Esta es una de esas semanas en las que no hay ningún estreno en DVD de una película realmente importante y reciente. Pero no por eso es una semana sin interés, pues el consumidor habitual de este formato va a encontrar algunas novedades realmente interesantes, de géneros variados, de directores muy diferentes entre sí, y con estilos muy dispares. Vean, vean:

‘Lejos de la tierra quemada’

Director: Guillermo Arriaga

Intérpretes: Kim Basinger, Charlize Theron, Kim Basinger, José María Yazpik, Joaquim de Almeida, Danny Pino, J.D. Pardo, Brett Cullen

Sale una edición sencilla para una película que sus responsables hubieran deseado que gozara de mejor acogida que la fría y a veces indiferente que tuvo. Arriaga, en su debut, contó con un reparto fenomenal, en el que brilla por derecho propio Theron. Y volvió a contar una de sus historias en forma de puzzle, que le hicieron célebre por sus guiones para Iñárritu. En su primer largo como director incide, además, en sus antiguos temas de dolor y redención, pero sin sorprender a nadie ya.

Críticas en blogdecine:

• Lejos de Iñárritu
• La tierra de lejos quemada por Arriaga Guillermo

• ‘Lejos de la tierra quemada’, drama contemplativo

‘Fuga de cerebros’

Director: Fernando González Molina

Intérpretes: Mario Casas, Alberto Amarilla, Canco Rodríguez, Gorka Lasaosa, Pablo Penedo, Amaia Salamanca, Sarah Mühlhause, Álex Angulo

El cine español lo va consiguiendo poquito a poco. Al final lo logará completamente. Me refiero a convertirse, en cuanto a géneros, en cine norteamericano hablado en castellano. Esta comedieta, que algo de taquilla hizo, se presenta en una edición sin ninguna clase de extra. La crisis.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Fuga de cerebros’, la comedia descerebrada patria

‘Traidor’

Director: Jeffrey Nachmanoff

Intérpretes: Don Cheadle, Guy Pearce, Archie Panjabi, Neal McDonough, Saïd Taghmaoui, Alyy Khan, Adeel Akhtar, Raad Rawi

Edición de dos discos para una película que pasó completamente desapercibida el día de su estreno, y que no gustó a casi nadie. Yo no la he visto, pero como tengo la suerte de que mis compañeros sí, pues dejo aquí algunas de sus críticas.

Críticas en Blogdecine

• Traidor lamentable

• ‘Traidor’, entre la fe y la acción

‘Escrito bajo el sol’

Director: John Ford

Intérpretes: John Wayne, Maureen O’Hara, Ward Bond, Dan Dailey, Edmund Lowe, Kenneth Tobey, Ken Curtis, Edmund Lowe, Sig Ruman

Siempre es un placer hablar de John Ford, aunque en este caso no me parece, ni de lejos, una de sus mejores películas. La historia de Spig Wead es conmovedora, pero Ford las tiene más equilibradas y más complejas. Como suele suceder con las películas de este director que salen a la venta en DVD, lo hace sin ningún tipo de extras. Pero vamos, que da lo mismo, ¿no? Y ya sé que el título del cartel es otro, pero fue así como la llamaron en México. Y es bastante bonito, me parece.

‘1941’

Director: Steven Spielberg

Intérpretes: Dan Aykroyd, Ned Beatty, John Belushi, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Christopher Lee, Tim Matheson, Toshiro Mifune, Warren Oates, Robert Stack, Mickey Rourke, Treat Williams, Nancy Allen, John Candy, Penny Marshall, Sam Fuller, Slim Pickens, Patti Lupon

Precisamente, ahora estamos haciendo en Blogdecine (concretamente yo mismo), un repaso a toda la carrera de este director. En mi opinión, esta es una de las menos conseguidas. En cualquier caso, es de visionado obligatorio. Sale una edición de dos discos, pero la distribuidora no parece por la labor de facilitar la lista de contenidos.

