Se estrena este viernes ‘Tenemos que hablar de Kevin’ (‘We Need to Talk About Kevin’, 2011), el drama de Lynne Ramsay, ganador en el BFI London Film Festival, que reproduce los hechos extraídos del libro de Lionel Shriver. El Kevin del título es el hijo de los protagonistas, interpretados por Tilda Swinton y John C. Reilly, un niño problemático y difícil desde sus primeros años, que supondrá un desafío para ambos, aunque especialmente para ella, una madre entregada, pero superada, que no será capaz de imaginar hasta dónde puede llegar el mal comportamiento de su hijo.

El aspecto estético está muy cuidado, dando como resultado una espléndida fotografía y una composición de planos que no puede pasar inadvertida. La constante del color rojo –que comienza en España en una fiesta popular retratada como si se tratase de una masacre– sirve a la realizadora como un leit motiv muy relacionado con todos los temas que aborda la cinta: amor, muerte. La inquietante banda sonora de Jonny Greenwood tiñe de dramatismo escenas en las que no habríamos leído tanto contenido. Algunas de las canciones, por ejemplo la famosa ‘Last Christmas’ de Wham, algunas Country o la alegre ‘Everyday’, de Buddy Holly… están escogidas para contrastar, en lugar de enfatizar, los sentimientos de la película o quizá para servir de alivio durante la contemplación de situaciones demasiado exasperantes.

Para muchos espectadores, sobre todo para aquellos a quienes les quede muy lejano el drama de la paternidad, el interés radicará en la interpretación magistral, entregada y completa de Tilda Swinton, una actriz de la que no podemos esperar otra cosa, plena de fuerza y de vulnerabilidad y dotada de un físico que ya está gritando carisma. Los actores que van interpretando a Kevin en sus diferentes edades y que culminan en Ezra Miller, ese ser andrógino de belleza tan extrema como inquietante, interpretan en un registro que empieza a abandonar el realismo del drama para rozar los matices del terror. C. Reilly está perfecto en el papel de una persona egoísta y acomodaticia, que apenas supone nada ni como marido ni como padre. Aunque la presencia del actor es muy reducida en comparación con la de los otros protagonistas, su mínima intervención tiene mucho peso sobre los sucesos.

La decisión narrativa principal que ha tomado la autora se justifica en el propósito de aportar intriga a un relato que se habría limitado a extraer emociones como la indignación o la tristeza. Para ello utiliza el recurso, más habitual en los thrillers, de reservarse hasta el último momento la revelación de unos hechos que ya han ocurrido. Este ardid suele ser ingenioso y estar bien empleado cuando esa falta de información se debe a algo y los propios personajes son quienes van llegando a los descubrimientos. Pero aquí se introduce de forma caprichosa, ya que no obedece a nada, no hay nadie que lo esté conociendo: se nos dosifica solo a nosotros, los espectadores. Por ello, se podría decir que hay algo de tramposo en este paralelo en el que lo más contundente se deja para el final. Lo peor no es la gratuidad de la táctica, sino que lo cierto es que no habría hecho falta, ya que la situación es tan intensa como para valerse por sí sola, renunciando a la intriga y, al mismo tiempo, ese desenlace es fácil de prever.

La maldad puede ser innata

‘Tenemos que hablar de Kevin’ cuestiona esa inocencia innata que se le presupone a cualquier persona y nos viene a decir que lejos de influencias externas, educación, falta de cariño o comprensión, hay personas que pueden ser malas por naturaleza o, al menos, estar trastornadas desde su nacimiento. La película analiza la negación. Ninguna persona quiere creer que su hijo sea así, nadie acepta que un niño pueda albergar maldad. Este autoengaño se produce en ambos progenitores, pero más aún en el padre, a quien el hijo manipula para que crea que es bueno y que todo son imaginaciones de la madre. El marido no llega a dar crédito a su pareja en ningún momento, ni se pone de su parte. No llega siquiera a cuestionar esa posibilidad, ya que es mucho más cómodo aferrarse lo bonito y lo fácil. Esta falta de comprensión o apoyo en el cónyuge, que apenas se recalca, aunque no pueda obviarse, es uno de los más interesantes estudios de la obra.

No nos encontramos ante una crítica hacia la paternidad mal desempeñada o hacia las negligencias parentales. No muestra a una madre que dedica el tiempo a su trabajo, cosa que han hecho siempre los padres y que ahora se cuestiona cuando son las mujeres las que compaginan ambas cosas. El personaje de Swinton se entrega por completo a la educación y crianza, dándolo todo, dejándose la piel, la autoestima y el orgullo, para resultar comprensiva y cariñosa. Queda claro que, teniéndolo todo, el niño ha nacido malo. Mientras la película no acusa a la madre, muestra cómo la sociedad sí lo hace. Si de algo tiene culpa Eva es de no haber sido más severa o más drástica o de precisamente no haber dejado la educación en manos de otras personas, más expertas en ese tipo de problemas.

Al presentar una maldad innata que hasta ahora nunca se había aceptado, ‘Tenemos que hablar de Kevin’, nos recuerda a clásicos del género de miedo, como los que componen la saga de ‘La profecía’, en las que Damien era una encarnación del demonio. No sé si casual o voluntariamente, los niños que ponen rostro a Kevin se dan un aire con el actor que representaba a aquel chaval diabólico. Así, este drama se convierte en una cinta de terror psicológico, que echa manos de recursos del trhiller.

