Se presenta difícil calibrar ‘Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘The Girl with the Dragon Tattoo’, 2011) sin tenerla en cuenta como “una película de Fincher“ (marca registrada) o como un remake/adaptación, es decir, situándola en algún punto dentro de la filmografía de su director y contrastándola con el resto de su producción o comparándola con la novela en la que se basa y con la película que previamente adaptó este bestseller para remarcar qué se han dejado aquí, qué acierto han tenido allá al acercarse más al texto original.

Ante la pregunta de si sería preferible evaluarla despojándose de todas estas nociones previas no hallo una respuesta o, al menos, no una determinante. Sería mejor escribir una crítica en la que la presente fuese solo una película, sin más, si existiesen espectadores y lectores de estas páginas (virtuales) que así la pudiesen afrontar, pero me extrañará que queden muchos aún de esos. No obstante, personalmente, sí me gustaría ser capaz de verla con esa óptica y de liberarme de todas las consideraciones antepuestas para llegar a una conclusión clara sobre mi opinión del film ya que, teniéndola en cuenta en ese marco y con esos precedentes, la única calificación que me merece, por ahora, es la de innecesaria.

No puedo decir que sea prescindible como remake, pues ya antes de que se anunciase pedía en mi crítica una reproducción norteamericana “re-producida” con mayor presupuesto y reiteraba mis deseos ante la segunda parte, claramente rodada para televisión y con exigencias aún menores.

La aportación de Fincher

Sin embargo, la primera de las traslaciones nórdicas era digna en cuanto a la producción – aunque no pasase de ahí – y este film no trasluce con tanta claridad la mano de David Fincher como para que la aportación estética sostenga la existencia de dos opciones. Mejorarla, la mejora, pero no con contundencia. El director parece haberse bajado de sus estridencias y marcas de autor precisamente para afrontar este proyecto, que puede ser que no sintiera tan suyo. En mi opinión, preferiría que hubiese desquiciado hasta el máximo sus idiosincrasias porque algo correcto y comedido ya lo tenemos en el film de Niels Arden Oplev y, si va se añade una segunda visión, que cada una esté rodada con un estilo diametralmente contrario al de la otra.

Ese perfeccionamiento se hace a costa de perder alguno de los valores, como la empatía con Lisbeth, quien en el cuerpo de Rooney Mara parece actuar movida por un impulso ajeno, más o menos siguiendo los pasos de alguien que ya los dio. Desconozco si esta sensación se debe a que la sombra de Noomi Rapace es demasiado alargada o a que ya me sé todos sus tics. Mara puede ser hasta mejor actriz, con más matices –como se demuestra en la parte final en la que se transforma mucho mejor que Rapace –, pero la sueca tenía una fuerza que no alcanza la neoyorquina. Quizá es una cuestión de balance pues, como Daniel Craig cobra un carisma mayor que el de Michael Nyqvist, parece que tuviese que robarlo de algún sitio. Robin Wright está en uno de sus mejores papeles, como mujer inteligente y llena de clase. La presencia de Christopher Plummer, Stellan Skarsgård o Joely Richardson está claro que aporta categoría, pero sus intervenciones no se distinguen demasiado de cualquier papel que estos monstruos de la interpretación ya consagrados –más concretamente los hombres mencionados– hacen a cada momento en películas de muy distinto nivel.

También era, probablemente, más inteligente en lo que se refiere al moldeado del guion, ya que la versión de Steven Zaillian reincide en lo que más se ha achacado al fallecido autor: la montaña de planillas que le hacían falta para entrar en la cuestión. Por satisfactorio que sea ver a Lisbeth Salander luchando contra los monstruos –demasiado parecido también, en cuanto a encuadres y decorados a la filmación sueca, pero por algún motivo, menos repugnante y efectivo–, eso se tendría que intercalar con sus pesquisas. No es hasta que su destino se cruza materialmente con el de Kale o Mikael Blomkvist que comenzamos a sentirnos dentro de una investigación y esto ocurre –sí, miré el reloj– al cabo de hora y veinte de película. Además, allí se producía por un descubrimiento pertinente y aquí está motivado por una decisión repentina que el personaje podría haber tomado tanto en ese momento como en cualquier otro.

