El actor Ben Gazzara ha fallecido en Manhattan este pasado viernes a causa de un cáncer de páncreas. Tenía 81 años.

La carrera de Gazzara, uno de los primeros actores indies antes de que el término se hiciese famoso, se dividió entre el teatro, el cine y la televisión. En teatro alcanzó la fama interpretando en Broadway la famosa obra de Tennesse Williams ‘La gata sobre el tejado de zinc’; siempre amó el arte sobre el escenario y reconoció que se perdió el haber interpretado en cine muchos papeles suculentos que le ofrecieron y rechazó, algo de lo que se arrepintió siempre.

En cine se estrenó en la espléndida ‘Anatomía de un asesinato’ (‘Anatomy of a Murder, Otto Preminger, 1959), demostrando lo que durante los años siguientes pudimos ver, que era un actor de carácter fuerte con intensa personalidad, capaz de dar vida a personajes encantadores y también a villanos sin escrúpulos. Si tuviera que destacar algo de sus interpretaciones, me quedaría sin duda con su penetrante mirada, magnética como pocas. Casi siempre en papeles de secundario, algunas de las películas más importantes de su filmografía fueron ‘Husbands’ (1970), de John Cassavetes, al que estuvo unido por una fuerte amistad, ‘Saint Jack, el rey de Singapur’ (‘Saint jack’, Peter Bogdanovich, 1979), ‘Todos rieron’ (‘They All Laughed’, Peter Bogdanovich, 1981) —en la que trabajó con Audrey Hepburn, con quien llegó a vivir un romance—, ‘De profesión: duro’ (‘Road House’, Rowdy Herrington, 1989), ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, Joel Coen, 1998), ‘Happinesss’ (id, Todd Solondz, 1998) o ‘Dogville’ (id, Lars Von Trier, 2003). Recibió el premio Donostia en el 2005, y trabajó hasta el fin de sus días.

Hasta siempre Ben.

Vía | IMDb

Los hermanos Coen tienen ya a los dos primeros protagonistas de su próxima película, titulada ‘Inside Llewyn Davis’. Los elegidos son Carey Mulligan y Oscar Isaac, dos actores muy solicitados últimamente que volverán a verse las caras después de compartir escenas en una de las mejores películas de este año, ‘Drive’ (por cierto, estreno retrasado al 28 de diciembre).

Como ya comentamos a finales de agosto, ‘Inside Llewyn Davis’ está escrita por Joel y Ethan Coen y la historia tiene lugar en el Nueva York de los años 60. El personaje principal, a quien encarnará Isaac, es un cantautor de música folk basado en Dave van Ronk; no hay información sobre el papel que va a interpretar Mulligan, solo se sabe que es relevante en la historia. Y nada más por ahora, se espera que el rodaje pueda comenzar en febrero del año que viene, así que aún hay tiempo para más incorporaciones y el anuncio de una adecuada sinopsis. A ver si hay suerte y podemos verla antes de 2013.

PD: A la actriz la veremos también en ‘Shame’ (junto a Fassbender) y en la nueva versión de ‘El gran Gatsby’ (con DiCaprio).

Vía | ComingSoon

Ya se ha anunciado el título oficial y el argumento del nuevo proyecto que tienen entre manos Joel y Ethan Coen, después de lograr el mayor éxito comercial de su carrera con la excelente ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010). Por el momento, lo que se sabe de su próximo trabajo es que se titula ‘Inside Llewyn Davis’, que estará ambientado en el Nueva York de los años 60 y que la historia girará en torno a un cantautor de música folk tratando de salir adelante. Scott Rudin y Robert Graff, que colaboraron con los Coen en ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’) y ‘Valor de ley’, han confirmado que producirán la película junto a los peculiares cineastas.

Y ya está, no hay mucha más información sobre esta ‘Inside Llewyn Davis’, excepto que en teoría se trata de un guion original escrito por los Coen, si bien se comenta que en realidad la historia estará inspirada en ‘The Mayor of MacDougall Street’, las memorias póstumas de Dave Van Ronk. Ya veremos, en cualquier caso, sea el libreto totalmente original o no, estoy seguro que los hermanos imprimirán su estilo y su humor a la historia, y eso siempre me interesa. Lo que espero ahora es que nos den alguna alegría con el reparto y que no tarden mucho en comenzar a rodar, aunque parece que no gritarán “¡acción!” al menos hasta comienzos del año que viene. A ver si los tenemos otra vez en los cines para finales de 2012.

PD: Van Ronk, ‘The Outcast’:

Vía | Lashorasperdidas

Por fin se ha estrenado ‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ (‘San qiang pai an jing qi’, 2009) que, como sabéis, es el remake de Zhang Yimou de la primera película de los hermanos Coen, ‘Sangre fácil’ (‘Blood Simple’, 1984). Esta versión del siglo XXI está protagonizada por Honglei Sun, Xiao Shen-Yang y Ni Yan, entre otros, y cuenta una historia de celos y venganzas, de odios y malos tratos, un triángulo amoroso de dimensiones trágicas.

