Aún no me lo creo. Viggo Mortensen se retira de la interpretación. Al parecer, el actor norteamericano está agotado de todo lo que rodea al negocio del cine y ha tomado la decisión de dejarlo. Esto es lo que ha dicho:

“Durante la semana pasada, estuve viajando a Los Angeles, Japón, Corea, Polonia y Reino Unido. Es ridículo y no es una forma sana de vivir. Pero, como pasa eso, voy a tomar medidas para cambiarlo. No más películas.

Me imagino que habrá gente que estaría encantada de viajar a tantos países, pero imaginad que eso se convierte en una rutina diaria; que cada par de días tenéis que ir de un lado para otro, y no para pasear, ver museos y descansar, precisamente, sino para promocionar vuestro trabajo, posando y hablando para un montón de personas. Es el precio de la fama, desde luego, pero toda persona es libre de rechazarla. Y no es que Viggo fuese un actor que promoviera el culto a su persona. Todo lo contrario. Le interesaba el trabajo y el arte. De este modo, fiel a su personalidad y su carrera, parece que ha llegado a un punto en el que ha dicho basta.

No he dicho “sí” a una película en casi un año. He estado en todas esas aplaudidas películas y parece que debería estar haciendo más, pero hay otras cosas que quiero hacer. No es el momento adecuado.

Viggo es actor, pero no olvidemos que también es otras cosas. A lo largo de los años, se ha dedicado a la poesía, la fotografía, la música y la pintura (suyos eran los cuadros que aparecían en el remake de ‘Un crimen perfecto’). Si a esto le sumas que los proyectos que le han ido llegando no son precisamente apasionantes, y que el tipo no es de los que se venden por un fajo de billetes, es más fácil de entender el motivo de su decisión.

A menudo eran absoluta basura, todo sobre colocación de productos y marketing. No necesito el dinero.

Como podéis observar, el asunto parece serio, nada que ver con lo de Joaquin Phoenix, que ya parece casi seguro que es todo una farsa para un proyecto de Casey Affleck. Esto es otra cosa. Viggo Mortensen, sin duda, uno de los mejores actores del planeta se retira del cine. El protagonista de películas como ‘El señor de los anillos’ o ‘Promesas del Este’ (Cronenberg se queda sin el actor para su deseada secuela) ha decidido abandonar las pantallas y trabajar en otros campos artísticos.

Y se va sin ese Oscar que tanto se ha merecido. Ojalá sólo sea algo temporal, y vuelva a por él. Seguro que le está esperando, como todos nosotros.

PD: ¿Cuál es la mejor interpretación del señor Mortensen?

Vía | Worstpreviews

Haciendo un repaso exhaustivo por todas las películas que se han alzado con el Oscar (ese premio de tan dudosa reputación, al fin y al cabo es una industria premiándose a sí misma, nada más sospechoso) saltan las evidencias como chispas. Por ejemplo, que ‘El Padrino’ y ‘El Padrino, parte II’ son muy superiores a prácticamente todas las demás que lo han ganado. Y en cuanto a las que no lo merecían, teniendo en cuenta que eligen nada menos que la mejor película de todo un año, hay dos protagonizadas por el excelente, sanguíneo, instintivo, desaprovechado intérprete que es Russell Crowe.

Una de esas dos es ‘Gladiator’, la décimo primera realización del británico Ridley Scott, con la que recuperó el crédito comercial después de varios rotundos fracasos de público, y a la que cierto sector de la crítica, sobre todo de su país de origen (en opinión de quien esto escribe a años luz de la exigencia de los críticos europeos), trató con una vehemencia desproporcionada, al igual que los aficionados al cine, quienes la valoran muy por encima de lo que merece, ya que si sus limitaciones eran evidentes hace nueve años, ahora son escandalosas, y aunque también posee ciertas virtudes, no son suficientes. Pero vayamos por partes

El subgénero de romanos, que podría situarse entre el género del melodrama histórico y el de melodrama de aventuras, gozó de cierto esplendor hace ya unas cuantas décadas. Y de la misma forma que obtuvo grandes éxitos económicos, su decadencia y desfase fue rápida e inmisericorde. A fin de cuentas, y si repasamos su tradición, no se puede decir que ninguna gran personalidad cinematográfica se haya ocupado de él y haya dado una aportación de peso. Por supuesto que hay títulos emblemáticos, pero su razón de ser quizá desapareció con el género. Por eso la apropiación de los códigos del Peplum por parte de Ridley Scott y su equipo es, primeramente, una estratagema comercial, servida con una campaña de marketing formidable. Pero, ¿hay algo personal en este ‘Gladiator’?

A principios de la década, recordemos que esta película es del año 2000, los efectos digitales habían llegado a una plenitud impensable cinco o seis años antes. Ellos fueron uno de los reclamos publicitarios de la película de Ridley Scott. Sin embargo, el tratamiento de los mismos no fue todo lo perfecto que podría desearse. De hecho, en comparación con otra película de aquel mismo año, ‘La tormenta perfecta’ (Wolfgang Petersen), son muy inferiores. En la de Petersen conocían las limitaciones de la integración 3D, y su recreación de la tormenta marina es asombrosa. No se puede decir lo mismo de la recreación de la arquitectura imperial romana. Los planos aéreos cantan bastante, pero los fondos son una equivocación, y comprometen la integridad de la atmósfera que se intenta buscar.

