En ‘Gremlins’ (1984) confluyeron varios factores que permitieron que la película fuera un enorme éxito en un año en el que Hollywood reunió títulos tremendamente populares. ‘Gremlins’ consiguió conquistar al público más joven gracias a su humor negro, al inconfundible sello de Steven Spielberg, al buen hacer de Joe Dante, la inolvidable música de Goldsmith, y a Gizmo.

La película aparece en una época de gran inspiración y prolífica de Spielberg, que supo girar el guión inicial de Chris Columbus hacia algo más digerible y para un mayor espectro de público, prioritariamente juvenil. En principio, ‘Gremlins’ era mucho más negra, más violenta y sangrienta. Y quizás hubiera sido igualmente un éxito y aclamada, pero se hubiera limitado, en cierto modo, su explotación comercial. Al final quedó un cuento navideño macabro, irónico, no exento de crítica (aunque hay para todo tipo de interpretaciones), pero sobre todo, divertido.

‘Gremlins’, un film de culto

Hoy en día ‘Gemlins’ es considerada una película de culto, y mucho de ello tiene que ver el hecho de haberse convertido en un icono de referencia para una generación. Aquella que creció (crecimos) en los ochenta con la magia, la fantasía y películas que calaron hondo en la imaginación de muchos jóvenes. Y también no hay que restarle ni un ápice mérito del resultado final al buen hacer de Joe Dante en la dirección. Supo darle un sentido del humor inconfundible, con giros y gags de su propio sello (como memorable la confesión de Phoebe Cates y su aversión a la Navidad). A lo que habría sumar el universo multirreferencial que puebla el film y que ayuda a su disfrute.

Ya desde el arranque, la narración que imprime Dante es simple y directa (dentro de una línea muy convencional). Nos sumerge en un universo mágico (la tienda en Chinatown donde conocemos al entrañable Gizmo) como preparación a un desencadenante macabro, salvaje y gamberro. Paralelamente nos presente una idílica localidad donde todo se prepara para la llegada de la blanca Navidad, con unos pocos personajes pintorescos, que encajan muy bien en la historia y que sirven para dibujar el escenario donde los Gremlins harán sus diabluras.

Encontramos dos partes bien diferenciadas en el film, quizás en la primera sea donde más brille la narración, los guiños más sutiles, presentando personajes y escenarios, y donde consigue enganchar al espectador. Para luego, en la segunda mitad desbaratar todo, destrozar el idílico escenario con la Navidad como protagonista y acentuar, con cierta perversidad, la crítica del falso espíritu navideño (que puede ser una de las múltiples lecturas que se pueden extraer).

Unas criaturas entrañables al más puro estilo serie B

No podemos olvidarnos del trabajo en el apartado de diseño y efectos especiales llevado a cabo con los Gremlins. Criaturas materializadas por el talento de Chris Walas que logró su doble cometido: las ganas de achuchar al adorable Gizmo y que todos los niños quisieran uno igual y la repulsión simpática pero peligrosa que general los Gremlins una vez transformados en mostruitos infernales (y que sacan a relucir la parte más negativa del humano, adoptando sus costumbres y aniquilando sus ¿falsas? creencias).

Hoy en día, el resultado de los muñecos queda desfasado pero siguen manteniendo ese entrañable aspecto de serie B que el film no esconde y que resulta vital para su buena acogida, décadas después. En este punto, es muy interesante como se incluyen (además de una clara referencia al cine de ciencia ficción de los 50) elementos como el padre de familia inventor y sus engendros mecánicos que unidos al efecto devastador de los Gremlins en las máquinas otorga un punto más que curioso (y que también se presta a interesantes reflexiones). Memorable es la escena de la cocina, donde la abnegada madre tiene que enfrentarse a los Gremlins con los electrodomésticos.

Resultando muy macabra y divertida, generó buena parte de la polémica por su violencia y mal ejemplo en un film para jóvenes (véase la receta gremlin al microondas), no deja de ser tremendamente divertida y pura esencia del humor negro que envuelve al film. Y eso que Spielberg desechó, como antes avanzaba, momentos más extremos en el primer guión de Columbus (donde aquí la madre acababa decapitada y su cabeza lanzada al protagonista de forma perversamente divertida).