La belleza de ‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ es incontestable. Las imágenes nos regalan un vestuario de inacabable colorido con tonos sublimes, combinados para dar los más llamativos resultados. La contrastada fotografía de Xiaoding Zhao resalta tanto esta paleta imposible como la de la asombrosa localización donde está rodada la película: las montañas de tonos rojizos, diseñada como una alfombra, que podrían ser el escenario de un Western de pesadilla. Bellos son también los encuadres que efectúa Yimou: abiertos, amplios y compuestos como si de pinturas se tratase. El tratamiento del sonido resulta igualmente notable.

Personalmente, considero una pena que la maestría fílmica de Zhang Yimou esté al servicio de una pantomima de enredos, teatral y vodevilesca, de humor bufo y de personajes guiñolescos.

Me parece que, más que plantear un tono humorístico puro, propio de la comedia; lo que hace el libreto de ‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ es no tomarse en serio el contenido y sobre todo, a sus personajes. No son cosas que vayan de la mano, ya que existen comedias que se toman muy en serio a sus personajes y los retratan con profundidad y gran acierto, llegando incluso a analizar todas las cuestiones que marcan sus existencias.

En esta ocasión, lo que propone Yimou es lo contrario: se crea un distanciamiento con respecto a los protagonistas, no sé si intencionado o consecuencia de que la atención del director está en otros aspectos. No veo intenciones de realizar un retrato certero y respetuoso, sino de caricaturizarlos para ponerlos al servicio de otros propósitos, quizás. Sus actuaciones son gesticulantes y patosas, exageradas incluso para el teatro, y sus caracterizaciones son insultantes, se les dibuja como seres mentalmente incapaces —a excepción, únicamente, del guardia—.

Al no poder observar a estos personajes como seres reales, sino como meras marionetas cuyo comportamiento es absurdo e irreal, no puedo interesarme por sus devenires ni sentir el deseo de que sus propósitos les salgan bien, en lo cual radica que todo lo que llega a continuación me produzca indiferencia.

La tragedia pseudo-shakesperiana que subyace bajo este tratamiento ligero no me conmueve ni me atrapa por causa de la mencionada falta de empatía. Así, ya que no soy capaz de ver el desenlace desde la emoción necesaria, la observación fría y externa me lleva a pensar que todo es descabellado y excesivo, casi gratuito. Lo que podría entenderse como una tragicomedia a mí se me presenta como una sarta de despropósitos sin fin. Y es que solo con el sutil matiz que nos lleve a no «entrar» en una ficción concreta, puede parecer que hemos visto una película distinta a la que vio alguien que sí se metió en la historia. Lo que puede apreciarse como sublime, si se ha penetrado en la historia, resultará ridículo si no se ha entrado.

Conclusión

Si bien admiro las películas «serias» de los hermanos Coen, no suelo ser capaz de verle el sentido a su humor o, más que humor, ese acercamiento desenfadado. No es que no me hagan reír, sino que, en ocasiones, el tono me provoca un distanciamiento con respecto a sus personajes y sucesos que me impide «entrar» en la historia. Por ello, es fácil entender que ante este remake sufra la misma incapacidad.

Yimou es un director al que idolatro, del que considero que varios de sus films son obras maestras. Sin embargo, la presente cinta en mi opinión forma parte de sus experimentos fallidos, como lo hace ‘Keep Cool’ (‘You hua hao hao shuo’, 1997). Supongo que en ambas ocasiones el realizador se ha divertido y ha logrado demostrarse algo a sí mismo o probárselo a los demás, por lo que me parece espléndido que se permita este tipo de devaneos, siempre que no por ello deje de rodar sus maravillosos clásicos.

‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ no deja por ello de ser una película que merece la pena ir a ver, simplemente para disfrutar de su belleza visual. Si, además, se consigue penetrar en su historia, el disfrute será inmenso.

Otras críticas en Blogdecine |

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• Sitges 2010 | ‘Agnosia’ (Eugenio Mira) y ‘Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos’ (Zhang Yimou), por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

Desde que, la semana pasada, se estrenó ‘Valor de ley (True grit)’, de Ethan y Joel Coen, tengo esta crítica escrita y siempre encuentro que alguno de mis compañeros ha publicado la suya y debo retrasar la mía para no saturar con el mismo tema.

Esta nueva adaptación de la novela de Charles Portis, en la que ya se basó en 1969 Henry Hathaway, comienza con una escena excepcional en un solo plano muy abierto, tanto que es difícil «leer» lo que en él se ve al menos en los primeros segundos, pero que va desvelando su contenido con lentitud. La voz en off de la protagonista nos introduce de forma concisa y bella en la historia hasta que, por fin, distinguimos el cadáver del padre de esta mujer, años atrás, cuando ella tenía catorce años.