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Ya han aparecido las primeras imágenes oficiales de ‘¡Rompe Ralph!’ (‘Wreck-It Ralph’), la nueva película animada de Disney. Ojo a este título especialmente si eres un apasionado de los videojuegos, porque la historia del film se centra en la aventura del personaje de un arcade típico de los 80.

En concreto, la trama gira en torno a Ralph, el malo de un juego donde su papel es destruir todo lo que construye el protagonista, el querido por todos Fix-It Félix. Pero Ralph se ha cansado de ser odiado, así que se introduce en un moderno juego de ciencia-ficción para demostrar su valía como héroe; el problema es que durante la misión libera a un terrible villano que podría acabar con su mundo, a menos que, con la ayuda de otro personaje de un juego de carreras, logren detenerlo y evitar el “Game Over” para todos los juegos. Suena bien, ¿no? Se estrena el 2 de noviembre en EE.UU. y el 7 de diciembre en España. La podréis ver en 2D y 3D.

‘¡Rompe Ralph!’ es el primer largometraje dirigido por Rich Moore, ganador del Emmy con experiencia en las famosas series de TV ‘Los Simpson’ y ‘Futurama’. John C. Reilly, Jane Lynch, Sarah Silverman y Jack McBrayer (el divertido conserje de ’30 Rock’) se encargan de poner voz a los personajes principales de esta comedia de acción, en la versión original, claro (aquí contratarán a cantantes y deportistas de moda para colocar los nombres en el cartel, porque el cine “de plastilina” es para niños, ¡qué más da cómo hablan los muñecos!). A menos que el tráiler sea una basura, yo no no me la pierdo.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Descripciones oficiales de las fotos. En la primera, Ralph pasa sus solitarias tardes mirando el edificio de apartamentos que tiene que destruir por trabajo; en la segunda, se muestra el colorido y engañosamente dulce juego de ‘Sugar Rush’, cuyas carreras de coches de caramelo recorren un mundo de dulces comestibles; y en la tercera vemos el ‘Hero´s Duty’, un juego de disparar de ciencia ficción en primera persona en el que un pelotón de soldados debe luchar contra mutantes Cy-Bugs que ponen en peligro la seguridad del universo.

La película empieza con un incidente que reúne a dos parejas. El incidente ha sido entre dos niños y uno de ellos ha terminado herido. La idea de los padres es, claro, resolver el conflicto civilizados, haciendo gusto de su educación. Los padres del crío herido son John C. Reilly y Jodie Foster, una pareja relajada y aparentemente liberal, me refiero al sentido anglosajón, diríamos mejor o más adecuadamente en este castellano en el que pregonáis vosotros, lectores y tigres y foreros, que progresista. Los del niño revoltoso y agresor son Christoph Waltz y Kate Winslet, un atribulado abogado y su esposa. Enseguida empieza el conflicto. Empieza con una simple invitación a pastel, pero la tensión acontece.

La película se mueve feliz siendo una comedia ligera, no parece nunca apartarse de unos diálogos desternillantes, de un ritmo rápido y conciso y la única concesión a la obviedad que hace está en esos planes de apertura y final, en los que Polanski subraya lo idiota del conflicto viendo como resuelven los propios un par de infantes en un parque, jugando, olvidando, peleando y finalmente sellando la paz. La carcajada está asegurada, aunque uno sospeche que ese plano es del todo innecesario, que prefería mantenerme en la catarsis y en el olvido, que no quería tener otra prueba de que el mundo que habitan esos personajes es un poco memo y bobo.

Una lectura banal de la obra teatral nos hace pensar que su tema es que todos somos iguales. Esta es una idiotez que algunos respaldan. Pero no, no es esa su lectura. Otra, un poco más sofisticada, es que los abismos a los que se sumerge la edad y el matrimonio son inclementes. Otra, incluso mejor, es que no debe olvidar uno desde donde habla y desde donde se puede hablar para repartir cualquier soflama y lección vital. Porque el tema de esta película es el de dos matrimonios con problemas irresolubles de muy distinta índole, de como el macho busca refugio insoportable en ser validado, de como cada perspectiva puede ser tan idiota o inteligente como nos plazca.

Claro que el personaje de Christoph Waltz, el descarnado y divertido y cínico, nos puede parecer el más simpático, al fin y al cabo, gana dinero, tiene un status y no miente sobre ello. Pero es en la desmedida histeria de Kate Winslet que observamos un poco su fracaso esencial, su desatención, su dependencia más absoluta de los elementos más ridículos. El marido más tolerante, el que encarna John C. Reilly, quiere evitar todo el conflicto, precisamente porque quizá lo que quiera es ocultar la desaprobación ante los trabajos solidarios de la esposa que encarna una histérica magnífica, Jodei Foster. El conflicto se puede volver más divertido, más irónico, pero la catarsis debe detenerse en su punto más absurdo, por supuesto.

Se mueve este Polanski en una dimensión muy distinta a la de ‘El escritor’ (The Ghost Writer, 2010) o a la del ‘Quimérico Inquilino’ (Le Locataire, 1976) que ya le probó tan experto en apartamentos como en su satánica aventura con Mia Farrow. Pero no está interesado aquí en el espacio, en la arquitectura, aunque uno se asombre de su agilidad compositiva, del sabor grácil y pequeño de esta película, que yo creo que podría haber sido rodada o pensada o imaginada en los setenta, aunque dice la inteligencia exquisita e incansable de Marta Peirano que Jasmina Reza no es Edward Albee. No lo es, claro.

