¿Aún se despierta a veces, no es cierto? Se despierta en la oscuridad y oye el grito de los corderos. Y cree que si salva a la pobre Catherine, eso hará que dejen de gritar, ¿no es cierto? Cree que si Catherine vive, no se despertará en la oscuridad nunca más con el horrible grito de los corderos.

-Hannibal Lecter

Uno de los aspectos más fascinantes de esta historia es el hallazgo de una crisálida de mariposa en la garganta de la última víctima de Buffalo Bill, objeto que bajo ninguna circunstancia podría haber llegado allí por sí solo, y que por tanto ha sido alojado allí deliberadamente por el asesino. Este es el descubrimiento más importante en cuanto a la persecución del psicópata, y, una vez más, han de pedir ayuda a Lecter para descifrar su significado, que no es otro que el deseo de Buffalo Bill de transformarse en mujer, pues la crisálida es una metáfora de la transformación de hombre (oruga), en mujer (mariposa). En realidad, asesina mujeres de gran envergadura porque quiere arrancarles la piel y vestirse con esa piel.

Con el secuestro de la hija de la senadora Ruth Martin, comienza la verdadera cacería en esta película, y a contrarreloj. De forma completamente lógica, por tanto, entramos en la segunda parte del relato, con dramáticas consecuencias, pues Jack Crawford comete la estupidez de hacer una oferta inexistente a Lecter en nombre de la senadora, y Lecter se divierte con todos ellos jugando al Quid Pro Quo y alimentándose del dolor ajeno, que es una de sus fuentes de placer.

Quid Pro Quo y una fuga excepcional

Clarice es una mujer muy valiente y está dispuesta a todo. Por eso es capaz de intercambiar recuerdos dolorosos de su pasado por valiosísima información acerca del psicópata al que quiere dar caza. Se inicia, por tanto, uno de los diálogos y una de las réplicas de rostros más hermosos del cine reciente. No dudo que otros directores, mucho más inseguros, mucho menos capaces de darle una oportunidad a la verdad de una mirada, hubieran mezclado las confesiones de Clarice con fugaces insertos o flash-backs. Así suele hacerse casi siempre. No es el caso de esta joya.

Con percepción de entomólogo, con la extrema dignidad de un verdadero cineasta, Demme se entrega a una sucesión de planos de Hopkins y Foster. Están tan bien, ambos, y la dirección y el tono son tan precisos, que con el relato de Clarice uno siente enardecer su imaginación y es ella la que vuela al pasado de esta atormentada mujer. De esta forma es el espectador el que crea unas imágenes que, en mi opinión, un director no debería crear muchas veces, o no debería imponer. Y este es el caso supremo, pues en cuestión de recuerdos infantiles, todos tenemos los nuestros, y a menudo es mejor dejar que cada uno se adentre en sí mismo.

Lecter pone al FBI en buen camino, pero se interpone el viscoso Chilton para advertirle a Lecter de que no existe ningún acuerdo y así intentar sacar tajada él mismo. Aquí viene uno de los momentos más complejos y más discutidos de esta película. No es otro que el modo en que el bolígrafo de Chilton termina en poder de Lecter y se convierte en una ayuda fundamental para su fuga. Esto es diferente respecto de la novela, pues en ella Lecter se construye una llave para abrir esposas valiéndose del tubo de tinta de un bolígrafo y de un clip. Pero aquí observamos perfectamente cómo utiliza el mismo clip de un bolígrafo dorado para abrir sus esposas.

El mayor enigma es intentar comprender cómo un bolígrafo que estaba en posesión de Chilton, termina en las manos de Lecter. Muchos cinéfilos se rompían, y aún se rompen, la cabeza intentando averiguarlo. La explicación es tan sencilla, que le quita un poco de magia al asunto. Durante el diálogo con Chilton, es significativa la manera en que Lecter no deja de mirar el bolígrafo. Demme va acercando la cámara cada vez más a ese objeto anhelado, abandonado sobre una toalla del propio Lecter. La estrategia del recluso es la de dar el nombre (supuesto) de Buffalo Bill, y provocando a Chilton pues sóle dirá el resto a la senadora en Tennessee. Hace esto con la esperanza de que se olvide del bolígrafo, pero no sabe si tendrá resultado.

Lecter es transferido a Tennessee, tal como deseaba, y no sabe si su ardid ha tenido éxito. La secuencia es un subidón de intensidad indescriptible, con Lecter atado y la cara cubierta con la máscara de hockey, a fin de evitar mordiscos intempestivos. Cuando Chilton debe cumplimentar el traslado firmando y no encuentra el bolígrafo, Demme efectúa un grandioso movimiento de travelling y zoom al rostro de Lecter, sin cortar. Ahora el preso tiene la esperanza de que se el bolígrafo haya viajado con él. Mira fijamente a Chilton y respira con fuerza. Luego veremos que, efectivamente, encontró el bolígrafo entre sus toallas.

La breve entrevista con la senadora pone la piel de gallina. Sentimos la aprensión de la mujer cuya hija ha sido raptada y se ve obligada a conversar con un monstruo, y sentimos el ambiente opresivo. Lecter da una nueva información (falsa, de nuevo) y se alimenta del dolor de la madre para continuar hablando. En cualquier caso esta entrevista no es más que el prólogo al mejor bloque de la película, que es la confesión final de Clarice y la huida de Lecter.

La larga, magistral, conmovedora e inolvidable secuencia del último diálogo entre Lecter y Clarice, de siete minutos de duración, esta estructurada en dos partes y una especie de epílogo. La primera parte está planificada con encuadres en movimiento circular, o lateral, la segunda con acercamientos a los rostros de ambos actores, y el epílogo con alejamientos y nuevos planos circulars, además de planos detalle. No exagero si digo que es uno de los diálogos más hermosos y terribles de la historia del cine. Demme sitúa la cámara delante de los actores, de modo que miran al objetivo. Nos convertimos de esta manera en Clarice y en Lecter. Sentimos la compasión, extraña, de Lecter, y la desazón, plena de coraje, de Clarice. Todo termina con ese bello plano detalle del dedo índice de Lecter rozando la mano de Clarice…

Todo ello sin olvidar la creación sonora de fondo, que asemeja un viento nocturno, cuidadosamente insertado de manera que no destaque. Sin palabras. Tampoco pueden describirse las lágrimas suspendidas del borde de los ojos de Lecter.

En cuanto a la huida, se podría escribir un libro sobre ella. Baste decir, para empezar, que Demme demuestra una pericia para el suspense que era impensable viendo su filmografía anterior, y que nunca más volvería a demostrar. Es tal, que no merece ser nombrado en la misma línea que Alfred Hitchcock, a quien por momentos parece capaz de dar lecciones. Con las variaciones Goldberg de fondo, interpretadas por Glenn Gould, detalle extraído de la novela, tiene lugar la hazaña de Lecter.