Pero tampoco es que en ningún momento se pretenda una fidelidad histórica, como sí logran en la extraordinaria serie ‘Roma’. Y no hablo sólo de esos errores de atrezzo de los que tanto se ha hablado en internet, sino de la recreación de una época que responde más al gusto barroquista y excesivo, pagado de sí mismo, de Ridley Scott (que encomendó la tarea a un hombre que se haría habitual suyo, Arthur Max), que a la elaboración de un ambiente narrativo que se erija en herramienta emocional. Pensemos por ejemplo en la batalla inicial, que es un alarde de medios. Filmada en Surrey, Reino Unido, su temperatura de color, con ese sol invernal que convertía el bosque en algo espectral, fue captada muy bien por el operador jefe, John Mathieson, que sabía de la velocidad de filmar en Super 35, pero dado el caos de planificación (marca de Scott), todo se echa a perder.

Ese uso de velocidades y obturaciones extrañas en la batalla se empleó de manera mucho más bella en ‘Los siete samuráis’ (Kurosawa, 1954) o incluso en ‘Saving Private Ryan’ (Spielberg, 1998). Aquí parece la última solución para una batalla que tuvo que ser mutilada por falta de dinero, y para la que no había tiempo. Si a eso sumamos que no se obtuvo un guión definitivo hasta una semana antes del rodaje, podemos hacernos una idea del follón en que se vieron inmersos. Se nota, además, que no son más que 750 romanos y 350 germanos, aunque hicieron lo posible por maquillarlo. Con esta batalla comienzan también las arbitrariedades narrativas de Scott.

Se frota uno los ojos de incredulidad, pero las espantosas ideas del director no desaparecen. ¿Cómo se puede tener el mal gusto de insertar, cada pocos segundos, un plano del emperador Marco Aurelio (interpretado con irregular fuerza por el ya desaparecido Richard Harris), dentro de la larga secuencia del campo de batalla? Debido a que Scott ya ejecutó ideas similares en películas anteriores, no debería sorprendernos. Pero es obvio que a nadie se le ocurriría romper el contínuo secuencial con un plano inserto en travelling de acercamiento a un personaje ajeno a la secuencia. Sin duda Scott, excitado por los picores del divismo y la autoría, cree que tales ideas son dignas de quedarse en el montaje.

Pero pronto comienza la historia y la presentación de los personajes. Conocemos a Máximo (Russell Crowe), a Cómodo (Joaquin Phoenix) y a Lucilla (Connie Nielsen), y somos testigos del traspaso de poder del anciano Marco Aurelio al gran general Máximo, y del golpe de estado de su hijo Cómodo. Todo esto está bastante bien. Es el comienzo de la historia, y crea tensión e interés. Pero pronto se desdibuja todo con gran rapidez. Muerto Marco Aurelio, Cómodo tiene vía libre para quitar de en medio a Máximo (asesinando también a su familia), y regresar a Roma como emperador. Por supuesto, Máximo escapará de la muerte y clamará venganza.

El montaje en paralelo de Máximo viajando nada menos que de Germania a Hispania en caballo, con el asesinato de su mujer e hijo por otro lado, es un intento de crear tensión absolutamente contraproducente. Rompe el ritmo y el estilo creado hasta ahora, y se adentra por caminos visuales cercanos al videoclip. De pronto, la identificación que se supone debíamos sentir con Máximo, se esfuma. Nos importa poco que hayan violado y asesinado a su mujer, junto con su hijo. Y nadie sabe cómo, pero aparecen en sus tierras unos esclavistas que se lo llevan al desierto (no se sabe qué desierto ni qué país…), para emplearle como gladiador. El mal gusto desplegado en esas imágenes oníricas del desierto es clamoroso, y son obra de un director que no sabe muy bien qué está contando, ni por qué.

Al menos, tenemos a Máximo. Durante la película no le veremos ni la menor falla. Es guapo, leal, fuerte, valiente, inteligente, compasivo, fiero. Podría haber dado mucho menos de sí sino le hubiera encarnado un actor en estado de gracia que nunca más (ya le habíamos visto pletórico en ‘L.A. Confidential’ y ‘The Insider’) ha vuelto a disfrutar. Crowe se adueña del personaje y le otorga una verdad y una tristeza incomensurables. Es verlo para creerlo. Él es el auténtico pilar de una película que hace aguas en cuanto intenta desmarcarse precisamente del sub-género que quiere homenajear. Una fuerza de la naturaleza con la que, si bien no nos sentimos identificados ni nos importa mucho lo que le suceda, sí podemos comprender y compadecer.

A su lado Joaquin Phoenix (que ha logrado algún buen trabajo en una carrera irregular) palidece como un villano que no está a la altura. El guión le ayuda poco, Ridley Scott se empeña en extraer de él sólo una neurosis psicopática que nada aporta y que nadie entiende, y con estos elementos poco puede hacer el actor. No basta con unas ojeras profundas, hacen falta buenos momentos, buenos diálogos, más ideas interesantes de puesta en escena. Tampoco la bella y elegante Connie Nielsen tiene muchas oportunidades. Su personaje parece un fantasma sin fuerza, que entra y sale del relato sin criterio. Por eso estoy seguro de que el mérito es sólo de Russell Crowe, y no de Scott, en su memorable papel.

