El pasado trece de marzo se estrenó en España ‘Lejos de la tierra quemada’ (‘The Burning Plain‘), una película cuyo máximo interés reside en que es la primera película de Guillermo Arriaga. Hasta ahora, este hombre se había dado a conocer por firmar los guiones que dirigía el también mexicano, pero mucho más famoso, Alejandro González Iñárritu. Como es de sobra conocido, la sociedad que ambos formaban, y que tan buenos resultados estaba dando, se fracturó tras ‘Babel’, cuando el guionista se rebeló y se quejó de la posición que tenían los escritores en el cine, donde el director se lleva todos los honores.

Así que Guillermo Arriaga fue por libre, tomó uno de sus guiones y lo dirigió, convirtiéndose esta vez, de forma indiscutible, en el autor de una película. El máximo responsable del producto final; la persona que ha creado la historia y la ha trasladado a la pantalla, controlando todo el proceso. Y no me tiembla la mano al escribir que a Arriaga le ha salido el tiro por la culata. Ya no hay ninguna duda, porque está solo, y a falta de ver lo que ha hecho Iñárritu por su cuenta (‘Biutiful’, con Javier Bardem), parece evidente que fue la mano de éste la que aportó mayor valor a las películas en las que ambos participaron.

Personalmente, creo que ‘Babel’ es un ejemplo perfecto de película fallida. Una historia a gran escala, con temas universales que nos interesan a todos, muchos personajes (algunos de ellos interpretados por estrellas, que siempre ayuda), y gente de talento por todas partes, delante y detrás de las cámaras. Sin embargo, no deja de ser un drama artificioso, muy bonito pero también muy hueco. Y ‘Lejos de la tierra quemada’ es como ‘Babel 2’, pero en pequeño y sin ninguna chispa. Como si Iñárritu le hubiera dejado la batuta a Arriaga, que cree que eso de dirigir es muy fácil, y se limita a imitar las maneras del primero, intentando hacer algo parecido con una historia de corte similar (pero bastante más modesta). Y no le sale.

Ya sabemos que tanto la una como la otra, lo mismo que ‘Amores perros’, ’21 gramos’ o ‘Los tres entierros de Melquiades Estrada’, vienen del mismo sitio, de la misma cabeza pensante. Y habría que estar realmente tocado del ala para no darse cuenta, porque Guillermo Arriaga no deja de repetirse, logrando un inevitable cansancio en quien intenta descifrar qué rayos quiere contar este hombre con esas formas tan rebuscadas, cuando en realidad todo es de lo más simple. De hecho, gran parte de la culpa de que ‘Babel’ no fuera mejor, estaba en el guión, porque volvía a jugar sobre lo mismo, llevando las cosas un poco más al límite por eso de querer hacer una película mayor.

En ‘Lejos de la tierra quemada’ se da un paso atrás, no sólo por las pretensiones o el presupuesto del proyecto, sino también porque es el primer largometraje de su autor, y eso es algo que hay que manejar con cuidado. Pero estaba decidido a superar un reto, a volar solo, a reivindicarse. Desgraciadamente, no entrega algo nuevo, sólo repite lo que el público conoce, quizá para convencerle de que ésa es su marca de fábrica. Que eso que vieron se parece a esto sencillamente porque estaba él detrás. Una reivindicación en forma de película anodina, aburrida, que no aporta nada.

Así que, otra vez, nos encontramos con una película desordenada, en la que el espectador debe ir uniendo piezas para dar sentido a la narración, y comprender a los personajes y sus acciones. El problema es que en ‘Lejos de la tierra quemada’ no hay nada que nos haga querer hacer ese esfuerzo, la historia carece de interés, los personajes no parecen tener nada inteligente que decir, y todo sucede de una forma tan aleatoria, absurda, tan ilógica, que ver la película puede llegar a convertirse en una experiencia realmente tediosa. Supongo que cada uno tendrá su forma de verlo, y es comprensible que el señor Arriaga tenga sus teorías, pero a mí me parece que fracturar de esta forma la narración debería estar más justificado.

