Hace unas semanas, el pasado 20 de mayo, se cumplieron 100 años del nacimiento de James Stewart, actor memorable donde los haya. Su rostro bondadoso (retorcido en algunas magistrales películas), su físico (esas largas piernas), su voz (tan característica, imprescindible para apreciar su trabajo) y, sobre todo, la intensidad de sus interpretaciones quedaron grabadas vivamente en la memoria de los aficionados al cine. Una leyenda, una razón para amar el séptimo arte, que dejó este mundo el 2 de julio de 1997. Como suele decirse, siempre nos quedará su obra, las películas en las que participó y que son, en su mayoría, títulos de gran valor y de ejemplar factura. Tras una dificilísima selección, aquí os dejo con las que considero que son las diez películas en las que James Stewart muestra con mayor claridad su excepcional talento para la interpretación.

• ‘Caballero sin espada’

‘Mr. Smith goes to Washington’ (1939), de Frank Capra. Primera y merecida nominación al Oscar para Stewart, que interpretaba a un personaje con el que aún hoy se le identifica plenamente, dejando a un lado (quizá por desconocimiento) su faceta más oscura. El actor se ponía en la piel de un idealista y honesto senador de Wisconsin que se encuentra, en Washington D.C., con un mundo político corrupto que le estalla en la cara. El momento: El discurso final, con un Stewart entregado al máximo, en una memorable escena que, por cierto, fue parodiada estupendamente por Los Simpson (colaboración especial de Mel Gibson).

• ‘Historias de Filadelfia’

‘The Philadelphia story’ (1940), de George Cukor. Primer y único Oscar “verdadero” para Stewart; el otro fue honorífico, por toda su carrera. El mejor actor de reparto de aquel año encarnaba a un sarcástico periodista (frustrado escritor) que se ve envuelto en el juego que se traen la fantástica pareja formada por Katherine Hepburn y Cary Grant. El momento: Hay muchos, muy divertidos, pero a mí me encanta el de Stewart paseando por la mansión, revisando la lujosa cubertería, hasta que se da cuenta que alguien no le quita la vista de encima.

• ‘¡Qué bello es vivir!’

‘It´s a Wonderful Life’ (1946), de Frank Capra. Tercera nominación al Oscar para Stewart, quien realiza en este film la que posiblemente sea su interpretación más conocida (la del George Bailey soñador, que parece encerrado en una triste existencia), aunque sólo sea por la cantidad de veces que se ha visto la película, convertida con el paso del tiempo en el título navideño por excelencia. El momento: Sin duda, el final, de una fuerza y emotividad impresionantes, liberación de todo el drama soportado hasta entonces, a ratos una auténtica pesadilla.

• ‘Winchester 73’

‘Winchester ‘73’ (1950), de Anthony Mann. Grandioso western, uno de los mejores de la Historia del Cine, que gira en torno al simbólico rifle del título, que va de mano en mano, de historia en historia, hasta terminar en el lugar justo. Podéis leer mi crítica haciendo click aquí. El momento: Stewart entra en un bar y se encuentran justo con quien estaba buscando; los dos se llevan rápidamente las manos a las pistolas… Pero Wyatt Earp ya se las había quitado previamente. Si las miradas matasen, Stewart habría despedazado a su oponente.

• ‘El invisible Harvey’

‘Harvey’ (1950), de Henry Koster. Stewart vuelve a ser candidato al Oscar gracias a su memorable trabajo en esta entrañable comedia dramática (que casi podría haber firmado Capra) sobre un hombre cuyo mejor amigo es un gigantesco, pero invisible, conejo rosa. El momento: El protagonista entrega a su particular amigo, del que se despide, pues otra persona le necesita más que él… ¿acaso el conejo es real? ¿Quién es el loco?

• ‘Colorado Jim’

‘The Naked Spur’ (1953), de Anthony Mann. Se trata de una selección y no puedo ponerlos todos, pero éste tenía que estar. Mann y Stewart vuelven a trabajar juntos en un poderoso western psicológico, protagonizado por un grupo de personajes que se presentan de una forma pero van desarrollándose de otra, enriqueciendo una sencilla trama que se retuerce y complica por momentos, hasta su brillante desenlace. El momento: Robert Ryan se revuelve como una serpiente venenosa y pone en duda la bondad de las intenciones del personaje de Stewart, a lo que éste reacciona enfurecido, cargado de violencia y provocando la duda en todos nosotros; su expresión da miedo…

• ‘La ventana indiscreta’

‘Rear Window’ (1954), de Alfred Hitchcock. Acompañado de una arrebatadora Grace Kelly, el actor interpreta a un forzado “voyeaur” (debido a un accidente, queda en silla de ruedas), con peligrosas consecuencias; Hitchcock explota el suspense de forma magistral en este thriller, donde, como de costumbre en la filmografía del mítico director, hay mucho más de lo que parece. El momento: El asesino tiene atrapado a Stewart, y éste recurre al único “arma” que tiene a mano…

• ‘Vértigo (De entre los muertos)’

‘Vertigo’ (1958), de Alfred Hitchcock. ¿La mejor película del maestro del suspense? Eso mantenemos muchos. Lo que está claro es que esta fascinante obra no sería la misma sin Stewart, cuya imagen de hombre bondadoso queda, definitivamente, rota en mil pedazos, en la que quizá sea una de las tres mejores interpretaciones de su carrera. El actor se pone en la piel (y en el alma) de un hombre atormentado que persigue el fantasma de la mujer que desea. El momento: El trepidante inicio es antológico, pero lo cierto es que el mejor momento de la película llega mucho después, con la “fantástica” tranformación a la que se somete Kim Novak.

• ‘Anatomía de un asesinato’

‘Anatomy of a Murder’ (1959), de Otto Preminger. Stewart vuelve a bordarlo (otra candidatura al Oscar), en esta ocasión encarnando a un particular abogado que debe afrontar un complejo caso de asesinato, en el que un hombre ha matado al violador de su esposa. Ejemplar y elegante realización, un guión extraordinario y más de una sorpresa en un título imprescindible, una de las mejores “películas de juicios” de la Historia. El momento: ¿Algún sinónimo de “bragas”?

• ‘El hombre que mató a Liberty Valance’

‘The Man who shot Liberty Valance’ (1962), de John Ford. Stewart vuelve a protagonizar un western, que resulta ser uno de los más memorables de la Historia. John Wayne y Lee Marvin completan un trío de lujo en una dramática historia que, entre otras cosas, es una reflexión sobre los mitos del lejano oeste americano. El momento: Creo que si hay que quedarse con uno, sólo puede ser el de la escena que da título a la película. La tensa situación con trampa en la que disparan y matan a Liberty Valance (hay quien duda aún sobre quién fue, realmente, el que hizo lo segundo).

Y diez. Eso es todo. Con alguien como Stewart, uno siempre se va a quedar corto haciendo una lista como ésta; se han quedado fuera títulos memorables como ‘El Bazar de las Sorpresas’, ‘La Soga’ o ‘Tierras Lejanas’... Pero bueno, había que elegir. ¿Qué opináis vosotros?

Hace poco os hablaba de John Ford, intentando elegir sus diez mejores películas, con lo difícil que eso resulta en un director de la talla de Ford. Dejaba fuera su etapa muda, por haber visto los films más famosos de la misma (más otros menos recordables), que de hecho son los únicos fáciles de encontrar. Poder ver la cantidad de mediometrajes que firmó como Jack Ford es tarea casi imposible, y el esperar que las editen en dvd, sobre todo en nuestro país, es soñar despierto. Afortunadamente, al otro lado del charco, empiezan a editarse a modo de packs algunas de las películas del maestro pertenecientes a su época menos conocida.

Como muchos sabrán, la mayoría de los films mudos de Ford no tuvieron la importancia capital de sus films sonoros, y tampoco el peso histórico que sí tuvieron otros directores coetáneos, como puede ser el caso de Fritz Lang (su etapa muda es simplemente deslumbrante) o King Vidor. Sólo algunos títulos desprenden esa sensibilidad de la que hizo gala el director en sus películas más conocidas. Después de haber dirigido un montón de westerns bastante olvidables, y que rodaba a la velocidad de la luz, y ya en la década de los 20, el director de origen irlandés empezó a hacer películas mucho más serias, por así llamarlas. ‘Legado Trágico’ es una de ellas.

La película narra dos historias entrelazadas. Por un lado, tenemos a un personaje ávido de venganza que viaja hasta Irlanda, en la que hay un precio puesto por su captura debido a ciertos errores del pasado, para hacer pagar a un hombre la muerte de su hermana. Precisamente, este hombre se casa con la hija de un severo juez, el cual vive sus últimos días agobiado por los fantasmas de todos a los que envió a la horca injustamente. Su último gran deseo es ver casada a su hija con alguien importante que le dé el futuro estable que su padre siempre quiso para ella, pero ésta está enamorada de otro hombre.

