviezel), en apariencia un personaje más del relato coral, pero en realidad el verdadero conductor y esencia del mismo. Con sus vivencias (ha desertado del ejército y vive en una especie de paraíso, aunque sólo a sus ojos y los del espectador) y pensamientos, empieza y termina la película. En medio, un periplo íntimo y lírico, por el que pululan los demás personajes, a través de los cuales se nos habla del valor, coraje, cobardía, miedo y demás miserias humanas, aquello que en mayor o menor medida ha hecho que el hombre sea la especie animal más terrible y odiosa que existe sobre el planeta Tierra. Y qué mejor contexto que el de una guerra (el invento más estúpido del hombre) para mostrarlo.

Una vez más, Malick sitúa a sus personajes en una especie de lucha contra la naturaleza, en la cual hay unas leyes propias que escapan al control del hombre. Escenas como las del cocodrilo en total libertad (más tarde en cautiverio), o los niños nadando en unas aguas tan azules que simulan ser el cielo, señalan que en este mundo hay otro mundo mucho más sencillo y hermoso, pero difícil de conservar. La paz que ha experimentado Witt, y ahora añora, se hace patente a lo largo de toda la película. El hombre cambia continuamente el mundo que le han regalado para vivir, sobre el cual a veces no comprende absolutamente nada. Probablemente la escena más poderosa de la película, aquella que resume todas sus intenciones en un prodigio de síntesis visual, es en la que un grupo de soldados comandados por John C. Reilly se cruzan con un nativo que pasa a su lado, casi rozándoles, pero como si no les viera en absoluto, absorto en su mundo y ajeno al que los soldados están a punto de traer. Pocas veces una secuencia tan sencilla ha expresado tanto.

Malick utiliza el recurso, a veces demasiado manido, de la voz en off, y en vez de centrarse en un sólo personaje, lo hace con varios, cambiando continuamente el punto de vista de la historia, reforzando su condición de film coral. Así de Witt, al que volveremos una y otra vez en la cinta, como verdadero y único nexo de unión entre todos, pasamos sin ningún tipo de orden al sargento Welsh (un tranquilo y acertado Sean Penn), quien tras su incomprensión hacia lo que hace Witt, esconde una gran admiración; el teniente coronel Tall (soberbio Nick Nolte), que se odia a sí mismo por todas las veces que ha tenido que humillarse para conseguir algo, obsesionado con la toma de una importante colina, y que lo daría absolutamente todo por amor; el sargento Keck (controlado Woody Harrelson) que sufre las consecuencias de un mal golpe de suerte, como alegoría a lo caprichoso que puede ser el destino; el capitán Staros (más que convincente Elias Koteas) como héroe anónimo del conflicto, gracias a no obedecer una orden de Tall que acabaría sin remedio con sus hombres; el soldado Bell (Ben Chaplin en su línea) muy enamorado de la mujer que dejó atrás, y que sufrirá también el capricho del destino mostrándole lo perra que la vida puede ser a veces. Y así sucesivamente con todos los demás personajes de la película.

Adrien Brody, cuyo personaje iba a ser el protagonista central de la historia, y John Cusack, no hacen más que subrayar la idea central del film con redundantes personajes que dan vueltas a lo mismo, aunque las situaciones sean otras. No molestan en absoluto, y los actores están muy bien, pero con ellos el film cae en lo obvio. 163 minutos son demasiados para ‘La delgada línea roja’, por no hablar de algunos planos totalmente innecesarios con los que Malick se recrea en la naturaleza (aunque sin llegar a los preocupantes niveles de la vergonzosa ‘El nuevo mundo’), y sabe Dios qué hubiera pasado si el director hubiese conservado su montaje original que rondaba las seis horas, cuyo remontaje hizo que actores conocidos se cayesen de la película (a saber: Mickey Rourke, Bill Pullman, Gary Oldman, Viggo Mortensen y Lukas Haas). Incluso Billy Bob Thorton garbó un texto de tres horas de duración para ser el narrador del film, algo que obviamente también se quedó en la sala de montaje.

‘La delgada línea roja’ supone un film-isla (nunca mejor dicho) dentro del actual panorama cinematográfico, sobre todo viniendo de los USA, cada vez más preocupados en hacer películas de consumo y disfrute inmediato que no quedan en la memoria del espectador, allí donde se cultivan las buenas obras de arte. Malick y su mirada de carácter litúrgico, acompañada poderosamente por esos sacros coros de un casi minimalista Hans Zimmer, va directo al interior del ser humano, al que pone en la peor de las adversidades: luchar contra sí mismo. Una maravilla de película, llena de excelencias técnicas (John Toll, en uno de sus mejores trabajos, y un uso de la steadycam insuperable) que gana a cada nuevo visionado, adquiriendo nuevas lecturas, reafirmándose como una gran obra, imperfecta, pero tal y como aseguraba Jean Cocteau, las grandes obras deben ser imperfectas.

