Esta semana se han producido importantes cambios en los repartos de dos interesantes proyectos. Empezamos con ‘The Side Effects’, que prepara Steven Soderbergh. El mes pasado os comenté que el realizador había encontrado a los tres protagonistas de su nuevo trabajo, Jude Law, Channing Tatum y Blake Lively. Sin embargo, la actriz, famosa por la serie ‘Gossip Girl’, ha sido sustituida por Rooney Mara, nominada al Oscar por su trabajo en lo último de David Fincher, la impecable ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘The Girl with the Dragon Tattoo’). Catherine Zeta-Jones también figura en el elenco de este drama escrito para la gran pantalla por Scott Z. Burns que comienza a rodarse en abril. La trama: una joven (Mara) se hace adicta a una nueva droga que empieza a consumir por el estrés que le produce la inminente salida de la cárcel de su marido (Tatum).

La otra producción que ha cambiado a uno de sus protagonistas es ‘Only Lovers Left Alive’, el nuevo trabajo de Jim Jarmusch. Esta romántica historia de vampiros iba a contar con Michael Fassbender pero el actor, uno de los más solicitados del momento, ha abandonado el proyecto y dejado su sitio a Tom Hiddleston, famoso por encarnar a Loki, el villano de ‘Thor’ y ‘Los Vengadores’ (‘The Avengers’). Hiddleston se suma así a un reparto en el que figuran Mia Wasikowska, Tilda Swinton y John Hurt, de momento. Esta producción avanza más lentamente y no está previsto que el rodaje comience hasta finales de año. Del argumento se sabe que gira en torno al amor de dos personajes durante siglos, mientras el mundo se derrumba. Quiero verla ya.

PD: Hiddleston tiene un papel secundario en ‘War Horse’, lo último de Steven Spielberg, que se estrena por fin este viernes en España.

Vía | Deadline y ComingSoon

“Una gran cantidad de poetas vive también en los márgenes de aceptación social, ciertamente no están en esto por dinero. William Blake – sólo su primer libro se publicó legítimamente.”

Las cosas son como son, y no tienen por qué ser de otra manera. Si un cineasta como Jim Jarmusch es, desde hace más de tres décadas, la máxima figura representativa de cierto tipo de cine americano, cuya obra no goza precisamente de un conocimiento profundo por parte de las masas de espectadores ávidas de entretenimiento los fines de semana, con una innegable aureola de “raro” o “extraño” (luego veremos que esa fama es tan injusta y absurda como tachar de simbólico a Bergman o de aburrido a Malick), apreciado por los “elitistas” festivales de cine y considerado por muchos cinéfilos (como yo mismo) como un cineasta esencial; todo ello, digo, retrata muy bien el dantesco mundo del cine industrial, para el que los directores más acomodaticios, más dispuestos a agradar al espectador, muchos de ellos con talento pero desaprovechado, son más importantes o dignos de mención que los que disponen de un mundo propio (es decir, los que son verdaderos creadores) y de una concepción propia del cine y del hombre.

Jarmusch, director de once largometrajes (uno de ellos un magnífico documental sobre Neil Young, pues Jarmusch es un melómano incurable), seis videoclips y cuatro cortometrajes, conocido por su aspecto de hombre tranquilo y pelo plateado, es tan consustancial a lo mejor (lo más estimulante, lo más valiente, lo más vanguardista) del cine americano de los últimos tiempos como otros grandes nombres (y a nadie le sorprenderá que nombre aquí a David Lynch, Terrence Malick, Paul Thomas Anderson, Jonathan Demme, John Carpenter, Gus Van Sant, y en menor medida otros como Spike Lee, Todd Solondz, Richard Linklater, Todd Haynes, entre otros investigadores de territorios conquistados por John Cassavetes, Dennis Hopper y Francis Coppola), un juglar de la América del siglo XX y principios del XXI, que observa su país con una mezcla del extrañamiento del extranjero y de la mirada del poeta ermitaño, de quien se ha dicho que dirige películas como un músico de jazz interpreta una melodía.

De todos los cineastas que nacieron de las cenizas del underground neoyorquino de los años ochenta, cuyas ramificaciones aún hoy no se han cerrado, Jarmusch ha sido el más auténtico, el más fiel a sí mismo. Ajeno a los divismos de un Tarantino o a las tentaciones mainstream de los Coen, ha sabido construir con paciencia, serenidad y coherencia una carrera no demasiado extensa en títulos, pero sí apasionante por su densidad conceptual, por su inabarcable galería de personajes (muchos de ellos estrafalarios, extravagantes y perdidos, pero precisamente por ello siempre muy humanos), por su connatural incapacidad para ofrecer otra cosa que no sea una gran dosis de sí mismo, siendo uno de los poquísimos artistas audiovisuales poseedores (menos de lo que parece) de un mundo propio, con sus leyes espaciales, rítmicas y morales. Y esto desde su primer contacto con el cine. Célebre es la anécdota que vivió junto al mítico Nicholas Ray, quien criticó duramente un guión suyo por falta de “acción externa”, a lo que Jarmusch contraatacó reescribiendo el guión con menos acción externa aún. Ray, admirado por la valentía del joven aspirante a cineasta, le contrató como ayudante personal de ‘Relámpago sobre el agua’ (‘Lightning Over Water’, Nicholas Ray, Wim Wenders, 1980).