En ‘Legado Trágico’ (‘Hangman´s House’, 1928) están ya todos los típicos elementos del cine de Ford, y que en futuras películas desarrollaría. El film está ambientado en su amada Irlanda (Ford nació en los USA, pero siempre tenía admiración por el país de sus progenitores y se sentía de allí), con la típica galería de personajes tan característica de su cine. Tal vez se hayan cargado un poco las tintas con los malvados de la función, que en este caso son dos. El juez con una vida nada ejemplar, en lo que a repartir justicia se refiere, y que parece resignado a pagar sus males en el otro mundo, cosa que se deduce de esos interesantes instantes oníricos, en los que el juez mirando el fuego de su chimenea por el que se le aparecen, ansiosos de verdadera justicia, espíritus con rostros conocidos por el mismo. El actor, Hobart Bosworth, puede que esté algo exagerado en su composición, por otro lado, demasiado lineal. Lo mismo puede decirse de Earle Foxe, que da vida al rico marido con el que se casa la protagonista de la película, y que tiene fama de chivato. Curiosamente, la película se centra demasiado en estos dos personajes, y deja de lado al femenino, una chica que tiene que cargar con la etiqueta de haber sido la hija de un asesino, y ahora la mujer de un chivato. La actriz June Collyer es de lo más flojo de la cinta.

Menos mal que tenemos a Victor McLaglen, uno de los actores fetiche de Ford, dando vida a un simpático personaje (como era costumbre en él), que mezcla dureza con buen corazón. Uno de esos personajes rectos y justos que enseguida se ganan al espectador. Impresionante el plano final en el que se queda mirando a la pareja feliz que se va (fuera del plano) y su rostro parece entristecerse en el último momento. Un instante lleno de lirismo que cierra impecablemente la película. Ésta contiene otros instantes en los que Ford despliega su pasión poética, elevando el film a una altura considerable, aunque no alcanza la calidad de joyas como por ejemplo ‘Tres Hombres Malos’, uno de sus films mudos más famosos, realizado dos años antes.

‘Legado Trágico’ es una buena película, tal vez un poco irregular en alguno de sus tramos, no sabiendo por dónde tirar, pero es altamente disfrutable. Quizá una de las últimas realmente interesantes antes de que Ford se adentrase de lleno en una década (la de los 30) en la que ya empezaría a dejarnos algún que otro título inolvidable.

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• ‘Doctor Bull’, un Ford menor
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En los meses de Mayo y Junio, la mejor revista de Cine publicada en español, Dirigido Por, hace uno de sus excelentes estudios a los que tan bien nos tienen acostumbrados. Esta vez le toca el turno a John Ford, aclamado por muchos como el mejor director de todos los tiempos. Con críticos tan expertos en el tema, como el excelente Quim Casas, autor del estupendo libro John Ford: el arte y la leyenda, hacen un viaje por toda la filmografía del director, separando, lógicamente su etapa muda de la sonora, y a su vez dividiéndolo por temas.

Así pues, llega hora de una de esas listas ya conocidas por todos vosotros, en las que he procurado resumir en diez películas lo grande que era Ford, uno de esos directores a los que recurrir cuando uno empieza a perder la fe en el cine debido a los pésimos estrenos que nos llegan (salvo excepciones, por supuesto). Aclarar que sólo me he centrado en las películas de su etapa sonora, ya que en la muda muchas de ellas no las he visto por ser difíciles de encontrar, aunque me gustaría citar films como ‘Tres Hombres Malos’ o ‘El Caballo de Hierro’ (de reciente edición en dvd en nuestro país), obras maestras de un director que curiosamente en su etapa muda no tuvo tanta repercusión como otros directores de la talla de Fritz Lang o King Vidor.

Las películas están en orden cronológico. Y cuidado, hay SPOILERS.

• ‘La Diligencia’

La película que lanzó a la fama a John Wayne, y también empezó a cimentar la condición de maestro de John Ford. Obra cumbre del western y un film casi claustrofóbico, algo impensable para la época, por poner a todos los personajes metidos en una diligencia. En todos ellos está representado el ser humano con sus distintos matices. Casi podríamos decir que es un film coral, de esos que tanto gustan ahora, pero en un espacio reducido. Curiosamente en el film hay saltos de eje, en la persecución de los indios a la diligencia. Ford se defendió de ello diciendo que quería enfrentarlos. En cualquier caso es uno de los trabajos más representativos de su autor, con unas interpretaciones prodigiosas, y aún hoy desprende una gran fascinación.

• ‘Las Uvas de la Ira’

La obra de John Steinbeck dio lugar a un buen puñado de grandes películas, y ésta es sin lugar a dudas una de ellas. El propio Steinbeck se declaró fan de la película, diciendo que la portentosa interpretación de Henry Fonda le hacía creerse sus propias palabras. Esta historia de unos campesinos que cultivan uvas y que buscan un lugar donde establecerse durante la represión de los años treinta, está narrada impecablemente, gracias a la total falta de maniqueísmo, con su típico gusto por el detalle y el lirismo. Por supuesto que la mencionada interpretación de Fonda, y la maravillosa fotografía de Gregg Toland hicieron mucho. Segundo Oscar como director para Ford (el primero fue por ‘El Delator’).

• ‘La Ruta del Tabaco’

Una de las primeras películas que un servidor vio de Ford,y con la que se quedó completamente embobado, aunque a lo mejor, la salvaje belleza que Gene Tierney desprende en el film, tuviese mucho que ver. Durante mucho tiempo sufrió el ser comparada con la anteriormente citada película, pues guarda mucho puntos en común con ella. Sin embargo, hoy día es bien visible que no tiene nada que envidiarle al film protagonizado por Henry Fonda. Ford acentúa su extrema sensibilidad para narrar, con esos toques nostálgicos tan típicos de él. Además, añadió un humor que hace que el film también sea muy divertido, cuando la historia que cuenta es de lo más triste. Imperdonable que aún no la tengamos editada en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’

Ford ganó su tercer Oscar por esta impresionante película costumbrista que refleja la vida minera en el Gales del siglo XIX. Dotada de una extrema sensibilidad, jamás cae en la sensiblería. Roddy McDowall en el papel más recordado de su niñez, excelentemente dirigido por Ford, sirve como nexo de unión a las distintas historias que se cuentan, protagonizadas por los distintos miembros de una familia. Un prodigio en todos los aspectos, tiene ese sello inconfundible que tiene muy pocas películas: cuando la vez por segunda vez, o tercera, o cuarta, o vigésimo sexta, es como si fuera la primera vez.

• ‘Pasión de los Fuertes’

Uno de los mejores westerns jamás hechos, relata el famoso duelo del O.K. Corral, en la que probablemente sea la mejor versión del mismo, pues Ford se basó en mucha documentación de la época, además de conocer en su juventud al famoso Wyatt Earp, quien le narró los hechos, y el director procuró ser fiel, añadiendo leves cambios. Una vez más, la fuerza lírica del relato es evidente, y Ford fue capaz de arrancar una interpretación sobresaliente de Victor Mature, actor muy mediocre. Eso sí, nunca volvió a trabajar con él. La desconocida Cathy Downs, preciosa como la Clementine de su título original, y Fonda como siempre, inmenso.

• ‘El Hombre Tranquilo’

Cuarto y último Oscar para Ford por uno de sus títulos más famosos entre el público de todas las generaciones. Mil veces imitado y homenajeado (el homenaje más famoso, el de Spielberg en ‘E.T.’). Un boxeador que mata a un rival en un combate se retira del deporte y se marcha a su Irlanda natal para intentar rehacer su vida. Una vez más, costumbrismo, serenidad, historia de amor, humor socarrón (genial Barry Fitzgerald) y todo mezclado de una forma que sólo Ford sabía hacer, dando la sensación de que hacer una película era algo fácil (aunque él siempre decía que sí). La química entre John Wayne y Maureen O´Hara pocas veces ha sido igualada.

• ‘Cuna de Héroes’

Muchos la tratan como una obra menor, y sin embargo en ella se encuentran todas las virtudes de su director, aunque tratadas de forma un poco más grandilocuente, lo cual no le resta calidad. Inspirada en hechos reales, sobre la vida de un hombre que fue toda una leyenda en la Academia de West Point, el film es también un tributo a la vida militar, tan del agrado de Ford. El muchas veces endeble Tyrone Power realizó una de las interpretaciones de su vida, aguantando muy bien las más de doras de metraje. Acaba de salir editada en dvd en nuestro país, así que es una buena ocasión para redescubrir este film, injustamente denostado en la filmografía del maestro.

• ‘Centauros del Desierto’

Para muchos, la mejor película de su director. Son varios los elementos que la engrandecen. Primero, el hecho de que Wayne realice un papel algo atípico en su carrera, con un desarrollo psicológico sobre el mismo de los que hacen escuela, y eso que el director no le quería para el personaje por considerarlo un poco mayor. Luego, Ford en su puesta en escena se aparta un poco de su estilo, componiendo un film, rico en matices pictóricos, y con un uso del color extraordinario. Una road movie con múltiples lecturas, y uno de los mejores finales de la historia.