Otra crítica en Blogdecine:

• 1998: ‘Salvar al soldado Ryan’ y ‘La delgada línea roja’

La catalogan como la “La pasión de Cristo iraní”. Se va a estrenar en Estados Unidos y en realidad se titula ‘La lapidación de Soraya M.’. La misma productora, la violencia, la religión, la polémica y que incluso el actor Jim Caviezel esté en el reparto, han hecho que muchos comparen esta película con la que dirigió Mel Gibson hace cinco años, todo un éxito de taquilla, a pesar de la brutalidad de las imágenes y de estar hablada en latín y en arameo.

La película se basa en la novela del periodista Freidoune Sahebjam, que narró la historia de Zahra Khanum, una joven de un pueblo iraní en los años 80 que es acusada falsamente de adulterio por su mujeriego marido. El castigo por ese delito es la lapidación pública hasta la muerte, tal como establece su código penal. El director de ‘La lapidación de Soraya M.’ (‘The Stoning of Soraya M.’, 2009) es Cyrus Nowrasteh, un norteamericano de padres iraníes, que no lo ha tenido fácil para poder estrenar su película, pero finalmente la obra llegará a los cines a partir del próximo viernes, y el público dirá.

Por supuesto, las voces de protesta no se han hecho esperar. Elise Auerbach, especialista de Amnistía Internacional para Irán, que ya ha visto el film en un pase previo, dice que se “presenta a los iraníes como bárbaros sedientos de sangre” y que se no ha incluido la oposición de muchos habitantes del país a la lapidación.

Bueno, no he visto la película, y que se use la violencia de forma gratuita en un tema tan serio como éste me parece escandaloso, PERO, ¿de qué estamos hablando? Esto ha pasado y sigue pasando, y no, no son agradables, en realidad es algo tan repugnante que dudo de la humanidad de quien sea capaz de presenciar un acto así sin inmutarse. Sobre los que aprueban la medida y tiran las piedras mejor me ahorro el comentario.

Cabe destacar aquí que, al contrario de lo que piensa Auerbach, varias actrices de ascendencia iraní han trabajado gratis en la película, como un acto de denuncia, para que la gente sepa, vea y sienta, en la medida de lo posible, lo que ocurre en ese país. Nowrasteh dice estar preparado para toda clase de críticas y que en estos temas los eufemismos sobran. Al parecer, ha recurrido a la cámara lenta para la secuencia de la lapidación, cuyo rodaje llevó seis días, durante los cuales la actriz estuvo enterrada hasta la cintura.

Para transmitir la ira, la rabia, la frustración y la injusticia de esta historia, tienes que meter a la audiencia dentro de ese agujero en el suelo con ella.

En realidad, en Irán, a las mujeres se las entierra hasta el pecho, y a los hombres, por delitos como la homosexualidad, hasta la cintura. Y mueren tras el lanzamiento de piedras. Piedras no suficientemente grandes para matar al primer o segundo golpe, según establece la ley.

Vía | Abc

Curiosamente, en la cartelera española se han reunido dos películas con un punto de partida algo similar: un objeto extraterrestre llega a la Tierra y de su interior saldrán dos seres (uno “humano”, el otro no). Aunque en Estados Unidos aún no se ha estrenado (parece que lo hará en enero), ‘Outlander’ llegó a nuestros cines el pasado 28 de noviembre. Y aquí tenéis a alguien que esperaba esa ocasión para ver algo diferente, a pesar de todo. Para los que no sepan de qué va este film, os diré que se centra en la accidentada llegada de una nave alienígena a nuestro planeta, en el siglo VIII, en territorio vikingo.

Del interior de la nave salen dos seres, uno con forma humana, inteligente, y otro con forma de, digamos, monstruo, sin inteligencia, devorador de todo lo que se mueva. El individuo con forma humana, tras adquirir (¿habéis visto ‘Matrix’?) los conocimientos necesarios para sobrevivir en el planeta y comunicarse con los vikingos, se lanza a la caza y captura del bicharraco que ha traído con él, antes de que sea demasiado tarde.