Con ese mismo buen gusto está rodada toda la película. Los hermanos Coen realizan un espléndido trabajo al que no le caben reproches en ningún aspecto que se refiera a la realización. De la labor del resto del equipo técnico nada malo puede decirse. La fotografía acompaña de maravilla a los encuadres y la puesta en escena de los hermanos. Del equipo artístico tampoco diría nada en contra, pues todos los personajes están interpretados a la perfección.

Disminuye mi emoción ante la película un detalle que no se puede achacar como defecto, ya que responde a una elección deliberada, pero que a mí personalmente me provoca la pérdida del interés. Se trata del tono ligero o superficial con el que se cuenta la historia. No me refiero al hecho de que haya humor, pues eso podría estar muy bien, pero sí al estilo de humor concreto, tirando a pueril, que presenta el film en determinadas ocasiones, llegando a aportar una sutil —porque no todo el mundo lo ha percibido así— aproximación informal hacia el asunto.

El conflicto podría ser de envergadura. Sin embargo, rápidamente se abandona como tal: la venganza del padre pasa a ser un McGuffin y la relación entre los protagonistas cobra el lugar de asunto principal. No supondría un problema dejar de fondo esta cuestión y centrarse en la personal, pues la épica no es el único componente posible con el que conmover y, muchas veces, esa antiépica de los antihéroes es superior. Pero, para dejar de lado la venganza y quedarse con lo humano, sería necesario hallar una mayor profundidad en el trato de las interacciones entre los personajes.

Sin ello, nos quedamos con una concatenación de situaciones más o menos impactantes, jocosas o arriesgadas que funcionan de forma demasiado aislada. La manera tan episódica en la que van apareciendo los demás personajes responde a esa sucesión de anécdotas con poco nexo que, si bien será intencionada, personalmente la encuentro torpe. Esto se produce especialmente con el hombre encarnado por Josh Brolin. La confusión con respecto a él puede deberse a que le dé vida un actor tan famoso, que esperaríamos una intervención más duradera y significativa. Pero incluso aunque se tratase de un desconocido, su participación parece inconclusa y absurda.

El elemento más atrayente y original de ‘Valor de ley’ se halla en el comportamiento de la niña, que podría no esperarse en la época siquiera en mujeres adultas. Se hace gozoso escucharla desde los primeros minutos, durante su trato con el comerciante y hasta su negociación con el alguacil. Por desgracia, este efecto de sorpresa se agota fácilmente, ya que no puede llevarse más allá y tampoco se busca darle un contrapunto o una evolución. El resto de los personajes se debaten entre tópicos o caricaturescos. Este último epíteto iría que ni pintado, especialmente, al de LaBeouf, del que, tal como está presentado en esta versión, se podría haber prescindido.

La joven intérprete Hailee Steinfeld está magnífica, Jeff Bridges realiza una gran labor y tampoco lo hacen mal Matt Damon o Josh Brolin, pese a contar con papeles poco sólidos. Pero estas grandes interpretaciones, si bien se disfrutan como actuaciones en sí, no penetran en el relato para enriquecerlo en su profundidad.

En conclusión, diría que se trata de una cinta de aventuras muy bien interpretada, rodada con sabiduría, pero a la que no puedo considerar grandiosa debido a que su tono hizo imposible que compartiese ni la épica de la historia ni la emoción de la relación entre los protagonistas.

Mi puntuación:

Otras críticas en Blogdecine:

• “Berlinale 2011: ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), grandiosa aventura, por Juan Luis Caviaro.

• ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), un western olvidable, por Adrián Massanet.

• ‘Valor de ley’ (‘True Grit’), rehaciendo una adaptación y Western: ‘Valor de ley’, de Henry Hathaway, por Alberto Abuín.

Estoy encantada. Ha sido muy halagador para mi ego.

Así de feliz y de simpática se mostró esta mañana Isabella Rossellini, cuando inevitablemente le preguntaron cómo se sentía al presidir el jurado de la Berlinale. La carismática actriz, todo un privilegio verla y oírla tan cerca, ha sido una de las protagonistas de hoy, jueves, el primer día de la 61ª edición del festival de Berlín, que se ha inaugurado con la proyección de ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010), de los hermanos Coen, que han venido acompañados por tres de los protagonistas para presentar la película. Como ya os anuncié, me encuentro en la ciudad alemana, acreditado por Blogdecine, para acercaros de primera mano el certamen.

Una silla vacía

Otra de las protagonistas de esta primera jornada ha sido sin ninguna duda una silla vacía. La de Jafar Panahi. Curioso detalle el de la organización del festival, dejar un llamativo vacío en la mesa del jurado, justo en el centro, como un homenaje al realizador iraní, así como una señal de protesta por su arresto (ha sido condenado a seis años de prisión y veinte sin poder hacer películas ni viajar fuera de Irán). La ausencia de Panahi fue uno de los temas sobre los que giró la rueda de prensa con los seis miembros del jurado. Algo a lo que creo que nunca me acostumbraré, y que notaréis a lo largo de esta entrada, es lo banales (cuando no directamente estúpidas) que suelen ser las preguntas que se realizan a los invitados. Debería intentar mejorarse este asunto.