A menudo, mi padre, un verdadero cinéfilo, me comenta que le llega a molestar que se hagan tantas películas que no siguen un orden lineal de los acontecimientos, que no sean capaces de mostrar una narración de estilo clásico, quizá por temor a parecer corrientes y faltas de originalidad. No puedo dejar de darle la razón, y es que el montaje, me parece, no debería distraer de lo que sucede en la pantalla, sino todo lo contrario, facilitar la narración. Es imposible entrar en el drama de esta forma. Si se rompe la ilusión, la magia de una historia falsa recreada, el espectador no puede concentrarse en ella, y se pierde el vínculo, se evade; la película falla.

No obstante, la película puede verse como una curiosa secuencias de bonitas postales desordenadas, y si no has visto nada de lo anterior que ha escrito Arriaga, seguramente te inquietará la forma en que está estructurada (luego ordena la historia y descubrirás que un gato lavándose después de comer es un acontecimiento bastante más complejo). Sin duda, aparte de ser el debut de este guionista, la película cuenta con el gancho de un reparto encabezado por Charlize Theron, Kim Basinger, Joaquim de Almeida, John Corbett y Robin Tunney, entre otros.

La mala noticia es que ninguno de ellos está realmente aprovechado, salvo que consideres que sacar desnuda a la primera en varias ocasiones es ya suficiente aprovechamiento. Theron sigue creyendo que alejarse de su imagen de guapa modelo, llorar y mirar al horizonte la convierten automáticamente en una gran actriz, cosa que no es (por el momento); pero no hay que menospreciar su esfuerzo y reconocer que, por lo menos, intenta hacer cosas diferentes. Por lo demás, destacar la negativa labor de Jennifer Lawrence, que interpreta a la protagonista en su adolescencia y que no es capaz de hacer creíble ninguna escena, especialmente cuando se quema el brazo o va de perturbada sexual. Los mejores, Basinger y Almeida, que salen poco y cumplen con sus superficiales papeles.

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‘Lejos de la tierra quemada’, drama contemplativo

Lejos de Iñárritu

‘Lejos de la tierra quemada’, título con el que se ha estrenado aquí ‘The Burning Plain’, supone la ópera prima de Guillermo Arriaga, hasta ahora conocido por haber sido el guionista de tres exitosas y aclamadas películas, entre otras, dirigidas por Alejandro González Iñárritu: la magistral ‘Amores perros’, la maja ’21 gramos’ y la estupenda ‘Babel’. En dichos títulos, la estructura de los guiones era prácticamente la misma: varias historias personales, influenciadas directa o indirectamente por un accidente. En cada nueva película Arriaga iba separando físicamente cada vez más a sus personajes, y tal vez la fórmula se tornaba algo repetitiva.

No leer si no se ha visto la película.

Iñárrigu y Arriaga tenían una estrecha colaboración y amistad, que poco a poco fue minándose por culpa de la autoría de las películas mencionadas. Quien se llevaba todos los aplausos y el reconocimiento era el director, mientras que Arriaga permanecía para muchos en el anonimato, y cuando éste empezó a reclamar la autoría de las tres películas, la bronca fue monumental, la amistad desapareció, y el espectador se quedó sin un binomio que funcionaba de maravilla. Y ahora que Iñárritu dirige un guión propio, Arriaga se ha atrevido a dirigir una de sus historias, y el resultado me ha hecho acordarme del refrán “zapatero a tus zapatos”.

‘Lejos de la tierra quemada’ narra tres historias distintas separadas por el tiempo. por un lado tenemos a Sylvia, encargada de un restaurante de cierto prestigio, cuya vida personal es un completo desastre, por no poder superar traumas de la adolescencia. Por otro lado tenemos a dos jóvenes, Mariana y Santiago, que empezarán una relación amorosa tras las muertes del padre del muchacho y la madre de ella. Y por otro, tenemos la apasionada historia de amor que se materializa en una caravana en la que ocurrirá algo que sirve de nexo de unión entre todas las historias. O sea, nada nuevo bajo el sol. Desconozco qué nos ofrecerá Iñárritu en su nueva película, en la que por cierto interviene nuestro Javier Bardem, pero Arriaga nos da lo mismo de siempre, con la única variación de separar las historias en el tiempo, algo con la que ya se jugueteaba en ’21 gramos’. Esa novedad no aporta nada, y Arriaga empieza a dar muestra de evidente cansancio; además de no tener como director el pulso narrativo que tiene su ex-amigo.