• ‘El Sargento Negro’

Muy atacada por cierto sector de la crítica, debido entre otras cosas al uso de flashbacks que pueden dar lugar a confusiones en el argumento, hay que observarla detenidamente, para darse cuenta que dentro de su falsa sencillez se encuentra un film extraordinario, con una historia que engancha, la del falso culpable que las tiene todas contra él. Ford dirige a los actores impecablemente, y hasta Jeffrey Hunter está a la altura. Los escenas de exterior, rodadas en escenarios naturales, se emparejan con el provecho que Ford le saca a las escenas de interior, la mayor parte de ellas en una sala de justicia. Hace poco se editó en dvd en nuestro país.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’

Para mí la obra cumbre de Ford, la obra maestra entre sus obras maestras. La filmación pura y dura, sin lugar para las concesiones, del equilibrio entre realidad y leyenda, más toda una declaración a una época que se estaba acabando, en claro tono crepuscular. John Wayne y James Stewart, que con más de 50 años daba vida a un joven licenciado en derecho, se disputan a Vera Miles, y de paso representan el pasado y el futuro, la verdad que permanecerá oculta y la mentira que será mucho más bonita. Los tres encabezaban un enorme reparto, lleno de secundarios míticos, pertenecientes muchos de ellos al universo del director, y gloriosa fotografía de William H. Clothier. Indispensable.

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• ‘El Precio de la Gloria’, el precio de la locura

• ‘Indiana Jones: Las Aventuras’

El estreno de la cuarta entrega de la saga de Indiana Jones está a la vuelta de la esquina (¡¡que llegue ya el día 22!!) y nos vuelven a vender lo que hasta ahora era una trilogía cerrada compuesta por ‘En Busca del Arca Perdida’, ‘El Templo Maldito’ y ‘La Última Cruzada’. Se supone que incorporan material extra nuevo, para justificar los 45 euracos que vale todo. Decir que también se venden las tres películas por separado, por si no tienes pasta para el pack ahora mismo o por si alguna de las tres no te entusiasma (¡hereje!).

• ‘Soy Leyenda’

Will Smith cree que está solo en el mundo, pero hay Gollums cabreados que salen por la noche. El gran estreno de la semana. Por la edición del DVD, claro. La película, como ya dije en su momento, deja muchísimo que desear; increíble que la novela de Richard Matheson siga sin tener una adaptación que le haga justicia. Pero volvamos al DVD. Salen a la venta tres ediciones, una simple, una especial (2 discos) y otra con una versión alternativa del film (y los 2 discos). Ojito sobre esto último porque: 1) Sólo viene en versión original subtitulada (a algunos le llegarán ecos de mi risa diábolica); y 2) lo único que se incorpora es un final diferente, que, por cierto, ya pudimos ver aquí hace un tiempo.

• ‘Stardust’

Ya podemos comprar adaptación de la obra de Neil Gaiman y Charles Vess dirigida por Matthew Vaughn. Charlie Cox, Sienna Miller, Claire Danes, Robert De Niro y Michelle Pfeiffer en un cuento de hadas muy entretenido. La edición en DVD trae un cómo se hizo, escenas eliminadas y tomas falsas.

• ‘Leones por Corderos’

Robert Redford, Tom Cruise y Meryl Streep son los tres nombres más llamativos de este interesante film de gran carga crítica sobre la política, la juventud y los grandes medios de los Estados Unidos. Dirigida por Redford, la película no tuvo la repercusión que se esperaba y pasó muy rápido por las carteleras. El DVD trae el habitual cómo se hizo, el trailer y, lo más interesante, audiocomentarios de Redford.

• ‘Diario de una Niñera’

Salen a la venta dos ediciones de esta comedia para lucimiento de Scarlett Johansson, en su momento gran joya y ahora simplemente una actriz guapa más. De la edición especial, con dos discos, comentar que trae de todo, desde reportajes sobre cómo se hizo hasta tomas falsas o incluso final alternativo, por lo que no pierdas tiempo en comprarla si te divertiste con este film, en el que también aparecen Chris Evans y Laura Linney.

• ‘El Caso Wells’

Thriller para mayor gloria de Richard Gere, que comparte protagonismo con Claire Danes (a ver si vuelve a levantar el vuelo). Dirigida por Andrew Lau (uno de los dos responsables de la exitosa ‘Juego Sucio’), la película gira en torno al secuestro de una joven de 17 años. La edición en DVD es muy simple, sólo trae las típicas fichas y un trailer.

• ‘El Sargento Negro’

Desde esta semana ya podemos adquirir otro clásico del maestro John Ford, con Woody Strode, Constance Towers y Jeffrey Hunter. La película viene con los extras mínimos, las fichas. Por cierto, al parecer, sólo puede comprarse en tiendas de la Fnac; si no tienes una cerca, puedes acudir a la tienda virtual.

• ‘El Gran Combate’

Y para terminar, otro título del gran Ford que se pone a la venta en nuestro país. Richard Widmark, Carroll Baker, James Stewart, Karl Malden, Edward G. Robinson y Arthur Kennedy en un western que sólo podréis comprar en la Fnac.

Vía | ZonaDVD

Cuando antes de ayer me enteré de la muerte de Richard Widmark, me cogió tan de sorpresa que simplemente apuramos a dar la noticia sin más. Llevamos un mes de muertes de gente famosa, y querida por muchos, que apenas hay tiempo para asimilarlo. Muchas veces creo que ni se necesitaría hablar de ello, bastaría con ver, o revisar alguna de sus películas y punto. Una especie de homenaje en la misma sintonía en la que se hacía antaño en las televisiones: moría alguien conocido, y zas, película al canto. Ahora ya no se lleva eso. Y en este caso, ¿para qué? ¿quién era Richard Widmark? dirán sobre todo los más jóvenes, algunos cinéfilos, que sin haber llegado a los 30 años, creen saberlo todo de este difícil y maravilloso mundo del séptimo arte.

Para todo esos que tengan ganas de saber algo más que el cine de los últimos 20 años, y que éste no nació con Tarantino ni Lynch, o ni siquiera con los geniales James Cameron o David Fincher (por poner dos ejemplos de reciente supremacía cinematográfica admirada por muchos), les invito a un breve viaje por algunas de las películas que protagonizó un actor que supo hacer de malvado como nadie. Sus detalles personales no nos interesan. Era de Minessota, y vivió 33 años hasta hacer su debut en el Cine, un debut como pocos se recuerdan.

• ‘El Beso de la Muerte’

Sólo alguien como Widmark, con esa cara de loco y esa risa nerviosa y amenazante, podría tirar a una anciana desvalida en su silla de ruedas escaleras abajo. Dirigida por el casi siempre excelente Henry Hathaway, supone uno de los clásicos del cine negro, en el que Widmark le ganó por goleada a su partenaire masculino, Victor Mature, sin duda uno de los peores actores de todos los tiempos. A principios de los 90, el inútil de Nicolas Cage tuvo la osadía de querer revivir este papel en un remake que no estaba tan mal como prometía, pero lo de Cage resultó insufrible.

• ‘Noche en la Ciudad’ (Crítica en Blogdecine)

Después de hacer diversos papeles de malvado, para los que demostró una capacidad inusitada, Widmark sorprendió al otro extremo con uno de los personajes de perdedor más memorables que se recuerdan: Harry Fabian, en la magistral película de Jules Dassin, quien filmó la película en Inglaterra huido de la temible caza de brujas del senador McCarthy. Widmark resultó ser perfecto para tan patético personaje. Le acompañaba además, la mujer más guapa de la historia, Gene Tierney. Robert De Niro osó revivir el personaje en un remake de Irwin Winkler, que quedó bastante bien, pero no fue capaz de hacer olvidar a Widmark.

• ‘Pánico en las Calles’

El mismo año que ‘Noche en la Ciudad’, en la que Widmark acaparaba toda la atención, éste fue capaz de quedar en un segundo plano, en beneficio de otro de los míticos malvados del celuloide, Jack Palance, que precisamente debutó en la pantalla con esta película de Elia Kazan. A pesar de que la película está al servicio de Palance y su excelente personaje, Widmark llama la atención dando vida a alguien totalmente decente. Y es que también podía bordar personajes enmarcados dentro de la justicia y el orden, aunque el público prefería ver su lado más oscuro.

• ‘La Ley del Talión’

Salto al mejor género de la historia, el western. En esta maravilla del gran Delmer Daves, Widmark hizo del indio menos indio de todos, tal y como decía un lector en un post pasado. Un personaje de nuevo atormentado, en una historia con claras ramificaciones racistas, en la que se hacía un conciso y bien claro estudio sobre la venganza en su forma más simplificada: “a quien hierro mata, a hierro muere”. Sería imperdonable no mencionar sus intervenciones en clásicos del género como ‘El Hombre de las Pistolas de Oro’ o ‘Desafío en la Ciudad Muerta’, y por supuesto en…

• ‘Dos Cabalgan Juntos’

La película de John Ford que hizo que Jean-Luc Godard se tragase sus palabras y le pidiese perdón por unas acusaciones sin fundamento (la famosa anécdota del plano secuencia que hizo quedar al francés como un tonto de mucho cuidado). También es la única película en la que James Stewart hacía de “malo” y casi nadie se dio cuenta de ello. Por supuesto, el “bueno” era Richard Widmark, quien volvería a trabajar con el maestro en la impresionante ‘El Gran Combate’.

• ‘Brigada Homicida’

El gran Don Siegel dirigió a Widmark en una especie de precedente de ‘Harry el Sucio’, dando vida a un detective de policía con métodos de lo más curiosos. Un Widmark al lado bueno de la ley con las armas típicas del otro lado. Generó una serie de televisión en la que por supuesto Widmark repitió personaje en tal solo 6 episodios.