Un verdadero creador

Aunque ‘Permanent Vacation’ (1980), su primera película (muy poco conocida, realizada con un presupuesto irrisorio), no gustó especialmente a nadie, Jarmusch ya implantó en ella un estilo muy personal, que iría desarrollando en las sucesivas, y mucho mejor acabadas, ‘Extraños en el paraíso’ (‘Stranger Than Paradise’, 1984) y ‘Bajo el peso de la ley’ (‘Down by Law’, 1986), así como en el generacional corto ‘Café y cigarrillos’ (‘Coffee and Cigarettes’, 1986), al que no hay que confundir con ‘Cigarettes & Coffe’ (Paul Thomas Anderson, 1993). En estos trabajos Jarmusch estableció un estilo barato pero muy expresivo de realizar cine, así como una descripción de la fauna y la arquitectura neoyorquina enormemente influyentes para una pléyade de directores que comenzaban en aquellos años y a los que Jarmusch hizo ver la luz, literalmente. Cannes premió con la Cámara de Oro la primera de ellas, de manera irrebatible, y vigiló de cerca al nuevo juglar norteamericano.

Jarmusch supo corresponder a esa vigilancia con el díptico ‘Mystery Train’ (1989) y ‘Noche en la tierra’ (‘Night on Earth’, 1991), primeros de sus trabajos en color, con evidente influencia de Wim Wenders (aunque sólo fuera por la presencia del operador jefe Robby Müller o de algunos temas netamente wenderianos). Contando con Gena Rowlands (cómo no, musa de Cassavetes), con Roberto Benigni o con Tom Waits en muchos de estos trabajos, Jarmusch buscaba también la inmediatez de actores casi desconocidos o no profesionales, de rostros casi anónimos que dotan de vida inusitada sus ficciones, a un paso del documental lírico (si tal expresión es posible), o de la crónica íntima. Para Jarmusch el mundo parece un lugar en el que lo lúdico se mezcla con lo grave sin la menor fisura, y en el que importa menos la historia externa que el mundo interior de sus personajes.

En este sentido, se cristalizan las que creo que son las tres películas más completas del director, en las que confluyen su necesidad por una vida plena de música, sus interes espirituales y metafísicos, y su amor por los géneros: ‘Dead Man’ (id, 1995), ‘El año del caballo’ (‘Year of the Horse’, 1997) y ‘Ghost Dog, el camino del samurai’ (‘Ghost Dog: The Way of the Samurai’, 1999). La primera es uno de los westerns más extraños y líricos que se han visto, con un sorprendente Johnny Depp. La segunda es un magnífico seguimiento de una figura musical capital en la América más auténtica. Y el tercero es una apasionante deconstrucción del mito del samurai, con un Whitaker inmenso y un guión realmente magistral, a medio camino entre el cine de aventuras a lo Melville y el cine negro neoyorquino independiente. El erotismo, siempre muy presente en la obra de este director tan sensual, la violencia salvaje pero no excesiva moralmente, un humor muy negro y muy sutil, son las cosntantes de un autor que llegó a su plenitud a finales de la década de los noventa.

Tanto la irregular ‘Flores rotas’ (‘Broken Flowers’, 2005) como la muy estimulante ‘Los límites del control’ (‘The Limits of Control’, 2009), así como el largo ‘Coffee and Cigarretes’ (2003) representan sus últimos esfuerzos creadores, todos ellos con tiempo de reflexión entre uno y otro, asumiendo los errores, depurando el estilo aún más, accediendo a una libertad y a una confianza en sí mismo con las que otros cineastas sólo pueden soñar. A sus 58 años, creo que a este refinado francotirador aún le quedan unos cuantos cartuchos con los que sacudir el aburrido y burgués cine norteamericano.

La premisa parece la de un western cualquiera puesto que tenemos a una mujer misteriosa que busca venganza y que recibirá el apoyo de pistoleros, tenemos a un hombre misterioso que les sigue….Pero la glosa de las obras más representativas del western la está haciendo Alberto Abuín en este blog y no incluirá esta película por, precisamente, su carácter inusual y desafiante, alejado de los cánones y de cualquier intención argumental. Pero aquí terminan los elementos del género puesto que esta película dirigida en 1967 es uno de los grandes clásicos de la contracultura, servidos por el maestro Monte Hellman. ‘El Tiroteo’ casi su propio género, un western improbable más parecido a una obra del teatro del absurdo (sospecho que no solamente Samuel Beckett está en las influencias de esta película sino también aquel Eugene Ionesco que escribiera ‘Jacques ou la Sumission’) que a un relato basado en la firmeza expositiva y los alcances alegóricos surgidos de la coherencia narrativa. Porque nada de lo que aquí ocurre es usual o coherente, ya sea el hermoso y todavía extraño final, en el que el tiroteo y la muerte están narrados con un estatismo alucinógeno.