A eso de las once menos cuarto de la mañana tuvo lugar el encuentro del jurado de la Berlinale con los medios acreditados de todo el mundo. Como ya he señalado, la intérprete (modelo, escritora, directora) de origen italiano Isabella Rossellini es la presidenta en esta 61ª edición; Jan Chapman (productora australiana), Aamir Khan (actor, director y productor indio), Nina Hoss (actriz alemana), Guy Maddin (director y escritor canadiense) y Sandy Powell (diseñadora británica) son los otros miembros del jurado.

La primera cuestión que rompió el hielo fue dirigida a la presidenta, que tuvo que explicar qué había significado para ella ser hija de Ingrid Bergman y Roberto Rossellini. Tal cual. “Maravilloso”, contestó la mujer tras quedarse aturdida un instante. “Ojalá hubieran vivido más tiempo, se fueron pronto, no pudieron conocerme como adulta, y no pudieron ver a mis hijos”, prosiguió, aclarando que aunque en principio le supuso una ventaja, tuvo que superar pruebas, como cualquier actriz, y convencer a los directores de su valía, que no era simplemente “la hija de Bergman”. Sobre su elección como jurado, aparte de lo citado arriba, comentó que hasta ahora le había resultado difícil aceptar este tipo de compromisos, pero que ahora que sus hijos eran mayores y ha abandonado su papel de madre, era el momento ideal.

Khan fue el primero que habló de Panahi. El indio aclaró que había coincidido con él en el festival de Locarno, y luego le dedicó todo tipo de elogios, definiéndole como un embajador de su país y su cultura, subrayando lo absurdo del arresto. Ante la pregunta de si la silla vacía quería decir que la Berlinale esperaba la llegada del iraní, Rossellini aclaro que no (evidentemente), que no pueden hablar con él y que no piensan que vaya a participar de ninguna forma. Dijo que para ella, el gesto representa de algún modo uno de los objetivos de la Berlinale, “que todas las voces sean escuchadas”. Tras confesar que aprendió a hacer películas con la práctica, sin estudios, a Khan le plantearon por qué el cine indio, Bollywood, es tan diferente del resto, y su respuesta fue que ellos trabajan para su país, para el público de allí, que no piensan en un mercado internacional, aunque la tendencia está empezando a cambiar.

Alguien preguntó si el jurado estaba familiarizado con el cine latinoamericano, a lo que Rossellini respondió que al ser el italiano su primer idioma se sentía muy cercana a España y otros países hispanohablantes, y Maddin dijo que a partir de Orson Welles empezó a investigar en lo español, que había estado en el festival de Sitges y que adoraba las películas mexicanas de El Santo; poco más. Por último, se cuestionó a la presidenta sobre qué iban a buscar entre las competidoras para otorgar el Oso de Oro, a lo que Rossellini respondió que aún no lo sabía, que el certamen acaba de empezar. “La individualidad de cada voz, de cada cine, eso es lo que más nos atrae”, concluyó la famosa actriz.

Estrellas y agallas

Sólo faltó Matt Damon. Joel Coen y su hermano Ethan, arropados por Jeff Bridges, Josh Brolin y la jovencísima Haylee Steinfeld entraron en la sala de conferencias y de inmediato fueron recibidos por fuertes aplausos y cientos de flashes. Se supone que los fans están fuera, y que nosotros somos serios profesionales que venimos a trabajar, pero no todos los días tiene uno la suerte de estar en la misma habitación que el señor Bridges, al que todos mostramos nuestra más sincera admiración. Sin embargo, pese a que el veterano actor bromeó y se mostró participativo, el protagonista de la rueda de prensa fue Brolin, a quien curiosamente no le dirigieron ni una sola pregunta. Quizá lo intuyó y no quiso pasar desapercibido.

El encuentro estaba previsto para las 14:30, después del pase de prensa de la película (en breve os hablaré de ella). Yo pensaba que, después de esperar más de media hora en esa sala repleta de gente impaciente (parece que los retrasos son habituales, pero a los acreditados no se nos permite llegar tarde a nada, es curioso), todos estábamos deseando que los directores y los protagonistas del film que acabábamos de ver hablaran sobre el rodaje o los inicios del proyecto, pero me equivoqué. Varios periodistas (o lo que fueran) tenían otras cosas en la cabeza. La primera intervención relacionó al personaje de Bridges en ‘Valor de ley’, Rooster Cogburn, con ‘El nota’, su papel en ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, 1998). Joel Coen se quedó a cuadros, lo mismo que el resto de invitados, pero llegó a responder: “Es divertido, no lo había pensado”.