Tampoco se puede olvidar el excelente trabajo de Jerry Goldsmith (que no hace mucho se reeditaba en un doble disco), esencial para el éxito del film y que constituye un trabajo de perfecta simbiosis, entre el terror y el humor, con un tema central pegadizo y plagado de sintetizadores y sonidos electrónicos.

Es vuestro turno, pueden votar por la película de la siguiente crítica a la carta.

Entre la vorágine de relanzamientos que suelen hacer las discográficas para mantener vivo el entusiasmo de melómanos, recientemente se ha anunciado un esperadísimo trabajo de Jerry Goldsmith: ‘Gremlins’. Una banda sonora que causó sensación por los ochenta que lograba captar la esencia que el genial compositor era capaz de otorgar a cintas de género, como ésta que nos ocupa.

La película cuenta con ese factor nostálgico de los ochenta, algo similar como ocurriera con la inmersión de ecos de Williams a cargo de Giacchino en ‘Super 8’. Solo que se mantiene completamente viva. No se trata de una nueva ni edulcorada versión. Es la completa partitura de Goldsmith para la fantástica película dirigida por Joe Dante en 1984.

Como podemos recordar con este tema principal, los siniestros ‘Gremlins’ contaban con el acompañamiento rítmico de sintetizadores y acordes electrónicos (algo estridentes pero entrañables) muy propios de la época y que ahora los fans podemos volver a rememorar de forma íntegra.

Nada menos que un doble disco con la banda sonora completa ahora remasterizada apropiadamente. En el disco extra encontramos una recreación del score junto con tres canciones del film y una suite extensa no editada hasta ahora. La edición se completa con un libreto donde se explica todo el proceso de restauración del sonido, comentarios y entrevista al propio Joe Dante.

Vía | FilmScore

Adaptada de la novela de Gary Brandner por Terrence H. Winkless, la película fue reescrita completamente por el luego tótem del cine independiente norteamericano John Sayles, entonces guionista de culto en estado de (perpetua) gracia y se llenó, cortesía de su director Joe Dante, de bromas que oscilan entre lo punk y el homenaje más descarado, así que hay referencias sarcásticas (aparece la versión Disney de los tres cerditos con su desternillante lobo feroz) y otras que parecen evocar al conocedor más sentimental (todos los personajes, absolutamente todos, están bautizados por directores del fantástico, que van desde mitos de la Hammer como Terence Fisher o Freddie Francis a auténticos desconocidos como el director de culto Jerry Warden).

Además, aparece en un cameo el historiador y mito del fanzine del fantástico Forrest J. Ackerman, el editor de la maravillosa Famous Monsters of Filmland y el sarcasmo inunda toda la película, aunque la estrella es, por supuesto, el trabajo de maquillaje de Rob Bottin, todo un ejemplo de como convertir la transformación en una set piece espectacular que acentúa los componentes icónicos del monstruo y no aplaza las urgencias narrativas. Dan ganas de exclamar ¡ya no se hacen películas así! pero sería incumplir la premisa de Dante respecto a sus películas y a su manera (insolente) de leer el fantástico, así que diremos, con una tristeza ligera, que ¡esperamos a gamberros con esta inteligencia y madurez deambulando por los géneros!

No solo de citas explícitas vive Dante, pues su dirección aprende de aquellos sinuosos movimientos de cámara que caracterizó a la Hammer, pero su montaje frenético (no para los estándares de hoy, pero sí visibles por cualquier espectador formado en cine anterior) lo acercan más a la dinámica de un cartoon que a una estrategia manierista. Su dirección es atractiva y vivaracha, ejemplar para una película que necesita apoyarse en hallazgos visuales, e indudablemente Dante cree en el potencial expresivo de sus imágenes y de la paleta de colores (diurnos y nocturnos están llenos de gamas expresivas para regocijo del espectador más atento).