Por supuesto, es una película en el que se puede rastrear todas las características del cine norteamericano de finales de los sesenta porque el equipo es y rezuma Nuevo Hollywood por los cuatro costados.: el protagonismo recae sobre unos excelentes Warren Oates y Jack Nicholson, el guión lo escribió Carol Eastman, que luego escribiría ‘Mi vida es mi vida’ para el mismo Nicholson y su director, Monte Hellman, es el autor del clásico de culto ‘Two-Lane Blacktop’ (id, 1971), obra maestra y paradigma de un cine norteamericano secreto más cerca de los experimentos vanguardistas europeos que de una tradición genuinamente norteamericana, además de punto de ruptura para la película de carretera contracultural modelada tras el éxito de ‘Easy Rider’.

Hellman es uno de los cineastas más heterodoxos del cine moderno y siempre encuentra soluciones visuales fascinantes para sus historias, lo que hace lamentar la descuidada edición en DVD, alejada de cualquier tipo de restauración o respeto por los formatos originales, pero aún así es imposible no admirar los largos y valientes planos secuencias que destruyen cualquier atisbo de épica y lógica en el escenario de la película, que dotan de un sinuoso y pausado sentido a todo el film. Jonathan Rosenbaum ha escrito que esta obra es el primer western ácido, referencia clara al efecto del LSD en el ritmo lacónico y desconcertante de la película, y que es la precursora más cercana de la misteriosa y poderosa ‘Dead Man’, ese relato del poeta, del irracional profundo que también resultó ser profeta, William Blake. Pero estos ecos, incluso el extraño dolor que anida en los dos moribundos que deciden dispararse al final, no están limitados al film de Jim Jarmusch sino que alcanzan también a Quentin Tarantino, cuya obra está saturada de citas y homenajes al propio Hellman. Pensemos, pues, en este final como una suerte de antesala a ese clímax duro y absurdo de la más robusta, viril y comprensible ‘Reservoir Dogs’, un debut arrollador cuya energía y depravación no han dejado de ocultar el secreto talento de Tarantino para contar historias llenas situaciones agónicas que dan paso a un estallido de violencia nada catártico y si tan inútil e incomprensible como querrían esos dramaturgos que llenaron el teatro de la secreta energía de quien se sabe creativo y fiero y cree en la fuerza rompedora de las imágenes y los gestos antes que en el músculo de toda narración.

George Clooney protagoniza ‘El americano’ (‘The American’, 2010), en el papel de un fabricante de armas para asesinos a sueldo que se ve obligado a ocultarse en un tranquilo pueblo de las montañas italianas para evitar las consecuencias del último estropicio que causó tratando de defender su anonimato. Una vez allí, recibirá un encargo que irá cumpliendo poco a poco y así, durante la estancia, desarrollará relación con algunos de los habitantes de Castel del Monte, a pesar de que en su profesión se desaconsejan las amistades.

Anton Corbijn es fotógrafo y realizador de videoclips y de spots publicitarios. Y todo ello se percibe en este film de espíritu e intenciones contemplativas. El holandés, que había dirigido anteriormente ‘Control’, consigue bellísimos planos paisajísticos, tanto en los nevados bosques suecos del inicio, como en las intrincadas carreteras y los amaneceres nublados del transcurso. Corbijn hace un admirable retrato del pueblo y de sus costumbres, que nos recordarán mucho a los del rural español. Como guiño a su persona, Corbijn cambia la tapadera del protagonista, que en la novela pintaba mariposas —elemento que mantiene en otra forma—, para convertirlo en un falso fotógrafo.

En busca de redención

Tan contemplativa es ‘El americano’ como reflexiva. Pero si bien, como decía, hay mucho que contemplar, poco queda para reflexionar. O bien es excesiva la sutileza con la que los autores tratan de trasladar los sentimientos del protagonista —en una intentona behaviorista que pretende mostrarlo todo únicamente con el comportamiento cotidiano— o bien la interpretación de Clooney se queda corta. El caso es que, salvo para quienes lleguen al cine ya informados, las dudas que atenazan al armero y su condición de personaje agotado pueden escaparse hasta que se hagan patentes hacia el final.

De esta manera, lo que resta es un film cargado de instantes aislados muy potentes, que se ven con gran interés y suma atención; pero principalmente vacuo. Y no el pretendido trampolín desde el que lanzar cuestiones existenciales que mantendrían la mente ocupada durante el visionado.

Un sueño a modo de flashback, que rompe con el estilo sobrio de Corbijn, sería el primer atisbo de explicación de sus sentimientos arrepentidos. Pero incluso a pesar de la torpeza en introducir esta escena, la búsqueda de redención me parece más valiosa como motor que impulsase a moverse al personaje que la explicación que se busca hacia en la segunda mitad del film. (Spoiler) A partir de cierto momento, los autores tratan de achacar las decisiones del protagonista al amor. Sin embargo, no se ha sabido hacer ver —por mucho que se diga en palabras— que exista un auténtico vínculo sentimental entre él y Chiara (Violante Plácido), salvo el de la conveniencia. Esta trama amorosa, que supone el único elemento comercial de la película, se introduce de forma forzada y resulta decepcionante que sea eso, finalmente, lo que en teoría justifica todo lo demás (fin del spoiler).