Acabáramos.

Anoche se entregaron los premios del 55° BFI London Film Festival, es decir, la quincuagésimo quinta edición del Festival de Cine del British Film Institute en Londres, que había dado comienzo el día 12 de este mes en la capital británica y que se clausura esta tarde, con la proyección de ‘Deep Blue Sea’, de Terence Davies, protagonizada por Rachel Weisz, Tom Hiddleston y Simon Russell Beale. En una gala presentada por la actriz Gillian Anderson, se dieron a conocer las decisiones del jurado, presidido por John Madden, que eligió entre los 300 largos y cortometrajes llegados de 55 países.

La ganadora fue la cinta ‘We Need to Talk About Kevin’ (“tenemos que hablar de Kevin”), de Lynne Ramsay, de la que nos había hablado Juan Luis cuando la vio en Cannes, donde participó en competición por la palma de oro. Tilda Swinton y John C. Reilly protagonizan este drama, basado en la novela de Lionel Shriver, encarnando a los padres de un asesino adolescente, Kevin, a quien da vida Ezra Miller. Este film superó a otras ocho finalistas, incluyendo la película francesa muda ‘El artista’, ‘Faust’ de Aleksandr Sokurov, ganadora en Venecia, y ‘Shame’ del director británico Steve McQueen.

El debut del realizador argentino Pablo Giorgelli, ‘Las acacias’, fue galardonada con el Premio Sutherland al mejor primer largometraje. Esta cinta, interpretada por Germán de Silva y Hebe Duarte, también estuvo presente en el último Festival de Cannes, donde había obtenido la Cámara de Oro, premio a la mejor ópera prima del certamen. El film cuenta la historia de Rubén, un adusto camionero argentino que transporta acacias entre Asunción y Buenos Aires, y que durante un largo viaje al lado de una inmigrante paraguaya y su bebé, recobra sus ganas de vivir y su paternidad perdida.

Candese Reid, actriz de ‘Junkhearts’, fue premiada como Revelación Británica. El Pemio Grierson al mejor documental recayó en ‘Into the Abyss: A Tale of Death’, A Tale of Life, de Werner Herzog. Además, Ralph Fiennes y David Cronenberg fueron distinguidos por su trayectoria. Fiennes presentó ‘Coriolanus’, su estreno como director, y Cronenberg su drama psicoanalítico ‘A Dangerous Method’.

Vía | Terra.

En ‘Step Brothers’ (distribuida en España con el desafortunado título de ‘Hermanos por pelotas’), John C. Reilly encarnaba a un inadaptado cuarentón que todavía vivía bajo el mismo techo que su padre, cuya rutina daba un brusco giro cuando éste decidía compartir su vida con una mujer que casualmente tenía un hijo casi idéntico, al que daba vida Will Ferrell. En una escena de la película, tras numerosos (y poco inspirados) conflictos, los padres reconocían que no estaban siendo capaces de sobrellevar la situación, por lo que debían separarse, y volver cada uno por su lado; cuando uno de los hijastros preguntaba si ellos habían tenido la culpa, recibía como respuesta un rotundo y sincero “sí”. Curiosamente en ‘Cyrus’ se da una situación similar con un tono y unos personajes bastante parecidos, pero Reilly cambia de lugar y ahora es él quien debe intentar soportar al peculiar hijo de su pareja.

John (Reilly) atraviesa la peor fase de su vida cuando su exmujer (Catherine Keener), de la que lleva siete años divorciado, le comunica que va a casarse de nuevo. Sin embargo, durante una fiesta en la que no deja de quedar en ridículo, la suerte de John cambia por completo; de manera inexplicable, Molly (Marisa Tomei), una bella y encantadora mujer, se siente atraída por él y esa misma noche comienzan una apasionada relación. Todo parece perfecto, un sueño hecho realidad (en especial para él, que estaba total y absolutamente desesperado). Hasta que John decide seguir a Molly para descubrir dónde vive y por qué se marcha a altas horas de la madrugada. Así es como descubre que Molly tiene un hijo de veintiún años, Cyrus (Jonah Hill). Un chico que no ve con buenos ojos al nuevo novio de su madre…

Pese a que los actores están estupendos, en mi opinión, el primer gran problema de la película está en la elección de la actriz que da vida a Molly. No voy a negar que el amor puede ser ciego, o dicho de otra manera, que hay personas que a uno le resulta imposible que puedan estar juntas, pero lo están, y permanecen juntas con total naturalidad, como si su unión estuviera predestinada. Pero esto es una película, y uno elige los acontecimientos, así que deben resultar verosímiles, no pueden suceder de una manera que solo pueda ser justificada como “es que en la vida pasan cosas así”. Ciertamente, es la excusa de los creadores vagos, de los que creen que no hay que dedicar demasiado tiempo a pensar en los personajes o en el relato, que lo importante es grabar a los actores, tenerlos juntos en el encuadre y que parezcan enamorados, manteniendo una conversación atiborrada de clichés.

