No quiero tu teléfono, ni cartas, ni postales. No quiero casarme contigo. Definitivamente no quiero tener tus hijos. Pase lo que pase, tuvimos hoy. Y si en el futuro llegamos a cruzarnos, eso también está bien. Seremos amigos

En el tramo final de ‘One Day’ (id, Lone Schrefig, 2011), de una intensidad y dramatismo sobrecogedores, el personaje de Anne Hathaway, Emma, suelta esta curiosa declaración, real como la vida misma. El espectador, que ha sido testigo de lo que pasará en los próximos 20 años de las vidas de Emma y Dexter (Jim Sturgess), sonríe con total alegría pues sabe que Emma no cumplirá su promesa. Una declaración en lo alto de una colina en un 15 de julio de 1988 es el punto de inicio a una de las historias de amor más emotivas, verdaderas y deslumbrantes que ha dado el cine en los últimos años. Su estructura narrativa, con saltos en el tiempo que duran un año, no es sólo una atractiva forma de narrar la historia, también remarca el carácter imperecedero del sentimiento más fascinante que el ser humano posee, mostrando la incertidumbre, los miedos e inseguridades que afloran cuando se presenta la oportunidad de ser feliz.

Pero ‘One Day’ no es sólo una historia de amor. Tal y como reza mi compañera Beatriz en el titular de su crítica, la película es también un análisis quirúrgico sobre el paso del tiempo, y las distintas formas de enfrentarnos a ello. La relación de Emma y Dexter sirve precisamente de muestrario. El aguante y resignación de una mujer esperando a que el amor de su vida despierte, con una serenidad y coherencia que de sólo pensarlo me hace temblar. Por otro lado, un hombre que puede tenerlo todo, pero decide desperdiciar parte de su vida tal y como hacemos la mayoría de los hombres en un momento dado de nuestras existencias. Y es que la película también se atreve a hablar sobre los diferentes caminos que recorren mujeres y hombres cuando se trata de amor. A veces no llegan a cruzarse nunca, otras es imposible separarlos, como si algo a lo que prefiero no ponerle nombre, hiciese que esos caminos se cruzasen siempre hasta completar el viaje.

‘One Day’ es la adaptación del libro homónimo de David Nicholls que también ha escrito el guión de la película. La premisa, antes mencionada, recoge la vida de una pareja de amigos a lo largo y ancho de 20 años, haciendo hincapié en el día que se conocieron. Durante casi dos horas, somos testigos de lo que sucede en ese día tan señalado, siendo el paso del tiempo un protagonista añadido en la historia, realmente más de lo que parece. Elipsis que nos llevan de un 15 de julio a otro sin necesidad de presenciarlos todos, y un inteligente uso del fuera de campo con el que se narran hechos importantes, fortalecen una historia con numerosos números para caer en la ñoñería o en un falso romanticismo. La estructura narrativa y una puesta en escena más sobria de lo esperado son los pilares básicos de ‘One Day’, que también se apoya en unas interpretaciones por encima de la media.

El trabajo de la danesa Lone Scherfig, que parece haber encontrado en el cine estadounidense su lugar de expresión, está lleno de detalles visuales que van más allá de una mera pose estética. En la segunda imagen tenemos uno de los instantes más inspirados del film en cuanto a forma se refiere. A esas alturas todos sabemos que Emma y Dexter son perfectos el uno para el otro. Nuestro deseo queda expresado en la imagen del espejo, la de una pareja durmiendo plácidamente con ella apoyando su cabeza en él, y fundido en negro que no se repite hasta el tramo final, cuando descubrimos qué pasó el primer e inolvidable día que sus vidas se cruzaron. Con un plano que parece una ilusión se habla de otro de los significados de dicha palabra, de la alegría sin parangón que produce el sentimiento amoroso, algo que enseguida reconocemos. Con ese pequeño detalle —y aquí podríamos decir que las grandes historias de amor nacen y sobreviven a base de los pequeños detalles—, que no es el único, ‘One Day’ sortea con inteligencia tópicos y clichés a la hora de hablar de algo sobre lo que ya se lleva hablando desde el inicio de los tiempos.

A pesar de que la película nos ofrece un personaje femenino fascinante, parece girar más alrededor de la figura masculina, Dexter, de quien Jim Sturgess ofrece una muy arriesgada composición. Su rol sirve para mostrar la poderosa influencia del paso del tiempo en nuestras vidas, de las decisiones que tomamos y de los errores que cometemos. Dexter llega a resultar odioso —su etapa de conocido presentador de televisión—, y también encantador —su etapa de madurez, en la que toma conciencia de sí mismo—. La delicadeza en el tratamiento de dicho personaje —que guarda ecos del Albert Finney de ‘Dos en la carretera’ (‘Two For the Road’, Stanley Donen, 1967)— y de su historia con Emma pasa por no mostrar en pantalla acontecimientos importantes en su vida, siendo narrados éstos en fuera de campo, poniéndolos en boca de los personajes. Sirva como ejemplo lo relativo a la madre de Dexter, excelente Patricia Clarkson, o el primer encuentro sexual de los dos protagonistas.

Anne Hathaway desprende un gran magnetismo, a pesar de ese acento inglés un poco forzado del que enseguida nos olvidamos, desmotrando que es mejor actriz de lo que parece. Rachel Portman apoya la historia con un score para el recuerdo, con una música envolvente que incide en el carácter cíclico del amor, algo que queda claro en los últimos minutos del film, cuando la historia vuelve al origen mostrando la importancia de instantes en apariencia intrascedentes. El lugar más significativo en la relación de Emma y Dexter es una colina que permanecerá incólume con el paso de los años, como testigo silencioso. Pasado y presente se juntan en un solo plano, y el futuro es cosa de cada uno. Porque siempre es una cuestión de decisión. Siempre.

En breve anunciaré un especial muy especial, valga la redundancia, ‘El amor en 32 películas’, del que ‘One Day’ bien podría formar parte. Aquí os dejo el tema central de su bella banda sonora. Con ella podréis evocar vuestros lugares favoritos y todas aquellas palabras de amor que una vez pronunciásteis. En todos y cada uno de ellos, sea una colina, una playa, un arroyo, un motel barato o la más cómoda de las camas, sobrevive una promesa que con el paso del tiempo se tornará verdad o quedará enterrada, depende de vuestra decisión. Buenas noches.

Ojo a esto. En principio parece lo de siempre, chico a conoce a chica, se enamoran y hay problemas. Pero atención: esta vez los enamorados viven en mundos separados. Son seres humanos, no hay gatos azules ni vampiros, pero cada uno pertenece a una realidad diferente que no debería mezclarse con la otra… Aquí os traigo el sorprendente e intenso tráiler de ‘Upside Down’, un drama romántico de ciencia-ficción protagonizado por Jim Sturgess y Kirsten Dunst, dos de los actores jóvenes más solicitados y talentosos del momento. Si no sabéis por qué, buscad ‘One Day’ y ‘Melancolía’. De nada.