En ‘Lejos de la tierra quemada’ todo me suena a ya visto, masticado y tragado. Los personajes me resultan predecibles, y en muchos de los casos, rozando la idiotez. Arriaga quiere de nuevo narrar las historias humanas más dolorosas de todos los tiempos, llenas de personajes con más tristeza en sus almas que la vida misma en sus peores tramos. Su firma queda bien patente en la historia; y aunque existen otros autores que a lo largo de su carrera han navegado alrededor de los mismos temas (por ejemplo, Woody Allen), el problema en el caso de Arriaga es la estructura de siempre, con hilos conductores similares, puntos de inflexión idénticos y situaciones muy parecidas. Algo que nada tiene que ver con el estilo, sino más bien con repetirse hasta la saciedad, de manera que el espectador ya experimentado va por delante de la propuesta en todo momento.

Cuando al poco de empezar la película, todas las sub-tramas son expuestas, se adivina prácticamente todo, y Arriaga, por muy buen escritor que sea, se ve incapacitado de poner en imágenes una historia que, en manos de otro director más pasional y con más garra, hubiera tenido bastante más interés. Arriaga carece de pulso, por mucho que parezca tender hacia una narrativa clásica, directa y sin artificios. La fotografía, obra de Robert Elswit (ganador del Oscar por ‘There Will Be Blood’) y John Toll (ganador del Oscar por ‘Leyendas de pasión’ y ‘Braveheart’), de lo mejor del film, es tan apagada como las vidas de unos personajes inciertos y oscuros, que terminan por importarme más bien poco, pues no los veo como personajes con vida propia, sino como esquemas. Al final, la ya sabida cohesión narrativa de las distintas tramas queda diluida y dañada, además de poseer cierta complacencia.

Sólo el trabajo actoral parece brillar a una intensidad de la que el resto del film carece. Charlize Theron vuelve a demostrar dos cosas: una, es una de las mujeres más bellas sobre la faz de la Tierra; y dos, también es una de las mejores actrices de su generación, algo sobre lo que lo primero parece influir negativamente (¿Por qué esta excelente actriz ganó un Oscar cuando hizo de fea?) Sea como fuere, Theron tiene una deliciosa facilidad para meterse en todos tipo de personajes, y cuanto mayor sea su profundidad dramática, mejor. La actriz es el rostro perfecto para una mujer deseable como pocas, de tormentosa personalidad, cuya mirada, mientras se acuesta con diversos hombres, está perdida en algún lugar de su misterioso pasado, como fruto de que nada le llena.

A su lado, el resto del reparto lucha y se esfuerza por hacer parecer como verdaderos a tópicos del manual personal de Guillermo Arriaga. Joaquim de Almeida tiene entre sus manos un personaje casi inexistente sobre el que nunca llegamos a saber casi nada; salvo su infidelidad con la mujer a la que da vida Kim Basinger, sobre la que conocemos más cosas, las típicas cosas en el retrato de un matrimonio rutinario, en el que la hija mayor del mismo, toma una relevancia considerable en el devenir de los hechos, y una Jennifer Lawrence (“enfrentada” a un inspirado J.D.Pardo) le da vida con una pasión que choca con lo mal retratado que está, llegando a bordear el ridículo. Brett Cullen y Robin Tunney suman sus rostros sin demasiada relevancia.

‘Lejos de la tierra quemada’ es la demostración palpable de que un buen guionista no tiene por qué ser un buen director, y a veces la persona menos indicada para llevar al cine lo que escribe. En este caso, además termina por hartar al espectador, sumiéndole en un profundo aburrimiento a través de unas historias que ya nos sabemos de memoria. O para de repetirse, o que deje sus guiones en manos de directores como Iñárritu, o Tommy Lee Jones, que en su ópera prima supo ver el potencial de lo escrito por Arriaga.