La ausencia de explicaciones sobre los cometidos del protagonista funciona como sustituta de la intriga que tendrían otros thrillers y engancha a los primeros minutos como atraparía una trama ya planteada. Esta opción extrema va deliberadamente en contra de los consejos narrativos más básicos para demostrar que los intereses de los autores están por encima de las tramas policiales. Con la misma indiferencia, se permiten no mostrar qué sucede cuando aparecen cadáveres en la noche: ni se nos hace saber que Jack se ha hecho cargo de ellos, ni acude la policía, ni se hacen preguntas… Esta premeditada despreocupación choca, sin embargo, con la burda introducción de un fleco que queda sin resolver y que solamente se plantea para justificar un elemento —(spoiler) el asesino de prostitutas motivaría la pistola de ella, que a su vez justificaría la paranoia de él (fin del spoiler)—.

Referentes

El referente claro de ‘El americano’ es el polar, es decir, el cine francés policiaco de los años ’60. En estos films encontrábamos personajes como el de Clooney, que están de vuelta de todo y cuyas intenciones vitales acaban de cambiar. Hallábamos, igualmente, el ritmo parsimonioso y detenido de relatos más interesados en reflejar una atmósfera, interna y externa, que en narrar hechos o mostrar acción. Rowan Joffe —hijo de Roland, autor de ‘La misión‘— escribe el guión basándose en la obra del poeta británico Martin Booth ‘A Very Private Gentleman’ (1990). Pero las novelas del francés J. P. Manchette, que mencioné con motivo de la muerte de Chabrol, podrían haber tenido protagonistas como éste.

Aunque la producción sea estadounidense, esta película es muy europea, no sólo por la nacionalidad del director y por sus localizaciones, sino porque lo respira por todos los poros.

Me viene a la mente, asimismo, una referencia más reciente en ‘Los límites del control’, de Jim Jarmusch, que también se centraba en un misterioso mercenario que recibía órdenes en clave y actuaba de forma enigmática. En ambas películas, los personajes secundarios disfrutaban de intervenciones momentáneas, pero intensas —y en ambos casos me atrevería a decir que interpretadas de manera artificiosa—. En las dos se escatiman las explicaciones sobre la misión del protagonista y la forma de actuar de sus pagadores. Y las dos preferían transmitir los sentimientos de los protagonistas a través de sus comportamientos en situaciones cotidianas, más que tirando de la voz en off o de explicaciones más evidentes. La de Jarmusch, mucho más radical en su planteamiento, consideré que no había terminado de resultar lograda, pero a su favor diré que por lo menos iba hasta el fondo de la idea con todas sus consecuencias, cosa que ‘El americano’ no hace.

La música

Si ya hemos hablado de Corbijn como profesional involucrado plenamente en el mundillo musical, por lógica cae que la banda sonora de ‘El americano’ sea digna de mención. Eso no significa que el holandés abuse del acompañamiento musical, como sí hacen otros directores con vínculos igual de fuertes con el mundo discográfico —Wim Wenders, por poner un ejemplo—. Utilizada en su justa medida, la partitura de Herbert Grönemeyer apunta las emociones que ningún otro aspecto del film se digna recalcar. La elección de las canciones sueltas es, también, muy adecuada. No falta, por supuesto ‘Tu vuò fà l’americano’, de Renato Carosone, que el título pide a gritos.

‘El americano’ puede disfrutarse gracias a la belleza de su fotografía y a un primer enganche causado por la curiosidad que se despierta sobre la propia narración, es decir, sobre sus motivos y objetivos. Sin embargo, se trata de una película que pretende más de lo que alcanza y que no provoca las reflexiones que sus autores parecen haber dado por sentado que van a suscitar. Puede ser la presencia del popular Clooney o quizá la ausencia de títulos atrayentes en la cartelera lo que haya convertido a este film tan poco generalista en nº 1 de la taquilla estadounidense, pero apostaría que la mayoría de estos espectadores no ha encontrado en ella lo que buscaba.

Mi puntuación:

Amaneció hoy gris en San Sebastián. Temía yo que a las 8 de la mañana, y con la playa a cien metros, soplara una rasca de campeonato. Pero nada de eso. Se estaba bastante bien. Y ya por la tarde bochorno del bueno. De hecho, mientras escribo estas líneas tengo la ventana abierta y dejando entrar un poco el fresco, porque parece que estemos en agosto. Sí, Mariano, el cambio climático es una realidad, y trágica.

Cambiando de tema. Me llama la atención que mientras en los cines dejan entrar a la gente una vez comenzada la película (al contrario que en los teatros, sana costumbre), en un festival como este no dejan entrar a los críticos que llegan tarde. Tal prohibición debería aplicarse, a mi entender, en todas las salas de cine del mundo, porque es una falta de respeto de los dueños del cine para con la gente que ha llegado a su hora y se tiene que j… porque el desaprensivo de turno está buscando su butaca en medio de la oscuridad.