Los argentinos Santiago Amigoren y Juan Diego Solanas firman el guion original de ‘Upside Down’, una valiente coproducción de Francia y Canadá que ha costado entre 50 y 60 millones de dólares, y que debería llegar a los cines a lo largo de este año; Solanas se ha encargado de la puesta en escena, siendo su segundo largometraje de ficción tras ‘Nordeste’ (no la he visto, pero si fue incluida en la sección “Un Certain Regard” del festival de Cannes 2005 no debe ser muy mala). Jayne Heitmeyer, Agnieshka Wnorowska, John Maclaren, Holly O´Brien y Larry Day, entre otros, completan el elenco de actores de la película, a la que pone música Benoît Charest (nominado a un Oscar por su trabajo para ‘Bienvenidos a Belleville’). Sobre la trama no hay mucho que contar, lo básico está en el tráiler y no creo que sea conveniente saber mucho más. Hay dos mundos, uno “normal” y otro boca abajo, como en esa escena de ‘Origen’ (‘Inception’) en la que Ellen Page aprendía a manipular los sueños. Y aunque los habitantes de un mundo no deben mezclarse con los del otro, el protagonista masculino, de nombre Adam (Adán), no está dispuesto a vivir separado de la protagonista femenina, llamada Eve (Eva). Seguro que el final es muy inesperado y emocionante…

PD: Los letreros y subtítulos del avance están en francés porque era una exclusiva de Canal +. Si sale subtitulado al castellano, avisadme y lo cambio.

Dirigida por Lone Scherfig y escrita por David Nicholls, basándose en su propio libro, ‘One Day (siempre el mismo día)’ es una película, protagonizada por Anne Hathaway, Jim Sturgess, Patricia Clarkson, Romola Garai, Rafe Spall, Ken Stott y Jodie Whittaker, que viene a decir esta película es que el amor supera las barreras del tiempo y no desaparece, a pesar de los años.

De forma similar a como hacía ‘El próximo año, a la misma hora’ (‘Same Time, Next Year’, 1978), de Robert Mulligan, con Ellen Burstyn y Alan Alda, ‘One Day’ nos muestra a una pareja a lo largo de los años, conectando con ella, como indica el subtítulo español, siempre el mismo día. La diferencia es que la mujer y el hombre del primer film elegían esa fecha para verse y provocaban el encuentro. Mientras que en esta nueva aproximación, la cámara baja sobre ellos sin que sean conscientes, al menos de momento, de que el día tenga algún significado y los pilla como estén, topándose a veces como instantes muy significativos en sus devenires vitales y en otras ocasiones con la pura cotidianeidad. Ambos planteamientos me parecen ricos y llenos de potencial cada uno a su manera.

El trabajo que hace Scherfig es magnífico, ya que lo más reseñable que contiene la película son el tono y la ambientación. La película resulta elegante y amena y la recreación de las distintas épocas, acompañada por canciones de cada momento, es de una pasmosa fidelidad, pero sin estar remarcada o exagerada en los atuendos y decorados estridentes.

Personajes

El otro gran aliciente se encuentra en la caracterización e interpretación de los protagonistas, especialmente en lo que se refiere a Anne Hathaway, quien va sufriendo una transformación para estar cada vez más atractiva y en la que son creíbles todas las edades que representa. Como tantas otras veces, se ocupa de un personaje encantador y completo para hacernos pensar que el otro tiene que estar ciego para no darse cuenta de lo que tiene delante. Hay algo en ella, no obstante, que se me antoja irreal, quizá porque está demasiado confeccionada para ser interesante o porque esas características que se le achacan, como su inteligencia y su creatividad, aparte de mencionarse, no se terminan de asociar a su comportamiento. Es difícil retratar a personajes contando solo con un instante de cada uno de sus años de vida, así que Scherfig se acerca todo lo que puede.

Con el personaje de él ocurre lo contrario: no cae bien. En un principio puede encontrársele un atractivo a su sarcasmo y su canallismo. Pero el periódico que lo define como el “hombre más molesto de la televisión” da en el clavo sobre su personaje durante esa franja de la película. Esto no es algo que se le haya escapado a la autora de las manos, sino un retrato intencionado de un personaje que no es consciente de lo que se está perdiendo. Lo que ocurre es que provoca el efecto no deseado de que se pierda, al menos durante ese tiempo, el interés por saber si ella conseguirá el amor de él y en lugar de eso, cabe desear que encuentre a otro que la sepa apreciar –se enfatiza la negatividad del personaje del cómico para que el protagonista gane en la comparación–. Pasada esta etapa, su personaje se recompone y recobra la empatía con la que se inició, pero incluso así, por muy guapo que sea, habría hecho falta un intérprete de mucho mayor carisma para sostener la credibilidad del enganche de ella contra viento y marea.

Intensidad

Cada momento de ‘One Day’ está conseguido y todos los aspectos que la componen están bien llevados o traídos. A pesar de ello, es un film que no termina de emocionarme, ya que encuentro que queda escaso en cuanto a intensidad. Existen momentos en los que parece que va a alcanzar esa fuerza –muy buena la declaración en el agua de la playa por la noche–, pero en seguida la directora los diluye o nos baja de ese subidón de emoción, para que la película pueda continuar con lo que ha planteado, ya que, de otra forma, finalizaría antes. Con esto, también echo de menos algo más de clímax, no necesariamente amoroso o sexual, pero sí narrativo, es decir, un momento en el que parezca que todo cobra sentido o que llega la respuesta tan esperada, ya fuese para bien o para mal. Así, la película me parece agradable y encantadora, pero no me lleva más allá.

Cuando se discute sobre la objetividad de una narración siempre hay que señalar que, por mucho que lo retratado sea fiel a la realidad, siempre hay una intervención o un posicionamiento por parte de los autores aunque solo sea porque eligen qué parte de toda esa realidad se refleja, dónde se empieza y se acaba de contar. Esto se aplica en esta película que, si hubiese terminado con el día que se proponen o se rinden a ese amor que ya sentían se habría considerado una comedia romántica, género denostado hoy en día. Sin embargo, debido a que la película va más allá y continúa incluyendo otros sucesos de la vida de estos personajes, cobra el cariz de tragicomedia y, con ello, otra consideración para quienes no se conforman con las historias de amor. Al contener también los momentos menos felices parece que ganase profundidad.