La segunda pregunta fue para Steinfeld, que cuál había sido el mayor reto que había tenido que superar en su primer trabajo en el cine. La chica (nominada al Oscar) dijo que no lo sabía, que ninguno en especial; “Una vez me aprendí los diálogos, todo fue fácil”, concluyó con desparpajo. Bridges alabó a los Coen cuando alguien preguntó por qué la película había tenido tanto éxito: “Supongo que por fin todos se han dado cuenta de que estos dos son unos maestros, que son los mejores”. Al menos un par de reporteros se empeñaron en preguntar a los directores si habían querido plantear temas actuales con su film, cosa que negaron rotundamente, y luego si había algo de su vida en ‘Valor de ley’, lo que Ethan Coen se tomó ya a puro cachondeo, soltando: “Veo difícil relacionar nuestra biografía con esta película”.

Alguien preguntó por qué rodar ahora un remake de ‘Valor de ley’, y los Coen volvieron a repetir (vienen haciéndolo desde antes del estreno en Estados Unidos) que no es un remake, es una adaptación de una novela. Brolin se estaba quedando asombrado por las cuestiones (como la mayoría de los presentes, supongo), y finalmente intervino cuando una periodista preguntó a Steinfeld qué había sentido al filmar la película siendo la única chica, rodeada de hombres tan poderosos y masculinos. “Se nota que eres tú la que querías estar ahí, la pregunta va sobre ti, no sobre ella”, respondió el actor, tras la indecisión de su compañera de reparto, que luego, tras las risas provocadas por el comentario de Brolin, aclaró que nunca fue la única chica del rodaje, allí estuvieron siempre su madre y otras profesionales. También le preguntaron si la trataron bien (en serio), a lo que Steinfeld respondió que claro, que todos habían sido estupendos con ella.

Lo mejor de todo llegó cuando un señor, que al parecer le importaba poco la película, preguntó a los invitados qué pensaban de John Wayne (protagonista de la anterior adaptación de ‘Valor de ley’, del 69), como icono, como actor, como influencia. Ethan Coen empezó contestando que no fue un actor que les influyera en absoluto, Joel continuó argumentando que, aun siendo un buen actor, no pensaba que los jóvenes de hoy conocieran a Wayne, Steindeld lo corroboró, y Bridges dijo que como era una readaptación de una novela, no había imitado en nada a Wayne. Como el periodista insistió y preguntó si Bridges llegó a conocer a Wayne, mientras éste lo negaba, Brolin se acercó al micrófono y soltó: “Yo sí, yo le conocí, estuve mucho tiempo con él, no fue un ejemplo en lo político, pero muy bien”. Tras una pausa, con la sala partida de risa, se puso muy serio y le dijo al profesional acreditado directamente a los ojos que había hecho una mala pregunta, que no era acertado buscar comparaciones, ni ponerse a hablar ahora de Wayne; son dos películas que han salido de una misma novela, y punto.

Al siguiente casi le tira una botella de agua. Un tipo preguntó qué tal habían comido durante el rodaje. Pasado el absurdo, se les preguntó a los Coen por el género del western. Los dos dijeron cosas parecidas, se aferraron a la novela y a la historia, apartando la idea de que hubieran querido hacer un western. “Simplemente es algo circunstancial, es una historia que ocurre allí”, subrayaron. Brolin volvió a intervenir comparando a Charles Portis con Shakespeare, y argumentó que lo que se ve en la película es el pasado de los Estados Unidos de América, es su cultura, y que quizá por eso ha entusiasmado tanto al público de allí (la película ha recaudado más de 150 millones de dólares), así como por los valores que se representan, simples pero puros, y nada actuales. Con muy poco más se dio por terminada la rueda de prensa. Mañana más. Esto solo acaba de comenzar.

JL Caviaro desde Berlín, 10 de febrero de 2011.

Los hermanos Coen ya tienen a los protagonistas de su próxima película, ‘True Grit’. Tras pasar de estrellas y rostros conocidos por el gran público en su anterior (y en mi opinión, notable) trabajo, ‘Un tipo serio’, Ethan y Joel Coen volverán a contar con actores de renombre. Nada más y nada menos que Matt Damon, Josh Brolin y Jeff Bridges (nominado al Oscar este año por ‘Corazón rebelde’), quienes interpretarán a tres de los cuatro personajes principales. El otro papel queda en manos de la desconocida y jovencísima Hailee Steinfeld, la última en subir a bordo.

Como sabéis, ‘True Grit’ es el título de un western dirigido por Henry Hathaway que le dio un Oscar a John Wayne, y en un principio se dijo que los Coen iban a realizar un remake, pero luego se ha confirmado que no será así. Su película será una nueva versión no de la película de Hathaway sino de la novela escrita por Charles Portis, cuya historia transformarán los cineastas, que por supuesto firman el guión. La trama se narrará por tanto desde el punto de vista de una joven que busca al asesino de su padre, y no desde la perspectiva del sheriff a la que ésta solicita ayuda (Wayne en el film de 1969). Brolin se encargará de dar vida al villano, Bridges será el sheriff y Damon otro servidor de la ley que se une a éste y a la muchacha vengativa, para ajustar cuentas por otro crimen.