Mal día para la sección oficial, pero bueno para Zabaltegi

Comenzó el día haciendo cola junto a dos críticos franceses (hombre y mujer), a los que entendía nada pero que eran unos pelmazos arrogantes. No sólo por sus ademanes que justifican la aversión de alguna gente a la figura del crítico, sino porque se fueron de la cola y luego volvieron y me reclamaron su sitio como si tal cosa. Muy majos.

Vimos, a las 9 en punto, la muy esperada película de Jim Jarmusch ‘Los límites del control’, filmada íntegramente en localizaciones de Madrid, Sevilla y Almería. Jarmusch es un director esencial en el cine norteamericano contemporáneo, y lo ha vuelto a demostrar con esta extraña e hipnótica historia, tan minimalista y sugerente como todas las suyas. La gente no sabía muy bien qué decir con ella cuando terminó la proyección, yo aplaudí de buena gana.

No hay el menor indicio de divismo ni de autocomplacencia en la puesta en escena de Jarmusch, que sigue a un hierático hombre sin nombre (interpretado con gran fuerza por Isaach De Bankolé) por diversas geografías de España. Por cierto que le saca más partido, visualmente, a la ciudad de Madrid, que los trescientos directores patrios que lo han intentado antes que él, lo cual resulta tremendamente frustrante. Con una selección musical yo diría que exquisita, somos testigos de una aventura insólita, de una venganza abstracta, en la que, como en ‘Inglourious Basterds’, los idiomas tienen una gran importancia.

Con la serenidad y la elegancia de ‘Ghost Dog’, y el sentido fatalista de ‘Dead Man’, Jarmusch firma otra gran película. En la rueda de prensa (en la que muchos no preguntaban más que obviedades), no tuvo problemas para hablar y hablar, con gran prestancia y energía, de sus ideas. Este hombre es uno de los grandes.

A las 12 pudimos ver la esperada ‘Hadewijch’, del niño bonito de Cannes Bruno Dumont. Es un director que algunos colocarían en la estela de Depleschin o Klotz, pero ni por asomo, y con la nueva película, que es la peor de las suyas, vuelve a reincidir en ese estilo académico y pagado de sí mismo que resulta tan exasperante. Se trata de un hombre de gran cultura cinematográfica, que sabe lo que hace y se defiende bien, pero que no sabe tratar el material del que habla.

Una adolescente (una esforzada y brillante julie Sokoowski) en cuya privilegiada casa no conoce el cariño ni el amor de sus padres, se refugia en un fervor religioso exagerado. Ama a Cristo, eso dice, y su vida carece de sentido porque Cristo no se la lleva con ella. Conocerá a un muchacho musulmán que la llevará por una senda que acabará en tragedia. La historia no está mal, el problema es cómo está contada. Los actores están bien, pero Dumont cuenta bien algunas cosas y otras las cuenta con bastante torpeza, además de que el conjunto parece poco creíble. No se merece estar en el palmarés final.

Por cierto que tuve tanta mala suerte que los dos críticos pelmazos de primera hora se sentaron justo a mi lado, y no pararon de rajar y de moverse en toda la película. De-ses-pe-ra-ción con ellos. Alguien les dijo que se callaran, y lo hicieron…pero siguieron moviéndose sin parar, y dándome codazos. Un verdadero suplicio.

Antes de esta irregular película tuvo lugar la rueda de prensa con Robert Duvall y Aaron Schneider. Ya hablé ayer de la flojita ‘Get Low’, en la que el casi octogenario actor está impresionante. Hoy nos habló de muchas cosas. La sala estaba a medio llenar, pero los que asistimos estábamos encantados con él. Nadie le hacía ni puñetero caso al director, entre otras cosas porque a nadie le interesaba lo que tuviera que decir.

Por la tarde vimos ‘Yo, también’, producción española dirigida por Antonio Naharro y Álvaro Pastor, que es un disparate sin pies ni cabeza y que, si está en el palmarés final, no hay justicia en este mundo. Cuenta la historia de un hombre con síndrome de Down que se enamora del personaje de Lola Dueñas (ex-musa de Javier Rebollo, cuya ‘La mujer sin piano’ se presenta mañana), y que intenta conquistarla. En teoría es una película con mensaje buenrollista en pos de la igualdad de trato con esta minoría.

El problema es que el mensaje es tan evidente, y la forma de hacerlo es tan zafia, que no hay por donde cogerla. Los directores tratan de imbéciles a los espectadores, y acaba uno harto de tanta ñoñería, tanta previsibilidad y tanto tono políticamente correcto. Además, no se le pueden echar menos (y seguro que me echan la bronca por el taco) cojones al asunto. Qué poca verdad, qué poca valentía, que poca verosimilitud y qué poco cine. Y qué pena.

Y eso ha sido todo en el día de hoy. Mañana más. A las 7:45 arriba. Espero que me den alguna alegría.