En los años 70 el veterano actor realizó lo que muchos otros: superproducciones, generalmente de catástrofes, y llenas de estrellas del pasado, por eso de la taquilla. Destacan sobremanera ‘Alerta: Misiles’, de un Robert Aldrich en plena forma, a pesar de la masacre que la censura española hizo con la película quitándole más de una hora de metraje, y también ‘Coma’, una de las películas más aceptables de Michael Crichton como director, en la que Widmark con su sola presencia ya era capaz de atemorizar al personal.

Sinceramente, cojáis la película que cojáis de este genial actor (muchos pensaréis que me olvido de ‘Manos Peligrosas’ de Fuller pero debo ser de los pocos que piensan que es un título algo sobrevalorado), su interpretación nunca os va a decepcionar, independientemente de la calidad de la película en cuestión. A mí sólo me defraudó una vez: ‘El Jardín del Diablo’, de Henry Hathaway, de lo más risible del director, una película casi en su totalidad ridícula.

Más cine con Richard Widmark en Blogdecine:

• ‘La Calle sin Nombre’, cuando Richard Widmark empezaba
• ‘El Parador del Camino’, el poder de los celos
• ‘El Diablo de las Aguas Turbias’, el diablo en el fondo

Supongo que os pasará a muchos. Compras tantas películas que un día cualquiera os sentáis a ver una y… no sabéis cuál elegir, tardando un tiempo absurdo en seleccionar. A esto hay que sumar una rara sensación que imagino que no me ocurrirá sólo a mí y es que resulta a veces que un determinado título lo tienes siempre pendiente; siempre ahí pero nunca parece el mejor momento para verlo. Hace meses que adquirí en un videoclub ‘El Precio de la Gloria’, irónicamente, por unos míseros tres euros. Y hace unos días, por fin, me planté y no me lo pensé más. Una de John Ford con James Cagney al frente del reparto. ¡Tiene que ser magnífica! Bueno, no lo es tanto.

‘El Precio de la Gloria’ (‘What Price Glory’, 1952) nos sitúa en Francia, año 1918. El capitán Flagg (Cagney) lidera una compañía de marines de mala reputación. Afortunadamente para él, asignan a un experto y viejo “amigo” suyo como nuevo sargento primero de su compañía, por lo que, aprovechando que marcha a París unos días de permiso, le deja al cargo de un pelotón de muchachos que necesitan un duro entrenamiento antes de entrar en combate. Una vez que Flagg vuelve de sus vacaciones, se entera que una joven francesa que pasaba por ser su chica, de nombre Charmine, está ahora con su “amigo”. Pero no hay tiempo para peleas, la guerra les llama…

La película está basada en una obra teatral de Maxwell Anderson ya adaptada previamente, en 1926, por otro grande, Raoul Walsh. Destaca en primer lugar, nada más empezar, la extraordinaria fotografía de Joseph MacDonald, consiguiendo un primer plano maravilloso, con los soldados caminando lentamente entre la niebla. Hay varios momentos de gran belleza, pareciendo en ocasiones que estamos ante pinturas impresionistas. Me quedo especialmente con ese precioso y emotivo encuentro entre el joven soldado que encarna Robert Wagner y la muchacha a la que pone rostro Marisa Pavan.

Esa secuencia es de las pocas donde, en la primera mitad del film, se abandona la comedia para tocar la fibra sensible del espectador. Y es que ‘El Precio de la Gloria’ se divide en tres partes: una cómica que alcanza hasta que comienza el conflicto bélico, una dramática y una última que mezcla ambos géneros, evidenciando perfectamente que para desear entrar en combate hay que estar absolutamente chiflado.

La película, pues, pasa de una parte cómica (desmitificando al ejército norteamericano, por supuesto) a una muy dramática, en el campo de batalla; el cambio no está muy logrado. Es decir, de pronto todo es serio y trágico, de pronto estos hombres que lo estaban pasando pipa (más o menos, eso parece) se juegan la vida por una misión tan ilógica como la de ‘Salvar al Soldado Ryan’. El mensaje aquí no cala demasiado y la típica escena en la que un joven soldado de pronto suelta un discursito antibelicista suena algo gratuito. Sin embargo, la presencia de Cagney y el magistral hacer de Ford impiden que el show se venga abajo.

A James Cagney, que está en su salsa, le acompaña Dan Dailey, que interpreta a Quirt, su mayor amigo/rival. Ambos se llevan toda la película peleando, compitiendo por todo, aunque se respetan y se aprecian, y en el fondo saben que se necesitan. Los dos están muy bien, bordando unos papeles hechos a la medida. La bella Corinne Calvet encarna a la mujer que se interpone entre ambos (y entre cualquiera, ¡la de ligues que tiene la muchacha a lo largo del film!). Los tres protagonizan una última secuencia muy divertida, con una partida de póker memorable. Destaca especialmente ahí el gran Cagney, borracho y desquiciado, sobreactuando como nadie. La expresión de locura que pone cuando descubre esa última carta nos recuerda a su antológica actuación en ‘Al Rojo Vivo’ (‘White Heat’, 1949).

En definitiva, ‘El Precio de la Gloria’ no pertenece a las grandes películas dentro de la filmografía de John Ford ni de James Cagney, pero se mantiene como una más que entretenida cinta bélica con varios momentos sobresalientes. Divertida y con su imprescindible mensajito en contra de la locura que supone cualquier conflicto armado.

Dado que hoy se estrena entre nosotros la floja ‘Enfrentados’, la cual no conseguirá que el mejor género cinematográfico que existe vuelva a reverdecer viejos laureles, vamos con una de esas listas que no llevan a ningún lado, y a todos tanto nos gustan. Se trata de reducir a diez, como siempre, los que a mi juicio me parecen los mejores westerns que he visto. Sin más dilación, y sin orden ninguno:

• ‘El Fuera de la Ley’

Una de las mejores películas de Eastwood, su mejor western. Todas las constantes por las que fue tan alabado posteriormente ya se encontraban aquí. Personaje solitario y casi fantasmagórico, el romanticismo de la soledad, la incomprensión humana. Eastwood compone un personaje antológico, al igual que Chief Dan George. Sondra Locke se toparía aquí por primera vez con el actor favorito de Sergio Leone, y le acompañaría durante muchos años. Por supuesto, de tito Clint también hay que destacar ‘El Jinete Pálido’ (impresionante western de resonancias bíblicas), y ‘Sin Perdón’ (la película que hizo el milagro de que muchos cegatos pudieran ver).

• ‘Rio Bravo’

Es curioso que las mejores películas de Howard Hawks sean westerns, y por supuesto, ‘Rio Bravo’ el mejor de todos. Claustrofóbica donde las haya, la película fue cine mil veces imitada, siendo homenajeada de muy buena forma por Carpenter en ‘Asalto a la Comisaría del Distrito 13’. John Wayne, Dean Martin (nunca estuvo mejor) y Ricky Nelson se compenetran a la perfección, y Angie Dickinson corta la respiración. Por supuesto, de Hawks merecen destacarse ‘El Dorado’ (una especie de remake del presente film) y ‘Río Rojo’.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’

Una de las mejores películas del gran John Ford, y por consonancia una de las mejores de toda la historia, sin paliativos. Todo en ella es perfecto: sus personajes, la historia, las interpretaciones, su emotivo lirismo, y la capacidad de Ford para hacer grande lo sencillo. Por supuesto, del gran maestro hay que nombrar otras como ‘La Diligencia’ (el reconocimiento internacional de John Wayne), ‘Pasión de los Fuertes’ (en la que Victor Mature fue capaz de interpretar), ‘Centauros del Desierto’ (el mejor western de todos los tiempos para muchas personalidades del cine), ‘El Sargento Negro’ (de lo más atípico de Ford) y ‘El Gran Combate’ (el gran tributo de Ford al pueblo indio).

• ‘Duelo al Sol’

King Vidor (y más directores que se subieron al carro y luego se bajaron) pasó un infierno, al tener que aguantar los caprichos, por así decirlo, de su productor, David O. Selznick, que quiso repetir un ‘Lo Que el Viento se Llevó’ (film con el que guarda muchos parecidos). El resultado, a pesar de los pesares, es uno de los westerns más bellos jamás realizados. Incluso Jennifer Jones estaba bien (que ya es decir). Nunca un beso (la escena final es de las más famosas de todo el celuloide) se hizo esperar tanto. Llama la atención que en nuestro país jamás la hemos visto entera. La edición en dvd de los USA contiene 20 minutos más de metraje, que nuestra estúpida censura de la época se encargo de hacer desaparecer en el momento de su estreno. Haceros con esa copia, de altísima calidad en todos los aspectos, porque merece la pena.

• ‘La Muerte Tenía un Precio’

La culpable de que me guste el cine (algunos ya sabéis a quien tenéis que maldecir). De los tres spagetthi-westerns que realizó Sergio Leone con Mr. Eastwood éste es mi favorito. Inolvidable banda sonora de, como no, Ennio Morricone, y un duelo final antológico. Por supuesto ‘Por un Puñado de Dólares’, ‘El Bueno, El Feo y el Malo’, ‘Agáchate Maldito’ y sobre todo ‘Hasta Que Llegó su Hora’, merecen especial mención. Por cierto, sólo la última de ellas tiene una edición en dvd en nuestro país como Dios manda. Del resto sólo han hecho, literalmente, basura. Las ediciones de USA de esos films dejan con la boca abierta.