El rodaje comenzará el mes que viene en Nuevo México, y la fecha del estreno está fijada para el próximo 25 de diciembre. Sería un buen regalo de navidad ver lo nuevo de los Coen.

PD: Steinfeld superó unas pruebas de casting a las que se presentaron más de 15.000 adolescentes.

Vía | Variety

De entre la enorme variedad de personajes que pululan por las películas, aquellos que suelen llamar más la atención, que enseguida se ganan las simpatías del espectador, son los solitarios. Personajes a los que las circunstancias hacen estar al margen de la sociedad, o simplemente de sus seres más queridos, viviendo en su propio mundo interno. Hay mucho atractivo en ese tipo de personajes, una cualidad que hace que nos acerquemos más a ellos pues la soledad marca tanto nuestro nacimiento como nuestra muerte, y hay dos géneros donde brillan con más intensidad, el western y el policíaco. No hay en la actualidad tantos personajes solitarios por lo que sentir fascinación como antes, ni siquiera son tratados con la misma fuerza que los maestros de antaño, pero actualmente hay dos films en cartelera que presentan a un par de tipos cuya mayor particularidad es que están solos ante el mundo: ‘Teniente corrupto’ (‘The Bad Lieutenant: Port of Call – New Orleans’, Werner Herzog, 2009) y ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’, Joel y Ethan Coen, 2009).

En una, el solitario es un descontrolado teniente de la policía se ve superado por su dura cotidianidad, en la que tiene que lidiar con personajes de la más baja calaña,y también codearse con ellos. En la otra, el protagonista es un buen hombre, tanto que piensa que todo le va bien, hasta que sin saber por qué, su mundo se viene abajo quedándole sólo sus propias creencias como consuelo. Una es un drama policial, la otra una comedia. No son, ni serán, éxitos grandes de taquilla, pero de momento representan lo mejor de la oferta cinematográfica del presente año.

Un remake bien entendido

El a ratos excesivo Werner Herzog se ha atrevido con el remake de una de las películas de culto de principios de los noventa: ‘Bad Lieautenant’ de Abel Ferrara, para mí un film pretencioso donde los haya, eso sí, con una impresionante composición del gran Harvey Keitel. Las protestas por el nuevo remake no se hicieron esperar, incluidas las del propio Ferrara, quien llegó a insultar a a algunos de los responsables de la nueva versión. Herzog, que parece un tipo listo, se defendió explicando que él no había visto el film de Ferrara y que lo suyo en realidad no era un remake, sino algo muy distinto.

Así es, ‘Teniente corrupto’ se aparta considerablemente del film del 92 tanto en intenciones como resultados. Herzog habla de la locura desde una óptica menos provocadora, pero mayor en intensidad, viste a su protagonista con continuas amenazas y desgracias personales y al mismo tiempo dota al film de una extraña y conseguida atmósfera donde lo casi mágico tiene cabida, logrando embellecer un personaje odioso. Que Nicolas Cage se haya adueñado del personaje no deja de tener su gracia en esta inteligente broma de Herzog, pues aunque no resiste la comparación con Keitel —digamos además que los personajes son totalmente distintos—, logra conectar con el público gracias a su entregada composición, en la que evidentemente no le falta tiempo para gesticular como nunca, estando por primera vez en coherencia con lo que interpreta. Su histriónica interpretación se convierte en estrella absoluta de un film que avanza con ritmo firme gracias al inspirado trabajo de su director.

Un paseo por la locura ambientado en un decadente ambiente en la ciudad de New Orleans, producto del paso del huracán Katrina, que Herzog adorna con sugerentes secuencias oníricas en las que se atreve a hacer bailar a un alma break dance, entre otras locuras. Momentos casi mágicos, en los que cobra fuerza la excelente banda sonora obra del genial Mark Isham, que crea para la ocasión melodías jazzísticas con sabor a puro cine negro. Encima se atreve con un falso final feliz, que de irónica forma conecta con el principio, y aunque algunos elementos de su trama estén cogidos por los pelos, al final Herzog ha logrado divertirnos con su intensa y negra burla hacia el film de Ferrara, al que le da algunas lecciones de cine.