Con esta estrategia de humor anárquico y deliberada autoconciencia, la película es recordada por las magníficas transformaciones de Rob Bottin, indudablemente memorables, pero creo que sus elementos más interesantes están en el guión de Sayles: la reescritura del relato trágico de la maldición del hombre lobo se mezcla con un thriller de psicópatas genuinamente setentero y también con un relato de parejas lleno de pulsión sexual e infidelidades; la imaginativa visión de la Colonia como comunidad neo-hippie y relajada permite ofrecer una sarcástica mirada al matrimonio que deriva en un maravilloso clímax final (televisado) que actualiza y mediatiza al hombre lobo en su aparición contemporánea.

Recordaréis que hace cuatro años se estrenó ‘Paris, je t´aime’, un film compuesto por dieciocho episodios o cortometrajes con dos elementos comunes: romance y París. Aunque suena a pastelazo, lo cierto es que algunas de las historias eran bastante buenas, y es que además de reunir a un impresionante elenco de actores internacionales, las piezas estaban dirigidas por los hermanos Coen, Alexander Payne, Tom Tykwer, Isabel Coixet, Gus Van Sant, Walter Salles y Alfonso Cuarón, entre otros. Hace poco se intentó repetir la fórmula trasladando la acción a Nueva York, pero el resultado fue mucho menos inspirado. Habrá que ver qué tal le va a un proyecto que también ha surgido de ‘Paris, je t´aime’, pero que intentará algo muy diferente, si aquélla pretendía emocionarnos, la que se está preparando intentará aterrarnos.

El proyecto en cuestión se titula ‘Paris I´ll Kill You’, y por ahora ya ha reunido a los siguientes realizadores: Joe Dante (‘Gremlins’, ‘Miedos 3D’), Vincenzo Natali (‘Cube’, ‘Splice’), Paco Plaza (‘El segundo nombre’, ‘[REC]’), Xavier Gens (‘Frontière(s)’, ‘Hitman’), Ryuhei Kitamura (‘Azumi’, ‘El vagón de la muerte’), Julien Maury y Alexandre Bustillo (‘À l´intérieur’), Christopher Smith (‘Desmembrados’, ‘Triangle’) y el debutante Joern Heitmann. En general, está claro que no son tan buenos como los que se encargaron del film de 2006, pero eso no quiere decir que no puedan rodar mejores cortos, pudiendo extraer de París algo más que las típicas postales románticas. Ya veremos, espero que no se lo tomen como un mero encargo para sacar un dinero fácil. Por el momento no hay fecha para el inicio del rodaje ni para el estreno.

PD: Natali también dirigió uno de los segmentos de ‘Paris je t´ aime’, y uno de los mejores por cierto, protagonizado por Elijah Wood.

Vía | HollywoodReporter

No llames a tu padre, querrá que nos acostemos, y yo quiero jugar…

(El fantasma de Addy)

James Cameron, el máximo impulsor del cine en 3D, ha declarado recientemente que no se deberían hacer más películas de terror de bajo presupuesto en el mismo formato que su ‘Avatar’; sostiene que son tan malas que dan una mala imagen al 3D. Es la opinión de un hombre en la cima del mundo, director de las dos películas más taquilleras de la historia, que quiere olvidar su participación en ‘Piraña 2’ (asegura que sólo estuvo unos días en el rodaje, que no es suya y no la incluye en su filmografía). Así que se entiende su postura, pero parece olvidar que los dos títulos que más daño han hecho al 3D son ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’) y ‘Airbender: El último guerrero’ (‘The Last Airbender’), que no pertenecen al género del horror (aunque es cierto que una de ellas es un verdadero horror).

Lo más curioso del asunto es que el año pasado se premió en Venecia a la mejor película filmada en este nuevo formato, y la elegida fue ‘Miedos 3D’ (‘The Hole 3D’), cuyo género creo que no permite duda alguna. Claro que es comprensible que Cameron no lo tuviera en cuenta, pues aún no se ha estrenado en Estados Unidos; es un problema cuando no cuentas con mucho dinero o el apoyo de grandes estudios. Con retraso, y tras proyectarse en varios festivales (entre otros el de Sitges), ‘Miedos 3D’ ha pasado por los cines de Italia y Rusia, y actualmente es una de las opciones de la cartelera española, eso sí, con poca fortuna, no apareciendo entre las diez películas más vistas en su primera semana. Si sirve de algo, si aún podéis verla, os la recomiendo, con las matizaciones que voy a hacer a continuación.