Aprovechando el torpe modo en que le esposan cuando le dejan la comida en el interiori de la celda, Lecter lleva a cabo sus planes: se levanta de su aseo y, con el clip entre los dedos (fenomenal el plano en zoom que se acerca a ese objeto), obedece sin rechistar. Gracias al fondo de la música, y a la dirección de los actores que interpretan a los policías, el tiempo se ralentiza exageradamente, y al espectador se le destrozan los nervios. Pide que tengan cuidado con los dibujos (precisamente de Starling y un cordero…) y es la razón por la que puede esposar al primer policía al barrote al agacharse este, y aprovechando la confusión abalanzarse sobre el segundo.

Por supuesto, todo se acelera en el momento apropiado en que la música de Gould llega a un intermedio. Y por supuesto somos nosotros los golpeados, pues en un alarde de cámara subjetiva, Lecter golpea a la cámara con la porra mientras se llena de sangre. Cuánta elegancia. Otros directores habrían mostrado gráficamente la muerte de los polícias, pero Demme no, és es un pudoroso, por eso es un grande. Además de por contar esta huída con tanto brío, y con tanto horror compasivo.

Conclusión: cazar mariposas

Con las indicaciones del fugado Lecter, Clarice acude a casa de la primera víctima (delicada y hermosa secuencia, basada en los detalles y en la mirada, una vez más) y luego continúa sus pesquisas por su parte, creyendo que Crawford está a punto de cazar a Buffalo Bill. Nadie puede pensar que el montaje en el que se muestra a Crawford equivocándose de hombre y a Clarice acertando es un engaño, porque antes, en su conversación telefónica, hemos visto la foto del sospechoso de Crawford, y sabemos que se ha equvocado. Este magistral montaje, por tanto, viene a ser una forma tremendamente ingeniosa de mostrar un hecho, y de ponernos los pelos de punta.

La identificación de Buffalo Bill por parte de Clarice es tan hermosa como otros muchos momentos ya comentados. Basta una polilla para que se de cuenta de que el inocente civil que ha ido a visitar es el monstruo que persigue. Y con su mirada él sabe que ella sabe. Nadie se cambiaría por Clarice en este momento. Vemos el cuadro de una mariposa detrás de ella, un augurio de su descubrimiento. Se lanza y saca el arma, torpemente, pero él se zafa. Lo que sigue es la negación, la destrucción, de décadas de años de cine de machadas y chorradas de super-héroes armados con pistolas. Esto es la vida real. Foster está asombrosa, y nos morimos de miedo con ella.

Ya no es sólo una mazmorra, como con Lecter, ahora también es un laberinto de habitaciones. Pero consigue vencer al monstruo (al minotauro) en la oscuridad, gracias a una valentía indescriptible. Llega a donde ningún hombre es capaz de llegar, y lo hace ella sola, sin ayuda de ningún hombre. Al graduarse, la llama el doctor Lecter, y sabemos que la victoria sobre el horror ha sido pírrica, pues el más grande de los monstruos ahora está suelto. El final viene a demostrar que el horror es siempre posible en este mundo atroz, mientras que debemos venerar el coraje y la generosidad de los valientes como Starling. El plano final, que aún continúa en los títulos de crédito, permite a este relato seguir vivo (y seguir aterrorizando nuestro subconsciente) una vez terminada la película.

En Blogdecine:

• ‘El silencio de los corderos’, la mente del dragón (I)

Créame, no quiere que Hannibal Lecter penetre en su cabeza

-Jack Crawford

A la hora de valorar una obra cinematográfica, algunos dejan su juicio en forma de cinco estrellitas variables (quizá cuatro), y otros puntúan de cero a diez. En el segundo caso conozco a muy pocos capaces de ser coherentes, pues resulta muy tentador regalar sietes y ochos a películas meramente interesantes. Para mí, un ocho es una gran película. Un nueve es una película impresionante, una maravilla como ‘E.T.’. Y un diez es para una obra excepcional, algo realmente muy especial. Muchos cinéfilos otorgan dieces con demasiada facilidad. A mí me resulta más complicado. Aunque en el caso de ‘El silencio de los corderos’ se lo otorgo sin dudarlo un segundo. Y esto por numerosas razones de las que explicaré cuatro:

1. Todos y cada uno de sus actores, hasta el figurante con frase más ramplón, están perfectos. Sencillamente perfectos. Es imposible sacar más partido de ellos. 2. El material literario preexistente, la mejor novela de Thomas Harris, era excepcional. Y el guión también lo es, una joya de Ted Tally, que aúna lo mejor del texto y propone ideas visuales nuevas de grandísima altura estética. 3. La dirección de Jonathan Demme está exenta de todo divismo, y contando sucesos de gran dureza y oscuridad, despliega una elegancia asombrosa. 4. Es mucho más que una historia de psycho-killers, como veremos a continuación.

Analicemos, como se merece, a esta obra de arte:

Érase una vez…el héroe que bajó a ver al dragón a la cueva más oscura

A Strong Heart/Deme Production. Los títulos de crédito, negros con reborde blanco, se superponen al bosque más tenebroso que imaginar quepa. Entre la bruma de primera hora de la mañana podemos distinguir a una figura solitaria, escalando con ayuda de soga, dispuesta a tal efecto. Llega a primer término, es una mujer joven, con un chándal. Parece entrenar. Pero la forma en que Demme coloca la cámara y usa la soberbia música de Howard Shore, más parece que esté huyendo de algo. Un plano lateral y otro de sus pies bastan para dar esa impresión.

Desde el mismo comienzo de la película Demme quiere hablarnos de esta chica, Clarice, y de cómo casi siempre su existencia se basa en luchar. La puesta en escena de la película está al servicio de mostrarnos el interior de este personaje, eje central de la historia. Y desde el principio la vemos luchando, corriendo, subiendo obstáculos. Un hombre intenta alcanzarla, le dice que la esperan. Lleva un gorro del FBI. La música se relaja, ya sabemos más o menos donde estamos. Pero Starling siempre está rodeada de hombres que la retan con la mirada. Se sube a un ascensor lleno de hombres, se topa con un tipo que la sonríe con desdén, le indican el despacho de Crawford con soberbia. Esto es un mundo de hombres, y Clarice es bonita. Es lo que hay.

Hasta Jack Crawford (excelente Scott Glenn), su jefe inmediato, se estira en su butaca con sus manos en la nuca, mirándola fijamente. No es normal. Aquí se inicia el estilo de Demme de filmar las conversaciones, la mayoría, en primeros planos con los actores mirando prácticamente a cámara. Esta forma de filmar acrecienta el agobio en el espectador y le pone a la defensiva. Y enseguida el héroe (la heroína, ahora, pues esto es un relato feminista), baja a ver al dragón. No sin antes hablar con su guardían, el viscoso doctor Chilton (un inolvidable Anthony Heald), que intentará seducirla y luego la tratará con desprecio.