Una trama de thriller que no se sostiene por sí sola

Quien no conozca las soluciones porque no haya visto la anterior, ni leído el libro, creo que puede vivir un rato entretenido con la segunda mitad en la que el thriller, una vez cuenta con la hacker más famosa de la literatura, por fin se puede considerar excitante y provisto de tensión. No recordaba con viveza esas desenlaces, pues mi retentiva es mala, así que tenía la sensación de estar adivinándolos, más que evocándolos. No me extrañaría que fuese así, ya que en mi diatriba ante la primera película ya protestaba porque el misterio resultase arcaico y fácil de anticipar. En aquella y en el libro esa trama se enriquecía con la crítica política y social hacia Suecia que Fincher y Zaillian han dejado muy de lado, a pesar de que no han decidido ambientar la película en otro país. Si nos limitamos a una incógnita tan sencilla de descifrar, el material se quedará pobre para sosterner la película, por muy bien rodada e interpretada que pudiese estar.

La fidelidad ante una novela, la que sea, de una película que la adapta nunca tiene que ser considerada una virtud del film resultante, por mucho que sea exactamente eso y no otra cosa lo que buscan los espectadores que ya han leído el volumen fundador. Será una cualidad mantener un aspecto si este supone un acierto fílmico, pero también ha de verse como un fallo aferrarse con celo a lo escrito cuando estas ataduras ponen peso a la narración cinematográfica. Así, en este caso, si bien hemos dicho que se mantiene demasiado tiempo sin vincularse con el misterio a la protagonista femenina y al masculino parece que se lo tiene en suspensión, aguardando que ella tome partido; también hay que reconocer como tino conservar la subtrama de Hans Erik Wennerström, por muy reducida que quede, no ya por lo que esta aporta en sí, sino porque sirve de motivación mucho más clara para que el periodista acepte el encargo del millonario de la isla que, de momento, solo parece un viejo chiflado. No me molestó en este caso el epílogo ya que, como el resto de las sorpresas me las sabía, al menos disfruté con un condimento inédito.

Creo que no es una buena señal que a alguien que ha visto una película encuentre como su mejor aportación sus títulos de crédito. Así ha sido y no ya por ellos, sino por la versión industrial metalera del ya de por sí genial y poderoso ‘Inmigrant Song’ de Led Zeppelin, que firman Trent Reznor & Karen O. El resto de la banda sonora, también producida por Reznor, no me convence de la misma manera, pero entiendo sus intenciones de añadir oscuridad en las escenas de Salander y de aumentar la tensión que el director solo imprime en parte.

Conclusión

La conclusión que puedo sacar viene a suscitar lo del principio: no sé si me ha interesado poco porque más o menos tenía ya la historia en la memoria o porque, en efecto, es una película que tarda en plantearse y que arrastra durante demasiado tiempo un misterio que no es ni tan escabroso ni tan sorprendente. La efectividad de los personajes me presenta la misma cuestión: o bien ya no me dicen nada porque ya los conozco, motivo al que no habría que dar crédito, pues en las series no influye; o bien están plasmados con mucha menos intensidad tanto por guion como por interpretación. ‘Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres’, y no es un chiste malo por el invierno de la isla perteneciente a los Vanger, me deja fría. Veo la intervención de Fincher, pero no con claridad, y dudo de que me aporte como remake o de que me satisfaga como obra independiente. Virtudes las tiene, claro está, pues cuenta con buenos intérpretes y con un gran nivel de producción. Pero no creo que nos encontremos ante la respuesta tan esperada a esas necesidades que dejó la primera adaptación.

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Vayan mis agradecimientos a Vetolich, ya que el titular está inspirado en su comentario.