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• ‘Lejos de la tierra quemada’, drama contemplativo

Lucas Fernández debuta con ‘Oscar. Una pasión surrealista’, la biografía del pintor surrealista Oscar Domínguez, que se codeó con André Bretón, Picasso o Paul Eluard. Bohemio, mujeriego y más concienciado que el líder del movimiento, Domínguez disfrutó unos años de una buena vida hasta que la enfermedad llamada del “hombre elefante” comenzó a estropeársela. El film conjuga esta historia real con la narración de otra vida que llega a su fin. A Ana le quedan pocos meses de vida cuando unos representantes de un museo llegan a su casa interesados por un cuadro de Domínguez que el artista le podría haber regalado a su abuelo.

En ‘Oscar. Una pasión surrealista’ destaca claramente el fondo muy por encima de la forma. Mientras las historias que se cuentan pueden interesar, la manera en la que está realizada no es todo lo perfecta que podría haber sido. Queda claro que se ha invertido un gran esfuerzo en producir el film y en ese sentido apreciamos un diseño de producción muy trabajado, nombres muy importantes en el reparto y un desempeño en general serio y cuidado. Pero es precisamente pasión lo que le ha faltado a Fernández y el film se queda frío al tratar de transmitirnos el carisma del hombre cuya figura ha motivado le rodaje de la película o la importancia de los hechos que le acontecieron.

Esa distancia que se nos crea con la historia probablemente venga de los intérpretes. En una época consideré a Victoria Abril la mejor actriz de España — ‘Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto’–. Atravesó después una etapa en la que estaba muy pasada y, hoy en día, por suerte, ha recuperado bastante su buen hacer, pero sigue teniendo dejes extraños y quizá resulta demasiado intensa para un papel con tanta presencia en pantalla. Pero esto no actúa en su contra, pues lo que hace la actriz es robarle la película a quien se suponía que sería su protagonista legítimo. La parte que se ocupa de ella nos interesa más que la que se refiere al pintor.

En paralelo con la historia de Ana (Abril), se narra la biografía de Domínguez, que vivió en París, huyó de la Guerra Civil, sobrevivió a la Mundial… Quizá la película esté rodada con vistas a triunfar fuera de nuestras fronteras, pues a los extranjeros que no hablen español, probablemente no les chocará que Joaquim de Almeida haga de canario y, gracias a eso, el film les gustará más que a nosotros. Lo sé, hay que abstraerse y pensar que están hablando como hablaría el personaje, pero no creo que sea conveniente para el bien de la propia película pedirle tantos esfuerzos a los espectadores. Supongo que todo se hace en aras de tener un reparto internacional. Dejando el tema del acento de un lado –si alguien es capaz— el actor hace un buen trabajo y su papel resulta convincente. Pero ni mucho menos convierte al personaje en un ser fascinante y seductor como probablemente era su intención. Las biografías de personas famosas –como la de Truman Capote— suelen ser más dadas a desmontar figuras mitificadas, pero aquí está claro que la cosa no iba por ahí.

Emma Suárez ha hallado perfectamente su punto, lo cual parece ser siempre su mayor virtud. Actúa con enorme desenfado, como quien no quiere la cosa, y hace que parezca sencillo lo que probablemente no lo será. Sin embargo, Toni Cantó y Jorge Perugorría no me terminan de convencer. Están acertados en cuanto a su presencia, pero no les acompaña el trabajo interpretativo. Paola Bontempi, en la piel de un personaje muy interesante, consigue una de las mejores actuaciones de la película.

Como adelantaba, el guión, que firman el propio director y Eduardo del Llano, es lo mejor de la película. Y aplaudo la iniciativa de mezclar una trama que de alguna manera se podría encasillar en el thriller para acompañar la biografía. En mi opinión, anima mucho el resultado. Se les podría achacar que al pasar de una historia a otra, nos da algo de rabia salir de lo que se nos estaba contando, pero eso es característico de cualquier film que esté narrado en paralelo y de hecho es un buen signo, pues significa que estábamos enganchados. SPOILER Por lo tanto, el único defecto real que le sacaría al guión es que el cuadro estuviese oculto bajo las fotos, pues no me parece creíble que no hubiesen mirado allí antes. Pero es una menudencia. FIN DEL SPOILER.