La primera persona que la tratará con un mínimo de dignidad es el enfermero Barney (Frankie Faison, visto en ‘The Wire’), y después tendrá que soportar a varios colgados en el pasillo de los locos, incluso a uno que le espeta “desde aquí huelo tu coño”, antes de ser recibida con extrema elegancia por el doctor Lecter.

La luz de las tinieblas

De todos los reclusos de la penitenciaría psiquiátrica, el único que dispone de una celda iluminada es Lecter. ¿Casualidad o metáfora de la extrema lucidez y capacidad de penetración mental de este personaje? Otros presos la saludan como lo que se espera de ellos: con ademanes exagerados o voz susurrante, pero el doctor Lecter parece vestido de traje, aún con el uniforme de preso, y que la saluda con cortesía. Él es mucho más aterrador que el resto, sólo por esa celda iluminada y cerrada con una mampara de cristal y por sus ademanes cultivados.

Los cinco minutos que dura su diálogo son un ejemplo magistral de puesta en escena, sin maniqueísmos ni trucos baratos ni divismos ni exageraciones de ninguna clase. Sólo cine. En la novela la celda estaba cerrada por redes de nailon. Aquí el cristal facilita un plano contra-plano en el que parece que ambos actores podrían tocarse, lo que acrecienta la inseguridad. Hopkins está, en una palabra, incréible. Nunca estuvo mejor y nunca lo estará, ni siquiera en secuelas comerciales de esta película. Tiene ocho secuencias en toda la película, en un claro papel en principio de reparto, y nadie lo llamaría de reparto, sino de principal absoluto.

En este primer encuentro Clarice puede comprobar cómo el doctor es capaz de tratarla con dignidad mientras adivina su pasado y destroza sus defensas, además de aterrorizarla. Pero tendrá que volver varias veces, lo que para ella supone no tanto un gran temor a Lecter, como a su propio pasado, al que teme mucho más, con el recuerdo de su padre muerto torturándola, además de su experiencia con los corderos… Hannibal la ayuda cuando Miggs, el loco de la celda anexa a la suya, le lanza esperma a la cara, porque le parece una grosería indecible. Él es así. Pero entre ambos se estructurará una de las relaciones más complejas, fascinantes y terribles de la entera historia del cine americano.

Lecter es un sociópata y un caníbal, con sus propias normas morales, pero también es un erudito, un médico excelente y un psiquiatra de increíble percepción. Su celda asemeja una mazmorra medieval. Y Clarice tendrá que bajar a esa mazmorra a hablar con ese dragón si quiere cazar a un monstruo al que apodan Buffalo Bill.

La prueba ha sido dura para Starling. Al salir del sanatorio está hecha un manojo de nervios y muy alterada emocionalmente. Tiene lugar un flash-back breve y bellísimo, en el que recuerda a su padre, y termina llorando sobre su coche. Pero de esa imagen cortamos a la propia Starling practicando tiro con gran fiereza. Es como si el personaje disparara sobre su pasado. Qué manera más hermosa de mostrarnos el interior de un personaje.

Hay otro bello flash-back, poco después, antes de la autopsia de la siguiente víctima de Buffalo Bill. De este modo, antes de que Clarice le cuente a Lecter, en su intercambio de información, todo sobre su padre, nosotros ya lo sabemos porque lo hemos visto. Es decir, prima la imagen sobre la palabra a la hora de describir el interior de este personaje extraordinario que es Clarice Starling. Porque sobre todo, en una historia tan tenebrosa, prima la dignidad elegida por el director para contar su historia. Donde otros directores se entregarían al morbo fácil y a la truculencia, Demme es un alarde de humanidad, buen gusto y contención.

En la autopsia a la víctima, no vemos primero al cadáver, sino a Starling mirando al cadáver, conmovida. Otros espectadores preferirán la operística y grandilocuente y preciosista puesta en escena de Scott en ‘Hannibal’, pero para mí esto es el cine: la mirada de Starling a la pobre chica despellejada. Y tras este conmocionador momento, comienza la verdadera caza.

Mel Gibson está a punto de firmar para protagonizar ‘The Beaver’, una comedia dramática, escrita por Kyle Kinnen, que va a dirigir Jodie Foster, quien también participará como actriz. No será la primera vez que Gibson y Foster compartan la pantalla, ya que en 1994 fueron la pareja estrella del western ‘Maverick’.

El protagonista de ‘Mad Max’ o ‘Señales’, últimamente más centrado en su labor como realizador, interpretará a un hombre deprimido que sólo se siente bien llevando puesta una marioneta con forma de castor. Foster interpretará a la mujer de este hombre, quizá inspirado en cierto personaje de ‘South Park’.

La intención de los productores es empezar a rodar ya el próximo mes de septiembre, en Nueva York. ‘The Beaver’ será la tercera película en la que la protagonista de ‘El silencio de los corderos’ se sitúe tras las cámaras, tras dirigir ‘El pequeño Tate’ (1991) y ‘A casa por vacaciones’ (1995).

PD: El guión de Kinnen encabezaba la “Lista negra” el pasado mes de diciembre. A pesar de su nombre, la “Blacklist” recoge los guiones más cotizados de Hollywood.

Vía | Worstpreviews

Ficción científica la hay de todas clases: coñera, de acción, metafísica, existencialista, moral, sociológica, y todo tipo de variedades. Desgraciadamente, también la hay absurda y falsa, grandilocuente y vacía. Este es uno de esos casos, por desgracia. Tuve la desgracia de ver ‘Contact’ enterita otra vez, tantos años después. Hace más de una década no sabía qué era lo que no me convencía de ella. Ahora sí lo sé. Algo he aprendido. Es tan torpe que hay que frotarse los ojos del asombro. Realmente, no es ficción científica, es una especie de película teológica ultra-conservadora infantiloide y reaccionaria.

Personalmente creo que Robert Zemeckis era, el verbo siempre en pasado, uno de los mayores talentos de la industria del entretenimiento con sede en el valle de Hollywood. Ya no, por supuesto, no desde que perdió el norte. Su canto del cisne fue ‘La muerte os sienta tan bien’, aquel delirio macabro tan de agradecer. Después, vino la ñoña, insípida y muy endeble ‘Forrest Gump’, y comenzó su declive en barrena. ‘Contact’ fue un fracaso estrepitoso, tanto de público como de crítica. Aquel varapalo fue más que justo. ¿En qué estaba pensando este hombre?