Las obras de ficción que utilizan a un personaje real para inventar una historia llena de suspenses improbables aprovechándose de cualquier laguna histórica son algo que proliferó sobremanera tras el descomunal éxito de ‘El código Da Vinci’. Poco importaba la credibilidad de la historia o la calidad literaria del libro, ya que había que aprovechar el filón. De ellos se han aprovechado autores como Matthew Pearl para conseguir éxito en el cada vez más complicado mercado editorial. No obstante, el mundo del cine había sabido mantener cierto respeto hacia importantes figuras históricas si excusamos gamberradas como ‘Bubba Ho-tep’, donde se fabulaba con la idea de que Elvis Presley aún seguía vivo al estar recluido en una residencia para ancianos que era objeto del ataque de una momia. Pero lo que sí que yo no recuerdo es que una película desautorice completamente a un personaje histórico al quitarle todos los méritos por los que he recordado para luego presentarlo como un ser poco menos que despreciable. Esto es lo que el estreno de ‘Anonymous’ va a solucionar, y es que la nueva película de Roland Emmerich no tiene nada que ver con el famoso movimiento de Internet del mismo nombre a favor de, entre otras muchas cosas, la libertad de expresión.

Lo que nos propone ‘Anonymous’ es que William Shakespeare no escribió ni una sola de sus obras, ya que en realidad era un analfabeto que se aprovechó de una singular situación. ¿Qué situación es esa? Básicamente, un noble inglés se vio obligado a reprimir de cara al público su amor por la escritura, pero ha llegado un punto en el que ya no puede resistirse más y encarga al escritor Ben Jonson que firme sus obras como suyas y las lleve a escena. El problema es que Jonson no termina de decidirse a firmarlas como suyas y es ahí donde aparece Shakespeare para aprovecharse de ello y conseguir una fama inmerecida. Paralelamente, las cosas se están complicando en la Corte, ya que hay muchas personas interesadas en elegir el sucesor de la reina y por el camino encontraremos varias subtramas propias del peor de los culebrones. Vamos, un argumento muy disparatado que parece propio de una comedia, pero que es presentado como si fuese un drama con aspiraciones al Oscar.

‘Anonymous’, un poco más sobre sus disparates

Pese a no ser el único que tiene problemas con lo que han hecho con Shakespeare, creo que conviene aclarar mejor si la película tiene más defectos o es que simplemente me ciega el odio por un hecho puntual en la película: La historia no tiene ni pies ni cabeza y la conspiración que la película promete desvelar es una de las mayores mamarrachadas a las que me he enfrentado en una sala de cine. ‘Anonymous’ es el ejemplo perfecto de cómo un mal guión puede destruir cualquier posibilidad de que una película pueda ser buena. Y es que el guionista John Orloff ha creado algo que atenta contra el concepto básico de la suspensión de la incredulidad. ¿Qué pasa cuando no puedo creerme nada de lo que se me está contando? Nada bueno, eso ya os lo puedo asegurar.

El primer problema, como ya he apuntado, viene en el tono de la historia. El desprestigio hacia Shakespeare se utiliza para crear un héroe con el que el público tendría que empatizar, ya que él es el punto de unión entre las dos grandes tramas que aparecen en la película (la teatral y la de la corte), pero la sensación que queda es la de no importarte lo más mínimo lo que le pase. Eso es algo que se extiende al resto de personajes, ya que únicamente Sebastian Armesto como Ben Jonson consigue transmitirnos algo con su odio hacia Shakespeare por ser un vulgar impostor que encima se aprovecha todo lo que puede de su situación. El problema es que no sé si lo logró por méritos propios por odiar lo mismo, pero por diferentes motivos. El resto se balancea entre el estereotipo (los villanos), lo superficial (la reina) y lo anodino (los que quieren dar una especie de golpe de estado). A que la historia carezca de credibilidad hay que añadir entonces unos personajes bastante pobres sin capacidad de empatía para con el espectador.

Y aún se puede empeorar más, ya que ‘Anonymous’ abusa de forma descarada de los saltos temporales, un recurso muy estimable cuando se usa de forma inteligente, pero puedo aseguraros que eso no pasa en el caso que nos ocupa. La película empieza como si fuese otra obra de cine dentro del cine, aunque en este caso lo que sucede en pantalla es que se va a representar una obra de teatro. De ahí saltamos a la película en si misma donde están torturando a alguien, el cual poco después comienza a recordar cómo ha acabad en esa situación. Algunos me diréis que es una forma lícita de introducirnos en la historia, pero el problema es que no es algo que sólo suceda al inicio, sino que los flashbacks van a ser lo habitual para poder explicarnos una enorme cantidad de pequeños detalles. Llegó un punto en el que lo único que podía hacer era intentar reprimir mis risas ante la combinación de una historia ridícula con absurdos giros de guión y encima con una estructura tan lamentable.