‘Óscar. Una pasión surrealista’ tiene algunos defectos que se quedan más en detalles que en aspectos genéricos del film. No se puede decir que sea fallida, pero sí que el director ha conseguido algo menos de lo que podría, que no ha llegado del todo a transmitirnos la fuerza que tienen las historias. Sin embargo, el film cuenta con un buen guión, actores importantes, y una producción muy trabajada. Por ello creo que se puede hacer una valoración tirando a positiva, además de que contribuye a rescatar la figura de un artista patrio que permanecía en el olvido.

Más adelante podéis ver el tráiler del film que se estrena mañana, 22 de febrero:

Es una pena que ‘El corazón de la tierra’ (‘The Heart of the Earth’, 2006), del director español Antonio Cuadri, no tenga un buen acabado, ya que parte de un guión bien construido y de una serie de buenas intenciones, como la protesta social acerca del problema real en el que se basa. Sin embargo, por causa de unos actores no del todo satisfactorios, de una producción que demuestra la gran inversión que se ha hecho en el film, pero que no termina de aportar escenarios creíbles, y de una realización no del todo estilosa, nos encontramos ante un film deslucido.

‘El corazón de la tierra’ es la película más ambiciosa de Cuadri hasta la fecha. Se basa en hechos reales y traduce al celuloide las dolorosas imágenes de la novela homónima de Juan Cobos Wilkins, sobre la revuelta popular de Minas de Riotinto (Huelva) ocurrida en 1888, cuando el pueblo se levantó para protestar por las miserables condiciones de trabajo en las minas, propiedad de una empresa británica.

Lo que sí que hay que admitir sobre el reparto de la película es que su problema no está en la falta de nombres célebres: en ella están presentes el cubano Jorge Perugorría (‘Fresa y chocolate’), el portugués Joaquim de Almeida (‘Sostiene Pereira’), la española Ana Fernández (‘Solas’), la colombiana Catalina Sandino Moreno (‘María, llena eres de gracia’), así como con los británicos Sienna Guillory (‘Eragon’) y Bernard Hill (Theoden en ‘El señor de los anillos’) y el norteamericano Philip Winchester (en la foto).

La colombiana Catalina Sandino Moreno no consigue el acento español y además de por la forma de hablar, por los rasgos se ve que no es española. Por lo tanto, su personaje, que tiene un enorme protagonismo, es el que más saca de la historia y el que más impide dejarte llevar para disfrutar la película. Bernand Hill, a pesar de la larga carrera que le avala, logra un efecto similar. Y tampoco el resto del reparto está mucho mejor.

Los intérpretes que mejor están —me refería a su trabajo como actores, pero también es verdad que son los que mejor están en otros sentidos— son la actriz inglesa Sienna Guillory y el norteamericano Philip Winchester. Y no sólo eso, sus papeles también son más agradecidos que los de los españoles. Parece mentira que se trate de una producción autóctona, ya que son precisamente los personajes de aquí a los que se trata de forma menos favorable.

El guión es el único elemento de calidad que tiene la película. No en balde está firmado por Doc Comparato, reconocido guionista brasileño y autor de los más importantes manuales para la escritura en cine y TV. Este guión es hábil en cuanto a su construcción, definición de personajes, etc.. es decir, resulta muy claro que está escrito por un gran profesional, incluso viendo la película sin conocer este dato. Sin embargo, muchos de los acontecimientos que se narran pueden parecer folletinescos.

Es posible que una versión doblada del film sea más agradecida y que el problema mayor que encontré, que eran las interpretaciones, esté superado. Así que, teniendo en cuenta que el guión está bien construido, no se puede decir que sea un producto del todo desechable.

Aquí se puede ver el tráiler de ‘El corazón de la tierra’, así como mucha otra información sobre la producción de la película y los trabajos anteriores de su director Antonio Cuadri.