Como resumen, diría que ‘One Day (siempre el mismo día)’ me parece una película más que correcta, rodada con buen gusto y cierta originalidad de tono, que en absoluto cae en la cursilería. Supone un deleite observar los distintos aspectos por los que va pasando Anne Hathaway –ningún fan de la actriz debería perdérsela– y adentrarse en esas recreaciones de las épocas, nada estridentes, pero muy acertadas. A pesar de todo ello y de que no hay nada en la cinta que se pueda reprochar con claridad, de alguna forma, se me queda corta en intensidad dramática y no destaca para mí especialmente para convertirse en uno de mis films del año, como sí hizo durante el 2010 el anterior trabajo de esta directora: ‘An Education’.

Mi puntuación:

Esta semana se ha vuelto a hablar de ‘El atlas de las nubes’ (‘Cloud Atlas’), lo nuevo de los hermanos Wachowski. Y es que el inglés Hugh Grant se ha incorporado al ambiciosa producción que tienen entre manos los cineastas norteamericanos, en cuyo reparto ya figuraban Tom Hanks, Halle Berry, Hugo Weaving, Ben Whishaw, Jim Sturgess, Susan Sarandon, Jim Broadbent y Bae Doona. La participación de Hanks y Berry fue anunciada a finales del año pasado, y en principio también iba a estar Natalie Portman, pero la protagonista de ‘Cisne negro’ (‘Black Swan’) se ha desvinculado del proyecto, supongo que para disfrutar un poco de su reciente maternidad. No importa, ya hay nombres más que suficientes como para esperar con ilusión la adaptación a la gran pantalla del libro de David Mitchell.

Recordemos que ‘El atlas de las nubes’ narra seis historias relacionadas entre sí, ambientadas en diferentes lugares y épocas, desde el siglo XIX hasta un futuro apocalíptico. El rodaje, a las órdenes de los directores de ‘Matrix’ y el alemán Tom Tywker (‘El perfume’), arrancará el próximo 16 de septiembre y tendrá lugar en Escocia, Alemania y España. Por el momento no hay fecha de estreno pero dudo que la podamos ver el año que viene, tiene pinta de que necesitará un largo proceso de post-producción. Aparte de que las cuatro últimas películas dirigidas por Andy y Lana Wachowski estaban repletas de efectos visuales, lo digo porque al parecer cada actor interpretará a varios personajes, tanto hombres como mujeres, y dudo mucho que la transformación se limite a un asunto de vestuario y maquillaje. A ver si para 2013.

PD: Según he leído, habrá dos sets de rodaje trabajando de manera simultánea, uno para los Wachowski y otro para Tywker. A ver qué sale de la mezcla.

Vía | ScreenDaily

‘El Discurso del Rey’

Título original, nacionalidad, año: ‘The King’s Speech’, R. U., 2010

Dirigida por: Tom Hooper

Intérpretes: Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Michael Gambon, Guy Pearce

Sinopsis: A la muerte de su padre, el rey Jorge V, y tras la escandalosa abdicación del rey Eduardo VIII, Bertie, afectado desde siempre de un angustioso tartamudeo, asciende de pronto al trono como Jorge VI de Inglaterra. Su país se encuentra al borde de la guerra y necesita desesperadamente un líder, por lo que su esposa Isabel, la futura reina madre, le pone en contacto con un excéntrico logopeda llamado Lionel Logue. A pesar del choque inicial, los dos se sumergen de lleno en una terapia poco ortodoxa que les llevará a establecer un vínculo inquebrantable. Con el apoyo de Logue, su familia, su gobierno y Winston Churchill, el rey supera su afección y pronuncia un discurso radiofónico que inspirará a su pueblo y lo unirá en la batalla.

Aparece en tres ediciones diferentes, de las que salen en DVD, una de las cuales lleva dos discos y se hace llamar «especial». En Blu-ray aparece la edición sencilla.

Como ya sabéis, me pareció que se exageraba con la cantidad de premios que recibió esta película y la aclamación. La encuentro correcta en casi todo y con algún momento memorable, pero no podría decir que es una obra maestra. Siempre he admirado a Colin Firth, sin embargo no me parece este su papel más notable, eso sí, es el más premiable.

Críticas a ‘El discurso del rey’ en Blogdecine (por orden cronológico):

• ‘El discurso del rey’, hueco lucimiento de actores, por Beatriz Maldivia.

• ‘El discurso del rey’, amistad sin titubeos en un mundo cambiante, por Alberto Abuin.

• ‘El discurso del rey’, la sencilla fórmula del éxito, por Juan Luis Caviaro.

‘También la lluvia’

Nacionalidad, año: Española, 2010.

Dirigida por: Icíar Bollaín

Intérpretes: Luis Tosar, Gael García Bernal, Raúl Arévalo, Karra Elejalde, Carlos Aduviri, Carlos Santos

Sinopsis: Costa, un descreído productor de cine, y Sebastián, joven e idealista realizador, trabajan juntos en un proyecto ambicioso que van a rodar en Bolivia. La cinta que van a filmar tratará sobre la llegada de los españoles a América poniendo el acento en la brutalidad de su empresa y en el coraje de varios miembros de la Iglesia que se enfrentaron con palabras a las espadas y las cadenas. Pero Costa y Sebastián no pueden imaginar que en Bolivia, donde han decidido instalar su Santo Domingo cinematográfico, les espera un desafío que les hará tambalearse hasta lo más profundo. Tan pronto como estalla la Guerra del Agua (abril de 2000) las convicciones de uno y el desapego del otro comienzan a resquebrajarse, obligándoles a hacer un viaje emocional en sentidos opuestos.

En mi opinión, a esta película le ha ocurrido lo contrario que a la anterior: obtuvo menos premios de los que se merecía. Unos Goya demasiado decantados hacia una dirección única me hicieron sospechar que las decisiones estaban basadas en algo más que lo puramente cinematográfico. Un guion excelente, con varias historias muy bien enlazadas, nos cuenta un relato duro y complejo. Por supuesto, no voy a negar que tiene sus defectos, como el excesivo tiempo que requiere para arrancar y alguna precipitación en la resolución. No obstante, en general se trata de una opción más que recomendable.

Críticas a ‘También la lluvia’ en Blogdecine (por orden cronológico):

• ‘También la lluvia’, un gran relato en dos épocas, por Beatriz Maldivia.

• ‘También la lluvia’, otro torpe relato español, por Juan Luis Caviaro.

‘Biutiful’

Nacionalidad, año: España, México, 2010.

Dirigida por: Alejandro González Iñárritu

Intérpretes: Javier Bardem, Maricel Álvarez, Diaryatou Daff, Eduard Fernández, Ana Wagener.

Sinopsis: ‘Biutiful’ es la historia de un hombre en caída libre. En viaje a la redención, la oscuridad ilumina su camino. Conectado al otro mundo, Uxbal es un héroe trágico y padre de dos niños que, al sentir el peligro de la muerte, batalla contra una dura realidad y un destino que va en su contra para poder perdonar, perdonarse, por amor y para siempre.