Aliens y vikingos. Es imposible tomarse en serio esta producción escrita y dirigida por Howard McCain. McCain, entusiasmado con la historia de Beowulf, cambia a un dragón por una criatura del espacio exterior y al valeroso guerrero por una persona que viene de una civilización muy avanzada (especialmente comparada con la que había en el siglo octavo). Sin embargo, lo menos increíble, a la postre, es esta parte de ciencia ficción.

Como si el hecho de incluir extraterrestres o monstruos ya hubiera roto de forma inevitable la verosimilitud del relato, McCain se saca de la manga unos vikingos totalmente imposibles, protagonistas de todo tipo de situaciones a cual más ridícula. Bueno, en realidad, creo que la palma se la lleva esa especie de baile/carrera sobre los escudos. Pensé que tendría pesadillas después de contemplar dicha secuencia.

Resulta ya de lo más normal, pero no por ello menos molesto, encontrar personajes, diálogos, comportamientos y pensamientos absolutamente anacrónicos. No hay en esta ‘Outlander’ ni un solo vikingo que resulte creíble. Especialmente grave resulta el caso de la chica, interpretada por Sophia Miles, el típico personaje femenino que la actriz definiría como fuerte y adelantada a su tiempo. Y tanto, mujer, pero por un guión torpe, no por otra cosa. Sólo le falta reclamar elecciones democráticas, anunciar su candidatura a la presidencia y exigir el derecho de las parejas del mismo sexo a contraer matrimonio y adoptar hijos. Destacar también la patética escena de lucha entre ella y su padre, encarnado por un John Hurt que debería seleccionar mejor sus papeles si no quiere acumular más manchas de la cuenta en su brillante currículum.

No ayuda tampoco en absoluto el desastroso personaje al que da vida el, por otro lado, estupendo actor Jim Caviezel. El suyo es uno de esos roles que parecen escritos sin ningún tipo de rigor, con comportamientos erráticos e incoherentes; por no hablar de que resulta imposible creerse que el tipo provenga de otro planeta (¿y a qué distancia de la Tierra?), por tanto, miembro de una civilización más avanzada que la nuestra actual (a pesar de esto no han inventado radares eficientes ni consideran que sea peligroso dejar sin protección un asentamiento civil). Por cierto, ojito a las tumbas alienígenas… y al estado de los cuerpos (¿regeneración celular?).

¿Sabéis ese tipo de películas que ves con alguien más y, una vez termina, podéis pasaros horas y horas recordando incoherencias y escenas malas? ‘Outlander’ es de esta clase. Perfecta para destriparla con los amigos. Una pérdida de tiempo para todo lo demás, sobre todo si vas al cine esperando algo realizado con un mínimo de calidad y seriedad. Howard McCain sólo quiere que un monstruo (un “gusiluz” sanguinario) se dedique a destrozar vikingos y que éstos, luego, salgan a buscarlo para partirlo en pedazos. Bicho digital muy bien hecho, mucha sangre, actores perdidos, puesta en escena televisiva, “homenajes” de todo tipo y un guión lamentable sin pies ni cabeza. 50 millones ha costado esta cosa. Menudo desperdicio.

Pues ya tenemos aquí el trailer internacional de ‘Outlander’, cosa que aprovecho para poneros también el póster, que hacía un tiempo que circulaba por internet. Ya os habíamos hablado antes de este extraño proyecto, una de aventuras y ciencia ficción que sitúa a unos alienígenas (uno humano y otro bestial) en la Noruega del siglo VIII. La película ha sido dirigida por Howard McCain y está protagonizada por Jim Caviezel, Sophia Myles, Jack Huston, John Hurt y Ron Perlman.

En cuanto al trailer… pues no es precisamente lo que me esperaba, la verdad. ¿Y qué me esperaba, podríais preguntar, tratándose de eso, de una con vikingos y bicho sanguinario procedente del espacio exterior? Bueno, definitivamente, no lo que he visto, ¿no es muy cutre? El toque que pretende recordarnos a ‘El Señor de los Anillos’ (esas peleillas…) y volvemos a ver personajes que más que representar la época histórica a la que pertenecen, parecen salidos de un anuncio de Pepsi (y al margen dejamos el tema del idioma, por supuesto). Es decir, que me acuerdo de ‘La Última Legión’ y de ‘10.000’ viendo estas imágenes de ‘Outlander’. Espero que sólo sea una errónea impresión por un trailer poco acertado, le tenía ganas a esta película…

Vía | Impawards y Youtube (¡gracias a Albert G.C. por el aviso!)