Saludos desde Donosti

Casi siempre nos quejamos de que las historias que se ruedan este país son iguales entre sí y no buscan la innovación. Este mes ocurre todo lo contrario, pues hay variedad de géneros, de temática y de formatos: tenemos una aventura sobre los ninots de las fallas valencianas, la predicción del Apocalipsis en Talavera de la Renia, thrillers, una comedia romántico-musical, un film en 3D estereoscópico, algunas tv-movies (una de ellas, de Daniel Calparsoro) y el proyecto de lo próximo que rodará Jaume Balagueró que, claro, será de terror. Da la sensación de que por fin algo se está moviendo en el seno de la producción cinematográfica patria y eso nos alegra, aunque sólo estemos en los comienzos. También hablaremos de un papel para Óscar Jaenada en un film estadounidense: la adaptación del cómic de Vertigo ‘The Losers’.

‘Noche de ¿Paz?’

Dygra Films presentó en Cannes su primer largometraje en Digital 3D estereoscópico, ‘Noche de ¿Paz?’, una comedia familiar sobre la Navidad que enfrenta a las huestes de Santa Claus con los Reyes Magos.

‘Noche de ¿Paz?’ estará finalizada a últimos de este año, aunque de momento no tiene fijada la fecha de estreno, que se planteará de acuerdo con los distribuidores, bien para las próximas Navidades o para las de 2010, pensando en este último caso en un gran estreno a nivel internacional.

Dygra es la productora de ‘El bosque animado’, ‘La noche de San Juan’, ‘El espíritu del bosque’, etc…

‘La ira’

Daniel Calparsoro dirige la tv-movie ‘La Ira’, que tratará sobre el asesinato de dos jóvenes en Betanzos, basándose en el suceso que conmocionó a la población gallega. Telecinco y New Atlantis le producirán, además, otros dos telefilmes: ‘La vergüenza’, sobre los casos de desapariciones de adolescentes, y ‘La ley de las ánimas’, acerca de una investigación criminal con tintes sobrenaturales.

Este director se convirtió en un fenómeno durante los años noventa y recibió la aclamación –en mi opinión, exagerada— del público más joven por films como ‘Salto al vacío’, ‘Pasajes’, ‘A ciegas’, ‘Asfalto‘… En nuestra década, realizó ‘Guerreros’ y ‘Ausentes’, pero en estos momentos está muy olvidado en mundo de la gran pantalla. Recientemente se pudo ver en televisión ‘El castigo’, otra miniserie dirigida por él.

‘Sleep Tight’

Ofrecemos también una noticia que aún no habla de un rodaje, pero que lo anuncia para dentro de poco: durante el Festival de Cannes se celebra en paralelo el Mercado de Cannes, donde se venden y compran proyectos de películas. Allí la productora Filmax presentó ‘Sleep Tight’, antes conocida como ‘Flatmate’, la que será la próxima película de Jaume Balagueró, autor de ‘Los sin nombre’, ‘Darkness’, ‘Frágiles’, ‘[REC]’ y ‘Para entrar a vivir’.

Se trata de un thriller de terror escrito por Alberto Marini y ambientado en Nueva York. Su rodaje, en inglés, está previsto para 2009.

Estará protagonizada por Luis Tosar y Marta Etura.

Balagueró tiene pendiente de estreno ‘[REC]2’, que, como ya sabemos, codirige junto a Paco Plaza.

‘The Losers’

No se trata de un rodaje de cine español, pero sí de un español en un rodaje de cine. Óscar Jaenada, que ya había trabajado en EE. UU. en ‘Che: Guerrilla’, de Steven Soderbergh, y ‘The limits of Control’, de Jim Jarmusch; participa en la adaptación cinematográfica del cómic de Vertigo ‘The Losers’, escrito por Andy Diggle e ilustrado por Jock. La dirección la llevará a cabo Sylvain White, con producción de Joel Silver, entre otros, y guión de James Vanderbilt. Comparten cartel con Jaenada Jeffrey Dean Morgan, Idris Elba, Chris Evans, Columbus Short, Jason Patric y Zoe Saldana.

La película relatará las aventuras de un grupo de operaciones encubiertas que es marcado como objetivo de su propio gobierno. Mientras huyen de los compañeros que sus antiguos jefes han enviado para aniquilarles, intentarán descubrir los trapos sucios de su propio país para vengar así la traición a la que han sido sometidos. El actor español Óscar Jaenada dará vida a Cougar.

‘Ninots, la gran aventura’

Manuel J. García dirige un film de animación con los ninots de las Fallas como protagonistas. Alfonso Azpiri se encarga del diseño de los personajes a los que prestan sus voces las actrices Iris Lezcano y Carmen Juan y el humorista Pedro Reyes. Por desgracia, también personajes famosos, pero no relacionados con la profesión, participan en el doblaje: el golfista Sergio García, el campeón de motociclismo Jorge Martínez Aspar y el compositor Nacho Mañó.