Una película dura, que remarca más de lo necesario el drama de la vida real y que carga las tintas hasta el extremo. Muy bien realizada, en todo lo que concierne a su estética —bella fotografía, encuadres bien escogidos…—, y muy bien interpretada, pero no es ni será nunca mi tipo de película. Por cierto, en esta ocasión, sale a la venta únicamente en Blu-ray.

Crítica a ‘Biutiful’ en Blogdecine:

‘Biutiful’, infierno terrenal, por Juan Luis Caviaro.

‘Winter’s Bone’

Nacionalidad, año: EE. UU., 2010

Dirigida por: Debra Granik.

Intérpretes: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Lauren Sweetser, Sheryl Lee, Kevin Breznahan.

Sinopsis: La adolescente de 17 años, Ree Dolly (Jennifer Lawrence) se embarca en la búsqueda desesperada de su padre, que desapareció tras haber puesto el dinero de la casa familiar para pagar su fianza. Si no lo logra, perderán su casa y ella y su familia serán devueltos a los bosques Ozark. Desafiando el código de silencio y las amenazas y arriesgando su vida para salvar a los suyos, Ree Dolly descubrirá que entre lo que ve y lo que oye se esconde la verdad que no quieren que conozca.

Críticas a ‘Winter’s Bone’ en Blogdecine:

• ‘Winter´s Bone’, el infierno en la tierra, por Alberto Abuin.

• ‘Winter’s Bone’, gran cine sin paliativos, por Adrián Massanet.

‘Encontré al Diablo (I Saw the Devil)’

Título original, nacionalidad, año: ‘Akmareul boattda’, Corea, 2010.

Dirigida por: Kim Ji-woon

Intérpretes: Lee Byung-hun, Choi Min-sik, Jeon Kuk-hwan, Oh San-ha, Kim Yun-seo, Choi Moo-sung

Sinopsis: Kyung-chul es un psicópata peligroso que mata por placer. Ha cometido asesinatos en serie infernales con unos métodos diabólicos difíciles de imaginar. Sus víctimas son desde chicas jóvenes hasta niños. La policía lleva tiempo tras su rastro sin lograr capturarlo. Un día, su presa es Ju-yeon, la hija de un jefe de policía retirado, cuyo cadáver es hallado en un estado espantoso. El novio de la chica, Soo-hyun, un agente secreto, se propone dar personalmente con el asesino. Jura hacer todo lo que esté en su mano para vengarse del criminal, aún si eso conlleva que él mismo se convierta en un monstruo.

Crítica a ‘Encontré al diablo’ en Blogdecine:

• ‘Encontré al diablo’, otra retorcida venganza, por Juan Luis Caviaro.

‘Animal Kingdom’

Nacionalidad, año: Australia, 2010

Dirigida por: David Michôd

Intérpretes: Ben Mendelsohn, Joel Edgerton, Guy Pearce, Luke Ford, Jacki Weaver

Sinopsis: Tras morir su madre, Joshua “J” Cody se va a vivir a Melbourne con sus tíos, con los que hasta ahora no ha tenido ningún tipo de contacto. Allí estará bajo la custodia de su abuela. Aunque se adaptará rápidamente a su nueva vida, no tardará en descubrir que este mundo es mucho más peligroso de lo que nunca había imaginado. Un policía, Nathan Leckie, debe atraer a “J” para que sea su señuelo y poder protegerle de policías corruptos y de un submundo paranoico y vengativo. Para sobrevivir, “J” deberá elegir qué lugar quiere ocupar dentro de este peligroso juego: estar con la familia o con la ley.

Crítica a ‘Animal Kingdom’ en Blogdecine:

• ‘Animal Kingdom’, el poder de la familia, por Alberto Abuin.

‘Camino a la Libertad’

Título original, nacionalidad, año: ‘The Way Back’, EE. UU. 2010.

Dirigida por: Peter Weir

Intérpretes: Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan, Dragos Bucur

Sinopsis: Un grupo de presos de un campo de trabajo de la Unión Soviética que, junto con otros cuatro compañeros de cautiverio, huyen del gulag siberiano en el que están recluidos e inician un peligroso viaje a través de miles de kilómetros de terreno hostil tratando de llegar a la India. Guiados por la esperanza de alcanzar la libertad, deberán enfrentarse a las condiciones más adversas de sus vidas.

Críticas a ‘Camino a la libertad’ en Blogdecine:

• ‘Camino a la libertad’, cine grande, cine de verdad, por Adrián Massanet.

• ‘Camino a la libertad’, un canto al coraje, por Juan Luis Caviaro.

‘Primos’

Nacionalidad, año: Española, 2011.

Dirigida por: Daniel Sánchez Arévalo.

Intérpretes: Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo, Adrián Lastra, Inma Cuesta, Antonio de la Torre, Clara Lago.

Sinopsis: A Diego le ha dejado su novia plantado en el altar. Sus primos, Julián y José Miguel, deciden llevárselo a las fiestas del pueblo donde veraneaban de pequeños. Un fin de semana de juerga para olvidar y, sobre todo, intentar recuperar a su amor de adolescencia, Martina. A grandes males, grandes borracheras. Un plan infalible, ¿no?

Parece bastante divertida y catártica. No creo que se asemeje mucho a ‘AzulOscuroCasiNegro’, primer film de Sánchez Arévalo, donde el director demostraba una gran habilidad para dirigir a los actores, contar historias y encajar las subtramas en un conjunto. Sin embargo, aunque por temática vaya más en la línea de su siguiente film, ‘Gordos’, espero que por calidad responda más a los logros de la primera. La última obtuvo la complacencia del público, pero en mi opinión quedó algo tópica y mal armada. Confío en que ‘Primos’ será mucho más redonda. Me quedé con ganas de verla en el cine, así que ahora me animaré.

‘Carne de Neón’

Nacionalidad, año: Española, 2010.

Dirigida por: Paco Cabezas.

Intérpretes: Mario Casas, Vicente Romero, Macarena Gómez, Ángela Molina, Darío Grandinetti, Blanca Suárez, Dámaso Conde

Sinopsis: Ricky (Mario Casas), un joven que se ha criado en un entorno de delincuencia y que vive rodeado de prostitutas, yonkis y chulos, cuyo único sueño es el reencuentro con su madre Pura (Ángela Molina) encarcelada cuando solo tenía 12 años. En ese reencuentro Ricky le hace a su madre un regalo muy especial: el HIROSHIMA CLUB. Pero la feliz idea resulta no ser tan sencilla de poner en práctica, y para ello Ricky contará con la ayuda de unos amigos de lo más extravagantes: Angelito (Vicente Romero), un chulo que se cree el “ángel de la guarda” de las prostitutas; El Niño (Luciano Cáceres) un matón con el desarrollo mental de un adolescente; o La Infantita (Dámaso Conde), un travesti que está convencido de que desciende de la Familia Real.