Creo sinceramente que esta historia, basada en el relato original de Carl Sagan, tenía grandes posibilidades, que se echaron por entero a perder a causa de un enfoque absolutamente equivocado, que destruye cualquier atisbo de llegar a algo con este material, en favor de un discurso teológico y fundamentalista apestoso e hipócrita, de vergüenza ajena. Este era un proyecto en el que estuvo trabajando Francis Ford Coppola, bien para dirigirlo o para producirlo, que le fue arrebatado en el último momento, según él de mala manera, con el consiguiente proceso judicial, que perdió. No sabemos qué hubiera resultado en sus manos, pero cualquier cosa mejor que este engendro.

Vamos a ver, porque las barbaridades de un relato tan mal armado, tan pésimamente escrito y con un punto de vista tan sospechoso, hacen difícil el análisis, de tantas barbaridades que se pueden analizar. Se podría resumir de la siguiente forma: científica pringadilla (porque nadie le hace maldito caso) descubre comunicación extraterrestre que propicia un posible viaje interestelar con objeto de encontrarse por fin con el origen de esa comunicación. Bien. Vale. De todas las formas posibles de armar un guión sobre este relato, la elegida es seguramente la peor. Pero claro, siendo un proyecto ambicioso y de envergadura, se cubrieron las espaldas con un reparto lleno de estrellas.

Jodie Foster (una de las actrices más brillantes y mejor preparadas de su generación, capaz de hacer prodigios) encarna a la susodicha pringadilla. Tom Skerritt a su jefe y rival. John Hurt al protector chalado de la científica. James Woods al malvado asistente del gobierno. Matthew McConaughey a un cura sexy. Angela Bassett a otra asistente del gobierno, dura pero noble. Bill Clinton, uno de los más nefastos presidentes de la historia de EEUU (tan malo como Bush, pero con piel de cordero), hace de Bill Clinton. La Foster, de nuevo, se enfrenta a una serie de obstáculos masculinos, como en la magistral ‘El silencio de los corderos’, y también como en esa tiene un padre muerto, que es una figura enterrada en el subconsciente con infantil afecto.

Ahora bien, su drama nos importa un comino, mientras que el de Clarice Starling nos subyugaba. Y esto porque todo está muy mal contado. Zemeckis intenta armar una revolución a nivel global con la noticia del comunicado extraterrestre. Pero claro, su visión de un nivel global es describir ciertas reacciones de la sociedad estadounidense. Pocas hemos visto una película que de una forma tan abyecta se dedique a subrayar la superioridad moral de un país. Ponen poco la bandera norteamericana, pero uno se siente ahorcado por ella. Y los juegos visuales con Clinton, ya ensayados con otros presidentes en ‘Forrest Gump’, vistos doce años después, son cómicos.

Lo que debería haber sido una gran película sobre contactos extraterrestres se queda en una sosa glorificación del estilo de vida americano, y un discurso teológico que asusta. El momento en que el personaje de Foster es desestimado para el viaje por no creer en Dios le hace a uno plantearse muy seriamente si Zemeckis ha sido abducido por su gobierno, infectado de un virus cristiano, para mandar un mensaje inocuo pero deprimente. Esto no es la búsqueda de vida extraterrestre, sino la búsqueda de Dios, a través de una serie de personajes (el más grotesco el interpretado por McConaughey, ¡que además tiene un romance con la protagonista, aunque ambos tienen química cero!) encargados de dejar bien claro el conservadurismo brutal de la sociedad estadounidense.

¿Tanto rollo para el Viaje, y luego el clímax es tan insatisfactorio? ¿Tanta trampa para que no haya ningún morbo en la historia? ¿Por qué intentan colarnos un mensaje cristiano tan burdo, se creen que somos estúpidos? ¿Dónde está la zozobra interior de la científica, su curiosidad, su miedo, sus dudas? ¿Dónde la ligazon emocional, el punto de vista? ¿Por qué no hay ni una sola secuencia antológica? Este tipo de cine es un artefacto ideológico declarado, disfrazado de cine de género con un ropaje de baratillo.

Yo, personalmente, me asusto y me indigno al pensar que un talento como Zemeckis puede caer tan bajo como para tratar de ennoblecer unos valores tan peligrosos. Allá él, pero ya esta película nació muerta, y otras como la trilogía ‘Regreso al futuro’ o ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ siguen muy vivas. Algo es algo.

Nuevamente, no estamos ante una semana especialmente estimulante en cuanto a estrenos Dvd se refiere, si bien se nos ofrece una variedad de títulos y géneros que quizá pueda interesar a los lectores. En general, títulos ni demasiado conocidos ni demasiado actuales. Salvo el primero de todos, al que ha masacrado la crítica:

Bangkok Dangerous

Director: Oxide Pang Chun, Danny Pang

Intérpretes: Nicolas Cage, Shahkrit Yamnarm, James With, Panward Hemmanee, Charlie Yeung, Dom Hetrakul, Steve Baldocchi, Tuck Napaskorn.

Sinopsis: En Bangkok Dangerous, Joe, un asesino a sueldo, es contratado por un gangster de Bangkok para eliminar a sus enemigos. Al llegar a la ciudad, recluta como ayudante a Kong, un ladronzuelo al que planea matar al terminar el trabajo para no dejar ningún rastro. Pero las cosas se irán poniendo difíciles para Joe conforme la relación con Kong se hace más estrecha. Cuando el mafioso que lo contrató se vuelve contra él y captura a su nuevo amigo, Joe reaccionará con toda la violencia de la que es capaz.

Dos ediciones, una sencilla y otra especial, para una película de esas que arruinan más si cabe la reputación de un actor que cuando quiere dar lo mejor de sí mismo, puede ser de los más interesantes de su generación, pero que parece empeñado en rebajar su filmografía con títulos de tercera o cuarta categoría. Sin embargo aquí está la edición especial, con final alternativo incluido.

Críticas en blogdecine:

• ‘Bangkok Dangerous’, Nicolas Cage se suicida cinematográficamente

Elegy

Director: Isabel Coixet

Intérpretes: Penélope Cruz, Ben Kingsley, Patricia Clarkson, Deborah Harry, Dennis Hopper, Chelah Horsdal, Sonja Bennett, Laura Mennell

Sinopsis: David Kepesh, un carismático profesor, está orgulloso de seducir a alumnas deseosas de probar experiencias nuevas, sin embargo, nunca deja que ninguna mujer se le acerque demasiado. Pero cuando la hermosa Consuela Castillo entra en su clase, su barniz de protección se disuelve. Esta belleza de cabellos negros como el azabache le cautiva a la vez que desconcierta.