Una comedia muy personal

Tras haber sido el centro de atención con las exitosas, a nivel de premios y de taquilla, ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, 2007) y ‘Quemar después de leer’ (‘Burn After Reading’, 2008), films llenos de actores conocidos, los extraños hermanos Coen han decidido hacer algo más modesto, sin pensar tanto en la taquilla. ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’) podría considerarse como una película menor dentro de la filmografía de los Coen, un pequeño cuento que curiosamente al que suscribe la ha parecido de lo mejor de los ilustres hermanos, de los que reconozco no ser ningún admirador. No soporto ni ‘Fargo’ ni’ Barton Fink’, y películas como ‘El gran Lebowski’ —cuyo mejor chiste está literalmente copiado de una película de Mel Brooks— me aburren soberanamente. Yo me lo paso mejor con cintas como ‘Arizona baby’ o ‘El gran salto’ (‘The Hudsucker Proxy’), e incluso ‘El hombre que nunca estuvo allí’ o ‘Ladykillers’ me parecen mucho más interesantes que sus títulos más alabados.

Sin embargo, y a partir de la oscarizada cinta con Javier Bardem, los hermanos Coen no hacen más que alegrarme mis sesiones cinéfilas. ‘Un tipo serio’ narra la historia de un pobre hombre que cree tenerlo todo, pero al que las circunstancias superan de modo inevitable. Su mujer, que le ha sido infiel con uno de sus amigos, le pide el divorcio, sus alumnos no le hacen ni caso cuando explica en clase, incluso cuando suspende a un chico oriental recibe un soborno de éste para que lo apruebe, algo que va en contra de sus férreas creencias. Para colmo es el único que aguanta la extraña locura de su hermano, que le meterá en más de un problema. Todo el tono del film está marcado por su excelente y divertido prólogo, que funciona perfectamente como un corto separado del resto del film. La contenida comicidad y el absurdo más desternillante bañan toda la película, que no avanza precisamente con el mejor de los ritmos, pero es su tono lo que la hace buena.

Esta vez, los Coen han echado mano de actores poco conocidos por el gran público, realizando todos un gran trabajo, aunque sobresale por derecho propio un inspirado Michael Stuhlbarg, quien se adueña de la función y nos hace partícipes de sus miserias. Su rostro a veces desencajado, es el perfecto retrato de la inestabilidad que todos podemos sentir de vez en cuando, por muy cómodas que aparenten nuestras vidas. La mala suerte de este personaje es retratada con un fino sentido del humor por los Coen, en el que el actor encaja como un guante. El conciso retrato de los Coen de la sociedad americana de finales de los 60, a través de la historia de estos judíos verdaderamente raros, está lleno de detalles ingeniosos por parte de unos autores que tienen más mala leche de la que parece. Las alusiones a una canción de Jefferson Airplane son buena muestra de ello.

Otras críticas en Blogdecine:

• Sitges 09 | Quinta jornada | Decepcionante ‘Splice’, excelente ‘Metropia’ y absurdo remake de ‘Teniente corrupto’

• ‘Un tipo serio’, el contundente cuento judío de los Coen

Un año después de la gamberra ‘Quemar después de leer’ (‘Burn After Reading’, 2008), los hermanos Joel y Ethan Coen dan un llamativo giro hacia dentro con ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’), abandonando las (escasas) pretensiones comerciales y las grandes estrellas, para contar, con sencillez y sequedad, una pequeña historia que dice más de sus autores que muchos de sus últimos famosos trabajos. Quizá habría que remontarse hasta 1991, cuando los Coen presentaron la negrísima ‘Barton Fink’, para encontrar otro relato que defina de forma tan certera sus inquietudes vitales y artísticas.

‘Un tipo serio’ (llamadme quisquilloso, pero debería ser ‘Un hombre serio’) está protagonizada por el prácticamente desconocido Michael Stuhlbarg, al parecer un actor curtido en Broadway, que aquí realiza un trabajo formidable, siendo imposible imaginarse la película sin él (está nominado al Globo de Oro como mejor actor de comedia o musical, y debería ganarlo). Stuhlbarg, que dice más con la mirada que con los diálogos, es el centro sobre el que gira el nuevo y personal trabajo de los Coen, un film de irregular trazado, pero que nunca pierde el tono, con un principio y un final extraordinarios.

La película abre con un oscuro y tronchante prólogo que sucede en otro tiempo y otro escenario, diferentes a los de la acción principal, situada en la década de los sesenta en Estados Unidos (si bien la esencia es la misma). Este relato, en torno a un viejo acusado de ser un dybbuk, al que se le puede dar (y se le han dado) varias interpretaciones, no es más que un cuento folclórico judío inventado para la ocasión por los hermanos cineastas para, al igual que ha hecho Woody Allen en otras ocasiones, burlarse de la supuesta sabiduría que encierran las historias protagonizadas y/o contadas por su antepasados. Este segmento, prácticamente un cortometraje que funciona separado del resto del film, prepara el terreno para lo que vendrá a continuación.