• ‘Pat Garrett y Billy The Kid’

Creo que la mítica historia entre Pat Garrett y Billy el Niño nunca fue tan mejor plasmada como en esta película (con permiso de la imprescindible ‘El Zurdo’ de Arthur Penn). Ni James Coburn, y sobre todo Kris Kristofferson, estuvieron mejor. El problemático Peckinpah rodó un film amargo sobre la decadencia, no exento de belleza. Bob Dylan hizo su inolvidable banda sonora, con canciones que aún hoy no dejan de sonar. Evidentemente, del señor Peckinpah también hay que nombrar ‘Duelo en la Alta Sierra’, ‘Grupo Salvaje’ (con esa parte final para la que no se tienen palabras) y ‘La Balada de Cable Hogue’.

• ‘El Árbol del Ahorcado’

Delmer Daves fue uno de los primeros directores clásicos que descubrí, y para un servidor éste es mi western favorito. Intensa historia con un Gary Cooper espléndido (como casi siempre) y un Karl Malden en su línea de malvado. El tema musical, interpretado por Marty Robbins se hizo mundialmente famoso. Es una pena que esta película no tenga ninguna edición en dvd en ninguna parte del mundo. Por supuesto de Daves hay que destacar irremediablemente ‘Jubal’, ‘La Ley del Talión’ (en la que Richard Widmark sorprendió a todo el mundo con su personaje), y como no, ‘El Tren de las 3:10’, de la que recientemente se ha hecho un remake que aquí aún no se ha estrenado.

• ‘Winchester 73’

Anthony Mann dirigió a James Stewart en un buen puñado de películas, siendo la mayoría de ellas westerns. Ésta es la primera de ellas, una increíble historia sobre un rifle que va de mano en mano mostrándonos todo un mosaico de personajes, intereses y paisajes. Los cegatos que dicen que Stewart no tenía rostro para el western no han visto esta película, como tampoco las maravillosas ‘Colorado Jim’ o ‘El Hombre de Laramie’, en las que una inaudita violencia era una protagonista más. También habría que citar ‘El Hombre del Oeste’, con Gary Cooper.

• ‘Murieron con las Botas Puestas’

Una clásica de indios y vaqueros, como decíamos cuando éramos niños. Raoul Walsh al frente, y Errol Flynn cumpliendo sus órdenes, dando vida al General Custer en la representación fílmica de una de la batallas más famosas en el lejano oeste. De Walsh habría que citar también ‘Pursued’, una de las películas que le dio una vuelta de tuerca la género, al mezclarlo con el thriller.

• ‘Raíces Profundas’

Eastwood la revisitó casi punto por punto en la antes comentada ‘El Jinete Pálido’. El grandilocuente George Stevens realizó aquí un western mucho más íntimo con resultados de sobra conocidos por todos. Jack Palance hizo un malvado para la historia y el blandengue Alan Ladd pocas veces estuvo tan bien.

Al final, nombrando, nombrando, he citado muchas más de diez, y las que faltan, pero a ésas en concreto les tengo un enorme cariño. Ahora les toca a ustedes, damas y caballeros, desenfundar sus títulos favoritos.

Hablar a estas alturas de John Ford no es que sea perder el tiempo. De hecho, hablar de uno de los más grandes directores que ha dado el cine (para muchos el más grande) nunca está de más. Y aunque ya esté casi todo dicho sobre Ford, siempre es un placer acercarse a una de sus películas para comprobar lo bien que le daba la cosa ésta del cine. En estados Unidos hay editadas una serie de packs dedicados a las distintas épocas del realizador (podría hacer aquí un inciso para despotricar contra los lamentables responsables de las ediciones en dvd de películas en nuestro país, pero el cerebro no les daría para darse cuenta), y en uno de esos packs se encuentra ‘Just Pals’, film desconocido, que pertenece a la época muda de Ford, en la cual durante un buen tiempo firmó como Jack Ford.

‘Just Pals’ cuenta una historia que hoy día (hablamos de un film realizado en 1920) puede sonar a ya vista mil veces: en un viejo pueblo americano, conviven el vago del pueblo, al que todos llaman Bim, y un niño huérfano y vagabundo, estableciéndose entre ellos una relación paternofilial. Bim está enamorado de una joven cuya vida en sociedad nada tiene que ver con el vagabundeo, y un día decide ayudarla con una cantidad de dinero desaparecida, algo que acarreará graves consecuencias.

‘Just Pals’ es, como no, un western, ese género en el que se movía tan bien Ford. Pero no es un western tal y como conocemos los westerns. Digamos que la ambientación pertenece a dicho género. Aquí nos encontramos con un drama por todo lo alto, aderezado con pequeñas dosis de comedia. Una historia por otro lado, bien condensada en los ajustados 50 minutos que dura la película. Eran tiempos de no andarse por las ramas e ir directamente al grano. Aún así, resulta sorprendente a día de hoy, lo bien que condensan en menos de una hora una historia que de hacerse hoy duraría bastante más, sobre todo por esa manía de hacer que las películas duren más de dos horas y media.

El film se centra sobre todo en la relación de los dos personajes centrales. Ese cariño entre un hombre y un niño, y que a muchos nos sonará de ver lo mismo en films posteriores como ‘Campeón’ o ‘Capitanes Intrépidos’ por poner dos ejemplos, es lo mejor retratado en el film, y con él Ford hace gala de un sentimentalismo lleno de inocencia, muy típico de la época. Sentimentalismo que Ford fue perdiendo con el paso de los años para dar paso a un lirismo arrebatador, salvo contadas ocasiones, pero eso es otro tema. El caso es que a pesar de ello, Ford logra no caer en la ñoñería más repelente, aunque por supuesto no puede evitar bastantes convencionalismos, y también alguna que otra concesión. Es difícil de creer en cierto momento, el lío en el que se mete el protagonista cuando lo culpan de cierta cosa, excusa argumental para que el dramatismo del film suba como la espuma.

No obstante y por mucho que la película esté firmada por John Ford, el film es un vehículo para el lucimiento de Buck Jones, una de las estrellas más famosas del cine de serie B, protagonista de infinidad de westerns de “segunda categoría”, y que por aquel entonces era mucho más famoso que Ford. El actor, sin realizar ningún prodigio de interpretación, sí está convincente, logrando un personaje simpático y con carisma.

Una película correcta, entrañable por momentos y con alguna que otra escena con el sello característico de su autor. Ni que decir tiene que en nuestro país esta película no está editada en dvd. Es muda y en blanco y negro. Qué va, qué va. Eso no interesa en un país en el que muchos piensan que el cine se inventó en 1990.

Cuando al osado y genial Orson Welles se le preguntó por sus tres directores favoritos, su respuesta fue clara y concisa: John Ford, John Ford y John Ford. Con esa sentencia Welles no hacía más que subrayar su admiración por uno de los más grandes directores de todos los tiempos, y que muchos cinéfilos y críticos consideran el más grande. Lo cierto es que su obra está llena de películas de obligada visión para todo amante del cine, pertenezcan a su época muda, como ‘El Caballo de Hierro’ o ‘Tres Hombres Malos’, o a su época sonora, como ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’, ‘La Salida de la Luna’ o ‘¡Qué Verde era mi Valle!’, por citar sólo unos pocos ejemplos.

‘Bill, que grande eres’ (‘When Willie Comes Marching Home’, 1950) es una de sus películas menos conocidas, realizada entre las muy superiores (aunque no perfectas), ‘La Legión Invencible’ y ‘Caravana de Paz’. Un título menor sobre el patriotismo, que narra la odisea de un hombre llamado Willie, el primero de un pequeño pueblo americano, que se recluta para ir a la Guerra, algo por lo que empezarán a considerarle un héroe. Pero las tornas cambiarán poco a poco, cuando sus superiores deciden mantenerlo lejos del frente, ya que es muy bueno en el entrenamiento y el mantenimiento. Pronto empezará a sentirse frustrado.

Además de ser uno de sus títulos menos conocidos de su autor, también es de los peores, por no decir el peor. La película recuerda en más de un punto a una de las mejores comedias de Preston Sturges, ‘Salve Héroe Victorioso’, cuyo punto de partida es casi el mismo. Pero lo que en Sturges es un desarrollo en clave de comedia alocada y desternillante, en la película de Ford se queda a medio camino en prácticamente todas sus propuestas. A pesar de que el tono del film es el de una comedia amable, ésta nunca termina de definirse perfectamente, no profundizando (ni en clave de comedia ni otra cosa) en la más que sugerente premisa. Ford nunca fue un director de comedias, y aunque en otras ocasiones fue capaz de hacernos reír con alguno de sus entrañables personajes, en ‘Bill, que grande eres’ fracasa en gran medida.