Edición con una cuidada presentación del largometraje número seis de la realizadora Isabel Coixet, que pese a todo no incluye unas características demasiado impresionantes. Esta película pasó sin pena ni gloria por la cartelera española, cumpliendo la irregularidad de su autora, al menos en lo que a interés del público se refiere.

Críticas en blogdecine:

• ‘‘Elegy’, vacías pretensiones

• ‘Elegy’, lo ajeno y lo propio

Ese oscuro objeto del deseo

Director: Luis Buñuel

Intérpretes: Fernando Rey, Carole Bouquet, Ángela Molina, Milena Vukotic, María Asquerino, Ellen Bahl, André Weber, Jacques Debary

Sinopsis: Un hombre maduro, ocioso y con dinero, se encuentra con una muchacha mucho más joven que él. La chica es de origen español, aunque trabaja en Francia. Pronto ella se siente atraída por él, a la vez que éste la desea. La chica manifiesta mucha ternura, pero quiere conservar su virginidad hasta después del matrimonio. El hombre se obsesiona con poseerla hasta la locura.

Sale a la venta el testamento cinematográfico de Luis Buñuel, quien probablemente sea el director español más importante de la historia. Amargamente despreciada en su tiempo, hoy queda esta película como una de las más personales e inclasficables de una filmografía personal e inclasificable. Y es que Buñuel es mucho Buñuel.

Adiós, Mr. Chips

Director: Herbert Ross

Intérpretes: Peter O´Toole, Petula Clark, Michael Redgrave, Alison Leggatt, Siân Phillips, Michael Bryant, George Baker, Jenny Runacre, Michael Audreson

Sinopsis: Adiós, Mr. Chips relata la entrañable historia de un tímido maestro inglés, cuyo mundo se reduce a sus alumnos en un prestigioso colegio privado. Mr. Chips descubre una nueva vida cuando conoce, y se enamora, de Catherine Bridges, una mujer que cambia su forma de enseñar, relacionarse y ver las cosas.

Herbert Ross nunca fue un genio, pero fue uno de esos directores y coreógrafos surgidos de la edad de oro de Broadway, que fichó Hollywood, y que supo aportar al género musical la profesionalidad y la elegancia que se le exigen a este tipo de películas. ‘Adiós, Mr. Chips’ es una de sus películas más estimulantes y divertidas.

La duquesa de Langeais

Director: Jacques Rivette

Actores: Bulle Ogier, Michel Piccoli, Thomas Durand, Marc Barbé, Jeanne Balibar, Guillaume Depardieu, Beppe Chierici, Remo Girone.

Sinopsis: Armand de Montriveau, general francés, se enamora perdidamente de Antoinette de Navarreins, una coqueta parisina casada con el Duque de Langeais. Al conocerlo, su mayor diversión es divertirse con él y seducirlo pero nunca llegar hasta el final. Armand, al descubrir su juego decide ignorar a su amada y preparar una venganza.

Adaptación bastante fiel del extraordinario original de Honoré de Balzac, escrito hace casi doscientos años, que nos devuelve al Jacques Rivette más personal y más arriesgado. Toda una gozada para los amantes del cine europeo de calidad, que no deberían dejar pasar, aunque sí, es una película…“terriblemente francesa”.

Bienvenido Mr. Chance

Director: Hal Ashby

Actores: Peter Sellers, Shirley MacLaine, Melvyn Douglas, Jack Warden, Richard A., Dysart, Richard Basehart, Ruth Attaway, David Clennon, Fran Brill, Denise DuBarry, Oteil Burbridge, Ravenell Keller

Sinopsis: Chance es una persona tan singular como enigmática. Se ha pasado toda su vida encerrado en una casa trabajando como jardinero para un anciano, teniendo dos únicos referentes sobre el mundo exterior: la televisión y el jardín del que se hacía cargo. Cuando el anciano fallece, Chance queda abandonado a su suerte, se ve obligado a cruzar las fronteras de su jardín sin preveer que su peculiar personalidad va a convertirle en un ídolo de masas.

Uno de los mejores papeles del irrepetible cómico Peter Sellers, que aquí borda un dificilísimo papel agridulce al lado de una maravillosa Shirley McLaine. Hal Ashby era un todoterreno capaz de firmar todo tipo de películas, y de hacerlo además bien. La edición especial 30 aniversario tampoco es nada del otro mundo, pero al menos vuelve a poner en el candelero a una película más que digna.

La isla de Nim

Director: Jennifer Flackett, Mark Levin.

Actores: Abigail Breslin, Jodie Foster, Gerard Butler, Peter Callan, Christopher Baker, Michael Carman, Bryan Probets, Rhonda Doyle.

Sinopsis: La Isla de Nim puede ocurrir cualquier cosa! Una niña con mucho carácter llamada Nim (Abigail Breslin), rodeada de sus exóticos amigos animales, de libros y de leyendas, lleva una increíble vida tropical que refleja la de su personaje literario favorito, Alex Rover, el primer aventurero del planeta. La niña idolatra a Rover. Cuando el peligro inesperado se cierne sobre su padre, que es científico, y sobre la isla secreta en al que viven, Nim pide ayuda al creador de su admirado héroe.

Una película que no resultó ningún gran éxito de masas, ni mucho menos (más bien pasó casi desapercibida), y les pareció, a los pocos que la vieron, una aventura infantil más con actores interesantes. A fin de cuentas, Abigail Breslin es una maravilla de cría, y la Foster siempre puede aportar algo. La edición es sencillita, pero aún aporta comentarios de los actores principales, escenas inéditas y alguna otra cosilla interesante.

Críticas en blogdecine:

• La isla de Nim es para antisociales

• ‘La isla de Nim’, un lugar muy poco interesante

Francis Bacon: Vida y Obra

Director: Adam Low

Sinopsis: El director Adam Low (responsable de numerosos documentales acerca de destacados artistas, como Akira Kurosawa, Luchino Visconti, Salvador Dalí o Velázquez) entrelaza la vida y la carrera artística de Francis Bacon mostrando la conexión entre sus cuadros y sus relaciones con seis hombres diferentes a lo largo de seis décadas de su vida. El abundante material de archivo se ensambla de forma espléndida para descubrirnos la cara más humana del artista, un hombre carismático y encantador que pintó algunos de las cuadros más estremecedores del siglo XX.

A continuación un magnífico documental sobre uno de mis artistas favoritos, el irlandés Francis Bacon, pintor de lo que podríamos llamar figuración expresionista, uno de los más fascinantes del siglo XX. Cuidada edición, repleta de extras con muchísimo interés, para un trabajo de documentación sobresaliente. Muy recomendable.

El fantasma de la libertad

Director: Luis Buñuel

Actores: Adriana Asti, Jean-Claude Brialy, Adolfo Celi, Paul Frankeur, Julien Bertheau, Pierre Maguelon, Hélène Perdrière, François Maistre.