Sustos para toda la familia

Hay algo que se debe tener muy en cuenta a la hora de valorar ‘Miedos 3D’, y es que el guionista Mark L. Smith confesó que quería escribir una película que pudiera ver su hija de doce años. Dicho de otra forma, es cine de terror que se puede ver en casa con la familia, así que no tiene nada que ver con ‘Saw’, ‘Hostel’ o ‘La matanza de Texas’. Y otra consideración fundamental es que estamos hablando de Joe Dante, un realizador que en la década de los ochenta firmó títulos tan populares y queridos como ‘Aullidos’ (‘The Howling’, 1980), ‘Gremlins’ (1984), ‘Exploradores’ (‘Explorers’, 1985) y ‘El chip prodigioso’ (‘Innerspace’, 1987), convertidos en clásicos modernos (con mayor o menor justicia, dependiendo de con qué se las compare). Por cierto, ya que hemos citado la secuela, ‘Piraña’ (‘Piranha’, 1978) también es suya.

‘Miedos 3D’ (un título tan apropiado como ‘The Hole 3D’) nos presenta a la familia Thompson, o lo que queda de ella. Susan (Teri Polo) sabe que no es agradable para sus dos hijos, el adolescente Dane (Chris Massoglia) y el pequeño Lucas (Nathan Gamble), pero deben trasladarse a otra ciudad y volver a empezar de cero. Un día, los hermanos descubren que en el sótano de su nueva casa hay una puerta cerrada con varios candados; aburridos, y como su madre está fuera, deciden averiguar por qué está eso ahí, qué esconde. Al abrirla sólo encuentran una ligera neblina y una densa oscuridad, lo que parece ser un pozo sin fondo. Todo lo que lanzan simplemente desaparece, sin señal alguna de choque, en silencio.

La vecina de al lado, Julie (Haley Bennett), una atractiva jovencita que vuelve loco a Dane, y que también ha visto el misterioso hoyo, conoció al antiguo dueño de la casa y sabe dónde vive ahora, así que los tres van a verle, en busca de una respuesta. Carl (Bruce Dern), un viejo antipático y solitario que siente pánico por la oscuridad, sólo tiene gritos, maldiciones y frases sin sentido para los chicos, pero les avisa claramente de que ahora, con esa puerta abierta, corren un gran peligro. Dane, Lucas y Julie no tardan mucho en comprender de qué se trata: de las tinieblas del agujero surgen los mayores temores de aquellos que lo miran.

La fantástica puerta a lo desconocido, nido de los grandes miedos de los protagonistas, sirve de excusa para realizar eficaces homenajes a algunas de las propuestas habituales del cine de terror. De esta manera en una misma película tenemos una trama con el inquietante espíritu de una niña, otra con un violento muñeco y una tercera en la que hay una especie de hombre del saco. Dante no huye de los tópicos pero los maneja con soltura y profesionalidad, plenamente consciente del producto que tiene entre manos y a quién va dirigido. Apoyado en la estupenda fotografía de Theo van de Sande y en la efectiva música de Javier Navarrete (‘El laberinto del fauno’), el director llega a componer algunas escenas turbadoras (el momento de la televisión o el del servicio), antes de romper deliberadamente el efecto, pues no conviene traumatizar (aún más) al público de menor edad.

Sí que se le puede achacar a la película una cierta desgana a la hora de retratar a los personajes, pues aunque en el caso del niño no es necesario, no se ven muy razonables los comportamientos de los adolescentes (por ejemplo, la chica pierde de pronto a todos sus amigos) y no se le saca mucho provecho a los adultos (Carl apenas tiene unos minutos). En cuanto al 3D, sigo pensando lo mismo: básicamente, es un engaño que sólo sirve para encarecer la entrada y combatir la piratería. Oscurece la pantalla, los bordes no se ven adecuadamente, es incómodo, y personalmente no lo necesito para meterme de lleno en la ficción. Pero dejando esto a un lado, y admitiendo la posibilidad de que haya propuestas que verdaderamente necesiten este formato (y se proyecte en salas apropiadas), estoy seguro que los más jóvenes disfrutarán las escenas en tres dimensiones de este film, en general un digno entretenimiento para todos los públicos.