Se puede intentar buscar algo más, pero no lo hay. El relato se agota muy pronto, y después de que Máximo y Cómodo se encuentren por primera vez en la arena (tras otra batalla confusa, sin fuerza ni violencia) todos sabemos cómo va a terminar y estamos deseando que termine, porque no hay nada más que ofrecer. Máximo se une en una conspiración contra Cómodo mientras vuelve a salir a la arena contra un célebre gladiador, al que vence además de a un tigre… Traicionado y obligado a luchar de nuevo en la arena, y aún herido y moribundo…¡vence al emperador, como no podía ser de otra manera! A fin de cuentas, Máximo es una figura mártir, que se sacrifica por todos nosotros. Pues, ¿no es Roma un espejo pasado del actual imperio de Estados Unidos? ¿Y no hay en esos momentos finales una referencia explícita a la grandeza de los imperios? ¿Alguien se cree que pueden pertenecer al pueblo?

Pero es lo que ocurre cuando un director no comprende absolutamente nada de la historia que quiere contar, y cuando sus pulsiones ultra-conservadoras le empujan a pronunciar un discurso estético y moral nauseabundo. Al menos nos queda el valiente Máximo, su arrojo, su coraje. Su nobleza. Es un pesonaje demasiado perfecto, estamos de acuerdo, pero resulta catártico observar su furia asesina contra un mundo cruel, que castiga a los buenos y premia a los malvados.

Sin duda el 2008 será recordado no sólo por su mediocridad en la calidad de la oferta cinematográfica, sino también por la cantidad de malas noticias que hemos recibido al respecto de las muertes de varias personalidades importantes dentro del séptimo arte. Ahora se nos va Joaquin Phoenix, y lo hace voluntariamente, deja el campo de la interpretación para dedicarse a otra de sus pasiones (puede que la verdadera): la música. Al parecer en estos momentos está preparando un álbum de Bri Pop al lado de Tim Burgess. ¿Tendrá la misma suerte Phoenix en el campo de la música?

Recordemos que después de varios papeles en películas como ‘Giro al infierno’ o ‘Asesinato en 8 mm.’, dio el salto definitivo cuando fue nominado al Oscar por su trabajo en la espectacular ‘Gladiator’, donde compartía cartel con un inmenso Russell Crowe. Más tarde llegaría M. Night Shyamalan, que le dirigiría en las magistrales ‘Señales’ y ‘El bosque’. James Mangold le puso en bandeja su segunda nominación con la correcta ‘En la cuerda floja’. ‘Two lovers’, que nos llegará a lo largo del 2009, supone su tercera colaboración con James Gray después de ‘The Yards’ y ‘La noche es nuestra’. Con ella se despide del cine.

Phoenix tiene tan sólo 34 años, así que si las cosas no le van bien en el mundo de la música, siempre puede volver a ponerse delante de una cámara de cine.

Vía | popnografía

‘Un cruce en el destino’ (‘Reservation Road, 2007’) se estrenó en España, en teoría, el 30 de noviembre del año pasado, y salió a la venta el pasado 28 de abril. Un caso muy raro el de esta película. Uno espera que un drama con un reparto encabezado por Joaquin Phoenix, Jennifer Connelly y Mark Ruffalo llame la atención, reciba premios, sea conocida por el público. Sin embargo, no ha sido así. Ha pasado desapercibida en nuestro país. Tras encontrarla un par de veces en el videoclub, abandonada entre las novedades, me dije que tenía que descubrir si merecía una reivindicación o no, si había que empezar a recomendarla seriamente o no. Y la respuesta es no.

La historia de ‘Un cruce en el destino’ nos presenta a dos familias; por un lado, Ethan y Grace, más sus dos hijos, Emma y Josh, y por otro, Dwight y Emma, más un hijo, Lucas. Mientras que el primer matrimonio vive feliz, el segundo está roto, Emma tiene nueva pareja y Dwight cada vez está más apartado de Lucas. El destino quiere que una noche se crucen las vidas de ambas familias, en un trágico suceso. Dwight ha llevado a su hijo a ver un partido de béisbol, es tarde y vuelven a casa con prisa; están pasando por una gasolinera y un despiste al volante hace que su coche choque contra algo. Josh está en el suelo. Dwight sabe lo que ha ocurrido, pero aprovecha la oscuridad para huir, ocultándole a Lucas la verdad.