Así que Marisa Tomei da vida a Molly, una atractiva soltera, cálida y radiante, que encuentra en John al hombre que buscaba. Y no es por el físico de Reilly que resulta un hecho improbable, sino por la forma de ser y el comportamiento de su personaje. Su John es muy similar al torpe, desastroso y bobalicón tipo que interpretó en ‘Step Brothers’, alguien que parece haberse quedado estancado en la adolescencia. Tras dos noches juntos, John, desesperado por agarrarse a lo que acaba de encontrar, se convierte en un auténtico acosador, y una vez que logra entrar en la casa de Molly, tras conocer y hablar con Cyrus, se queda a cenar y a dormir, como si nada. La tercera noche. Al despertar, con la misma ropa con la que llegó, no encuentra sus zapatos, y viendo que los otros tienen su propia rutina para la mañana, se marcha al trabajo en calcetines. De este tipo de personaje hablamos, por lo que no, no pega ni con cola con la Molly que interpreta Tomei.

Y aun así, uno acaba creyendo que la conexión existe y que los dos personajes deben estar juntos. Es la grandeza de contar con actores de experiencia y talento, que conocen su trabajo y sus posibilidades interpretativas, que pueden modelarse para crear personajes que, a pesar de los desaciertos del guion o la dirección, resulten finalmente coherentes y naturales. John va desprendiéndose de las exageradas capas del principio y se convierte en un personaje mucho más creíble y razonable, simpático y cercano, al mismo tiempo que se afianza su relación con Molly, que resulta ser una mujer más excéntrica de lo que parecía inicialmente, y se complica su relación con Cyrus, que no piensa compartir a su madre con facilidad. Jonah Hill encaja perfectamente en el papel, lo hace ambiguo y marciano, desde las primeras escenas uno no sabe qué esperar de él, y si esa extraña mirada esconde diabólicas intenciones. No hay que esperar mucho para comprobar que las peores sospechas son acertadas.

La infantil rivalidad entre el novio y el hijo de Molly, que es la que más sufre, es lo más ingenioso de ‘Cyrus’, lo que la diferencia de otras comedias estadounidenses de corte independiente (que parecen todas iguales), pero los autores (firman su tercer largometraje tras ‘The Puffy Chair’, ‘Baghead’) no profundizan lo suficiente en nada de lo que proponen, y cuando por fin estalla el conflicto entre los tres protagonistas, lo resuelven de manera rápida y convencional, en lugar de ofrecer soluciones menos trilladas. Con todo, el aspecto más negativo del film es la absurda realización de estos hermanos, que parecen meros aficionados jugando con una cámara recién adquirida; hay constantes y molestos desenfoques, por culpa de unos feos zooms que no tienen ningún sentido. Además, demuestran no tener idea alguna de puesta en escena, no saben dónde situar a los actores, así que la película tiene un aire de grabación casera de lo más mediocre. Con actores tan malos como ellos, ‘Cyrus’ sería totalmente insufrible.

Aquí incluyo una galería de rostros de algunos de los mejores vivos:

Michael Ironside

Frederick Reginald Ironside nació en Toronto el 12 de febrero de 1950, y saltó a la fama mundial con ‘V’ (id, Kenneth Johnson, 1983-84), mítica serie en la que encarnaba al personaje más interesante, pese a que al final se ablandaba un poco. He de confesar que cuando veía la serie de pequeño, me daban pena los pobres lagartos, enfrentados a un tipo con tanta mala leche. Ironside es de esos actores de reparto de quienes es imposible olvidar el rostro. Después de que Verhoeven confiara en él para ser la némesis de Arnie en ‘Desafío total’ (‘Total Recall’, 1990), hizo docenas de películas en los noventa, la mayoría de escasa repercusión y calidad. En la pasada década ha trabajado sobre todo en televisión, y ha prestado voces a videojuegos. La última película en que le ví fue la muy floja ‘Terminator Salvation’ (id, McG, 2009)

Richard Jenkins

Uno de esos actores a los que ves película tras película en pequeños papeles, sin saber siquiera su nombre, pero que agradeces que aporte su talento y su presencia. Luego hace una estupenda película como principal, ‘The Visitor’ (id, Thomas McCarthy, 2007), y le nominan al Oscar. Lo que son las cosas. Pero echando un vistazo a su carrera, da vértigo: películas de Clint Eastwood, Woody Allen, Lawrence Kasdan, Sydney Pollack, Mike Nichols (pésimo cineasta, pero excelente director de actores), Harold Becker, Kathryn Bigelow...Sin olvidarnos de su gran aportación a una de las tres o cuatro mejores series de la historia, ‘A dos metros bajo tierra’ (‘Six Feet Under’, Alan Ball, 2001-05). A sus 63 años esperamos que siga haciendo grandes cosas. Además, tiene cara de buen tipo, mezclado con un poco de humor negro.

Michael Madsen

A quien le diga que Michael Madsen (hermano de la guapa Virginia) tiene varios importantes premios de poesía en Estados Unidos, a lo mejor no me cree. Este grandullón, nacido en 1957, se ha especializado en papeles de tipo duro, y también de tipo acabado y patético que, sin embargo, atrapa a una samurái casi invencible y la entierra viva en ‘Kill Bill, vol. 2’ (id, Quentin Tarantino, 2004). Empezó a llamar la atención sobre todo en 1991, con un breve papel en ‘Thelma & Louise’ (id, Ridley Scott) y con su ex-convicto sádico de ‘Reservoir Dogs’ (id, Quentin Tarantino), y aunque su carrera posterior no ha brillado como cabría de esperar, su presencia es siempre estimulante y hasta levanta películas de escasa calidad como ‘Species: especie mortal’ (‘Species’, Roger Donaldson, 1995) o ‘Blueberry, la experiencia secreta’ (‘Blueberry’, Jan Kounen, 2004).