Y fracasa porque la película parece no despegar en ningún momento, quedándose en su planteamiento inicial, no saliendo de ahí hasta que ésta está muy adelantada, con un par de situaciones alejadas de lo que hemos visto hasta ese momento, pero que no llegan para arreglar el desaguisado. Ni siquiera llega el hecho de que algunos de los personajes tienen cierto encanto, el típico que solían tener prácticamente todo los personajes de los films de Ford, en especial los secundarios, destacando en este caso, William Demarest, uno de esos característicos secundarios, que curiosamente también trabajó en el film antes mencionado de Sturges. Demarest era capaz de crear y dibujar un personaje con una sola expresión facial, algo que aquí le convierte de lejos en lo mejor de la película. A su lado, y dando vida al personaje central, el cantante y actor Dan Dailey, quien consigue desprender cierta simpatía, además de ofrecernos algún número musical más que decente.

Y así podríamos seguir con el resto del elenco de actores y actrices, los cuales cumplen todos con su trabajo, pero sus personajes se quedan anclados en una historia que tarda en avanzar, y cuando lo hace, sucede a marchas forzadas, tanto como su simpático, y al mismo tiempo facilón, final. Tras el mismo uno se queda más bien estupefacto y preguntándose si en este rodaje Ford no se iría por ahí de juerga y relegara funciones en algún que otro ayudante de dirección. Bromas aparte, lo que está claro es que incluso los genios se equivocan. ‘Bill, que grande eres’ es una buena prueba de ello, claro que si contamos las veces que Ford se equivocó a lo largo de su carrera como director, es casi seguro que nos llegasen los dedos de una mano, e incluso nos sobrasen.

Esta década me ha resultado mucho más fácil que las anteriores, y he elegido las diez películas de tirón, las primeras que me han venido a la cabeza, sin necesidad de pararme a pensar en las otras que no he puesto, y que vosotros os encargaréis de citar.

• ‘La Muerte Tenía un Precio’. La culpable de que me guste el cine. De la “trilogía del dólar” del gran Sergio Leone es mi preferida. Inolvidable banda sonora de Morricone, al igual que todos los personajes. Ese duelo final entre Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté, con Eastwood marcando el ritmo con música de reloj es simple y llanamente antológico.

• ‘2001, una Odisea del Espacio’. Logra dividir a las audiencias, entre los que la admiran y los que la odian profundamente. Evidentemente yo soy de los primeros. Aún a día de hoy sigue fascinando como el primer día. Kubrick logró una obra maestra conjuntado lo clásico y lo futurista de forma genial. ¿Quién ha sido capaz de hacer que una nave espacial bailase al son de un vals de Strauss?

• ‘El Apartamento’. Otra joya de Billy Wilder, una tragicomedia llena de vida con unos personajes fantásticos e imperecederos. Para reir, para llorar, para ver una y otra vez. Ya no se hacen películas así.

• ‘Charada’. Stanley Donen no sólo hizo musicales, y esta película es una buena prueba de ello. Con un sentido del humor típico de su director, y un manejo del suspense cercano a Hitchcock, Donen realizó una de sus mejores películas con una pareja absolutamente perfecta: Cary Grant y Audrey Hepburn.

• ‘El Verdugo’. Lo cierto es que en aquella época todas las películas que hizo Luis García Berlanga eran maravillosas. Ésta sin duda es una de ellas, pero no sólo destaca en la filmografía de su director, sino en toda la historia del cine español. Inolvidable Pepe Isbert, como siempre.

• ‘Suspense’. Basada en ‘Otra Vuelta de Tuerca’ de Henry James, es un espeluznante relato de fantasmas que logra algo que la mayoría de las películas de terror no logran: dar verdadero miedo. Si no lo creéis, probad a verla de noche, completamente a oscuras y en soledad (toda película se merece como mínimo el respeto de verla así). No se os pasará la inquietud en semanas.

• ‘Matar a un Ruiseñor’. Gregory Peck ganó un merecido Oscar por dar vida a uno de los personajes más queridos que hayan existido en el celuloide, Atticus Finch. Absolutamente perfecta de principio a fin, la película habla de muchas cosas, como el amor fraternal, la inocencia, el racismo y la justicia. No sólo es una película, es una lección de humanidad enormemente educativa.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’. La película que demuestra que la leyenda siempre es más bonita y preferible que la realidad. De lo mejor de la filmografía de John Ford, un western que habla sobre el paso del tiempo, sobre la amistad y el amor.

• ‘La Leyenda de la Ciudad sin Nombre’. Probablemente mi musical favorito. Un estruendoso éxito de finales de los 60, logrando meter en las listas de éxitos canciones tan maravillosas como “Wonderin´ Star”, interpretada por un Lee Marvin en estado de gracia. Él y un dinámico Eastwood se repartían el amor de una excelente Jean Seberg.

• ‘El Guateque’. Blake Edwards y Peter Sellers se hicieron famosos entre otras cosas por dar vida al Inspector Clouseau, pero personalmente pienso que la mejor película en la que ambos colaboraron es ésta. Absolutamente desternillante, con un personaje central lleno de carisma, es para llorar de risa siempre que se ve. Enumerar los magníficos gags que hay en el film, y que muchos de ellos homenajean al cine mudo, me llevaría un post entero.

Ahora os toca a vosotros compartir conmigo vuestras películas favoritas de la década de los 60. Apuesto a que volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los 70.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40
• Mis películas favoritas (4): años 50

Y sigo golpeándome duramente contra la pared, ya que la década de los 50 está llena de grandes películas y elegir sólo diez títulos de todos mis favoritos me ha resultado muy, pero que muy difícil. Allá vamos:

• ‘Con la Muerte En los Talones’. Una de las películas más famosas de Alfred Hitchcock. Mezcla absolutamente genial de calidad y comercialidad en un film enormemente influyente en el cine posterior. Sensacional Cary Grant, sobre todo en sus momentos humorísticos.

• ‘La Noche del Cazador’. Única película que dirigió el excelente Charles Laughton, y las malas críticas del momento le hicieron no volverse a poner nunca más detrás de la cámara. Un perverso cuento de hadas, con un inmenso y terrorífico Robert Mitchum.

• ‘Los Siete Samurais’. Obra inmortal del genial Akira Kurosawa, donde rendía tributo a su amado western. La pelota le fue devuelta años después con un magnífico remake, del cual Kurosawa se sintió tan orgulloso que le regaló una espada de samurai a John Sturges. Impecable retrato de personajes.

• ‘Senderos de Gloria’. Mi favorita de Kubrick, y uno de los films antibélicos más impresionantes que se hayan hecho. Aquí en España no se estrenó hasta 1985, cosas de la estúpida censura que tanto jodió la marrana durante años en nuestro país. Impresionante Kirk Douglas y emotivo e inolvidable final.

• ‘Rio Bravo’. Uno de los géneros que mejor dominaban Howard Hawks era el western. Éste fue uno de los mejores, y uno de los más influyentes. Sensacional de principio a fin, con una impecable galería de secundarios, como Walter Brennan o Dean Martin, en la que probablemente sea su mejor interpretación.

• ‘Tú y Yo’. Remake de un film anterior del propio Leo McCarey, en el que el director mejoraba lo que ya era maravilloso. Inolvidables Cary Grant y la recientemente fallecida Deborah Kerr. En los 90 tuvo dos revisitaciones, una como inspiración en ‘Algo Para Recordar’ y otra, como remake, en la blandengue ‘Un Asunto de Amor’, y en la vida real doy fe de que alguna pareja puso en práctica algunas cosas de esta maravillosa película.

• ‘Traidor en el Infierno’. En los 50 Billy Wilder realizó inolvidables películas, pero a ésta le tengo un especial cariño por ser de las primera que vi. William Holden ganó un Oscar por su carismática interpretación. De lo mejorcito en películas de campos de concentración.

• ‘Al Este del Edén’. Mi preferida de las tres películas con James Dean como intérprete principal, y también de las que dirigió Elia Kazan. Impresionantes todos los momentos con el gran Raymond Massey, perfecto en el papel de padre de Dean. Una de esas películas con las que aprendí a amar el cine desde muy pequeñito.

• ‘El Árbol del Ahorcado’. Uno de los memorables westerns del gran Delmer Daves, con un inolvidable Gary Cooper. A recordar la mítica canción interpretada por Marty Robbins, y que da título a la película.

• ‘El Hombre Tranquilo’. Uno de los films más memorables del gran John Ford, en el que absolutamente todo es perfecto. Pocas parejas han tenido la química de John Wayne y Maureen O´Hara en esta película. La edición de dvd que hay en nuestro país es simple y llanamente una falta de respeto a esta inmortal obra y al espectador en general. ¿Hay alguien que aún no la ha visto?

Y ahora podéis, si queréis, aportar vuestra favoritas de una década como la de los 50. Seguramente volveremos a estar de acuerdo. La próxima semana, los años 60.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30
• Mis películas favoritas (III): años 40

Difícil, muy difícil me ha resultado en esta tercera entrega escoger simplemente diez títulos de la década de los 40 para incluirlos en mi lista personal de películas favoritas. Mientras me doy de cabezazos contra la pared por haberme dejado injustamente un montón de títulos fuera, ahí os dejo los que bajo ningún concepto faltarían en mi lista. Y que conste que me seguiría golpeando si la lista aumentara a 20 títulos.