De ahí surge todo. De ese trágico accidente y la posterior fuga del culpable. De hecho, aunque no tarda en ocurrir, todos los minutos previos al suceso pueden tirarse a la papelera. Son innecesarios, aburridos y llenos de tópicos. Llegado el momento sin retorno, la película cambia, las imágenes cobran fuerza; y uno respira de nuevo con esperanza. Es como si estuviésemos viendo algún evento deportivo donde nuestro equipo parecía dormido, hasta que se lanza al contraataque. Bien, lo de antes no cuenta, vamos, ahora empieza la película, el drama, la tensión, las grandes interpretaciones, los dilemas morales…

Desgraciadamente, sólo es un espejismo. La película vuelve a venirse abajo rápidamente. Es la tónica general del film. Está llena de altibajos. O mejor dicho, hay algunos momentos buenos. Unos pocos en medio de un producto sin alma, carne de televisión para la hora de la siesta. La tragedia del chico atropellado es la excusa para contar una película torpe, ineficaz, que lo intenta pero que no llega a nada, mal narrada, sin emoción. Lo único destacable, quizá motivos suficientes para verla, es la interpretación de Joaquin Phoenix, la presencia de Jennifer Connelly, que también se luce en algunas escenas, y la banda sonora de Mark Isham.

En teoría, Mark Ruffalo debería haber aportado mucho al film, es un actor de probado talento, pero su trabajo aquí es lamentable. Desde luego, su personaje no está del todo bien escrito, quiero decir, sus acciones son a menudo incomprensibles, incoherentes. Especialmente, al menos a mí me lo pareció, la razón por la que huye del lugar del crimen. Pero tampoco Ruffalo pone nada de su parte, todo lo contrario, se lleva toda la película prácticamente con la misma cara. Nunca convence, nunca hace creíble su personaje y entorpece tremendamente la implicación del espectador en la historia que se le está contando.

Por el contrario, Phoenix realiza una estupenda labor; no maravillosa, no memorable, pero sí más que correcta y con algunos momentos realmente intensos. El actor está demostrando un gran potencial y creo que es cuestión de tiempo que se lleve el Oscar por el que ya ha sido candidato. Si no la habéis visto, os recomiendo ‘La noche es nuestra’, con un Phoenix magnífico. En cuanto a Connelly, realiza una de esas interpretaciones que tanto abundan en su carrera en las que casi todo el tiempo sólo es un adorno, sin que uno encuentre motivos para que hayan contado con ella y no con alguna actriz guapilla del montón, más rentable. Eso sí, como dije, hay algunas escenas inspiradas, donde Connelly ofrece el nivel esperado, escenas dramáticas donde la actriz logra transmitirnos lo que siente el personaje.

Hay que señalar también la presencia de Mira Sorvino, actriz casi olvidada y cuya participación en una película se toma con el mismo entusiasmo que cuando toca lavarse los dientes. Sorvino tiene un personaje muy secundario, sin importancia, sin valor y sin vida; no hay sitio para que la actriz pueda ofrecer nada, sólo estar y decir las frases. Desde luego, torpe trabajo el de John Burnham Schwartz y Terry George, director del film, para adaptar la novela escrita por el primero. No la he leído, ojo, pero imagino que si la han convertido en película será por algo. Algo que no hay en la pantalla. No hay interés, no logra emocionar. Lo que sí hay es una serie de acontecimientos fortuitos que están muy mal insertados, llegando a facilitar que incluso nos tomemos a risa la película. Se supone que debemos ver un tenso drama psicológico, pero sólo hay situaciones forzadas con actores que no se creen sus personajes (salvo Phoenix, como ya he dicho) y muchísimos tópicos. El desenlace daba mucho juego, había posibilidades para montar un buen final, pero no, como la mayoría del metraje, insípido y sin fuerza, para olvidar.

‘Un cruce en el destino’ es una oportunidad perdida, había una historia con mucho potencial, buenos actores en los papeles principales, pero el director Terry George (‘En el nombre del hijo’, ‘Hotel Rwanda’) fracasa rotundamente intentando transmitir la intensidad y la emoción necesaria, esperada. Tampoco es una mala película, conste, pero de lo que podía ser a lo que es, hay mucho. Es un producto muy flojo, intrascendente, válido sólo para rellenar un rato de aburrimiento, si no pedimos gran cosa.

‘La noche es nuestra’

Pese a la disparidad de criterios y los abucheos recibidos, seguramente estamos ante uno de los mejores estrenos de la temporada. Negrísima obra de James Gray en la que el personaje que interpreta Joaquin Phoenix, grande, tiene que decidir entre su familia genética, donde el padre y el hermano son policías, y la familia que ha elegido, para la que trabaja y que se encuentra al margen de la ley. Thriller que bien justifica varios visionados. El DVD viene con un problema importante: no tiene extras, lo cual es una pena.

‘Adiós, pequeña, adiós’

Sorprendente debut como director del actor Ben Affleck, con una historia con mucha similitudes con la del famoso caso de Madeleine, la niña inglesa desaparecida hace ya mucho tiempo en Portugal. Basada en una novela del autor de Mystic River, Dennis Lehane, cuenta la historia de la pequeña Amanda McCready, de 4 años, que ha desaparecido sin dejar huella. La policía no ha conseguido ni una sola pista, así que los desesperados tíos de Amanda suplican a los investigadores privados Patrick Kenzie y Angie Genarro que acepten el caso, aunque tienen serias dudas sobre si deben hacerlo. La interpretación Casey Affleck es sorprendente, dentro de una notable película. Interesantes extras, donde encontramos un final ampliado, una versión con audio comentario del director y guionista, así como un audio comentario de las escenas eliminadas (datos que nos permite conocer mejor las ideas del director y la película).