Estrenada en España este pasado miércoles 4 de abril, arropada por la llegada de otros títulos más interesantes que la hagan pasar inadvertida, ‘Moscow Zero’ se presenta como una de las propuestas más prescindibles y absurdas en alcanzar nuestra cartelera. Y digo esto porque el film no consigue nada de lo que se propone, a menos que fuera precisamente ésa su meta: no rodar nada. Desde luego, con algunos se habrá quedado, porque pagar la entrada para ver esta cosa es lo mismo que tirarlo a una fuente (peor, porque en ese caso al menos sabes que le has pagado una comida a un vagabundo). Para mi suerte (a posteriori lo veo así), vi ‘Moscow Zero’ en un pase de prensa en Sitges, con lo cual el mal rato, al menos, me salió gratis (gracias, Blogdecine). Por cierto, lo que pude observar allí me hizo escribir la recomendación que hice en el post de los estrenos y que vuelvo a repetir ahora: aconsejo ir a ver esta película si queréis dormir, una hora y media, y no tenéis un sitio más tranquilo o más cómodo que la butaca del cine. Los que esperan encontrar un thriller, una de terror o, simplemente, un entretenimiento con tintes fantásticos, es mejor que se olviden; esta película no está hecha para nadie, salvo para su directora, que ya ha declarado que el resultado es justo lo que ella buscaba. Tiene narices. No espero que se arrepienta, claro, pero de ahí a manifestar su total satisfacción hay un buen trecho. Bah, si es que los españoles tenemos mucho orgullo. Quizá es lo único que tenemos en cantidad.

‘Moscow Zero’ plantea que bajo la apariencia de normalidad de cualquier gran ciudad existe un mundo que los de la superficie preferimos ignorar. El antropólogo ruso Sergei Spassky desciende al subsuelo por una complicada red de túneles para descubrir la verdad sobre los asesinatos atribuidos a los seres que habitan esos lugares. Spassky no vuelve de su extraño viaje y un equipo de rescate capitaneado por Owen, íntimo amigo del antropólogo, decide ir en su búsqueda. Pronto descubrirán una sociedad secreta, con normas y creencias propias, liderada por Andrey, y leyes cercanas al infierno. Porque el espectador pronto comprenderá que el infierno existe, y lo está viviendo.

Quizá la sinopsis despierte interés en un público joven y receptivo en lo que a historias paranormales se refiere; el programa de Iker Jiménez no lo oyen/ven cuatro gatos, precisamente. Sin embargo, todo se queda en intenciones y planteamientos iniciales; el film no es serio, aunque lo pretende, y está lleno de diálogos absurdos que sólo contribuyen a hundir el conjunto hasta más abajo de las catacumbas donde transcurre la historia. La acción está divida en dos caminos, el que recorren Owen y sus compañeros, y el de Spassky, que es a quien buscan los primeros. A eso sumadle escenitas donde la misteriosa niña de turno (elemento ya asquerosamente habitual en todo producto con tintes de terror o thriller sobrenatural) va corriendo de un lado para otro. El escenario, los túneles subterráneos, se convierten así en un laberinto para el espectador, que no sabe ni quién está dónde, ni qué pasa, ni porqué la niña sale siempre corriendo, ni si van a llegar a alguna maldita parte. Un caos que sólo puede producir, en el mejor de los casos, carcajadas por lo rídiculo de lo que se está viendo. Ya cuando el arquéologo ruso comienza a hablar tontamente como si alguien estuviera a su lado, explicando todo lo que ve, es para morirse. El suspense y el terror, por tanto, se caen desde casi el comienzo para dar lugar a una indeseable comedia. Por cierto, si al final (suponiendo que alguno quiera arriesgarse a sufrir esto en el cine) os quedáis con cara de “¿eeehhh?”, es normal; yo creo que se quedaron sin presupuesto y por eso la acabaron así, pero sólo es una teoría que confeccioné medio dormido al comenzar los créditos finales.

La principal responsable (feliz) de este producto patatero es María Lidón, o Luna, como le gusta que la llamen, cuya filmografía se completa con ‘Náufragos’ y ‘Yo puta’ (cosas que no he visto, por recomendaciones fiables, y quizá por eso esperaba algo de su nueva “obra”). Creo que el resultado de su nefasta labor queda ya perfectamente claro en lo dicho anteriormente, por lo que no voy a insistir más. En el aspecto interpretativo, lo único que cabe decir es que resulta simpático ver a gente como Vincent Gallo o Val Kilmer en un telefilme de tres al cuarto como éste. Gallo sí tiene más presencia, al ser uno de los protagonistas principales, pero lo de Kilmer es de cachondeo; sale un par de veces, con esos kilitos de más que ha ido cogiendo con la edad (digamos eso y no seamos malpensados), y se limita a soltar unas líneas de guión con la misma intensidad que si estuviera pidiendo un café en un bar. Gallo no lo hace mejor y su personaje es tan ridículo como el de los demás, pero es que tampoco se le puede pedir más en esta película, está ahí y hace lo que puede, punto. Por la pantalla también se pasean, tan desorientados y aburridos como el espectador, el veterano Joaquim de Almeida, la guapísima veinteañera Oksana Akinshina y Sage Stallone, hijo de ya sabéis quién.