No todo es malo en ‘Anonymous’

Roland Emmerich ha demostrado hasta ahora lo mucho que le gusta destruir cosas en películas como ‘Independence day’, ‘Godzilla’, ‘El día de mañana’ o ‘2012’, así que podemos interpretar como un paso natural el querer destruir la realidad. Y es que es cierto que hay ciertas lagunas en la vida de William Shakespeare, pero también que ‘Anonymous’ se agarra a un clavo ardiendo para urdir la historia que nos cuenta. Emmerich intenta darle más verosimilitud al optar por una puesta en escena más convencional que deje respirar la historia, y hay que reconocer que su trabajo tras las cámaras es bastante correcto, ya que no le entran ramalazos típicos de Michael Bay ni hace ninguna locura que no se ajuste a lo que la película necesita. También hay que reconocer que el look visual de la película luce bastante bien y uno puede llegar a creerse que estamos en esa época. La pega es que todo eso no logra compensar que la película tenga una estructura problemática que invita al espectador a desconectar de lo que se nos está contando y abandonar la sala.

Hay otros aspectos que conviene salvar de la quema, ya que el trabajo de los actores consigue un aprobado alto, ya que todos interpretan sus personajes con convicción. Pero es una pena que un reparto en el que podemos encontrar a intérpretes como la mítica Vanessa Redgrave, David Thewlis (me declaro fan del Lupin que interpretó en la saga de Harry Potter), Rhys Ifans (cuya actuación no podía pedir más a gritos al menos una nominación al Oscar. Otra cuestión es que no la merezca), Joely Richardson o varios jóvenes actores que aquí demuestran que son bastante aprovechables no hayan encontrado otra película que les ofreciese más posibilidades de brillar. Aquí se tienen que limitar a interpretar sus personajes con convicción, y es que hasta el Shakespeare de Rafe Spall es bastante convincente teniendo en cuenta la función del personaje en la historia. Y hay que reconocer que esto es lo que evita que la película caiga en los abismos de lo que podríamos calificar como bodrio.

‘Anonymous’, en resumen

En definitiva, ‘Anonymous’ es un disparate de película que carece de toda credibilidad en su intento de quitar méritos a William Shakespeare y que encima no acierta en el tono que imprime a la historia. Y es que abrazar abiertamente la demencia y así tener ciertos aspectos cómicos le hubiese hecho mucho bien. Lo que queda es un atentado a la realidad con los peores elementos de un culebrón y que espero que fracase en su intento de conseguir cierta notoriedad jugando con la historia. Ya me cansa que se haga eso, y si encima se hace mal, como es el caso, peor todavía.

La verdad es la más peligrosa de las mentiras.

La semana pasada vimos el teaser tráiler, hoy toca hablar del cartel de ‘Luces rojas’, lo nuevo de Rodrigo Cortés (‘Concursante’, ‘Buried’). Se trata del primer póster español de la película, prácticamente idéntico al diseño internacional que vimos el año pasado pero cambiando el eslogan y el color blanco por el negro, quizá para evocar las sensaciones que dejó la intensa ‘Buried’. La veremos en 2012, pero todavía no hay fecha concreta.

Recordemos que ‘Luces rojas’ (antes conocida como ‘Red Lights’), escrita y dirigida por Cortés, se centra en dos investigadores que analizan fenómenos paranormales para demostrar que todo es un fraude; su próximo reto es dejar en evidencia a un renombrado psíquico que ha reaparecido a la luz pública después de varias décadas. Cillian Murphy, Sigourney Weaver y Robert de Niro encabezan el reparto de la película, en la que también actúan Toby Jones, Joely Richardson, Elizabeth Olsen y Leonardo Sbaraglia, entre otros. Muchas ganas de verla, ojalá no se retrase mucho el estreno.