Sinopsis: Serie de viñetas entrelazadas por un personaje o una situación que conecta una historia con la siguiente. Unos soldados franceses entran a la catedral de Toledo durante la invasión napoleónica. Un capitán besa la estatua de una mujer y destruye la de un hombre. En la época actual, un matrimonio se escandaliza con unas postales que muestran monumentos de París. Un hombre ve pasar unos animales por su cuarto. En una escuela de policías, un gendarme dicta una lección sobre las distintas costumbres antropológicas. Un asesino es dejado en libertad después de matar a 18 personas. Una multitud furiosa asalta un zoológico gritando lemas de la resistencia anti-napoleónica, mientras un avestruz mira directamente al espectador.

El otro de los estrenos Dvd de esta semana para el maestro de lo absurdo y lo goyesco (amén de otras muchas cosas). Algunos dirían que una película sólo para acérrimos del director aragonés. Yo creo que es de obligada visión para todos aquellos que busquen en el cine lo inesperado, la libertad total (en clara oposición a su título). Edición muy sencilla, sin ningún extra.

Diario de una camerera

Director: Luis Buñuel

Actores: Jeanne Moreau, Daniel Ivernel, Françoise Lugagne, Jean Ozenne, Georges Géret, Michel Piccoli, Aline Bertrand, Françoise Bertin

Sinopsis: Diario de una Camarera es la magistral adaptación de Luis Buñuel de la novela homónima de Octave Mirbeau. Una crítica a la doble moral de la sociedad de la época a través de los continuos acosos que sufre una doncella que trabaja para una familia adinerada.

Y último estreno en el formato para el director aragonés este mes. Una de sus películas menos conseguidas, ciertamente, y la primera que filmó, antes de su consagración definitiva como gran autor, en Francia. Sigue siendo altamente recomendable para conocer la trayectoria de este creador, si bien no es una de sus piezas más inspiradas….

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Que una personalidad señera del cine norteamericano de ahora mismo, como es el caso de David Fincher, se arriesgue con una película tan polémica y poco taquillera como ‘Fight Club’, sobre todo teniendo en cuenta la política de cajeros de banco que Hollywood sigue hoy día a rajatabla, pues no es cosa baladí. Por eso se puede comprender, aunque matizándolo, un movimiento más conservador, más sobre terreno conocido, como el posterior ‘Panic Room’ que nos ocupa hoy.

“Run for cover”, lo llamaba a eso el maestro Hitchcock. En otras palabras, un proyecto manejable, siempre interesante pero quizá no tan personal como el inmediatamente anterior, que fue mucho más problemático y mucho menos rentable. Sin embargo, y a pesar de que todo parecía a priori más manejable, los problemas en rodaje volvieron a repetirse, con dolorosos cambios en el reparto y en el equipo técnico. Parece que a Fincher le persiguen las desgracias, y quizá por eso sus rodajes se han ido espaciando después de ‘Fight Club’. Al menos, con esta, consiguió un buen éxito económico. Pero…¿estético?

Comenzamos con otros impresionantes títulos de crédito, y con otra partitura musical a cargo del gran ambientador Howard Shore. Parece que regresamos a territorios anteriormente explorados, y que nos van a dar un drama criminal intenso y sorprendente. Y lo cierto es que ‘Panic Room’ consigue buena parte de lo que se propone, aunque por algún motivo no llega a entusiasmar. El conjunto es brillante, incluso intenso e inesperado, con leves arritmias. Pero no llega a implicarnos totalmente, y en la conclusión algo nos falta. Veamos por qué.

Inicialmente la dirección de fotografía iba a correr a cargo de otro conocido, el a menudo genial Darius Khondji, pero resultó despedido a poco de iniciarse el rodaje, pues al parecer los ejecutivos de los estudios (esa plaga intelectual de nuestros días) alegaron que le llevaba demasiado tiempo preparar las tomas. Tomó el relevo Conrad Wynn Hall (hijo del legendario, y ya fallecido, Conrad L. Hall), quien se limitó a asegurarse de que el resto de la fotografía principal no chirriaba con lo ya filmado (y debe ser su mejor trabajo, porque después de esto no ha hecho nada destacado). La imagen de la película no se resiente lo más mínimo, y posee la fuerza visual, muy por encima de la media, así como el ingenio con los encuadres, que podemos suponerle a Fincher.

También los actores, tanto la siempre sólida Jodie Foster, el gran Forest Whitaker, un hiperactivo Jared Leto, y los menos conocidos pero sugerentes y verdaderos Kristen Stewart y Dwight Yoakam, componen un grupo de rostros sin fisuras. El toma y daca entre ladrones y acorralados (gran montaje, otro más, de James Haygood, ayudado por Angus Wall) está mostrado con coherencia y sin prisas, en una historia sobria. Fincher se detiene, con inteligencia y sensibilidad, en largas secuencias que nos muestran acciones físicas (como taladrar la pared, para introducir gas en la habitación acorazada) que nos parecen verídicas. No notamos falseo.

El juego se agota mucho más tarde que en ‘The Game’, pero se agota. Sin embargo, la revelación de Raoul como el verdadero villano de la función (un auténtico psicópata, en realidad), consigue electrificar de nuevo el relato. Lo malo es que esta decisión, que es una trampa de guión en toda regla, al mismo tiempo que inicia un segmento más oscuro y violento que el anterior, hace más visibles las debilidades anteriores. Quizás el relato hubiera necesitado un Raoul desde el principio, y la tensión que aporta. La pregunta es: ¿habrían sabido mantener dos horas de película con Raoul presionando a Burnham desde un principio? Da la impresión de que estaban jugando al gato y al ratón con el espectador, y no entre ellos, y de que tenían las cartas marcadas.

Al menos la historia previa de Meg Altman podría haber revestido de mayor interés, o haber dotado a ese personaje de algo más que del proverbial talento de Foster. O el giro que supone la brutal muerte de Junior podría haber supuesto un giro emocional más importante para el espectador. En lugar de eso, asistimos a un espectáculo de suspense de primer orden, pero gélido como un artefacto prediseñado, predigerido, que sabe dónde dar al espectador para cumplir la asignatura, pero que en ningún momento ofrece un punto de vista personal sobre el miedo de la sociedad actual, y las herramientas inefectivas que emplea para ahuyentarlos.

Porque la oportunidad para diseccionar esos miedos, esa indefensión que no puede curar el dinero ni la tecnología, era quizás única, tratándose de un director capaz de hacer regresar los temores de los siete pecados capitales a la vida de la gran urbe, y haciéndonos estremecer. Pero de ese estremecimiento violento, sólo hay migajas, y de esa disección, sólo una tangencial muestra, coartada por la servidumbre a un esquema preestablecido que se revela incapaz de trascender. Por ejemplo la magnífica secuencia de la llegada de los policías, o la del vecino con el que quieren comunicarse. Un relato de esta ambición exigía menos cálculo y más ir abriéndose de forma paulatina hasta abarcar algo más que una reflexión tan pobre.