En definitiva, ‘Moscow Zero’ es una de las peores películas que tuve la mala suerte de ver el año pasado (en aquella lista que hice sobre el tema no pude incluirla porque no se había estrenado aún). Como he leído por ahí, no resulta recomendable ni para pasar el rato. Un completo desastre que quizá Luna reciba sonriente; al fin y al cabo, era la película que ella quería hacer. No se merece que diga nada más.

‘El corazón de la tierra’ (‘The Heart of the Earth’, 2006), del director español Antonio Cuadri, cuenta en su reparto con el reconocido actor cubano Jorge Perugorría, quien comparte cartel con el actor portugués Joaquim de Almeida, la española Ana Fernández (‘Solas’), la colombiana Catalina Sandino Moreno, así como con los británicos Sienna Guillory (en la foto) y Bernand Hill y el norteamericano Philip Winchester, entre otros.

El filme, la película más ambiciosa de Cuadri hasta la fecha, se basa en hechos reales y traduce al celuloide las dolorosas imágenes de la novela homónima de Juan Cobos Wilkins, sobre la revuelta popular de Minas de Riotinto (Huelva) ocurrida en 1888, cuando el pueblo se levantó para protestar por las miserables condiciones de trabajo en las minas, propiedad de una empresa británica.

En la dirección de fotografía está Javier G. Salmones, iluminador de ‘Romasanta’, de Paco Plaza; ‘La lengua de las mariposas’, de José Luis Cuerda; ‘Lluvia en los zapatos’, de María Ripoll.

Trailer, making of y página oficial de ‘El corazón de la tierra’.

‘El Corazón de la Tierra’ es una lucha de amor y poder y tiene una gran carga de crítica social. La película reconstruye, con efectos digitales, la atmósfera y localizaciones de la mina de Corta Atalaya tal y como se encontraba en el siglo XIX cuando se produjeron aquellos desgarradores sucesos históricos. Estas minas fueron un lugar de lucha social entre los intereses de la compañía minera que explotaba, no sólo a las minas, sino también a los mineros.

Los tartesos exportaban los metales obtenidos en ellas, los romanos también las explotaron, las minas de Riotinto, epicentro de una región que llegó a convertirse prácticamente en colonia británica, a finales del siglo XIX, cuando la Riotinto Company Limited (RTL) adquirió los derechos de explotación de estas milenarias minas, convirtiéndose en poco tiempo en la empresa más potente de Europa.

La RTL impuso condiciones de trabajo inhumanas, largas jornadas, sueldos ínfimos, a esto se suma la contaminación de las teleras (acumulaciones de minerales que desprendían humos capaces de devastar las cosechas, matar el ganado y perjudicar gravemente la salud de los habitantes) que afectaban unos 800 km a la redonda, un auténtico atentado ecológico. Todo esta situación desembocó en un levantamiento de los obreros y sus familias, que tuvo la peor de las respuestas por parte del poder… una matanza, lo que se conoce en Huelva como “el año de los tiros”, o los “mártires de Riotinto”.

La diferencia del nivel de vida de los británicos y las gentes de los pueblos era escandalosa, se hacía manifiesta en el barrio de Bellavista, aquí gozaban de todos los lujos y comodidades mientras las gentes trabajadoras malvivían, un muro de piedra custodiaba el barrio y separaba a los dos grupos, en las puertas de entrada, guardias que sólo permitían el paso a miembros de la compañía.