• ‘Casablanca’. A estas alturas ya es algo más que una de las mejores películas de la historia del cine. Ya forma parte de la cultura general del siglo XX. Si su modélico guión fuese enseñado en las escuelas de cine, sobre todo en las de nuestro país, los alumnos aprenderían más en 102 minutos que en todo el curso. Cada vez que la veo, y ya he perdido la cuenta, aún sigo pensando que Ilsa no cogerá el avión para irse con el inútil de su marido. Esa sensación sólo la producen las películas perfectas.

• ‘Duelo al Sol’. Para un servidor uno de los mejores westerns de la historia, servido con total maestría por Vidor (y un montón más de directores no acreditados), a pesar de contar, evidentemente por obligación dado quien es el productor del film, con la insoportable Jennifer Jones, que por una vez está perfecta en su papel. La conversación final entre Lionel Barrymore y Lillian Gish o el impresionante duelo que cierra la película son absolutamente inolvidables. Nunca un beso se hizo tanto de rogar.

• ‘Breve Encuentro’. Desde esta película del gran David Lean, las estaciones de tren ya no son lo mismo, ni el concierto para piano nº 2 de Rachmaninoff, ni las historias de amor, ni nada de nada. Si alguien aguanta las lágrimas es que simplemente no es humano. Mil veces imitada o plagiada, y lo seguirán haciendo hasta que el hombre desaparezca de la faz de la Tierra.

• ‘El Diablo Dijo No’. Para un servidor la mejor película que dirigió nunca Ernst Lubitsch, donde un sensacional Don Ameche hacía un repaso de su vida delante del mismísimo Diablo, encarnado por el inolvidable Laird Cregar. Mezcla absolutamente genial de humor y drama, y Gene Tierney, absolutamente maravillosa y genial, como siempre. Todavía no sé a qué esperan para editarla en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’. Si tuviera que elegir unos pocos títulos, digamos unos cinco, de la extensa y modélica filmografía de John Ford, esta película sería una de las elegidas. De una exquisitez y sensibilidad impresionantes, una alegato de la familia como pocas veces se ha visto. Narrada en flashback provoca tal nostalgia en el espectador que parece que conociéramos a sus personajes de toda la vida.

• ‘Laura’. Obra cumbre del cine negro, y probablemente la mejor película del genial Otto Preminger, quien trabajó con Gene Tierney más veces. Por cierto que la actriz nunca estuvo tan fascinante e impresionante como en esta película. Clifton Webb sensacional.

• ‘Retorno al Pasado’. Otra obra cumbre del thriller, esta vez a manos del genial Jacques Tourneur, que contó con los geniales Kirk Douglas y Robert Mitchum para formar un mortal trío con la inolvidable Jane Greer, quien compone una de las más famosas femmes fatales que haya dado el séptimo arte.

• ‘Carta de una Desconocida’. El elegante por excelencia Max Ophüls, realizó en su etapa americana esta inmortal película basada en el relato del atormentado Stefan Zweig, convirtiéndola en el estudio más patético jamás realizado sobre la obsesión y pasión amorosa. Joan Fontaine probablemente nunca estuvo mejor.

• ‘Jennie’. Dalí decía que era la única película que merecía la pena de todas cuantas se hubieran realizado. No estoy de acuerdo, pero sí es cierto que este film del olvidado William Dieterle es único, una de las más extrañas historias de amor, literalmente atemporal, que se hayan filmado. Con Jennifer Jones y Joseph Cotten repitiendo después de la comentada ‘Duelo al Sol’ (trabajarían juntos cinco veces).

• ‘Esta Tierra es Mía’. Para mí Jean Renoir firmó su mejor obra en suelo americano. Con los inolvidables Charles Laughton y Maureen O´Hara el film es un alegato antinazi, y por consecuencia antidictadura de cualquier tipo, de una fuerza sobrecogedora, al mismo tiempo que habla sobre el miedo a morir. Inolvidable final.

Y ahora mientras me sigo golpeando la cabeza contra la pared por tener que dejar fuera esos títulos que muy seguramente vosotros escribiréis, voy preparando mis favoritas de los 50.

En Blogdecine:

• Mis películas favoritas (I): cine mudo
• Mis películas favoritas (2): años 30

A partir de hoy y a lo largo de diez semanas os iré ofreciendo una serie de posts sobre mis películas favoritas, que como son tantas, he decidido separarlos por décadas. Aún así, y escogiendo únicamente diez títulos por cada vez, ni están todas las que son ni son todas las que están. Muchos ya sabéis lo difícil que es elegir films entre todos los que se han visto, y que la lista cambiaría justo después de hacerla eligiendo otras tantas películas.

• ‘Amanecer’. Considerada como la obra maestra del especialista en obras maestras, F.W. Murnau. Una de las mejores historias de amor de toda la historia del cine. Y la primera película que ganó el Oscar al mejor film, junto con ‘Alas’ de William A. Wellman, que también podría estar en esta lista.

• ‘Metrópolis’. De Fritz Lang podría haber escogido cualquiera, la verdad, pero ‘Metrópolis’ es el primer film mudo que un servidor vio, y le tengo un especial cariño por ello, al descubrirme todo un tipo de cine que desconocía y que me cautivó desde el primer momento. ¿A quién se os parece ese robot de la foto?

• ‘Tres Hombres Malos’. Un claro precedente de la infravalorada ‘Tres Padrinos’ de John Ford, y sin lugar a dudas uno de sus mejores films de la época muda, junto con ‘El Caballo de Hierro’.

• ‘El Acorazado Potemkin’. Después del film de Lang antes citado, la siguiente película muda que vi fue ésta. Una obra imperecedera y enormemente influyente en el cine posterior de todas las épocas. A saber cuántas veces han plagiado y homenajeado la famosa escena de las escalinatas. Probablemente la película muda que más veces he visto. Y de Eisenstein también podría meter ‘La Huelga’.

• ‘Avaricia’. Una película del genial Erich von Stroheim, la cual fue objeto de un remontaje hace poco a base de fotos fijas, ya que faltaba más de una hora de metraje que se había perdido. Aún así el montaje anterior de casi dos horas y media es impresionante. Uno de los mejores estudios jamás realizados sobre la codicia humana. A ver si la editan en dvd de una vez.

• ‘Y el Mundo Marcha’. Aunque la etapa muda de King Vidor es casi toda imprescindible, me quedo con esta inmortal historia sobre un perdedor que lo único que tiene es el amor y la confianza de su hijo. Otra cuenta pendiente en el mercado del dvd.

• ‘Lirios Rotos’. Griffith será mundialmente recordado por ‘El Nacimiento de una Nación’ e ‘Intolerancia’, pero un servidor se rinde ante esta trágica historia de amor entre un oriental y una occidental, en uno d los films más bellos líricamente hablando que se hayan hecho jamás.

• ‘El Viento’. Y seguimos con más cuentas pendientes en el mercado del dvd. Victor Sjöström hizo lo impensable en esta película, al lograr mediante una increíble fuerza visual que el espectador oyese literalmente el sonido del viento. La demostración palpable de que el sonido muchas veces no hace falta, claro que hay que ser tan buen director como lo era Sjöström para lograrlo.

• ‘La Quimera del Oro’. Una de las obras maestras del genial Chaplin, con escenas tan memorables como la del baile de los panecillos, o aquella en la que se come una bota.

• ‘El Séptimo Cielo’. Uno de los directores más sensibles que haya dado el cine, Frank Borzage, con la que para un servidor es la mejor película de toda su filmografía, alzándose con el primero de los dos Oscars que consiguió como director.

Ahora podéis contribuir si queréis con vuestros films favoritos, pero por favor, ateniéndose a la época a la que hago referencia. La semana que viene, años 30.

Por petición popular en el post de las películas sobrevaloradas que hice hace una semana, hoy le toca a las infravaloradas, y que junto con mi buen amigo Jeremy Fox decidimos publicar dos listas procurando no repetir ningún título. Ahí van las mías:

• ‘Inteligencia Artificial’. Uno de los casos más claros de separación entre la mayor parte de la crítica, que se rindió a los pies de esta película, y la mayor parte del público, que siguen empeñados en ver extraterrestres en la memorable parte final del film, cuando es más que evidente que no es así. Una obra maestra atemporal en todos los aspectos. Kubrick descansa tranquilo.

• ‘El Aventurero de Medianoche’. Aún hoy, más de 20 años después de su estreno, empieza a ser valorada como lo que es, una de las mejores películas de Eastwood, un film tristísimo y lleno de emoción. Impresionante el momento de la canción ‘Honky tonk man’, interpretada por el propio Eastwood y el mítico Marty Robbins.

• ‘Señales’. A partir de su segunda película, Shyamalan empezó a ser infravalorado de una forma alarmante, y creo que su film más injustamente atacado es ‘Señales’, un magistral ejercicio de suspense, milimétricamente rodado, con algunos momentos antológicos como todo lo que ocurre dentro de la casa cuando los protagonistas están encerrados.

• ‘Cuna de Héroes’. Siempre que se habla de John Ford, nunca se cita este título, para un servidor uno de los mejores de su impresionante filmografía. Todo un homenaje a la vida en el ejército, lleno de sensibilidad, y con una pareja perfecta: Tyrone Power y Maureen O´Hara. ¿Por qué narices aún no está editada en dvd?