PD: En IMDb aparece ‘Grand Piano’, un guion de Damien Chazelle, como un proyecto en manos de Cortés, pero quien lo va a dirigir es Eugenio Mira (‘Agnosia’).

Vía | Elpaís

Espero que ya os hayáis recuperado de esa borrachera de absurdos titulada ‘2012’, porque Roland Emmerich está de vuelta. Columbia Pictures ha lanzado ya el tráiler de ‘Anonymous’, la nueva película del realizador de origen alemán, responsable de cosas como ‘Independence Day’, ‘Godzilla’, ‘El patriota’ o ’10.000’. Un genio del cine, vamos. Sin duda lo mejor del avance de su nuevo trabajo es que aunque dura dos minutos, no parece que destripe demasiado, hay muchas escenas pero apenas da tiempo a fijarse en lo que ocurre. Y hay hueco para la acción y las explosiones, pese a que la trama principal está relacionada con William Shakespeare. Podría ser peor, podría aparecer una persecución a caballo, con carruajes dando vueltas por los aires y gente disparando a cámara lenta.

Escrita por John Orloff, ‘Anonymous’ es un thriller político cuya trama se centra en un viejo misterio, la identidad del verdadero autor de las obras que hoy en día llevan la firma de Shakespeare, con la sucesión de Isabel I como telón de fondo. Rhys Ifans, Vanessa Redgrave, Joely Richardson, David Thewlis, Xavier Samuel, Rafe Spall, Edward Hogg, Jamie Campbell Bower y Derek Jacobi protagonizan la película, que estará en los cines el próximo 30 de septiembre, al menos en EE.UU.

PD: Rafe Spall, que da vida a Shakespeare en esta película, es hijo de Timothy Spall (conocido al menos por su trabajo en la saga Harry Potter, donde encarna a Colagusano).

Que Steven Spielberg es, o pueda ser, considerado como uno de los últimos grandes genios del séptimo arte, es algo que cada vez está llevando a menos discusiones. Que esa fama merecidamente ganada, de pie a un montón de imitadores con o sin nombres recordables es algo que todo el mundo da por supuesto. Muchos son los directores que bajo la batuta del Rey Midas han desfilado en los últimos años; algunos fueron capaces de seguir su propio vuelo, y otros cayeron simplemente en el olvido. También los hay que jugaron, y juegan de vez en cuando, a ser Spielberg, sin haber sido apadrinado por el mismo, y también consiguen un estilo propio y definido a pesar de la evidente influencia.

Por supuesto están aquellos que no les llega con plagiar, copiar, homenajear, o como quiera usted llamarlo. También tienen que calcar alguna de sus más famosas películas. Tal es el caso de ‘Mimzy, más allá de la imaginación’ (‘The Last Mimzy’, 2007), que llega a nuestras pantallas el próximo 4 de Enero. A pesar de que la historia en sí pueda ser totalmente diferente, nos encontramos ante una copia casi exacta de ‘E.T.’.

‘Mimzy, más allá de la imaginación’ cuanta la historia de dos niños que encuentran algo que en principio ellos consideran que son juguetes, dándose cuenta poco a poco de que los mencionados juguetes les dotan de superpoderes inimaginables. La cosa se complica cuando la niña asegura que un conejo del que nunca se separa, y que se llama Mimzy le enseña cosas y trae un desesperado mensaje del futuro. Evidentemente, la premisa no se parece en nada a la del film de Spielberg, pero su estructura es idéntica, conteniendo las mismas situaciones casi en el mismo orden.

La película está dirigida por Bob Shaye, quien conoce bastante bien el género fantástico, tal y como lo demuestra su currículum en el que se puede ver que ha producido títulos como ‘Pesadilla en Elm Street’, la trilogía de ‘El señor de los anillos’ o ‘La brújula dorada’ entre otras muchas. Pero que haya sido productor de estos films no significa que haya sacado algo en limpio más allá de engrosar su cuenta bancaria. Como director cae en todos los tópicos conocidos y por conocer, al no tener ni la más mínima personalidad en su puesta en escena, la cual remite sobre todo a Spielberg. Pero esto no hubiera tenido la más mínima importancia si Shaye le hubiera sacado algo de provecho a la oportunidad. Y lo cierto es que de donde hay no se puede sacar demasiado.