Críticas a ‘Carne de neón’ en Blogdecine:

• ‘Carne de neón’, hijos de puta con corazón, por Juan Luis Caviaro.

• ‘Carne de neón’ y corazones heridos, por Jesús León.

‘Declaradme culpable’

Título original, nacionalidad, año: ‘Find Me Guilty’, EE. UU., 2006.

Dirigida por: Sidney Lumet,

Intérpretes: Vin Diesel, Peter Dinklage, Annabella Sciorra, Ron Silver, Alex Rocco, Linus Roache, Raúl Esparza, Robert Stanton, Marcia Jean Kurtz

Sinopsis: Relata el proceso criminal más largo de la historia de los Estados Unidos, en el que 20 miembros de la familia Lúchese, de la mafia de New Jersey, fueron acusados de 76 cargos. Sin embargo, uno de los acusados decidió hacer lo impensable: defenderse a sí mismo. Giacomo “Jackie Dee” Di Norscio se dejó tentar por la posibilidad de acortar su pena testificando contra sus mejores amigos, aunque se negó a traicionar a su “familia”. Jackie se enfrentó al juicio como acusado y como abogado.

Tras la muerte de Sidney Lumet, aparece en Blu-ray esta película, que ya tenía su edición en DVD anterior. Se trata de una interpretación curiosa de Vin Diesel, a quien solemos tener encasillado como tipo de un solo papel, aquel en el que luzca musculitos. Divertida en algunos momentos y curiosa en otros, no se puede decir que sea una gran película, pero se deja ver. Lo más curioso es cómo se esfuerza, y con éxtio, por obtener la simpatía del espectador hacia un protagonista reprobable.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Declaradme culpable’ de irresponsabilidad, Sidney Lumet, por Beatriz Maldivia.

Vía | Zona DVD, donde podéis encontrar información sobre detalles técnicos y contenido extra de cada edición.

No diré “ojo a esto”, porque eso lo reservo para mejores avances, pero… considerad la idea de echar un vistazo al vídeo, si todavía toleráis las historias románticas. Hace unos días que circula por la red el tráiler de ‘One Day’ (‘Un día’), una adaptación de la novela homónima de David Nicholls, editada en España con el título de ‘Siempre el mismo día’, cuyo mayor interés reside en la pareja protagonista, formada por Anne Hathaway (aquí con acento inglés) y Jim Sturgess, dos de los jóvenes actores más cotizados del presente. Da la impresión que hay química entre ellos, a tenor del avance, que por cierto recomiendo no ver entero, es de los que duran más de dos minutos y destripan todos los giros de la historia.

El propio Nicholls se ha encargado de escribir el guion de ‘One Day’, que ha sido dirigida por la danesa Lone Scherfig (‘Wilbur se quiere suicidar’, ‘An Education’). La trama se centra en la peculiar relación entre Dexter (Sturgess) y Em (Hathaway), que tras pasar juntos la noche de su graduación, deciden separarse y volver a verse el mismo día del año siguiente, para ver qué ha sido de sus vidas; así lo harán a partir de entonces, un reencuentro de un solo día cada año. Patricia Clarkson, Romola Garai, Jodie Whittaker, Rafe Spall y Georgia King completan el elenco de esta comedia dramática romántica que se estrena el 19 de agosto en Estados Unidos y el 30 de septiembre en Reino Unido. Puede estar bien, aunque por el momento no hay fecha para nuestro querido país.

PD: Gracias a wopr por el aviso.

La bondad puede matarte.

(Sr. Smith)

Los inicios de año suelen venir cargados de buen cine, gracias al interés que despiertan los Globos de Oro y, sobre todo, los Oscars; para competir en estos premios (y poder usarlos como arma publicitaria, que a fin de cuentas es para lo que realmente sirven todos), muchas películas importantes fijan su estreno en diciembre, y a veces en muy pocas salas, solo para que conste el dato, por lo que a nuestro país van llegando a lo largo de los meses de enero y febrero. Tarde, pero es lo que hay. ‘Camino a la libertad’ (‘The Way Back’) no ha entrado en las quinielas, ha sido totalmente eclipsada por el éxito de otros títulos (las últimas de Fincher, Nolan, Aronofsky, los Coen) y quizá por eso nos ha llegado antes, en la primera semana de enero (hasta el próximo viernes no la podrán ver en Estados Unidos, tras un estreno limitado). Sin duda, ha sido una de las primeras alegrías de 2011.

Y es que ‘Camino a la libertad’ supone el regreso de Peter Weir, ocho años después de la magnífica ‘Master & Commander’. Su nuevo trabajo es una adaptación (coescrita por Weir junto a Keith R. Clarke) de una exitosa novela titulada ‘The Long Walk: The True Story of a Trek to Freedom’, en la que Slavomir Rawicz, ex oficial del ejército polaco, narra el prodigioso viaje que protagonizó junto a un grupo de hombres (y una joven) a lo largo de casi seis mil quinientos kilómetros, desde un gulag (o campo de prisioneros) siberiano hasta la India. Hace unos años se descubrió que la historia de Rawicz no era cierta, que no se escapó, fue liberado por los rusos. Aunque en el tráiler aún se mantiene que la película se basa en hechos reales, Weir ha dejado claro es ficticia. Y lo importante es que no lo parece. Es una aventura que se respira y se vive como auténtica, que incluso se sufre, pues es como si realmente esos hombres llenos de coraje hubieran existido, y el espectador hubiera compartido de alguna manera la misma experiencia. La mayoría de las películas que vemos las olvidamos a los pocos días, pocas resisten en nuestras retinas durante semanas, y solo un puñado se quedan grabadas durante más tiempo; ‘Camino a la libertad’ es una de ellas.

La historia arranca en torno a 1940, con los nazis y los comunistas devorando territorios ajenos. En la primera secuencia de ‘Camino a la libertad’ asistimos a un crudo interrogatorio militar en el que conocemos a Janusz (Jim Sturgess). Es un joven polaco acusado de criticar al partido comunista y de pertenecer a un grupo contrario a la ocupación; Janusz lo niega todo, se ve que ha sufrido y no cambia sus respuestas, pero la sentencia ya está escrita. Los soldados no aceptan su palabra y traen a su esposa, con evidentes signos de tortura, para que lo delate allí mismo. Es una escena durísima, muy tensa, en la que se retrata perfectamente al protagonista (su fuerza de voluntad, el control de sus emociones) y con la que Weir ya nos adelanta cómo será el resto del relato, cómo va a exponernos la narración de una hazaña extraordinaria, casi imposible de creer (pese a no estar basada en hechos reales, los actores pudieron contar con la experiencia de un explorador francés que sí realizó la travesía, inspirado por el libro de Rawicz).