• ‘Hecho en el Cielo’. El mejor film de Alan Rudolph para el que esto suscribe, hoy bastante olvidado. Una atípica preciosidad de película, con un tema bastante arriesgado por la posibilidad de caer en la sensiblería más ridícula, cosa que evita en todo momento. Memorable el ‘We never danced’ de Neil Young.

• ‘Secreto tras la Puerta’. Nuca suelen citarla cuando se hace un repaso a lo mejor de la filmografía del gran Fritz Lang, y sin embargo es un film verdaderamente inquietante, muy hitchcockiano, y con una pareja protagonista impecable, dando vida a unos personaje cuyas decisiones ponen de lo más incómodo al espectador. Muy bien utilizada la belleza de Joan Bennett (eso sí que era una mujer).

• ‘Frankenstein’. No tiene nada que envidiarle a la versión de Whale, o a las que hizo Fisher para la Hammer. Otra demostración de la genialidad de Kenneth Branagh, elevando la historia hasta límites insospechados, incluso con toques shakesperianos. Lo dicho mil y una veces: este tío tendrá que morirse para que empiecen a valorarlo.

• ‘Legend’. Uno de los mejores films de su autor, y que debería haber lanzado a Tom Cruise (al final se encargó de hacerlo Tony Scott, el hermano menor, en la infumable ‘Top Gun’). Un cuento en toda regla, con una carga onírica pocas veces vista en una película. Inolvidable la música de Jerry Goldsmith (y que en una versión en vídeo fue sustituida por un score de Tangerine Dream), y Tim Curry sensacional en su papel. El propio Peter Jackson confesó haberse inspirado en este film para algunas cosas de su famosa trilogía. Yo aún rezo para que editen de una vez el montaje de casi dos horas que hay editado en los USA.

• ‘La Puerta del Cielo’. La película que llevó a la bancarrota a la United Artists, es un bellísimo western lírico de lo mejor filmado por Michael Cimino. Absolutamente imperdonable que en dvd sólo exista la versión recortada, 149 minutos, y que es penosa. Habrá que empezar a recoger firmas para que editen la versión de 219 minutos.

• ‘Los Viajeros de la Noche’. El mejor film de vampiros del cine moderno, de la ya de por sí infravalorada Kathryn Bigelow, una estupenda película donde nos encontramos con los carismáticos Lance Henriksen y Bill Paxton, formando parte de una curiosa familia de vampiros. Los ecos a John Ford y su ‘Centauros del Desierto’ son innegables. Por cierto, aquí podríamos meter también ‘Vampiros’ de John Carpenter, una verdadera delicia con no pocos homenajes al western.

Es su turno, damas y caballeros.

Y sigo con las películas menores de grandes filmografías de unos no menos grandes directores, míticos, y sin los que el Cine habría sido otra cosa bien distinta. A los anteriores Raoul Walsh y Henry Hathaway se suma ahora el inigualable John Ford, que aunque no lo parezca tenía películas menores, las cuales abundaban, salvo gloriosas excepciones, en los inicios de su filmografía, hasta la década de los 30, donde ya empezó a destacar sobremanera, y el resto forma parte de la leyenda.

‘Doctor Bull’ es uno de sus films menos conocidos, y fue realizado en 1933, justo antes de filmar la magnífica ‘La Patrulla Perdida’. Su argumento gira en torno al Doctor Bull del título. Su vida en un pequeño pueblo americano donde todos se conocen, y hablan de todo: el Doctor que se ve demasiado tiempo junto a una viuda, el doctor que tiene a su cuidado a un joven inválido de las piernas, casi sin esperanzas, salvo las del propio doctor; el doctor y sus pacientes, los pacientes y su doctor, y de cómo todo está relacionado en ese pequeño pueblo.

Estamos pues ante una de esas historias sencillas que tanto le gustaban contar a Ford, y si era en su Irlanda querida mejor que mejor, aunque éste no es el caso. En ella y a través de sus distintos y múltiples personajes, vamos viendo reflejado lo cotidiano, lo de siempre, el costumbrismo reflejado en ese pequeño pueblo con su amplio abanico de vivencias. Todo ello reflejado en la figura de un hombre, amante de la vida, que se ha resignado a ser aquél al que todos piden ayuda en los momentos difíciles, y que a veces no tiene tiempo para sí mismo. Papel éste interpretado por un extraordinario Will Rogers, actor cómico de la época, enormemente famoso, y que moriría dos años después. Rogers trabajaría dos veces más con el maestro, siendo una de ellas la superior ‘Judge Priest’, con la que la presente película guarda algún que otro parecido.

Rogers es sin duda el mejor de todo el reparto. El actor olvida aquí sus dotes cómicas, resultando, eso sí, un personaje simpático, y sobre todo, muy entrañable. Es curioso comprobar como su inspirada interpretación choca directamente con la de Vera Allen, que hace de mujer viuda que empieza una relación con el protagonista. La actriz está bastante sosa, y no es de extrañar que ésta fuera su única interpretación en un largometraje, y que después sólo apareciera en alguna serie de televisión de los 50 ó 60. El resto de actores están todos muy convincentes, aunque sin llegar a la altura de Rogers. Eso sí, es divertido ver al eterno secundario Andy Devine haciendo de enfermo hipocondriaco, y que molesta a nuestro personaje a cualquier hora del día y la noche.

A pesar de que la película es entretenida y bastante entrañable de ver, lo cual deja una buena sensación en el cuerpo, realmente al film le falta la fuerza típica de su director en otros títulos de la misma índole. Echo de menos algún momento lírico, de esos que tan bien sabía hacer Ford en sus películas más tranquilas, por así llamarlas. Me vienen a la mente ahora mismo, el film dividido en tres historias, ‘La Salidad de la Luna’, o ‘¡Qué Verde Era mi Valle!’, aunque ésa ya son palabras más que mayores.

Una correcta película, llena de ese sabor clásico y añejo que sólo ciertos films antiguos poseen, y es porque su director dejó huella en ellos, aunque en este caso pudo haber pisado un poco más fuerte, para que su huella fuese totalmente imborrable. En fin, no importa demasiado, será por películas buenas en la filmografía de Ford.

Ya os hablamos hará 20 días de este corto de John Ford, ‘By Indian Post’, cuando firmaba como Jack Ford.

Ahora, gracias a Internet, aquellos trabajos pioneros del cine mudo, pueden ser subidos por los aficionados al cine para su disfrute. Para que, junto con lo que comentábamos en la anterior entrada, podáis sacar vosotros vuestras propias conclusiones.

Cine mudo hay colgado a patadas en las redes para compartir vídeos, y lo cierto es que hay que irlo descubriendo. Habrá que ponerse con ello.

Vía | Moonfleet

Hace pocos días cayó en mis manos un cortometraje dirigido por John Ford en 1919, en la época inmediatamente anterior a saltar a la fama con películas como ‘El Caballo de Hierro’ o ‘Tres Hombres Malos’, auténticas obras maestras del autor en su etapa muda. Antes de eso Ford realizó infinidad de cortometrajes, la mayoría de ellos firmados con el nombre de Jack Ford. De lo que no cabe duda es de que el término “cortometraje” es algo muy distinto hoy en día si lo comparamos con aquellos años. Realmente TODO el cine es muy distinto hoy en día si lo comparamos con aquellos años, resulta más que obvio. Pero si hoy puede significar falta de medios, de aquella era todo lo contrario. El Cine empezaba y las películas se hacían a patadas, algunas sobrepasaban la hora de duración, otras no, y eran las que se convertían en cortos, los cuales eran emitidos en bloque en programas dobles. Prácticamente todos eran realizados por encargo, y la calidad artística, en la mayoría de los casos dejaban bastante que desear. Sólo en 1919, Ford hizo 15 trabajos, de los cuales 6 eran cortos. Eso sí, absolutamente todos estaban enmarcados en el género que hizo a Ford innmortal: el Western.

La historia de ‘By Indian Post’ es bien simple. Ya tiene que serlo, pues dura tan sólo 13 minutos. Resumiendo se trata de una historia de amor entre un muchacho y una bella joven cuyo padre se opone a la relación. Ambos jóvenes encontrarán la manera de estar juntos. No hay más. Una historia sencilla sin demasiadas complicaciones, que lo único que busca es el entretenimiento del espectador.

Evidentemente no hay ni el más mínimo rastro en este trabajo que hiciera suponer que nos encontramos ante el gran John Ford, si exceptuamos por supuesto, que nos estamos ante un western. Pero por lo demás, se trata de un corto que podría haber firmado cualquiera y que no se diferencia en absolutamente nada de otros que se hacían en la época. Decir únicamente a su favor, que la historia está bien condensada en tan poco tiempo, pero como este tipo de trabajos los hacían como churros, es de suponer que ya le tenían pillado el tranquillo. En su contra pues todo lo demás, rodado muy convencionalmente y sin comerse demasiado la cabeza, no proporciona ni el más mínimo interés, salvo el histórico, o sea, el ver los comienzos de uno de los más grandes directores de todos los tiempos. Y decir eso con John Ford es quedarse corto. Por cierto, intentaremos colgar el corto en video google para que podáis echarle un vistazo.