‘Pozos de ambición’ (There Will Be Blood)

Daniel Day Lewis interpreta a Daniel Plainview, en esta película de Paul Thomas Anderson, un magnate hecho a si mismo en los primeros años del negocio del petróleo, con la que logró un oscar. Larga y a ratos aburrida obra que promete más de lo que finalmente entrega, en un film que fue muy esperado. Además, y para agrabar más la decisión de su compra, el DVD sólo viene, cuando por la duración de la misma, el director seguro que dejó bastante cosas interesantes en la sala de montaje, con 15 minutos del proceso de rodaje. Guiño para esperar la edición especial.

‘4 meses, 3 semanas y 2 días’

Si alguien me pregunta que cuál es la mejor película que he visto este año, sin duda es esta obra de Cristian Mungiu, del sorprendente y fascinante nuevo cine rumano. Duro retrato de la vida en Rumanía durante el fin del comunismo en la que una estudiante universitaria ayuda a su compañera a abortar, cuando esto suponía un delito en Rumanía. Tensión extrema y mucha crudeza para una obra maestra. A destacar la interpretación de Anamaria Marinca para el ángel de la guardia que interpreta sin venir a cuento. Como era de esperar, no tiene grandes extras, salvo una entrevista al director, y uno de los grandes cortometrajes realizados por Eduardo Chapero Jackson, ‘Alumbramiento’.

‘Llamada perdida’

Remake de la película de Takeshi Miike en versión americana, por eso de hacer el miedo más comercial y más suavizado. Ya que uno se anima a ver una película de terror, con ese móvil que suena para darte un susto, mejor hacerlo con el original japonés. DVD muy sencillo, sin extras a considerar.

‘John Rambo’

En fin, para fanáticos del actor y personaje. El veterano de guerra se enfranta a una misión suicida en la que tiene que matar a tropecientos enemigos. Provoca risas ver los michelines del actor, tratando de demostrar que la edad no pasa, por no hablar del lifting facial y el votox del entrecejo. Se trata de una edición especial, con un audio comentario de Sylvester Stallone de las escenas más destacadas (¿era necesario?), una explicación del armamento de Rambo, escenas eliminadas y una pieza del personaje que responde al título de El arte de la guerra: Todo sobre John Rambo. ¿Por qué las películas interesantes no vienen con extras y las que no lo necesitan sí? Así está el mercado del DVD.

‘Juno’

Una de las sorpresas del año pasado, que tuvo su justa recompensa en los Oscars, sobre la historia de Juno (Ellen Page) una adolescente de Minnesota, aguda y que vive de acuerdo con sus propias reglas. Una tarde típicamente aburrida se transforma en algo exactamente opuesto cuando decide mantener relaciones sexuales con el encantadoramente sencillo Bleeker (Michael Cera). Enfrentándose a un embarazo imprevisto, ella y su mejor amiga Leah (Olivia Thirlby) urden un plan para encontrarle al bebé la perfecta pareja de padres… Fue la confirmación de Jason Reitman y el descubrimiento de la guionista Diablo Cody. Es de esas películas que se agradecen ver. Entre los extras del DVD destacan una versión con los comentarios del director y la guionista, 11 escenas eliminadas con comentarios opcionales, y 4 documentales adicionales.

Michael Clayton

Es una personaje que trabaja para un bufete de abogados importantes de Nueva York, y que se encarga de arreglar sus asuntos sucios de la manera más rápida posible… hasta que los problemas le saltan a su mejor amigo y él se ve involucrado en el problema. Ganadora de un oscar para Tilda Swinton, está interpretada por George Clooney con un personaje que le viene como anillo al dedo. La película va de más a menos, pero entretiene. En cuanto al DVD, lo de siempre, que no es poco, versión comentada del director y las escenas eliminadas correspondientes.

‘Como la vida misma’

Steve Carrell, que dicho sea de paso es un muy buen actor, se toma un poco más en serio esta tragicomedia y no nos entrega una obra sobre perder la virginidad con no se cuantos años y demás zarandajas, ni juega a ser Dios. En esta ocasión se pone un poco más serio e interpreta a un hombre que decide abandonar su vida rutinaria para enamorarse de Juliete Binoche en una reunión familiar. ¿El problema? Que a la Binoche, cuando la pones en películas sencillas y comerciales, como que patina. El DVD incluye un cómo se hizo y escenas eliminadas. Poca cosa, para meternos más tarde por la espalda una edición especial que no merece.

‘Cometas en el cielo’

Historia de amistad entre dos niños afganos, separados por pertenecer a dos clases sociales distintas. Ahora, uno de ellos vive en California, donde acaba de publicar su primer libro, cuando recibe una llamada que le obliga moralmente a volver a Afganistán para ayudar al hijo de su amigo de la infancia. Dirigida por Marc Forster, el director de la nueva entrega del agente 007, y con una destacable música de Alberto Iglesias, no dejó muy contentos a las pocas personas que la vieron. El DVD apenas tiene extras, y los que se incluyen no tienen mucho interés.