Steve Buscemi

Quizá uno de los actores más feos de la historia del cine reciente, pero uno de los secundarios más conocidos del mundo. Auténtico icono del cine independiente neoyorquino, sus trabajos con Tarantino o los Coen le han asegurado un prestigio que él ha sabido mantener. También ha trabajado en algunos filmes de gran presupuesto, con resultados más bien discretos. En la última década ha hecho más televisión, sobre todo en la HBO, con su breve pero antológica aportación a ‘Los Soprano’ (‘The Sopranos’, David Chase, 1999-2006) y su actual papel en la muy esperada ‘Boardwalk Empire’ (id, Terence Winter). Lo opuesto más absoluto a la típica estrella, pero suele bordar casi todos sus trabajos.

James Woods

Un actor que, para algunos, era el Richard Widmark del cine moderno. Como él, Woods ha brillado tanto en principales como en secundarios, aunque quizá su gran talento se explote todavía más en papeles que parecen poco sustanciales y que él convierte en importantes, como el que tiene en la emocionante ‘Ejecución inminente’ (‘True Crime’, Clint Eastwood, 1999) o, más aún, en la mediocre ‘El especialista’ (‘The Specialist’, Luis Llosa, 1994), que no se merecía ni su esfuerzo ni la belleza de Sharon Stone. Woods lleva trabajando cuarenta años y ha hecho muchísimas películas y series de televisión. Le dio la réplica de manera impecable a De Niro en ‘Érase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’, Sergio Leone, 1984) y once años después en ‘Casino’ (id, Martin Scorsese, 1995) y en los últimos años ha prestado su voz a videojuegos y ha participado más en series. Haga lo que haga, Woods ya es uno de los grandes secundarios de las últimas décadas.

Gary Sinise

Este hombre con perpetua cara de mala hostia, es uno de los actores de reparto más portentosos de la actualidad. Más conocido desde su papel del teniente Dan en ‘Forrest Gump’ (id, Robert Zemeckis, 1994), este oriundo de Illinois desde 1955 ha hecho dos veces de astronauta atormentado, en ‘Apollo 13’ (id, Ron Howard, 1995) y en ‘Misión a Marte’ (‘Mission to Mars’, Brian De Palma, 2000) y como tantos otros, incluidos muchos de esta lista, ha terminado por encontrar en la televisión un medio que le ofrece más regularidad y estabilidad. Su genialidad consiste en hacer como que no hace nada, en limitarse a estar, y en acumular una energía interior, una violencia, que ya quisieran muchos actores protagonistas

Tom Wilkinson

Uno de mis actores vivos preferidos, sin ninguna duda, es este artista nacido en Leeds en 1948, capaz de interpretar a tipos de gran humanidad como a villanos abyectos, e incluso al hombre corriente, con sus luces y sus sombras. Su prodigiosa carrera incluye algunas de las más importantes películas de habla inglesa de los últimos años. Pudimos verle de villano en la sombra en la estupenda ‘El escritor’ (‘The Ghost Writer’, Roman Polanski, 2010), pero ya fue un villano memorable en ‘Batman Begins’ (id, Christopher Nolan, 2005) o un extraño doctor en la sublime ‘Olvídate de mí’ (‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, Michel Gondry, 2004). Hizo magistralmente de hombre común en la excelente ‘En la habitación’ (‘In the Bedroom’, Todd Field, 2001), y de atormentado en ‘Michael Clayton’ (id, Tony Gilroy, 2007), de cura exorcista en la espeluznante ‘El exorcismo de Emily Rose’ (‘The Exorcism of Emily Rose’, Scott Derrickson, 2005) y de parado en ‘Full Monty’ (‘The Full Monty’, Peter Cattaneo, 1997), y de mecenas de Shakespeare en ‘Shakespeare enamorado’ (‘Shakespeare in Love’, John Madden, 1998). ¿Sigo?

Luis Guzmán

Otro secundario bastante feo, la verdad, pero sobre cuyos hombros descansa gran parte del mérito de algunas estupendas películas. El puertorriqueño Guzmán, pequeñito y de rostro difícil, atesora una carrera de órdago. Ya había aparecido en la secuela de ‘Cocodrilo Dundee’, pero su primera película importante fue la magnífica ‘Atrapado por su pasado’ (‘Carlito’s Way’, Brian De Palma, 1993), y desde ese papel del traidor Pachanga ahí no ha parado. Su conexión con Steven Soderbergh y sobre todo con Paul Thomas Anderson, le ha garantizado la aparición en excelentes papeles como el mártir de ‘Traffic’ (id, 2000) o el aspirante a estrella porno de ‘Boogie Nights’ (id, 1997). Su naturalidad y su valentía hacen de él un intérprete secundario idóneo para papeles tanto realistas como exagerados.