El talento de Fincher para el suspense ya había quedado más que probado anteriormente, así como su habilidad para la atmósfera. Pero su Mundo de Tinieblas particular podía haber contado con dos películas muy importantes que habrían sido su retrato de la sociedad contemporánea, con ‘The Game’ y ‘Panic Room’. Y aunque la segunda es sensiblemente superior a la primera, todavía le faltaba su gran película en ese sentido. Cinco años después volvería a intentarlo con la que quizá es su película menos comprendida. Y es que no debe ser nada fácil ser David Fincher, e intentar firmar películas personales.

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El pasado viernes se estrenó en nuestras pantallas ‘La isla de Nim’, otro de esos títulos que nos llegan con bastante retraso, precedido esta vez de un fracaso económico en su país de origen, aún a pesar de contar en su reparto con Jodie Foster, que suele ser garantía de éxito, acompañada de Abigail Breslin (‘Pequeña Miss Sunshine’ la colocó en lo más alto para a continuación caer en picado) y Gerard Butler, que no da pie con bola desde ‘300’. A priori esta película tenía cierto interés, pues sus artífices (Mark Levin y Jennifer Flackett) habían realizado como guionistas la curiosa ‘Wimbledon’, y Levin debutó con la interesante ‘Pequeño Manhattan’ después de haber producido durante años la famosa serie de televisión ‘Aquellos maravillosos años’.

Así pues, unas credenciales, que sin ser nada del otro mundo, podían lograr que tuviéramos cierta esperanza con una de esas películas que prometían ser un canto a la imaginación, a la libertad, a la inocencia, y contagiar las ganas de aventura. En realidad ‘La isla de Nim’ es casi todo lo contrario, y su mensaje una memez de mucho cuidado. Ahora es cuando toca decir que Levin y Flackett también han sido los guionistas de la reciente ‘Viaje al centro de la Tierra’, otra de aventuras “infantiles”.

‘La isla de Nim’ narra las aventuras, si se les puede llamar así, de una niña que vive en una isla perdida de la mano de Dios, con su padre, un famoso científico que se ha retirado a investigar sin que nadie del mundo exterior les moleste. Allí Nim, en compañía de sus animalejos, una foca, un lagarto y un pelícano, sueña y vive fantásticas aventuras imaginarias, apoyadas por la lectura de una serie de libros sobre el aventurero Alex Rover. Cuando su padre se marcha a alta mar se produce una tormenta que deja inutilizado su pequeño barco. Nim desesperada pide ayuda por mail a la creadora de su héroe favorito, una escritora que es todo lo contrario a su creación, tímida y algo cobarde.

La película parece no empezar nunca, y justo cuando debe hacerlo, acaba. Por el medio asistimos a algo impensable, una apología de la soledad, de que todos aquellos que se consideran extraños, raros, incluso por encima de los demás, deberían tener su paraíso particular, una isla para ellos solos. Los personajes de ‘La isla de Nim’ no son personas normales y corrientes que buscan o encuentran la aventura. Apuntemos: un científico viudo, cuya muerte de su esposa disfraza con la imagen de que se la ha tragado una ballena, no quiere saber nada de nadie y se retira a una isla, en la que eso sí, con los últimos avances tecnológicos, mantiene contacto con el mundo exterior. Su hija, que se ha tenido que quedar con su padre sí o sí, y que no conoce la relación con otras personas de su misma especie exceptuando por supuesto a su propio padre, emplea el tiempo en soñar. Y una escritora neurótica que no sale de su casa en la que se refugia en las aventuras de su creación, escribiendo exitosos libros. Tres personajes totalmente antisociales cuyo lugar idóneo es lejos del mundo civilizado y de cualquier persona. El único personaje coherente es el del aventurero, producto de la imaginación de la escritora, que como alter ego de la misma, la invita a viajar a un lugar remoto para aislarse todavía más.

Para colmo los actores parecen convencidos con dar vida a estos antipáticos personajes. Abigail Breslin pierde todo el encanto que tuvo en el film antes mencionado. Jodie Foster realiza la que probablemente sea su peor interpretación, totalmente desfasada haciendo horripilante un personaje con cierto atractivo y que desaprovecha todas sus posibilidades (el hecho de conocer el mundo a través de su creación). Gerard Butler hace lo que puede con su rol, sin duda el peor dibujado de todos. Baste decir que los animales que salen en el film les ganan la partida a los actores, sobre todo un expresivo lagarto, y aunque tengamos que perdonar (por lo gracioso del asunto) las increíbles peripecias de un efectivo pelícano.

‘La isla de Nim’ es una pérdida de tiempo, y su contribución al cine de aventuras simplemente no se da porque no existe tal aventura, ésta debería dar comienzo cuando empiezan a salir los títulos de crédito finales, después de un cierre totalmente previsible, noño y absurdo. SPOILER. La chavala después de librarse de un crucero, cuyos tripulantes son pintados como piratas, se reúne con su escritora favorita que no tarda nada en llegar a la isla de las narices, con temporal incluido, y ellas reciben a un padre, que además de científico es McGyver multiplicado por El equipo A, tras construir nada menos que dos embarcaciones de los restos de su barco. FIN SPOILER.

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• ‘La isla de Nim’, un lugar muy poco interesante

Con bastante retraso viene ‘La isla de Nim’, una película que me ha dejado especialmente confuso. ¿Seré yo el único que pienso que el cine dedicado al público infantil/juvenil se está volviendo cada vez más idiota? Tenemos honrosas excepciones, y desde luego la apuesta de ofrecer películas de animación pero de temática adulta ha dado grandiosos resultados. Está el caso de ‘HormigaZ’, un brillante alegato contra el fascismo disfrazado de aventurilla para críos, o ‘Shrek’, con diálogos que sólo entienden plenamente los más mayores, y en el caso de Pixar, los ejemplos más obvios son el de ‘Buscando a Nemo’ o ‘Wall-E’. En carne y hueso, parece que hemos de conformarnos con títulos mediocres como ‘Viaje al centro de la Tierra’ o el que nos ocupa.