‘El último tren a Auschwitz’

En abril de 1943, sale de Grunewald un tren con 688 judíos hacinados en vagones de ganado en dirección a Auschwitz (Polonia), en un viaje a la muerte, sin provisiones, que deberá durar seis días. En el tren comienza una lucha por la supervivencia contra el calor, el hambre y la sed. En su desesperación, algunos intentan huir, pero el tiempo apremia y Auschwitz se acerca cada vez más. Demasiada desesperación y desasosiego en una película en la que se quiere hacer pasar un mal rato al espectador, por esa sensación de desasosiego. Pese a su argumento no llamó mucho la atención entre el gran público. No contiene extras el DVD.

También se lanzan durante esta semana una nueva edición ‘Kansas City’, cine musical y una de las últimas películas de Robert Altman, y una edición especial de la película de los estudios Ghibli, ‘La tumba de las luciérnagas’, con una restauración del film original por su 20º aniversario. Según mi compañero Juan Luis, es una de las siete obras imprescindibles para descubrir el anime, además de ser una historia trístisima y memorable sobre la supervivencia. Bajo la firma de los estudios Ghibli, lo de memorable no me cabe la menor duda.

Vía | Zona DVD

‘La Bella y la Bestia’

En realidad se editó la semana pasada, pero su lanzamiento ha pasado desapercibido. Servidor la descubrió mirando en cierta sección de cierta multitienda de procedencia francesa, y casi le da algo. Sin lugar a dudas, una de las obras cumbres del séptimo arte, cuya historia sería también inmortalizada en la magistral versión animada de la Disney. Cocteau sentó las bases del género con elementos irrepetibles, ya sea la impresionante dirección artística o el maquillaje de la Bestia. Pocas veces lo onírico y lo lírico compenetraron tan perfectamente. Edita Suevia, y eso a veces es un peligro.

‘Arma Fatal’

Una de las comedias más aplaudidas del años pasado. Reunión de los mismos responsables de la también divertida ‘Zombies Party’ (o ‘Shaun of the Dead’, que cada vez que pienso en el título español me vuelven a dar arcadas), Simon Pegg y Edward Wright. Probablemente no es tan buena como algunos nos quisieron hacer ver (vivimos unos tiempos de mediocridad tan absoluta, que cualquier cosa con un mínimo de calidad es elevada a los altares), pero indiscutiblemente tiene momentos desternillantes, aunque al final viva demasiado de la referencia. El dvd viene con los típicos extras de escenas eliminadas, tomas falsas, y un reportaje sobre la versión televisiva, ‘Hot Funk’.

‘Un Cruce en el Destino’

Dirigida por Terry George, que engañó a todo el mundo con la fallida ‘Hotel Rwanda’, este thriller está interpretado por Joaquin Phoenix, Jennifer Connelly y Mark Ruffalo. Casi nada. Pues bien, su paso por las carteleras españolas el pasado Noviembre fue poco menos que fugaz (¿alguien puede decir que la haya visto realmente en cartelera?), algo incomprensible con ese reparto. Desde luego habrá que estar pendiente de ella, porque a pesar de que su director es bastante impersonal, la película tiene su interés. Dvd con muy pocos extras.

‘Wolfhound’

Película rusa, perteneciente al olvidado subgénero de espada y brujería. Versa sobre un guerrero que buscará venganza por la aniquilación de su tribu (uff, cómo me suena esa premisa). Como aquí evidentemente no sabemos que los rusos también hacen cine, pues nos la editan directamente para el marcado casero, porque claro ¿quién iría al cine a ver esta película, si no tiene nombre famosos en su ficha técnica? Dvd pelado de extras.

‘Fados’

Carlos Saura, después de acercarse al mundo musical del flamenco o los tangos, lo hace ahora en el universo del fado portugués, con el que cierra su llamada trilogía sobre la canción urbana moderna. A día de hoy, no hay detalles sobre la edición de esta trabajo, como tampoco una fecha concreta para su salida.

Más información | Zonadvd

Existe en la actualidad un mal muy extendido a la hora de juzgar o criticar una película, y es que si ésta no es original, ya es mala. La originalidad se acabó hace décadas, todas las historias ya han sido contadas, y lo único que queda (que no es poco) es la forma de hacérnoslas llegar, su tratamiento. En el cine importa más cómo se narra una historia, que ésta en sí misma, no restándole importancia a esto último por supuesto. ‘La Noche es Nuestra’ (expresión que responde al lema que utilizaban los policías en el Nueva York de los años 80) no cuenta nada nuevo, y sin embargo se disfruta del primer al último fotograma como cine de primerísima calidad.

La tercera película como director de James Gray, que no firma más películas porque quiere filmar sus propios guiones, narra un drama familiar vestido de thriller, en el que Bobby Green, un encargado de una famosa discoteca verá como su prometedor futuro se viene abajo cuando su hermano policía organiza una redada para lograr atrapar a uno de los traficantes de droga más buscados de la ciudad, un mafioso ruso que opera en dicha discoteca y que no le tiene miedo a la policía. Cuando la familia de Bobby empiece a estar en peligro, éste tomará una drástica decisión de irreversibles consecuencias.