John C. Reilly

Y para terminar un actor que en 2002, con ‘Chicago’ (id, Rob Marshall), ‘Las horas’ (‘The Hours’, Stephen Daldry) y ‘Gangs of New York’ (id, Martin Scorsese) alcanzó el cielo cuando las tres fueron nominadas a la mejor película y él era un secundario en todas ellas. Nacido en Chicago en 1965, es otro de los actores favoritos de Paul Thomas Anderson, fue uno de los más perjudicados en el montaje final de ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, Terrence Malick, 1998), cuando su personaje se vio reducido a apenas unos pocos minutos.

Darren: “Así que ahora puedo transformarme en un murciélago”.

Larten: “¡No, no! Eso es una gilipollez”.

No puedo dejar de asombrarme por cómo se manipulan las películas en este país (y en todos, supongo, pero éste es en el que vivo). Quizá no os hayáis percatado de ello, no me sorprendería lo más mínimo, pero el pasado 16 de julio se estrenó en España una película titulada ‘El circo de los extraños’, dirigida por Paul Weitz y protagonizada por John C. Reilly, Chris Massoglia, Salma Hayek, Willem Dafoe, Ray Stevenson y Ken Watanabe, entre otros. Ahora mismo estoy viviendo en la provincia de Cádiz, y os puedo asegurar que se proyecta en ningún cine. No se puede ver en ninguno, a pesar de que por ahí aguantan (la estupenda) ‘La última estación’ o (la intrascendente) ‘Mamut’, cintas destinadas claramente a un público muy minoritario.

No tiene ningún sentido, a menos que la intención sea la de concentrar a los espectadores en el menor número posible de salas (quizá para no tener que limpiar tanto). Creo que se ha perdido una oportunidad con ‘El circo de los extraños’, concebida para quedarse con los fans de la saga ‘Harry Potter’, ya cercana a su final (a menos que Warner siga troceando la última entrega), y con los que gustan de historias vampíricas, pero odian ‘Crepúsculo’. Cierto es que en Estados Unidos se ha dado un tremendo batacazo en taquilla (14 millones para una producción que costó 40), pero no me parece que sea ésta una buena razón para condenar al olvido una película más divertida, siniestra e interesante que las hermanas bastardas de Harry Potter (como la penosa ‘Percy Jackson y el ladrón del rayo’) o las adaptaciones de los libros de Stephenie Meyer.

Otra clase de vampiros… y de “freaks”

‘El circo de los extraños’ (‘Cirque du Freak: The Vampire´s Assistant’) se basa en la obra juvenil de género fantástico escrita por Darren Shan, que por lo visto no tiene, ni de lejos, tantos seguidores como las otras dos sagas citadas. La trama se centra en Darren (Shan, mismo nombre que el autor), un adolescente que siente que no es como los demás (por ejemplo, siente una extraña fascinación por las arañas), y que no está de acuerdo con el plan de vida que sus padres han previsto para él (desternillante la secuencia en la que hablan sobre su futuro). Un día, Darren encontrará la salida que buscaba desesperadamente; descubre que un misterioso circo ambulante ha llegado a la ciudad, y acompañado por su mejor amigo, Steve, decide asistir al espectáculo, como si supiera que está a punto de dar un paso crucial, de embarcarse en una gran aventura que lo transformará para siempre.

Aunque la fórmula “vampiros y adolescentes” se asocia ya inevitablemente a las (mediocres) películas de ‘Crepúsculo’, conviene dejar claro, una vez más, que ‘El circo de los extraños’ es rotundamente diferente a aquéllas. Para empezar, ésta no se centra en ningún romance (es muy posible que sea precisamente ésa la razón del fracaso comercial), si bien hay espacio para hablar de amor, confianza, coraje, bondad y, sobre todo, amistad. De manera inevitable, quizá para evitar posibles malentendidos (que Darren sea homosexual), se incluye en la historia una chica de la edad del protagonista con la que enseguida establece una conexión especial; aun así no tiene nada que ver esta relación con esa cosa facilona y obsesiva que Meyer crea entre los famosos Edward y Bella. Darren es un vampiro pero no deja de ser un adolescente temeroso y tímido, y la chica trabaja en el circo porque… bueno, mejor lo descubrís por vosotros mismos.

Como no podía ser de otra manera, aquí también se da un retrato peculiar de las criaturas vampíricas, y es que cada autor tiene su propia visión del mito. El chupasangre de Darren Shan es una curiosa mezcla entre el tradicional, que puso de moda ‘Drácula’, y el que hemos visto en ‘Crepúsculo’ (por seguir con la comparación, siendo un título tan popular). John C. Reilly, que interpreta a Larten, el vampiro que instruye al protagonista, dijo que lo que más le interesó de su personaje es que a pesar de sus características fantásticas, no deja de ser un tipo corriente que ha vivido mucho. Así es; se alimenta de sangre, sólo camina de noche (el chico no es un “vampiro completo”, por lo que puede resistir la luz del día, una artimaña que da mucho juego), duerme en un ataúd, es inmortal, es más fuerte y rápido que los vivos, pero en el fondo sigue siendo una persona, que no desea ningún mal a nadie y sólo quiere vivir tranquilamente.