El prólogo y el epílogo de la película son simple y llanamente lamentables, y lo que es peor, son terriblemente confusos. En ellos está la clave de la historia, pero al final resulta que no nos enteramos de mucho al respecto del mensaje del futuro. El resto del metraje se debate entre lo previsible, lo facilón, y alguna que otra cosa que no molesta demasiado. Si bien, cuando nadie sabe lo que pasa, la película parece enganchar al espectador, enseguida todo se viene abajo, sobre todo en su tramo final, cuando la cosa se desmadra y ha de concluirse todo muy rápidamente, pues la película llega a su fin y esto no se puede alargar mucho más. Ahí el film cae en todos los defectos posibles, personajes totalmente tópicos sin un mínimo de carisma o fuerza, situaciones aceleradas resueltas más rápidamente todavía, y una sensación de vacío, a pesar de que los dos niños protagonistas no caen mal y el conejito de marras no es la típica cursilada de siempre.

Entre los actores conocidos que desfilan por esta película tenemos a Timothy Hutton haciendo de preocupado padre, Joely Richardson haciendo de madre demasiado preocupada, y Michael Clarke Duncan como el grandote agente federal cuya bondad va acorde con su tamaño. Es agradable ver sus caras, pero no logran elevar el producto más allá de la mediocridad, y es que por mucho que se empeñen, sus personajes están al servicio de una historia cuyos puntos interesantes son totalmente desaprovechados por falta de decisión, o porque simplemente no se tiene talento.

Una floja película que se apunta a ese grupo de films navideños, sin serlo realmente. Una de esas aventuras para toda la familia que tanto gustan en estas fechas, pero que muy probablemente pase sin pena ni gloria por nuestras carteleras.

La película cuenta cómo Noah (Chris O’Neill) y su hermana pequeña Emma (Rhiannon Leigh Wryn), han encontrado una caja que contiene extraños juguetes. A la vez que juegan con ellos, ambos comienzan a desarrollar notables poderes. Gradualmente, sus padres detectan las cosas increíbles que están sucediendo a su alrededor.

El director del film es Robert Shaye, productor ejecutivo de ‘El señor de los anillos’, de las pesadillas en Elm Street, de ‘Freddy contra Jason’ y de muchas más. Como director apenas tiene películas, una de ellas es ‘Book of Love’ (1990).

‘The Last Mimzy’ está protagonizada por Joely Richardson (Jo Wilder), Timothy Hutton (David Wilder), Michael Clarke Duncan (Nathanial Broadman), Rainn Wilson (Larry White), Kathryn Hahn (Naomi) y Chris O’Neil (Noah Wilder), entre otros.

Páginas web oficiales y trailer de ‘The Last Mimzy’

Lo último que hemos podido ver de Timothy Hutton es ‘La caja Kovak’. Anteriormente, ha aparecido en ‘Beautiful Girls’, ‘The alphabet killer‘, ‘El buen pastor‘, ‘Last holiday (‘Las últimas vacaciones)‘, ‘Kinsey‘, ‘La ventana secreta‘, ‘La tierra prometida’, entre otros.

Joely Richardson, además de en la serie ‘Nip Tuck’, salió en ‘El misterio del collar‘, ‘El patriota‘, ‘Maybe, baby’…

Sobre Rainn Wilson habíamos hablado con motivo de ‘Mi super ex-novia‘ y de un proyecto que tiene junto con Jason Reitman sobre un ninja retirado, que se titulará ‘Bonzai Shadowhands’. Otros de sus films son: ‘Sahara‘, ‘Baadasssss!‘, ‘La casa de los 1000 cadáveres‘, ‘Full frontal‘, ‘La pareja del año‘, ‘Casi famosos‘ o ‘Héroes fuera de órbita‘.