SPOILERS

James Gray consigue una película con un tono sobrio y clásico, raro de ver en los thrillers actuales. El director realiza una película muy en el estilo de los thrillers de los años 70, en los que nombres como William Firedkin, Alan J. Pakula o John Frankenheimer estaban a la orden del día, y firmaban algunas de las películas más representativas del género. Gray se acerca y al mismo tiempo se aleja de ellos. Se acerca, porque su forma de rodar es casi la misma, tomándose su tiempo para mostrarnos las cosas, con un guión bastante bien construido en lo que a composición de personajes se refiere. Y se aleja porque se permite varias secuencias en las que apuesta por nuevas formas. Al respecto cabría citar varios momentos como la incursión del personaje central como topo de la policía en una secuencia en la que no sabes qué va a suceder, ya que desconoces por completo donde están los policías. Por supuesto, la tan comentada escena de la persecución bajo la lluvia, siempre desde el punto de vista del personaje de Joaquin Phoenix, y con un sonido de parabrisas que se clava en tus oídos de forma muy efectivamente molesta. Y cómo no, ese plano final de los dos hermanos que con muy pocas palabras se lo dicen absolutamente todo. Uno de los mejores cierres visto en años.

Y es que ‘La Noche es Nuestra’ es más un drama familiar que otra cosa, una falsa película policíaca, en la que lo verdaderamente importa no es el caso en sí, sino las relaciones de los personajes y como éstos conviven y luchan con y en contra de lo que tienen a su alrededor. La sangre tira, se suele decir, y esta película lo demuestra. Joaquin Phoenix realiza una interpretación portentosa, lleva prácticamente el peso de toda la película con un personaje lleno de matices. Esa oveja negra que reniega de los suyos porque su mundo le parece más fascinante, y si cabe más fácil, un mundo lleno de drogas, sexo y dinero fácil. Sin embargo cuando las cosas se ponen feas, y la muerte hace acto de presencia hace lo que tiene que hacer, defender a los suyos, los cuales pueden caer como moscas con suma facilidad (la secuencia de la persecución parece casi fantasmagórica, resaltando el hecho de que ninguno de los suyos estará a salvo). A su lado, un Mark Wahlberg, que se relega a un segundo puesto, algo que le viene muy bien al actor, que sin tirar cohetes, podemos decir que no molesta. Entre ambos, un veterano Robert Duvall como nexo de unión entre dos hombres que de nos ser por él podrían distanciarse para siempre. La gran ironía de la película es que su personaje tiene que morir para que ellos se den cuenta de cuanto se necesitan. Duvall hace gala de su consabida experiencia con uno de esos papeles en los que siempre es un placer verle.

Como aspectos negativos, por supuesto la presencia de Eva Mendes como mujer buenorra de adorno, y muy posiblemente los malos del film, que carecen de una fuerte personalidad, acercándose más a delincuentes callejeros. Siendo las intenciones de la película algo más que una historia policial, esto no importa demasiado, pero no quita que de haber sido más cuidados estos elementos, el film hubiera sido redondo.

Por lo demás, una película magnífica, de lo mejor en lo que va de año, y que demuestra a Gray como un cineasta muy a tener en cuenta a pesar de su corta filmografía, y que deseemos que no se tome tanto tiempo entre trabajo y trabajo. Se me escapan las razones por las que ‘La Noche es Nuestra’ está dividiendo de una forma tan brutal tanto a la crítica como a los espectadores. En fin, un humilde servidor ha disfrutado de lo lindo con un film ejemplar.

Otra crítica:

• ‘La noche es nuestra’, pretendida negrura desprovista de originalidad

En Blogdecine | Joaquin Phoenix, Mark Wahlberg, Eva Mendes, Robert Duvall

La última película de James Gray, cineasta poco prolífico, insiste de nuevo en su obsesión por mostrar la violencia, esta vez ambientada en la nocturna Nueva York de finales de los ochenta. El departamento de policía frente a la mafia rusa y su tráfico de drogas, policías con procedimientos que rozan la legalidad frente a mafiosos con más intereses económicos que de poder o control.

Sobre este panorama de fondo se proyecta la verdadera historia de la película, que se centra en la lealtad, la traición y la relación en un triángulo familiar, formado por Burt Grusinsky (Robert Duvall), un ejemplar capitán del departamento de policía y sus dos hijos. Uno de ellos, Joe Grusinsky (Mark Wahlberg), el que sigue sus pasos y ansía convertirse en el gran policía que se espera de él. El otro es la oveja negra, Bobby Green (Joaquin Phoenix), que reniega de su familia para llevar su propia vida, al margen de la formalidad y encasillamiento que supone pertenecer a una familia de agentes de la ley, para regentar uno de los locales nocturnos más animados de la noche en Brooklyn.

Poca originalidad de partida que no queda resuelta con puntos fuertes, giros inesperados en la narración que eleven el interés en una historia, en la que conforme avanza el metraje, se va diluyendo cada vez más, para centrarse en esa relación familiar sustentada por los tres actores principales. También con la intervención de Eva Mendes, que hace el papel de Amanda Juárez, la novia portorriqueña de Bobby, que tras una primera aparición poderosa a la par que excitante, acaba siendo la chica guapa de la película, aportando bien poco y desapareciendo hacia el tramo final de la historia.