Con la secuela en mente

De eso va en parte la película, como tantas otras centradas en criaturas, seres extraordinarios o marginados, de encontrar la humanidad y (sin dejar de ser uno mismo) de permanecer en paz tanto individual como colectivamente. También se habla mucho de la amistad y el compromiso; los dos jóvenes protagonistas tienen sus más y sus menos durante todo el metraje, llegando al enfrentamiento cuando Darren se convierte en vampiro y rompe sus lazos con todos los que le conocían, incluido Steve, quien no entiende el sacrificio y lo considera una traición. Él quiso ser un chupasangre desde el principio y gracias a una facción enemiga, podrá cumplir su sueño. Todo se encamina a un dramático duelo que anticipa una gran guerra… pero se está pensando en la segunda parte, y en una serie, así que en lugar de cerrar este film, de ofrecer un relato lo más redondo posible, lo dejan todo abierto para poder continuarlo más adelante. Cosa que ya no parece que vaya a ocurrir.

Sin duda, lo mejor del film es Larten, un gran personaje interpretado magníficamente por Reilly; Hayek, Dafoe, Watanabe y los demás “freaks” del circo apenas tienen relevancia, y su presencia parece más bien un simple reclamo publicitario (aunque imagino que en esas hipotéticas secuelas que tenían pensadas, estos personajes tendrían más relevancia). El principal problema que le veo al reparto es que tanto Chris Massoglia como Josh Hutcherson (Darren y Steve) fuerzan mucho sus interpretaciones, no viven la ficción, y sus diálogos suenan inverosímiles; Hutcherson (que pudo ser el nuevo Spider-Man) va mejorando conforme su personaje se acerca al “lado oscuro”, pero Messaglia es incapaz de hacer nada con su personaje, parece más preocupado por cómo va a aparecer en la pantalla, posando en muchas escenas en lugar de interpretar.

Como todas, la película tiene sus aciertos y sus errores, y ésta se tambalea por momentos a puntos de caer en la mediocridad, pero en general destaca por ser una cuidada producción que tira más por lo cómico que por lo serio, con correctos efectos visuales y muy apropiada para el público juvenil que busque un entretenimiento de corte fantástico. Con un director más capacitado que Paul Weitz (hermano de Chris Weitz, curiosamente, responsable de ‘Luna nueva’), que convierte cada escena de acción en una caótica mezcla de planos fugaces, un guión (éste lo firman Weitz y Brian Helgeland) algo más elaborado, que expusiera mejor el drástico cambio que se produce en la vida de Darren, ‘El circo de los extraños’ podría haberse comparado, sin palidecer, con las mejores entregas (las tres primeras) de ‘Harry Potter’.

Era de esperar. ‘La saga Crepúsculo: Eclipse’ tenía que hacerse con el número uno en la taquilla sí o sí. La saga de vampiros y hombres lobo que tantas y tantas locas seguidoras tiene es, sin lugar a dudas, uno de los grandes negocios en Hollywood, la gallina de huevos de oro que seguirá dando sus ganancias cuando se estrene la cuarta entrega que también romperá taquilla y corazones. Las críticas han sido aceptables, prácticamente todos coinciden en que ésta es la mejor entrega de las estrenadas. Eso sí, el público votante en la IMDb ni siquiera la aprueba. ¿El gusto del público por debajo del de la crítica? No me lo creo.

Por debajo de los vampiros está el nuevo y esperado trabajo de M. Night Shyamalan, quien parece no tenerlas todas consigo al menos en suelo yanqui. La película ha obtenido una taquilla bastante considerable, pero mucho me temo que en futuras semanas descenderá a lo bestia pues las críticas han sido penosas, el público votante también muestra su disconformidad con un señor que dicen toma el pelo a la gente. ¿Cómo será la cosa en Europa? Por estos lares Shyamalan es más comprendido pero nunca se sabe, todo indica en que este aparente cambio de estilo le ha hecho un flaco favor a un director cuyo indudable genio empieza a ponerse en tela de juicio. El 6 de agosto saldremos de dudas.

‘Cyrus’ es una cinta independiente que se ha colado en el top ten, una de esas películas cuyo éxito va creciendo gracias al boca/oreja. Críticas muy buenas y el público votante en la misma línea. John C. Reilly y Marisa Tomei encabezan el reparto de un film que no tiene la repercusión de las antes citadas, pero así es el mundo del cine. Si no hay efectos visuales y a ser posible en 3-D la cosa parece que interesa a muy pocos.

Vía | IMDb

Paul Weitz es el hermano de Chris Weitz —director de ‘La brújula dorada’ (‘The Golden Compass’, 2007)— que hasta ahora ha demostrado tener mejor mano que él —sólo por ‘In Good Company’ digo esto—, aunque ahora ha decidido adentrarse dentro del género fantástico con ‘Cirque du Freak: The Vampre´s Assistant’. Basada en la serie de libros de Darren Shan, parece que será la primera de otra saga que tenga a los vampiros como protagonistas. En ella se nos narran las peripecias de un muchacho que se topará con un circo de freaks, comandado por un vampiro, el cual se convertirá en su mentor.

El siempre excelente John C. Reilly encabeza un reparto, en el que además nos encontraremos con Willem Dafoe, Ray Stevenson, Ken Watanabe, Salma Hayek, y Chris Massoglia en el papel del adolescente, llamado curiosamente Darren Shan. El tráiler, en la línea de la mayoría de los tráileres, cuenta más cosas de las que debería. No sé qué pensar una vez visto el avance, lo mismo estamos ante una de las películas más taquilleras del 2010, como se la pega en el estreno, que en estos lares será el 19 de marzo.