Críticas en Blogdecine

• Steven Spielberg: ‘1941’, una comedieta sin la menor gracia

‘El hombre lobo’ (1941)

Director: George Waggner

Intérpretes: Claude Rains, Warren William, Ralph Bellamy, Patric Knowles, Bela Lugosi, Maria Ouspenskaya, Evelyn Ankers, J.M. Kerrigan, Fay Helm, Lon Chaney Jr., Forrester Harvey

Vale, es cierto. Es una película que se ha quedado irremediablemente anticuada. Y su director no era precisamente un gran artesano, ni mucho menos. Pero conserva, como se suele decir, un encanto venido a menos que muchos pueden apreciar como la rareza que es. Una edición estupenda, con dos discos y una presentación muy trabajada, para una historia que, en su momento, aterrorizó a no pocos.

‘El siciliano’

Director: Michael Cimino

Intérpretes: Christopher Lambert, Terence Stamp, John Turturro, Joss Ackland, Richard Bauer, Barbara Sukowa, Giulia Boschi, Aldo Ray, Ray McAnally, Barry Miller

Para cuando Cimino hizo esta película, ya estaba en caída libre. Claro que su caída fue desde muy alto, de modo que aunque sus películas no daban un duro, aún podía hacer cosas como esta, que sin ser nada impresionante, sí es, a ratos, una película apasionante. Cimino, que dudo que vuelva a hacer otra película en su vida, tenía talento y pulso narrativo. Además, pienso que es la mejor interpretación de Lambert. Si no la han visto la recomiendo. Creo que no dejará indiferente a nadie.

‘En tierra de nadie’

Director: Dave Payne

Intérpretes: Michael Robert Brandon, Desmond Askew, David Stanbra, Michael Muhney, David Stanbra, Mircea Monroe, Shelly Desai, Lew Temple

No, no es la galardonada película de Danis Tanovic (que por cierto, recomiendo encarecidamente), sino una más de asesinos en serie que se dedican a descuartizar al personal (ummm, algo catártico de ver cuando uno vive en este mundo tan aburrido), y que es perseguido por el sheriff de turno. Una edición bastante sencilla para un título que, no nos engañemos, es carne de videoclub. Pero también tienen que existir estas cosas para crear una industria. Digo yo, que no sé nada de industrias… Sí, la carátula es bien fea. Casi tanto como la de ‘Fuga de cerebros’.

‘Un rostro de mujer’

Director: George Cukor

Intérpretes: Joan Crawford, Melvyn Douglas, Osa Massen, Albert Bassermann, Reginald Owen, Conrad Veidt, Donald Meek, Marjorie Main

A Cukor le conocen como el gran director de actrices que fue, aunque también de actores masculinos, la verdad. Esta es una de las historias más perturbadoras que hizo en su vida. La recuerdo como uno de esos ejemplos del cine mal llamado clásico en los que más me retorcí en el asiento cuando era pequeño, y la volví a ver hace no mucho y tal sensación se repitió. Edición sencillísima, pero es de compra obligada. Tampoco considero a Cukor un gran artista, pero siempre es un placer ver, precismente, cómo dirige a los actores, disciplina que parece que está en vías de desaparecer y que, aunque no creo que sea imprescindible para hacer cine, siempre provoca, como digo, un gran placer de ver.

‘Colección Hammer’

La verdad es que este tipo de colecciones le deja a uno un tanto rancio, porque se deberían hacer más completas, y con algo más de criterio. Ojo, no digo que las cinco películas seleccionadas estén mal, todo lo contrario, pero he aquí a un fanático de la Hammer que siempre quiere más. En cualquier caso, para pasarlo bien, las cinco películas: ‘El doctor Jekyll y su hermana Hyde’, ‘Los demonios de la mente’, ‘Sangre en la tumba de la momia’, ‘Miedo en la noche’ y ‘La monja poseída’. Todo ello en una de esas cajas para las que ya no nos queda espacio en la estantería.