‘La isla de Nim’ está dirigida por Jennifer Flackett y Mark Levin y escrita por ellos mismos según la novela de Wendy Orr. Los protagonistas tienen, a priori, suficiente gancho: Gerard Butler, Jodie Foster y Abigail Breslin. Butler no tiene un buen agente, y eso se demuestra en el hecho de que sus elecciones para desquitarse de su papel de Leónidas son cada vez más desafortunadas. Ya veremos qué tal está en ‘RocknRolla’, de Guy Ritchie. Lo de Jodie Foster es aún más inexplicable, porque prácticamente lo único bueno de ‘La extraña que hay en ti’ (su anterior film) era ella, y su participación en este engendro es desconcertante. En cuanto a Breslin, qué le vamos a hacer, nos la venden como la nueva niña prodigio y era inevitable que encarrilara una película de estas características.

El problema principal de esta supuesta historia de aventuras es que en ningún momento arranca. Nunca entretiene, ni interesa. Resulta que Jack (Butler) es un científico que vive con su hija preadolescente Nim (Breslin) en una remotísima isla oceánica tan tranquilamente, sin preocupaciones, ni hipotecas, ni instituto, ni atascos, ni conductos de aire acondicionado. Sólo paisajes muy bonitos, animales por todas partes con los que pasar el día sin dar un palo al agua. En esto que Jack se pierde en medio del mar, para que haya película, y a Nim no se le ocurre otra cosa que avisar, por Internet, a su héroe aventurero favorito, Alex Rover. Pero Rover no es más que una escritora con problemas de agorafobia que, con todo, saldrá en busca de Nim para ayudarla a recuperar a su padre.

Acusa demasiado un ritmo incierto, que jamás es ágil sin ni siquiera intentarlo, y unas actuaciones muy flojitas. Es cierto que Abigail Breslin lo intenta un poco más, porque en ella recaen las pretensiones de la trama, pero es que la expresividad de Butler está reducida al mínimo y eso lo complica todo. Se dedican muchos planos y escenas a Jodie Foster. Muchos. Y nos aburre con su sobreactuación, que consiste en reiterativos tics tales como el tartamudeo, mirada de loca, muecas y demás. Nada que no hayamos visto, por ejemplo, en la interpretación de Nicolas Cage en ‘Los impostores’. En ella se sustentan los principales chistes, pero sólo funcionan uno de cada diez.

En la primera mitad, se mantiene un tono intimista que no molesta demasiado. Las charlas que Alex Rover mantiene con su alter ego, interpretado por el propio Butler, son bastante imaginativas, pero uno se cansa rápidamente de ver cómo explotan el recurso una y otra vez. No hay muchos efectos digitales, pero cuando los hay (sí, me refiero al pelícano de las narices) meten la pata hasta el fondo. Y a partir de la segunda parte, cuando unos turistas vienen a la isla y Nim tiene hasta un breve y absurdo affaire con un jovenzuelo reprimido, todo es caótico y destartalado. Excesivo, en otras palabras. A ello le unimos que la cansina banda sonora de Patrick Doyle (quién le ha visto y quién le ve) incomoda progresivamente.

En definitiva, estamos ante una película que se marea en sus intenciones de divertir a los más pequeños, con una historia poco o nada interesante, una aventura que nunca tiene lugar. ‘La isla de Nim’ es demasiado inverosímil y cargante para los adultos, y demasiado antipática para los niños. Es por eso que es una película fallida, aburrida y ñoña. Desaconsejable.

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• Más información sobre ‘La isla de Nim’.

Tenía que comentaros esta noticia. El verano que ya acaba es propicio para que los medios se dediquen a sacar noticias de este tipo. Resulta que un mono… uy, perdón, un simio… ha dirigido una película. Sí, eso es. ¿Te extraña? A mí no, la verdad, pero sí el hecho de que lo hayan anunciado ahora, cuando hace años que sabemos que en Hollywood hay un montón de simios financiando, escribiendo y dirigiendo películas… ¿Será que por fin se han quitado las máscaras? No me resultaría raro que en los próximos meses, todos esos “artistas” salgan del armario y nos revelen sus verdaderas identidades…

En fin, vamos a la sorprendente noticia. Resulta que un animalillo llamado Coco de Mer, gracias a la asistencia del profesor de psicología evolutiva Josetxu Linaza, ha realizado un largometraje de ficción protagonizado por él y otra monilla colega suya, de nombre Kika. El tal Coco (¿por qué tienen que ponerle siempre nombres como éste a estos bichos?) ha seguido los pasos de otros simios que, previamente, por si alguien lo dudaba, ya habían demostrado que el arte puede ser cosas de animales no humanos. El arte tal como lo entienden los que pagan millones por un lienzo manchado de café y cosas así, aclaro. Con la ayuda del profesor mencionado, Coco ha usado los recursos del relato cinematográfico para contar una historia.

Según parece, la película se centra en Aníbal, un joven simio huérfano criado en cautividad, que un día es devuelto a su selva natal. Tras una salvaje lucha con el jefe de la tribu, Aníbal (que llega a sacarle los ojos a su rival para comérselos, frente a la cámara) se convierte en el líder de un numeroso grupo de animalillos como él, “casándose” con la apenada viuda, cumpliendo con las costumbres del lugar. Esto provocará algún que otro conflicto, especialmente cuando Aníbal descubra que está pasándose por la piedra a su propia madre, cosa que descubrirá más tarde…

En la rueda de prensa realizada tras la proyección del film, Coco reconoció, mientras fumaba un largo plátano, haberse inspirado en las películas de Robert J. Flaherty, así como en las dos últimas de Mel Gibson, para transmitir “bella violencia natural”; por su parte, Kika, quien aspira a dar el salto a Hollywood muy pronto, declaró mediante golpes y taladradores chillidos que se inspiró en algunos trabajos de Penélope Cruz y en lo que hizo Jodie Foster en ‘Nell’. Por otro lado, Coco confirmó, mientras lanzaba excrementos a los periodistas, que están a la espera de la llegada de ayudas gubernamentales para empezar a pensar en el estreno en salas comerciales…

Vía | El País

Mark Levin fue el director de la simpática ‘Pequeño Manhattan’, y ahora ha unido tareas de duración con la guionista de aquella, Jennifer Flackett, en ‘Nim´s Island’, película que si nos dejamos guiar un poco por su póster da la sensación de que el personaje de Gerard Butler es un plagio de cierto arqueólogo (el látigo, el sombrero…). También me ha recordado un poco al mundo de Peter Pan. Vamos, que sólo veo referencias en ese póster.

El nuevo trailer que hoy os presentamos nos aclara un poco las cosas, aunque ya sabéis que nunca hay que fiarse de un trailer. Todo indica que estamos ante una de esas comedias familiares de aventuras, teniendo como protagonista a una niña que vive en una isla con su padre. Butler interpreta al padre, y la ascendente Abigail Breslin a la hija, mientras que Jodie Foster da vida a una inesperada visitante. ‘Nim´s Island’ se estrena entre nosotros el próximo 25 de Julio.

‘Nim´s Island’ (trailer, Flash)

Vía | Impawards y The Movie Box