Vía | Impawards y Trailer Addict

Por alguna extraña razón que no alcanzo a comprender, aunque me consta que para muchos es algo sencillo, e incluso razonable, ‘Step Brothers’ se estrenó en España, el pasado 31 de octubre, con el título de ‘Hermanos por pelotas’, en lugar de ‘Hermanastros’. Puede que con ese título más “gracioso” (digo yo que eso es lo que pensarán) se quisiera atraer a más público, pero lo que consiguen, me consta, es alejar a gente que de otro modo se habrían interesado por el producto.

En cualquier caso, y para ir al grano, vaya por delante que no recomiendo ir a ver este film al cine. A pesar de los trailers, que me daban mala espina, me veía defendiendo esta película, por los señores que están detrás de ella. Sin embargo, lo que podría haber sido una parodia gamberra sobre los valores familiares norteamericanos se queda en una repetitiva sucesión de bromas simplonas protagonizadas por dos niños en cuerpos de hombres.

‘Step Brothers’ nos presenta a un matrimonio recién formado; por un lado tenemos a una mujer divorciada y por otro a un viudo. Los dos incorporan un hijo al nuevo hogar. Lo más llamativo es que esos “pequeños” tienen ya cuarenta años. En un principio, ambos se odian y sólo quieren volver a la situación anterior, pero más adelante se convierten en amigos, al mismo tiempo que sus padres deciden que ya son mayores para vivir su propia vida, independientes…

A la hora de buscar a los principales responsables de esta ‘Step Brothers’, hay que señalar cuatro nombres: Judd Apatow, Adam McKay, Will Ferrell y John C. Reilly. De los cuatro, vamos a quedarnos con los tres últimos, los más implicados en la creación y desarrollo de la historia. Los tres, McKay, Ferrell y Reilly, son autores de la historia original, los dos primeros del guión; el primero dirige y los otros dos protagonizan la película, dando vida a dos personajes que podríamos definir como sus “alter egos infantiles”. Los tres coincidieron previamente en ‘Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby’ (en España traducido como ‘Pasado de vueltas’), un éxito de taquilla.

Es de lo más normal que pensaran en repetir la jugada. McKay, Ferrell y Reilly juntos de nuevo. Sin embargo, la fórmula no funciona esta vez, y el éxito no volvió a producirse. Lógico, lo que en una era novedad y, lo más antiguo del mundo, narrar una historia (por muy absurda que fuera), aquí es repetición y descontrol, una película que no cuenta nada. Podríamos pensar que la pareja Ferrell y Reilly está agotada, pero yo creo que más bien se debe al bajo nivel del primero y a la desacertada labor de McKay. Reilly no puede dar mucho más de sí, como actor cómico, pero de los otros hemos visto cosas mucho mejores que ‘Step Brothers’.

En Blogdecine (y en otros sitios) siempre he defendido a Will Ferrell. Tenía motivos, se quieran ver o no, se compartan o no. Ahora sólo tengo motivos para lamentar haber perdido el tiempo con su nueva comedia. No es casualidad que este señor haya pasado de ser uno de los actores más taquilleros a uno de los menos rentables. El público norteamericano que le apoyaba, que se partía de risa con sus actuaciones, le está dando la espalda, y no es para menos. Ferrell se ha acomodado y ya no se esfuerza en buscar nada nuevo, sólo en rentabilizar su propio producto. A tenor de los resultados en taquilla de sus últimas películas, le toca cambiar. O eso, o está acabado. Por lo pronto ya ha dicho que no va a filmar más comedias sobre temas deportivos. Es un comienzo…

Desde luego, ‘Step Brothers’ tenía una buena idea de partida. Dos cuarentones que se comportan como niños cuyos padres obligan a independizarse. Ferrell y Reilly, dos tíos divertidos con buena química, al frente del reparto y un director experimentado en el género y colega de los otros dos. Lo tenían fácil para desarrollar situaciones hilarantes, para criticar de forma humorística la importancia de la familia, para seguir burlándose (con cariño) de las estupideces que cometen a diario los respetados y orgullosos ciudadanos de los Estados Unidos.

Pues no. Pasan de un guión elaborado, se la juegan con las mismas cartas que ganaron la partida en el pasado, improvisan interpretando casi todo el tiempo a (creo que ni ellos lo negarían) retrasados mentales, hacen mil y una tonterías frente a la cámara, y, en definitiva, aburren al público. Tampoco estoy diciendo que no haya ni un momento gracioso en toda la película. Pero la proporción es diminuta y los bostezos, desde muy pronto, constantes. Cabe destacar el divertido papel de Richard Jenkins, las reacciones que provoca el insoportable hermano triunfador de Ferrell (interpretado por Adam Scott) y el doble final (hay una secuencia después de los créditos) de la película, a pesar de que se desperdicia, de nuevo, el fondo de la cuestión (me refiero a la pérdida del valor de la inocencia). Para olvidar, prácticamente todo lo demás.

Definitivamente, ‘Hermanos por pelotas’ es una de esas comedias que parecen hechas sólo y exclusivamente para que sus responsables se lo pasen bien. Se olvidan que están haciendo cine, que hay un público que ha pagado una entrada. Pero se acordarán. Los resultados de taquilla y las valoraciones están ahí. La próxima se hará mejor, son inteligentes, saben dónde se han equivocado. O eso espero…

• Otra crítica de la película en Blogdecine:

‘Hermanos por pelotas’, radiografía de lo absurdo