‘Ninots, la gran aventura’ trata de mostrar una trama repleta de aventuras, intriga y humor para todos los públicos. Su estreno está previsto para 2011.

‘Talavera de la Reina, inicio del último Apocalipsis’

Toni Trivino dirige, en 35 mm. Full HD, el largometraje ‘Talavera de la Reina, inicio del último Apocalipsis’, que tiene como protagonista al actor de doblaje Antonio Esquivias.

La película comienza en la baja Edad Media, casi rozando el Renacimiento, cuando unos jinetes, acompañados de un hombre vestido de negro, se aproximan a una abadía solitaria. Allí, un monje custodia antiguos manuscritos en los que se predice el Apocaipsis en el año 2012. La historia habla sobre el bien y el mal, sobre las religiones, sobre el fin del mundo y sobre la verdadera naturaleza del hombre.

‘Una hora más en Canarias’

‘Una hora más en Canarias’ es una comedia romántico-musical de enredos, mentiras y situaciones disparatadas, que dirige David Serrano, en 35 mm, con un reparto compuesto por Quim Gutiérrez, Eduardo Blanco, Kiti Manver, Isabel Ordaz, Angie Cepeda, Juana Acosta y Miren Ibarguren.

Claudia es una mujer atractiva de treinta y cinco años; tiene un bonito café en el centro de Madrid, un marido guapo al que adora, un hijo guapo al que adora, y un amante aún más guapo al que adora aún más. Su vida no puede ser más perfecta, o eso parece, porque Pablo, su amante, ha decidido que está harto de ser solamente eso: su amante, y le ha dejado por por otra mujer. Nuestra heroína, que no soporta perder ni a los chinos, no está dispuesta a dejarle escapar, así que con la ayuda de su hermana Mónica, y de un poco de chantaje económico y emocional, organiza lo que a primera vista parece un sencillo plan para recuperarle: llevárselo lejos de su novia para así poder seducirle con mayor facilidad.

‘La balada del Estrecho’

Jaime Botella rueda la tv-movie ‘La Balada del Estrecho’, un thriller social que tiene como telón de fondo el tráfico del Estrecho. Su trama gira en torno a Samuel, un hombre que regresa a la ciudad de la que tuvo que huir años atrás por turbios asuntos. Al protagonista la vida no le ha tratado bien, pero parece que esta vez, y a causa de una herencia, puede comenzar una nueva vida. Pero, para conseguirlo, deberá luchar contra los conflictos del pasado.

‘La mujer sin piano’

Javier Rebollo (‘Lo que sé de Lola’) ha comenzado a rodar ‘La mujer sin piano’, un melodrama protagonizado por Carmen Machi (‘Aída’). La filmación, en 35 mm, que está producida por Avalon PC y Lolita Films, se desarrollará durante 6 semanas en distintas localizaciones de la ciudad de Madrid, como los barrios de las Letras, Lavapiés, Embajadores y El Rastro, o lugares tan singulares como el bar El Brillante en la Glorieta de Atocha, la Estación Sur de Autobuses o el Hotel Mediodía.

‘El Edén’

Xavier Manich dirige en Barcelona y Toledo la tv-movie de suspense ‘El Edén’. Javier Guerrero es un policía que estrena nuevo destino en una pequeña localidad de provincias. Su llegada es providencial porque, antes de incorporarse a su nuevo lugar de trabajo, realiza su primera detención de manera casi fortuita: un delincuente de poca monta que ha atracado una gasolinera. El caso se complica cuando Ángel, el atracador, es relacionado con la muerte de agricultor de la zona, Vicente, conocido por oponerse a un plan urbanístico llamado “El Edén”, que afectará al pueblo. Javier ha de enfrentarse a todo un pueblo para descubrir el terrible secreto que se esconde tras el proyecto urbanístico que ha de mejorar la vida de todos sus habitantes.

‘Axun eta Maite’

Jon Garaño y José Mari Goenaga ruedan su ópera prima, que gira en torno al reencuentro de dos mujeres que viven su amor en la madurez.

‘Pablo Tarso. El último viaje’

Pablo Moreno dirige en Ciudad Rodrigo esta película de tintes cristianos que combinará aventuras con religión y que está producida por Contracorriente Producciones y la Editorial San Pablo.

Vía | Cine y Tele, entre otros.

Hay películas que se ganan nuestra simpatía con sólo una escena. ‘Bajo el Peso de la Ley’ (del original ‘Down by Law’, o ‘Don Bailao’ como lo llaman algunos), película de Jim Jarmusch, es un decente título que cambia de género varias veces. Rodada en riguroso blanco y negro, cuenta las andanzas de tres presos cuyas historias se han contado en forma de tramas paralelas. Es curioso que la película sea más un repositorio de anécdotas que una trama lineal. Así, puede ocupar varios minutos las tonterías que hace uno de los personajes en la cárcel, o un diálogo dudosamente trascendente, que por ejemplo, los detalles de la fuga que se lleva a cabo.