Al tenso desenlace del relato en yiddish le sigue el atronador inicio de la historia de Larry Gopnik y su hijo Danny, al ritmo del tema ‘Somebody to Love’, de los Jefferson Airplane, que no está ahí sólo porque suena bien. Estamos ahora en el año 1967, en una tranquila ciudad del Medio Oeste norteamericano, donde los hermanos Coen crecieron; nos hablan de un mundo que conocen perfectamente. Los realizadores han afirmado que llevaban mucho tiempo con la idea de esta película en la cabeza, pero no ha sido hasta el año pasado cuando por fin decidieron filmarla. Posiblemente porque necesitaban un proyecto más íntimo, más suyo y libre, después de la premiada adaptación de Cormac McCarthy, ‘No es país para viejos’ (‘No Country For Old Men’, 2007), y la ya citada comedia loca con Brad Pitt y George Clooney. El resultado es al menos tan sólido como el del film que se llevó cuatro Oscars.

La primera vez que vemos a Larry (repito, fantástico Stuhlbarg), está en la consulta del médico, durante un “chequeo” corriente. Todo parece ir muy bien. Pero ya desde este momento, comprendemos que Larry no está cómodo. Bueno, es normal que no lo esté en una fría consulta (especialmente cuando el médico sale de la habitación para la prueba de rayos X, algo tan lógico como, en el fondo, inquietante), pero luego le veremos en su trabajo, como profesor de física, y está igualmente desubicado; de hecho, llega a admitir que ni siquiera entiende del todo lo que está explicando (el principio de incertidumbre de Heisenberg, por supuesto). En su casa pasa lo mismo, es como un extraño.

Poco a poco, la vida de Larry se va cayendo en pedazos, pero no de pronto, como parece indicar una visión superficial del film, sino por las claras señales de fractura que caracterizaban su universo, en absoluto ese pacífico y feliz jardín en el que las cosas pueden ser controladas, o arregladas, tal como él quiere creer. Al igual que en la devastadora ‘Revolutionary Road’, el mundo feliz norteamericano es una cortina que cubre las miserias de unos ciudadanos borregos, incapaces de ver y decidir por sí mismos.

En realidad, lo que le ocurre es que Larry tiene miedo. Es un ser temeroso de todo cuanto le rodea, tanto que no tiene iniciativa, se limita a actuar mecánicamente, dejando que su divinidad decida por él. La religión (en este caso la judía, que es la que mejor conocen los Coen) le ha inoculado el miedo en el cuerpo, y le ha enseñado que cuando tiene un problema debe recurrir a quienes mejor conocen las sagradas escrituras. De ahí que este hombre serio, recto, fiel a lo que le han enseñado, busque la ayuda de los rabinos (a cuál más divertido), en un vano intento por comprender por qué su vida se viene abajo.

Por supuesto, los Coen no tienen piedad de este pelele y lo someten a todo tipo de castigos. Aquí es donde la narración se resiente un poco, porque se hace repetitiva, sin que vaya a ninguna parte, subrayando aun más la desesperación de Larry (y supongo que también la del espectador que, como él, está buscando una explicación lógica a todo).

En esta constante búsqueda de un sentido a la existencia, los Coen hacen intervenir al azar para despejar el tablero en el que está jugando el protagonista, y darle un respiro. El complicado, asfixiante, devenir de los hechos toma un rumbo sorprendente cuando desaparece cierto obstáculo doméstico y Danny cumple con su bar mitzvah. En ese momento, Larry se permite sonreír felizmente por primera vez en toda la película, junto a su esposa. No es casual que ocurra ahí, entre los acogedores muros de su religión, donde encuentra el orden establecido al que se aferra. Fuera nada tiene sentido, es el caos, el reino de la incertidumbre. Creyéndose seguro de nuevo, Larry realiza la primera decisión de toda la película, y el resultado es tan inesperado como inevitable (el protagonista cree que ha obrado mal, y eso siempre tiene consecuencias).

Los caminos de padre e hijo (genial también la resolución del problema de los 20 dólares) volverán a unirse cuando comprendan, quizá demasiado tarde, que también hay un mensaje oculto en la letra de la canción de los Jefferson Airplane.

Tras el tráiler, os presentamos el cartel de la nueva película de Joel y Ethan Coen, quienes tras el éxito de ‘No es país para viejos’ no han dejado de trabajar aumentando su ritmo de producción. ‘A Serious Man’ es su título y narra una historia ambientada a finales de los años 60, en la que un hombre, profesor de física, ve como su vida se va al garete desde el momento en el que acoge a su desastroso hermano en casa, y su mujer le pide el divorcio. El film se estrenará de forma limitada en los USA el próximo mes de octubre, aquí, como siempre, no se sabe.

Una vez más, los Coen se adentran en el género de la comedia, en el que su última experiencia les dio excelentes resultados (considero que ‘Quemar después de leer’ es una de las mejores películas de los famosos hermanos). Esta vez, el reparto no está repleto de estrellas, aunque sí de rostros conocidos en el medio televisivo. Michael Stuhlbarg, Sari Lennick, Richard Kind, Fred Melamed y Adam Arkin son sus principales intérpretes. ¿Será por ello que en el cartel han rehusado poner lo de siempre, las caras de los actores?

Vía | Impawards