Ya tenemos el primer trailer de ‘Outlander’, una película de ciencia ficción de la que ya os he hablado anteriormente, y que cuenta con un argumento bastante curioso que mezcla vikingos con un monstruo alienígena del futuro.

El teaser no ofrece casi nada, salvo ver la caída de la nave que lleva dentro al monstruo y que hay un barco vikingo cerca. La mayor parte del tiempo se emplea en una narración en off que me ha resultado bastante cutre. Ya me diréis.

Recordemos que ‘Outlander’ ha sido dirigida por Howard McCain y está protagonizada por Jim Caviezel, Ron Perlman y John Hurt. En este momento, el film carece de fecha de estreno, pero ya cuenta con la compañía de los Weinstein para su distribución comercial.

‘Outlander’ | Ver teaser trailer

Esta misma madrugada, entre cervezas y música, hablábamos de que últimamente se recurre demasiado a la narración no lineal en las películas, o sea, a través de numerosos flashbacks. Ahí tenemos los casos recientes de las estupendas ‘El Truco Final (El Prestigio)’ y ‘Banderas de Nuestros Padres’. Y algunos decían que ya están hartos de tanta filigrana narrativa, de tantas idas y venidas en el tiempo. Eso sí, cada vez se utiliza más en un tipo de película que quiere sobre todas las cosas, sorprender al espectador y dejarle deslumbrado con una sorpresa final al estilo de ‘El Sexto Sentido’. Evidentemente, a veces, dicho recurso está inteligentemene utilizado, al servicio de una historia, e incluso, si no estuviera narrado de esa forma, tendría mucha menos fuerza. Otras veces, son ganas de marear al espectador, con alucinantes giros de guión, que no hay por donde cogerlos, y que simplemente buscan el efectismo barato.

‘Mentes en Blanco’ podría entrar perfectamente en el último grupo de películas mencionadas. Su argumento gira en torno a un grupo de hombres que despiertan, encerrados en un almacén. Algunos están atados y otros tienen alguna herida. Curiosamente, ninguno de ellos recuerda gran cosa, ni siquiera su propia identidad. A partir de ahí, todos empezarán a hacer memoria, y descubrir poco a poco qué es lo que les ha llevado a esta situación. Evidentemente, nada es lo que parece.

La película recuerda, y salvando las distancias, por supuesto, a ‘Memento’, porque parte de una situación, y poco a poco se van descubriendo los hechos pasados, a cada cual más sorprendente. Sin embargo, hay algo que la diferencia (además de otras cosas, menos importantes) de la maja película de Christopher Nolan. Si en aquél, todo iba hacia atrás y adquiría un sentido único a la par que lógico, en ‘Mentes en Blanco’ va hacia atrás (en escenas con un toque onírico, muy mal rodadas) y a la vez hacia delante, ya que la situación en la que se encuentran los personajes ha de ser resuelta de alguna forma. Dicho así, no parece que sea un problema. Sin embargo, si uno se mantiene bien atento, se da cuenta de lo que te están contando es una estupidez como una casa, y la forma elegida para hacerlo no es la más adecuada, por enomemente tramposa e incluso facilona.

El guionista podría habernos contado cualquier otra cosa distinta a la que nos cuenta en la película, el resultado hubiera sido el mismo. Todas las situaciones y sorpresas que nos son desveladas están quitadas de la manga, y no tienen absolutamente ninguna coherencia con lo que nos cuentan. Es más, se podrían haber cambiado los roles en la resolución del misterio, por así llamarlo, y nos hubiera dado igual. Y es que la historia sin comienzo de ‘Mentes en Blanco’ se parece a esos juegos que los de mi generación acostumbrábamos a hacer partiendo de una situación casi ridícula y había que adivinar cómo se había llegado a esa situación. Normalmente se escogía siempre la misma historia, pero cada uno podía inventarse lo que fuera, siempre y cuando todo fuera conducido hacia esa situación incialmente planteada. Plantear un misterio o enigma de esa forma lo hace cualquiera.

El film también abusa de giros finales debido precisamente a que te puedes inventar lo que sea. El espectador se cansa de tantos giros, y lo cierto es que la sorpresa brilla por su ausencia, por no hablar de que estamos ante una película realmente aburrida, a pesar de lo interesante de la propuesta. Porque lo que no hay que negarle a este tipo de films es que sus propuestas o ideas siempre resultan interesantes. El desarrollo ya es otra cosa.