Salto adelante, y ahora estamos en un campo de trabajo para prisioneros, en Siberia. Nada más entrar, los guardias avisan, el gulag no es una prisión corriente, está rodeada por kilómetros de territorio hostil y hay buenas recompensas por disparar a los presos fugados que logran alcanzar zonas pobladas. Aun así, Janusz solo piensa en una cosa, volver a casa. Sus primeros contactos son Khabarov (Mark Strong), un simpático actor, y el señor Smith (Ed Harris), un misterioso norteamericano; desde una distancia prudente observa a Valka (Colin Farrell), uno de los salvajes criminales que controlan el campo (las autoridades rusas les dan ese privilegio para separarlos de los presos políticos). Pese a todas las dificultades, y lo que espera fuera, Janusz prepara una huida junto a otros seis prisioneros. Aprovechando la escasa vigilancia, los siete logran atravesar la alambrada e inician una desesperada caminata de miles de kilómetros que pondrá a prueba su resistencia hasta límites insospechados. También su humanidad, pues deberán sufrir juntos, y hacer frente a situaciones en las que dependerán los unos de los otros.

Y esa es la película, el intenso viaje de un grupo de valientes (a las que se sumará más adelante una chica, interpretada por Saoirse Ronan) que prefieren morir atravesando montañas, bosques, desiertos y fronteras, como hombres libres, en lugar de malvivir encarcelados, como esclavos y muertos de hambre. No son héroes, Weir no lo quiere así; son personas corrientes en una situación fuera de lo corriente, excepcional, plagada de obstáculos (hambre, sed, condiciones climáticas extremas, desconfianza, desesperación). En una escena, uno de los protagonistas pregunta cómo van a atravesar el Himalaya, para llegar al otro lado, y Janusz, tras pensarlo un instante, responde: “Caminando”. Es lo único que tienen. Eso y el coraje, su fortaleza interior, su deseo de supervivencia. Como en otros relatos de este tipo, de superación personal, los protagonistas de ‘Camino a la libertad’ tienen sus propias motivaciones; los pasos de Janusz le llevan de vuelta a su hogar, con su mujer, a la que desea volver a ver con todo su corazón, porque sabe que no habrá podido perdonarse el no haber podido resistir la dureza de los interrogatorios rusos.

Peter Weir rechaza dotar a ‘Camino a la libertad’ de un tono épico convencional, basado en el impacto inmediato y la exageración; esto es, forzadas escenas de acción, espectáculo al borde de lo imposible, momentos emotivos que buscan la lágrima, o un poderoso acompañamiento musical para subrayar el drama. Nada de eso. Puede que sea erróneo, puede que perjudique comercialmente a la película, pero es la visión de este cineasta. El enfoque es que la hazaña parezca natural, que los personajes y su terrible travesía resulten creíbles, hasta el punto de que entendamos los sacrificios que son necesarios, y lo que nunca debemos sacrificar. Es fundamental para este relato que los actores lo den todo en cada escena, y por fortuna así es, ningún miembro del reparto desentona, como tampoco la banda sonora compuesta por Burkhard Dallwitz, que acompaña algunos pasajes con la sutileza que caracteriza toda la película, de la que también cabe destacar los paisajes captados por el fotógrafo Russell Boyd. Se notan numerosos cortes en el metraje y cierta prisa en algunas fases, siendo, junto al epílogo, el aspecto más débil de un relato que es una auténtica rareza.

• Otra crítica en Blogdecine:

‘Camino a la libertad’, cine grande, de verdad

Un tipo como Peter Weir (Sidney, 1941) no se lleva en el cine mainstream actual. En realidad es una rareza en el cine maistream de las últimas décadas. Y no debería ser así. Debería ser la norma. Los productores deberían hacer realidad los proyectos para directores como él, y los espectadores deberían estar educados en su destreza audiovisual. Pero así están las cosas, con el cine de género en manos de videocliperos enfarlopados que no saben hacer otra cosa que pegar planos, a veces demasiados por minuto, para ocultar sus carencias, y con proyectos para chavales más acostumbrados a jugar a la consola (conste que yo estoy enganchado a cierto juego de la PS3) que a ver cine de verdad. Sin embargo, vuelve Peter Weir ocho años después de la estupenda ‘Master and Commander: Al otro lado del mundo’ (‘Master and Commander: The Far Side of the World’, 2003), siendo fiel a sí mismo, y eso hay que celebrarlo, me parece. Algo así como un oasis que bien vale acercarse al cine en peregrinaje.

Porque vuelve con una película tan emocionante e intensa como cabría de esperar, que contiene algunos de los mejores momentos del cine de aventuras (el cine maltratado y pisoteado por excelencia, a la vez que ha caído en un estúpido descrédito) de los últimos años, y que confirma a Weir, una vez más, como un artesano de gran valía, capaz de enfrentarse a proyectos muy distintos y casi siempre con éxito, último superviviente de la gran generación de directores australianos (George Miller, Bruce Beresford, Philip Noyce...) y poseedor de un estilazo dirigiendo que ya quisieran muchos supuestos grandes directores que ganan mucho más dinero con sus películas, pero que no aportan absolutamente nada al cine. Supongo que ‘Camino a la libertad’ (‘The Way Back’) no hará mucho dinero, pero sus ciento treinta y tres minutos de angustia y viaje penoso se los traga uno con placer, y todavía quieres más.

A Weir le importó bien poco que el libro de Slavomir Rawicz (‘The Long Walk’) fuera cuestionado por algunos ex-convictos del mismo gulag de Siberia. Quedó enamorado de la historia, regresó a su oficio después de narrar tan bien las aventuras de Jack Aubrey, y se puso a filmar en localizaciones tan dispares como India, Marruecos, Bulgaria y Australia, con un grupo de técnicos y de actores formidable, y terminó la película a finales de 2010. El guión que escribió con Keith R. Clarke ya era de una solidez irrefutable, pero su puesta en escena, su traslación a imágenes, creo que no podría haberse hecho mejor a partir de ese material. Nos metemos con admirable rapidez en la increíble peripecia de los presos fugados de un temible gulag soviético, en 1941, que se vieron obligados a atravesar a pie centenares de kilómetros casi sin esperanza. Y nos metemos en la piel de más de media docena de personajes apasionantes, increíblemente vivos y plausibles, que vuelven a contarnos que a veces es más fácil echarse a morir que continuar viviendo.