Y es que, aunque Gray no posee una filmografía amplia, sí había demostrado buen hacer en sus anteriores obras (‘Cuestión de sangre’ y ‘La otra cara del crimen’), una realización sin adornos, con sobriedad, destilando cierto tono de cineasta clásico. Y esa evidencia también la lleva a cabo en ‘La noche es nuestra’, donde además firma el guión, pero dejando demasiados agujeros en la narración, siendo incapaz de transmitir fuerza, con una historia demasiado previsible y que adolece de una falta de originalidad acuciante. Y, es que, partiendo de un guión lleno de clichés y tópicos dentro del cine negro, sumado al endeble retrato familiar de los protagonistas, no logra alcanzar un cierto de nivel de dramatismo en la historia que justifique su carencia de novedad, ni siquiera en una profundidad que hubiese sido deseable.

Fue abucheada en Cannes, lo cual no justifica que deba verse con prejuicio, casi al contrario, pero aunque el espectador paciente intente dejarse llevar por la historia, la superficialidad es excesiva y el desenlace tan previsible y blandón que ni siquiera el enorme esfuerzo interpretativo de Joaquin Phoenix (la más destacable por encima del resto) es capaz de soportar.

Existen demasiados fallos en el guión, tan flagantes como que tratar con condescendencia el hecho de que los inteligentes traficantes, encabezados por Vadim, un villano más macarra que duro, operen a sus anchas en el local regentado por Green, desconociendo que se trata del hijo de uno de las figuras policiales más conocidas de la ciudad, y su principal fuente de preocupación.

Otro aspecto negativo es su escueto intento de ambientación en los últimos ochenta, que tan sólo queda evidenciado por los automóviles y algunos temas musicales, pero poco más que justifique llevarse la acción a este momento. Quizás más por forzar la nacionalidad de los “malos” (rusos de pacotilla si los comparamos con el soberbio retrato de mafiosos soviéticos en la reciente ‘Promesas del este’). Amén de esa penosa frase en un momento álgido: “me siento como una pluma”, que a un servidor le arrancó una carcajada. Desde este momento la película se diluye en una consecución de secuencias que pierden ritmo y en donde tan sólo Phoenix mantiene el tipo (aunque el resto de actores principales se mantengan correctos por encima del acartonamiento de los secundarios), y logra aportar interés en la transformación de su personaje. Por cierto, el título de la cinta alude al lema que la policía neoyorkina abanderaba en esos años ochenta.

Reseñar una de las escenas de acción, la persecución de coches bajo la lluvia que logra elevar la tensión y destaca como una pincelada de destreza en la realización, al rodarse desde el punto de vista del conductor (Joaquín Phoenix una vez más), y que está bien resuelta.

En definitiva una película llena de lagunas en un guión ya de por sí flojo, poco original y con una dirección carente de ritmo y profundidad, tan sólo sustentada por los actores.

En Blog de cine | James Gray

Daniel Radcliffe, el conocidísimo rostro de Harry Potter, quiere ir más allá de aprendices de magia y oscuros planes para besar a niñas, por lo que ha firmado para protagonizar ‘Journey’, adaptación del libro ‘The Journey is the Destination’. La película se centrará, por tanto, en la experiencias del fotógrafo Dan Eldon durante la guerra civil en Somalia.

Eldon tenía 22 años y trabajaba como freelance para la agencia de noticias Reuters. Pasó meses en Mogadiscio, cubriendo la situación de creciente desesperación y haciendo todo tipo de amistades. Sus fotografías, que mostraban el horror del conflicto, llenaron las portadas de periódicos y revistas de todo el mundo. En julio de 1993, Eldon y otros tres reporteros fueron golpeados, apaleados y apedreados hasta la muerte por una turba furiosa que provocó la muerte de más de 50 personas.

Al parecer, Radcliffe ha conseguido un papel por el que peleaban actores como Heath Ledger, Orlando Bloom, Ryan Phillippe y Joaquin Phoenix. No sé, a mí esto no me suena creíble, Ledger y Phoenix han demostrado ser mejores actores que Potter, Legolas y el hermano gemelo de Anakin; pero bueno, todo es posible. Además, según DarkHorizons, ha sido crucial el sí que ha dado la familia de Eldon sobre la candidatura de Radcliffe, a quien ven como el actor idóneo para interpretar al malogrado fotógrafo.

Es curioso como últimamente se están poniendo de moda las historias que se centran en la figura del reportero de guerra. Desde luego, un proyecto interesante, que puede proporcionar a la estrella juvenil un reconocimiento de otro grupo que no sea el de sus fanáticas quinceañeras. Seguiremos informando sobre ‘Journey’.

Nuestros colegas de Las Horas Perdidas nos traen el póster de una película que huele a Oscar por los cuatro costados y alguno más. ‘Reservation Road’ narra las relaciones entre dos parejas, afectadas por la muerte de un niño, parejas que están protagonizadas por Joaquin Phoenix, Jennifer Connelly, Mark Ruffalo y Mira Sorvino (¿qué era de esta mujer? ¿el no estar de moda ha hecho que no incluyan su careto en el póster?). Han sido dirigidos por el impersonal Terry George, y la película se estrenará entre nosotros el próximo 16 de Noviembre. Hagan sus apuestas señoras y señores, ¿oiremos alguno de estos nombres en las próximas nominaciones a la dorada estatuilla?