Hollywood sigue pensando en remakes; o mejor dicho, como no piensa, sigue acudiendo a los remakes. No se va a salvar ni una. El pasado mes de julio, el director Joe Dante confirmó que se estaban planteando volver a filmar ‘Gremlins’ (1984), veinte años después de la segunda parte. Y como a la moda de los remakes se le ha unido ahora la del 3D, pues sí, la nueva ‘Gremlins’ se hará en 3D.

Al parecer, los productores plantearon la idea a Joe Dante, el director de la original, después de que su ‘The Hole’ (en 3D) recibiera buenas críticas; no me preguntéis de quién, porque no se ha estrenado todavía y en Sitges no entusiasmó a nadie, siendo calificada de “infantil”. En fin, que a Dante cómo no le pareció algo estupendo y ya están manos a la obra. De aquí a un par de años tendremos de nuevo a los gremlins en la gran pantalla, creados digitalmente y haciendo perrerías por todas partes, porque el dueño de Gizmo fue incapaz de mantenerlo alejado del agua.

PD: Nada, esta misma noche reviso la original. Ya os contaré.

Vía | Worstpreviews

Y seguimos con fallecimientos, la maldición de mueren de tres en tres me la voy a empezar a creer, como sigamos así. Henry Gibson era uno de esos actores típicos, de los que el público no conocía el nombre, pero sí reconocía su cara. Perteneciente sobre todo al mundo de la televisión, donde apareció en infinidad de series conocidas —desde ‘Embrujada’ (‘Bewitched’), hasta ‘Boston Legal’, pasando por ‘McGyver‘—, intervino también en producciones cinematográficas de la más diversa índole, y casi siempre con personajes con un punto entrañable.

Ahí están sus colaboraciones con Robert Altman en ‘El largo adiós’ (‘The Long Goodbye’, 1973) o ‘Nashville’ (1975), y con Joe Dante en ‘El chip prodigioso’ (‘Innerspace’, 1987), ‘Gremlins 2’ (‘Gremlins 2: The New Batch’), o la olvidada y maravillosa ‘No matarás al vecino’ (‘The Burbs’, 1989) en la que interpretaba a un curioso doctor. Otros papeles memorables fueron en ‘Granujas a todo ritmo’ (‘The Blues Brothers’, John Landis, 1980) —donde interpretaba al líder de una banda nazi que perseguía a los protagonistas—, o en la impresionante ‘Magnolia’ de Paul Thomas Anderson.

Eterno secundario, de rostro amable, con carisma y gran talento, murió de cáncer a la edad de 73 años. No ocupará las portadas de los periódicos —algunos ilustres de este país ni lo nombrarán— como otros de mayor fama. Una pena.

Hasta siempre Henry.

Vía | Las horas perdidas

Dante demuestra estar en plena forma imprimiéndole un ritmo al film absolutamente perfecto, con prácticamente todo en su sitio, sin que notemos que estamos ante una película hecha para televisión, con las limitaciones que eso supone. La película resulta interesante en todo momento, teniendo un crescendo narrativo la mar de conseguido, llegando hasta un final en el que a mi parecer hay un par de incongruencias, pero que no molestan demasiado. Con la política de Bush de fondo, Dante le da una patada en los mismísimos a todo lo referente al uso militar de Estados Unidos en cualquier contienda, conviertiendo a los soldados en zombies deseosos de ser escuchados. Todo ello aderezado con unas finas gotas de humor negro que no hacen más que aumentar dicha crítica. También se permite el lujo de hacer ciertos homenajes cinéfilos, algo que se repite en más episodios de la serie. El de éste hacia Jacques Tourneur y George A. Romero, es bastante divertido. Un film magnífico, con una diea deslumbrante que bien podría haber dado para un exitoso film cinematográfico, y que nos devuelve a un Dante cargado de una mala leche que asusta.