Ocho caminantes

Del gulag soviético, que nos trae reminiscencias de algunas de las mejores películas de evasiones bélicas, se escapan siete hombres. Es mérito de Weir que, muy al contrario de lo que se considera necesario en el cine actual, él no cuenta demasiadas cosas acerca de cada uno de ellos hasta que no queda más remedio que saberlo para hacer avanzar la trama. Es decir, que no explica, sino que muestra, no es obvio, sino que confía en la paciencia y el interés del espectador más valioso. Sólo así consigue mantener el interés hasta que va dejando caer rasgos de personalidad de cada uno de ellos, poco a poco, disfrutando de ese desvelamiento como disfrutamos los espectadores. Al mismo tiempo, queda desterrado de la pantalla todo rastro de lugar común. Y nada de sentimentalismo barato. Y cero clichés del cine épico. La cámara siempre a la altura de la mirada humana, sin alardes ni salidas de tono de ninguna clase, sin grúas innecesarias, empleando el scope a lo grande, dejando que los actores creen el ritmo y el espacio, creyendo en la historia y en el receptor de la historia.

Nos movemos en un mundo cruel, en el que el comunismo parece campar a sus anchas, aniquilando más gente y más libertades que el fascismo, y en una naturaleza despiadada, que no entiende de héroes ni de buenas personas. En ese mundo, los compañeros evadidos lucharán contra el hambre y nosotros aprenderemos lo importante que es el agua potable. Y es muy de agradecer que Weir sólo emplee la estupenda música de Burkhard von Dallwitz en contadas ocasiones, nunca para hacer un subrayado, y sí para apoyar de manera muy elegante los sentimientos de los personajes. Entre ellos, el guía, Janusz, interpretado con gran solidez por el casi desconocido Jim Sturgess, o el cínico y silencioso americano interpretado con genio (cómo no) por el gran Ed Harris. Pero todos son grandes personajes, desde el macarra y peligroso asesino ruso Valka, al que encarna con gran talento Colin Farrell (ya va siendo hora de que alguien diga lo gran actor que es el irlandés), al resto de compañeros, con especial mención para Saoirse Ronan, que clava el único papel femenino.

La formidable fotografía de Russell Boyd, y el ajustado diseño de producción de John Stoddart, terminan de redondear la propuesta. Merece, y mucho, la pena, acercarse a cine a ver esta historia, y pasar frío y hambre (y mucho calor en el desierto) con unos personajes tan reales como la vida misma, que le roban la cena a unos lobos hambrientos, y que se arrastran como serpientes para encontrar agua, y que aún así mantienen su dignidad, se enfrentan a sus dolorosos errores del pasado, perdonan a los seres queridos que les fallaron y les dejaron en la ruina anímica. Una verdadera odisea que llega a asfixiar y a extenuar, pero que elevan y engrandece a quien la ve.

Aunque ha dirigido tres secuelas, y está preparando la segunda y la tercera parte de ‘Avatar’, James Cameron cree que en Hollywood hay una importante crisis de creatividad, y que va a peor.

Tenemos una crisis de historias. Ahora quieren convertir el ‘Hundir la flota’ (‘Battleship’) en una película. Eso es pura desesperación. Todo el mundo en Hollywood sabe lo importante que es que una película sea una marca antes de llegar a los cines. Si tu marca ha estado circulando, ‘Harry Potter’ o ‘Spider-Man’, por ejemplo, estás años luz por delante. Y ahí radica el problema. Por desgracia, estas franquicias se están volviendo cada vez más ridículas. ‘Hundir la flota’. Eso degrada el cine.

A pesar de que se lleva hablando de este proyecto desde hace tiempo, a Matt Damon le ha sorprendido descubrir que Universal Pictures está preparando una nueva entrega de la saga de Bourne, sin él en en el papel principal. Parece que no le ha hecho gracia.

He leído en Internet que están haciendo otra película de Jason Bourne con Tony Gilroy en la que no estoy. Nadie me lo dijo, nadie me llamó. [...] Haría otra con Paul Greengrass. Universal no posee los derechos del personaje, así que técnicamente podríamos irnos a Warner Bros… y Universal podría leerlo en Internet.

Como sabéis, Álex de la Iglesia es el presidente de la Academia de cine y el director de ‘Balada triste de trompeta’, la película más nominada a los Goya (15 candidaturas). Pero todo está bien.

Pensé en no presentar la película. Después hablé con los productores y me dijeron que era absurdo, después de todo yo soy un trabajador más de la película. También barajé dimitir de mi cargo en la Academia, pero eso sería como rendirse, se iba a interpretar mal.

Duncan Jones ha reconocido que es un gran aficionado a los videojuegos, y que siente envidia al saber que Sam Raimi está preparando la película de ‘World of Warcraft’. Cree que será la primera buena película basada en un juego.

Por lo poco que sé, la manera en la que se está trabajando tiene mucho sentido. La cuestión no es preocuparse por cómo se juega, es crear el mundo del videojuego, y trasladar al público a ese mundo.

Kevin Smith se ha cansado de que los críticos machaquen sus películas, así que no piensa dejar que nadie de la prensa vea su nuevo trabajo, ‘Red State’. La verá el público de Sundance, por primera vez.

Nadie necesita hablar conmigo de ninguna manera nunca más, si alguien siente curiosidad puede saber lo que pienso, 24 horas al día cada semana, en mi twitter.

Aunque las cifras han bajado, y ha recibido malas críticas, la tercera entrega de ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’) ha sido otro éxito de taquilla. Le han preguntado a Robert de Niro si estaría dispuesto a hacer otra más:

Lo pasé bien. Si hacemos una o dos más, me parece bien, me encanta.

Más sobre la crisis de ideas. Esto lo dijo Jim Sturgess, durante un acto de promoción de ‘Camino a la libertad’ (‘The Way Back’):

Lo hablo cada vez que tengo una entrevista con un director, un productor u otro actor. Todos esos guiones basados en cómics. No digo que no me interesen, pero hay menos variedad. La franquicia. Lo entiendo. La gente necesita dinero. [...] Recuerdo haber estado paseando por Londres y ver cuatro carteles en diferentes paradas de autobuses, y no podía diferenciar una película de otra. Todas eran comedias románticas. Todas tenían a dos personas con un fondo blanco y el título en rojo o rosa. ¿Dónde ha ido la creatividad?

A muchos nos sorprendió que David Fincher eligiera rodar la nueva versión de ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (en inglés, ‘The Girl with the Dragon Tattoo’), e incluso a él mismo le pareció una mala idea, al principio.

Cuando me llegó ‘Dragon Tattoo’, yo estaba en plan “oh, joder tío, no puedes hacer otra película sobre un asesino en serie… tienes que parar, joder”. Pero había esperanza en hacer una franquicia para adultos. Y pensé, “a la mierda tío, he estado partiéndome la espalda durante 20 años, esperando que alguien me dijera algo como eso”.

Algunos lectores se sorprendieron de que incluyera ‘El hombre lobo’ (‘The Wolfman’) entre las peores películas de 2010. Bueno, sabed que su director, Joe Johnston, ha pedido perdón por lo que hizo. Pero se excusa en que no le dejaron mucho tiempo (ocupó el lugar del despedido Mark Romanek) y adelanta que la del Capitán América saldrá mucho mejor.