Como puntos positivos recalcaría que la puesta en escena, salvo esos flashbacks antes mencionados, es bastante sugerente y saca partido de los pocos elementos que tiene a su disposición el director, el debutante Simon Brand, para crear la atmósfera debida, algo que ciertamente consigue. También podemos disfrutar de un elenco de actores, que sin hacer grandísimas intepretaciones, ya que los personajes son todos muy poco interesantes, están todos muy correctos, cumpliendo sobradamente su labor. James Caviezel, que aguanta con todo el peso de la función, está más comedido que otras veces. Greg Kinnear demostrando una vez más, lo camaleónico que es, y todavía sin disgrutar del éxito que este actor merece. Barry Pepper otro tanto de lo mismo, y aquí incluso podríamos decir que es el mejor de todo el reparto. Joe Pantoliano no pinta absolutamente nada, y Peter Stormare en un rol demasiado tópico y sobre el que no cabe la más mínima duda acerca de sus intenciones, algo que nos desvelan demasiado pronto. Para contrarrestar tanta masculinidad, tenemos a Bridget Moynahan, que está impresionante, pero como actriz pues no impresiona tanto, si no más bien todo lo contrario. Su personaje probablemente sea el más absurdo de todos, y sobre el que más sorpresas recaen.

Una floja película que se va desinflando según avanza, y que en ciertos momentos puede provocar cierta gracia, debido a la desfachatez de un guión imposible, que parece que escribiera alguien con la mente en blanco, valga el chiste redundante. Habrá que estar atentos al próximo film de Brand, que apunta maneras, esperando que le toque dirigir otro tipo de historia más estimulante.

En Blogdecine:

• ‘Mentes en Blanco’, otra con final sorpresa

Hace un par de meses que os informamos acerca de ‘Outlander’, un film de ciencia ficción en el que un monstruo conocido como “El Moorwen” llega a nuestro planeta (durante la época de los vikingos) en una nave espacial para sembrar el caos; afortunadamente, también llegará un hombre capaz de vencer a la bestia. Ahora podemos ver el aspecto que tendrá “El Moorwen”, creado por el prestigioso Patrick Tatopoulos (pudimos ver su obra recientemente en ‘Silent Hill’), pinchando en este enlace.

Recordemos que ‘Outlander’ está dirigida por Howard McCain, a partir de un guión de Dirk Blackman, y protagonizada por Jim Caviezel, Sophia Myles, Jack Huston, Ron Perlman y John Hurt.

Vía | Coming Soon

Desde el pasado 16 de octubre, ‘Outlander’ se encuentra en pleno rodaje. El film, que mezcla acción y ciencia ficción, está protagonizado por Jim Caviezel, un actor que me cae especialmente simpático desde que apareció en la impresionante ‘La Delgada Línea Roja’, y del que hace nada comenté su última película, ‘Mentes en Blanco’, de próximo estreno en España. Le acompañan en el reparto Sophia Myles, Jack Huston, Ron Perlman (ya sabéis, Hellboy) y el veterano John Hurt.

‘Outlander’ está siendo dirigida por Howard McCain, a partir de un guión que escribió junto a Dirk Blackman. La historia comienza cuando una nave espacial se estrella en la antigua Noruega, en la época de los vikingos. Del interior emergen dos enemigos: un soldado de otro mundo, llamado Kainan, y una sanguinaria criatura conocida como El Moorwen. Hombre y monstruo buscan venganza por una serie de actos cometidos contra ellos. Mientras El Moorwen va devastando el mundo vikingo, asesinando a quien se le pone por delante, Kainan, combinando su avanzada tecnología con armas antiguas, se dedica a formar a un grupo de primitivos pero feroces guerreros. El objetivo es claro: acabar con la brutal criatura.

Vía | Coming Soon

La historia puede dar pie tanto a un bodrio de enormes proporciones, destinado directamente a los videoclubs, como a una interesantísima propuesta de ciencia ficción y mortal monstruo al que hay que matar. ¿Alguien ha dicho ‘Alien’? ¿’Depredador’? Humm, sí, a ver, yo tengo aún muy reciente la magnífica ‘The Host’, a la que, seguro, ‘Outlander’ no se parecerá en nada, salvo en mostrar a un terrible bicho devorador de personas. Tirarán más por la acción, probablemente.

Cabe destacar que El Moorwen ha sido diseñado por Patrick Tatopoulos, cuyo trabajo hemos podido ver, por ejemplo, en la reciente ‘Silent Hill’. En cuanto a los diseños artísticos del film, son obra del equipo de artistas (“artistas conceptuales”) que están detrás de la trilogía de ‘Star Wars’. Ya veremos el resultado.