Los hechos se sucedieron el 4 de febrero de 1888, día en el que se convocó una manifestación a la que acudieron hombres, mujeres y niños de todos los pueblos de la Cuenca Minera, se reunieron en la Plaza de la Constitución, y al leer un escrito con la petición de que se cortaran las calcinaciones del mineral, el sistema de teleras, tan nocivas para la salud y mejoras en las condiciones de trabajo, fue cuando las fuerzas del ejercito español del regimiento de Pavía, empezaron a disparar indiscriminadamente, dejando la plaza cubierta de cadáveres.

Antonio Cuadri también realizó un documental llamado ‘Riotinto: El latido de la tierra’, que supone un recorrido por la comarca minera de Huelva, desde la época remota del inicio de la explotación de los yacimientos al momento actual, en el que un grupo de científicos investiga si en el río Tinto pudiera haber vida semejante a la de Marte.

En la actualidad los pueblos de la cuenca minera agonizan, “tengo familia allí, mis abuelos formaron parte de esta tierra, propuestas turísticas y de conversión hacia la agricultura parecen posibles soluciones que se barajan, pero es necesario el compromiso fuerte y constante de las administraciones, tenemos una deuda histórica con esta tierra, hay gente que opina que aquí nacieron los precursores de los movimientos ecológicos europeos”.

Preestrenado en Huelva, se espera que llegue a las pantallas de Iberoamérica este drama social en los primeros meses del próximo 2007.

El film anterior de Antonio Cuadri, ‘La buena voz’, se estrenó en mayo de 2006 en cines españoles. La película, la tercera de Cuadri para el cine y quinto largometraje que dirige, está protagonizada por José Luis Gómez, Pilar Velázquez, Biel Durán y Klara Badiola, mientras que los papeles secundarios serán interpretados mayoritariamente por actores vascos. Antonio Cuadri destacó que “trabajar en esta película con José Luis Gómez ha sido una magnífica experiencia y un verdadero privilegio porque se trata de un actor onubense de reconocido prestigio internacional”.

La historia de ‘La buena voz’ se situaba en la ciudad de Bilbao “una ciudad con muchos contrastes, porque es lugar de inmigración andaluza, una ciudad industrial despersonalizada, llena de gente anónima que deambula por sus calles sin saber a dónde va”. En este sentido, Cuadri matizó que “se trata de una historia basada en un poema del poeta sevillano Antonio Machado, a modo de homenaje, donde se refleja su sombra de un modo muy bonito”. El propio director relató que la historia, “ideal para los amantes del drama, refleja la intransigencia de un taxista —José Luis Gómez— cincuentón emigrante en el País Vasco, así como la evolución, dramáticamente muy fuerte, porque es muy intolerante con su hijo natural, gay y sero-positivo, mientras que su mujer sí lo acepta”.

Vía: Terra.

Tras seis semanas de filmación, el 29 de marzo fue el último día de rodaje de ‘53 días de inviern’o, película dirigida por Judith Colell. El film, producido por Ovideo, está interpretado por Mercedes Sampietro, Alex Brendemühl, Aina Clotet, María Pau Pigem, Montserrat Salvador, Silvia Munt, Joaquim de Almeida, Celso Bugallo y Abel Folk.

En ‘53 días de invierno’, melodrama social, coral y urbano, Judith Colell cuenta la historia de tres personajes, Celso (Alex Brendemühl), Valeria (Aina Clotet) y Mila (Mercedes Sampietro). En este film de historias cruzadas, el espectador será testigo de sus vidas a lo largo de todo un invierno. Tres personajes de vidas totalmente diferentes, cuyo nexo común es la soledad y sensación de haber tocado fondo, coinciden en una parada de autobús. A partir de aquí la cámara les irá siguiendo, adentrándose y profundizando en sus vidas, su entorno, sus emociones. Historias en las que cualquier ser humano puede sentirse reflejado. La película habla de la soledad y la fragilidad humana, de las necesidades que tenemos todos de ser felices cueste lo que cueste, y del momento en el que nos damos cuenta de que lo que estamos haciendo para conseguirlo no tiene ningún sentido.

Desde el 20 de febrero de 2006 el equipo de ‘53 días de invierno’ ha rodado en diferentes localizaciones de Barcelona, tanto interiores como exteriores. La película estará lista en otoño de 2006.

Vía | Ovideo