Tuve tres semanas para preparar ‘El hombre lobo’, un plazo ridículo para intentar unir las fracturadas y dispersas piezas de la producción. Acepté el trabajo principalmente porque tenía problemas de dinero, la única vez en mi carrera que he dejado que mis finanzas estuvieran implicadas en el proceso de decisión. El dinero es siempre una razón equivocada para hacer algo que requiere una apasionada devoción.

Todos cometemos errores. Incluso las estrellas de cine. Parece que Nicole Kidman piensa asumir el paso del tiempo con más tranquilidad, en lugar de recurrir a soluciones artificiales. Puede que recuperamos a la que fue una de las mejores actrices del planeta:

He intentado muchas cosas para mantenerme joven, pero salvo el ejercicio y una dieta equilibrada, casi nada funciona. Incluso he llegado a probar el Botox, pero no me gustó como se veía mi cara. No lo he vuelto a utilizar y ahora puedo mover mi frente de nuevo.

Vía | Worstpreviews, Starflash, Nortedecastilla, Insidemovies, Incontention

Aunque se presenta como la nueva película de los creadores de ‘Happy Feet’, y se basa en una serie de novelas juveniles sobre las aventuras de unas lechuzas, ‘Ga´Hoole: La leyenda de los guardianes’ es el nuevo trabajo de Zack Snyder, director de las conocidas ‘Amanecer de los muertos’ (‘Dawn of the Dead’), ‘300’ y ‘Watchmen’. Su nuevo film es animado y el primero que no se destina únicamente al público mayor de edad; se trata de su primer relato para toda la familia, el propio Snyder ha reconocido que se embarcó en el proyecto para satisfacer a sus hijos. A tenor de las flojas cifras de taquilla (para ser una producción en 3D que ha costado 80 millones de dólares) parece que no ha interesado demasiado este giro en la carrera del director, y es una pena porque se trata de una película mucho más divertida y emocionante que ‘Gru, mi villano favorito’, un producto de envase similar que ha logrado mayor éxito.

Escrita por Emil Stern y John Orloff, ‘Ga´Hoole: La leyenda de los guardianes’ (‘Legend of the Guardians: The Owls of Ga´Hoole’, 2010) adapta a la gran pantalla los tres primeros libros de la saga ‘Guardians of Ga’Hoole’ creada por Kathryn Lasky (autora de una historia que abarca un total de quince volúmenes). Al reunir tres historias en un solo guión, y en una película que no llega a los cien minutos de duración, se notan lagunas y hay un cierto atropello en la narración, un intento por ahorrar tiempo para pasar cuanto antes a las escenas más relevantes, pero el conjunto no sale especialmente perjudicado. Desde luego, se echa en falta una mayor dedicación en la evolución de los protagonistas y una mejor expresión del paso del tiempo, pero queda lo importante, uno llega a pasar por alto las deficiencias y se queda con los aciertos, sobre todo, con unas secuencias de acción espectaculares.

La película nos sitúa en un mundo de fantasía (de esos llenos de colores, como los de las nuevas entregas de ‘Star Wars’ o ‘Avatar’) para contarnos la historia de dos hermanos que toman caminos muy diferentes. Animado por las historias épicas sobre los “Guardianes de Ga´Hoole”, el mayor deseo del joven Soren (voz de Jim Sturgess en la versión original) es llegar a ser como sus héroes y vivir grandes aventuras; Kludd (Ryan Kwanten), sin embargo cree que todo lo que les relata su padre es mentira, cuentos para niños. Una noche, mientras practican el vuelo en las ramas del árbol donde está su hogar, Soren y Kludd tropiezan y caen al suelo. Allí son atrapados por dos secuaces de “Los Puros”, una malvada orden que está reclutando pequeñas aves de todas partes, para trabajar como esclavas o para formar parte de un gran ejército cuyo destino es dominar el mundo.

300 lechuzas

A Soren lo llevan al lugar de los esclavos, por proteger a la débil Gylfie (Emily Barclay), mientras que su hermano prefiere renegar de su familia y entregarse a “Los Puros” como soldado. Cada uno por su cuenta, los dos hermanos aprenden a volar como adultos; Soren y Gylfie son entrenados y ayudados por un guardián bueno, gracias al cual consiguen escapar de las garras del diabólico clan al que ahora pertenece un renovado Kludd, quien cree firmemente haber encontrado por fin su sitio. Una vez libres, Soren y su amiga deciden que tienen que avisar a los “Guardianes de Ga´Hoole”, antes de que sea demasiado tarde y “Los Puros” sean más poderosos, así que viajan en busca del “Gran Árbol”, el refugio del que hablaba la leyenda, sin saber si existe realmente…

La película combina de manera peligrosa el cine infantil con el adulto, pudiendo lograr quizá lo contrario de lo que pretende: asustar a los críos y aburrir a los mayores. Personalmente, encontré un cóctel bien mezclado, una propuesta que no toma a nadie por idiota, que no se conforma con distraer a los niños (y de paso a los demás) con una trama mecánica, personajes sin alma, chistes fáciles, miles de tópicos y acción rutinaria. La historia de la saga ideada por Lasky no tiene nada de original o de atípico, aparte de que gire en torno a lechuzas (y otros animales), busca al público juvenil, el que ha leído poco (o nada), pero al menos en la película parece estar bien construida, componiéndose una aventura en la que caben situaciones de muy diverso tono, hay comedia, drama, acción e incluso terror. En cierta manera, ‘Ga´Hoole: La leyenda de los guardianes’ recupera la estela de un cine familiar que se hacía en los 80, relatos fantásticos que entretenían y hacían reír, pero en el que también podía caber lo siniestro, el miedo.

Nunca sabremos lo implicado que ha estado de verdad Zack Snyder en este proyecto (considerando que es su debut en la animación y que ya tiene listo otro film, ‘Sucker Punch’) pero es indudable que, a pesar de ser un director caracterizado por historias violentas y ser este un film para todos los públicos, se nota su mano en ‘Ga´Hoole: La leyenda de los guardianes’. Hay zombies, como en ‘Amanecer de los muertos’, hay guerreros, como en ‘300’ (es a la que más se parece), hay viejos héroes que vuelven a luchar (‘Watchmen’), y hay bastantes escenas a cámara lenta, uno de los recursos preferidos del realizador. De hecho, gracias al sensacional trabajo del estudio Animal Logic (‘Happy Feet’), esas escenas resultan deslumbrantes, muy bellas y poderosas. ¿Conocéis ese momento en el que estás totalmente metido en la pantalla, se te eriza la piel y te descubres a ti mismo pensando en lo mágico que puede ser el cine? Hay alguno de esos en esta película, y sólo por eso ya merece ir a verla, perdonando todos sus defectos, como los tienen todos los productos fabricados pensando más de la cuenta en lograr un éxito comercial.