Los protagonistas de la película, y de la escena que les presento, son Tom Waits, John Lurie y Roberto Benigni. Sí, Roberto Benigni, que ya era un actor conocido antes de ‘La vida es bella’, aunque muchos espectadores no le habían descubierto todavía. Están en la cárcel, jugando al póker, y de repente al personaje de Benigni, que habla con un marcadísimo acento italiano, se le ocurre, por asociación de ideas, el gran parecido fonético entre “scream” y “ice cream” (gritar y helado, respectivamente).

Entonces Benigni empieza a recitar, más que a cantar, una frase ingeniosa de forma obsesiva: “I scream, you scream, we all scream for ice cream” (“yo grito, tú gritas, todos gritamos por helado”). Su acento italiano hace que se incluya una “a” final detrás de scream y ice cream. Sus compañeros de celda al principio se quedan tan atónitos como el espectador, pero luego empiezan a imitarle, con una entonación asonante e hipnótica, y más tarde toda la cárcel empieza a cantar como una especie de cántico de rebelión.

Si esta película se hubiera hecho en la actualidad y no en 1986, seguramente sería una opción para los politonos de móviles, sería objeto de parodias en cine y televisión, y sería, en fin, parte de la cultura popular. Les parecerá simpático o abominable, pero todos se sorprenderán repitiendo mentalmente el soniquete durante horas. Por cierto, que Jarmusch ha filmado su última película, ‘The Limits of Control’, en Madrid, Almería y Sevilla.

Jarmusch rodará su nueva película, ‘The Limits Of Control’, para la que ha vuelto a contar con el actor Bill Murray, en Madrid, a partir de mañana, 4 de febrero. La Estación de Atocha-Renfe, el aeropuerto Madrid-Barajas, el emblemático edificio Torres Blancas, el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, la calle Barquillo, ‘Casa Patas’ o la Plaza de San Ildefonso en el corazón del barrio de Malasaña, son algunos de los lugares escogidos para el rodaje.

‘Los límites del control’ sigue a un hombre misterioso y solitario cuyas actividades se quedan meticulosamente al margen de la ley. Está terminando un trabajo y, ya que no confía en nadie, sus intenciones no se conocen desde un principio.

Además de Murray, en esta historia interviene el actor marfileño Isaach de Bankolé, que ya ha participado en otros tres films de Jarmusch, y una intérprete asiática de la que no han facilitado el nombre.

El galardonado Christopher Doyle (‘Deseando amar’) se encargará de la dirección de fotografía; Eugenio Caballero, ganador del Oscar por ‘El laberinto del fauno’, será el diseñador de producción; Jay Rabinowitz, que ya lleva muchos años colaborando con el cineasta, llevará a cabo el montaje, y Jon Kilik (‘Babel’) será el productor ejecutivo.

Stacey Smith, que lleva trabajando con Jarmusch más de una década, y Gretchen McGowan, que co-produjo ‘Coffee and Cigarettes’, serán quienes produzcan. Focus Features es la productora, junto con PointBlank Films, que pertenece al director. Teresa Moneo será quien supervise en nombre de estas empresas.

El Presidente de Focus, James Schamus, comentó, “Jim Jarmusch define lo que significa ser un cineasta independiente para las audiencias de todo el mundo, y estamos encantados de unirnos a él siguiendo el éxito que tuvimos juntos con ‘Flores rotas’ (‘Broken Flowers’)”.

Fuente | MCNBlogs.

La película en cuestión, ‘Coffee and Cigarettes’ trata historias cortas todas ellas unidas por el café y los cigarrillos, en unas mesas que representan metáforicamente como tablas de ajedrez. Rodada en B/N como es el ajedrez, el café y los cigarillos.

A la vez propone mucho más, nos habla de las diferencias sociales, del respeto, de la falta de respeto, de la cotideanidad, de lo absurdo de la vida, de lo poco que hay en común entre dos desconocidos,de que todo se puede discutir en una mesa con un café y cigarrillos (aunque sea malo).

Jarmusch nos ofrece de nuevo situaciones muy típicas de su cine. Ver ese cara a cara entre Iggy Pop y Tom Waits, en mi opinión, impagable, o ese papel doble de Cate Blanchett que representa las 2 caras de la vida, 2 gemelas que aún ser iguales fisicamente la vida no ha sido igual de justa para ambas, la escena entre los 2 hermanos y el aparato que quieren hacer funcionar (esa parte es realmente friki, tenia que decirlo), la escena entre el negro y blanco que discuten de que hablar si realmente solo quieren verse (muy jarmuschiano esto), el tramo con los gemelos negros y un Steve Buscemi colosal o la penúltima parte con un Bill Murray haciendo las gárgaras recomendadas por RZA, buenisimo.
Aunque creo que el mejor e incluso fabuloso corto es el de Steve Coogan y Alfred Molina, un ejemplo de lo que es realmente la chulería y la soberbia (Coogan) contra la bondad (Molina).

Sus obras son siempre interesante y ante todo no dejan indiferentes, vease por ejemplo las excelentes ‘Down by law’, ‘Night on the earth’ o su última (y grandiosa) obra ‘Broken Flowers’, muy injustamente infravalorada por algunos.