Además de contar con una extensísima trayectoria teatral, la actriz ha protagonizado importantes films, como ‘Blowup’ (1966), de Antonioni; ‘La carga de la brigada ligera’ (‘The Charge of the Light Brigade’, 1968), de Tony Richardson — de quien se acababa de divorciar — ; ‘Asesinato en el Orient Express’ (‘Murder on the Orient Express’, 1974), de Sidney Lumet; ‘Julia’ (1977), Fred Zinnemann; ‘Las bostonianas’ (‘The Bostonians’, 1984) y ‘Regreso a Howards End’ (‘Howards End’, 1992), ambas de James Ivory; ‘Inocencia Interrumpida’ (‘Girl, Interrupted’, 1999), James Mangold, y muchísimos más. Su última película, ‘El príncipe de los ladrones’ (‘The Thief Lord’, 2006), adaptación cinematográfica del best seller de Cornelia Funke, se va a estrenar aquí el 6 de octubre.

En televisión, participó en la miniserie ‘Adiós a las armas’ (‘A Farewell to Arms’, 1966), en ‘Wagner’ (1983), ‘Pedro el grande’ (‘Peter the Great’)... y en donde yo la he visto por última vez: en ‘A golpe de bisturí’ (‘Nip/Tuck’), haciendo de madre precisamente de una mujer llamada Julia, como su personaje en el film de Zinnemann, y que está interpretada por su hija en la vida real Joely Richardson.

Redgrave recordó que su primera experiencia con autores españoles fue con Federico García Lorca. “Gracias a un actor americano, hice ‘Bodas de Sangre’ y me pregunto cómo me atreví a hacerlo”. Vanessa Redgrave, que incluso habló en español con los periodistas, argumentó, en alusión a los festivales como el de Almagro — que apoya siempre que puede —, que son como “oasis en los desiertos o páramos en territorios en los que la gente se muere de sed”.

No obstante, se mostró muy afortunada de haber conocido y trabajado con directores de muchos países del mundo, “que han sabido encontrar pozos de agua”, así como jóvenes creadores en todas las facetas. Del ‘Corral de comedias’ dijo que es el teatro más bonito del mundo.

La actriz, de 69 años, que recibió una ovación sincera, advirtió de que “El aplauso más entusiasta te puede conducir a error, porque aunque no lo hayas hecho bien siempre aplaudimos”.

En ediciones anteriores han recibido el galardón el Teatre Lliure, Antonio Gades, Josep María Flotats, Miguel Narros, Andrea D´odorico y Michel Piccoli.

Vanessa Redgrave está muy implicada en movimientos políticos, tanto que afirmó que, de no estar en Almagro, estaría en Tel Aviv con unos amigos apoyando la causa de la paz: “necesitamos gente del calibre del director ejecutivo de Unicef”, quien en los ochenta logró detener el conflicto poniendo de acuerdo a trece partes y facciones implicadas en Oriente Medio para salvaguardar la vida de los niños. Por ello, donará su premio a la realización de un proyecto en los institutos de Secundaria de Castilla-La Mancha que sirva para formar a los niños en el mundo del teatro.

“Intento hacer con el teatro lo mismo que Daniel Baremboin con la música, que ha unido a jóvenes árabes, israelíes y palestinos”, aseguró Redgrave. Añadió que estaba “avergonzada porque mi Gobierno y el de Estados Unidos han sido los únicos que han rechazado la llamada al alto el fuego del secretario general de Naciones Unidas”, Kofi Annan. Por este motivo hizo una llamada a la necesidad de un alto el fuego, “absolutamente necesario y posible”, que permita que se abran las negociaciones, “porque estas se realizan después de la tregua y no antes”, al tiempo que recordó la labor que en los años 80 realizaron los responsables de Unicef en el Líbano, “una labor de la que deberíamos aprender para evitar que los niños, que siempre son los más afectados, sigan sufriendo”.

Declaró que sigue en el teatro porque lo considera “vital para la resistencia del hombre, para la supervivencia del espíritu humano”. “La primera vez que presencié el asedio de Sarajevo, durante y después de la guerra, entendí que la vocación del teatro, en todas sus formas, es la supervivencia del hombre”.