Y eso es todo por esta semana. No se me quejen.

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Cuando ví ’2001, una odisea del espacio’, ya supe perfectamente que lo que quería hacer en ‘Solaris’ era algo completamente opuesto y diferente a ella. Me parece que cada escena es una ilustración de revista de ciencia ficción. Y no precisamente arte gráfico de buena calidad

- Tarkovski en los preparativos de ‘Solaris’

A algunos no nos importa que nos lean mucho o poco, o incluso lo que digan de nosotros. Pero a todos nos gusta gozar de partidarios intelectuales, por eso de sentirse menos solo en el universo (precisamente, el tema de ‘Solaris’). Leyendo la famosa cita de Tarkovski sobre la película de Kubrick, pienso que puedo seguir siendo el mayor chiflado de este país (aunque el post sobre ‘2001’ tuvo su repercusión, que es lo importante…que hablen de uno, aunque sea mal), pero estoy un poco más acompañado.

A los que no conozcan a fondo la obra de Tarkovski, que serán legión, estas palabras les parecerán altivas y provocadoras. Pero si uno está familiarizado con su trabajo y su personalidad, son totalmente coherentes, aunque no están exentas de radicalidad. Y es que Tarkovski se tomaba su profesión muy en serio (qué distinto sería el cine si otros directores hicieran lo mismo), y no se callaba aunque en alguna ocasión sus ideas chocaran con la mayoría. Pero el único complejo del que no adolecía este artista provenía de la fiereza de sus ideas.

Se han dicho muchas insensateces, como que ‘Solaris’ era la respuesta rusa a ‘2001’, cuando en realidad era el alegato de un artista libérrimo en contra de la hojarasca de los géneros, que terminan enfangando la razón de ser de tantas películas. No creía Tarkovski en los géneros. Y no consiguió zafarse de la sci-fi completamente, aunque era ese su deseo, en este su tercer largometraje. Finalmente lo lograría con la sublime ‘Stalker’, pocos años después. La sencillez como vehículo para encontrar la verdad, aunque sea una sombra de verdad. Pero de verdades no sabía mucho Kubrick.

También dijeron que Tarkovski era el Kubrick ruso, aunque no existe realmente un director más antitético a Kubrick que él, ni en ideas, ni en obra, ni en personalidad. Kubrick filmaba cuando quería, y su escasa obra dependió siempre de su desgana. Tarkovski, sin embargo, rodó lo que le dejaron rodar, y casi siempre tenía que partirse la cara contra las crueles autoridades de su país, hasta que se exilió a Italia primero, y a Suecia después, para poder seguir haciendo películas, aunque tuvo que separarse de su hijo. ¿Qué sabrá Kubrick de seguir siendo fiel a sí mismo?

Pienso exactamente como él en la cita de más arriba, pero no en la cita de más abajo. Sin embargo, no soy un fanático (aunque venero a Ford) que no sepa respetar las ideas ajenas:

Es una pena haber utilizado aquel paisaje tan metafísico para rodar una mala película sobre el dinero.

-Tarkovski sobre el Monument Valley y ‘La diligencia’

Para Tarkovski, era muy importante el tema central del filme, que en la tradición cinematográfica estadounidense muchas veces suele ser un mero mcguffin. Eso a él le irritaba. Y más si, como es el caso, el tema central era el dinero. Nunca apreció mucho a Ford, aunque le unían secretos y sorprendentes lazos estilísticos, y es posible que su carrera la estudiara poco y mal. De sus directores favoritos lo veía y analizaba absolutamente todo. Y es una pena que no hiciera lo mismo con Ford, porque sospecho que si hubiera visto ‘The Searchers’, ese western tan metafísico, probablemente hubiera cambiado de parecer.

Este artículo podría servir de texto introductorio a un análisis en profundidad, tal como estamos haciendo con Francis Ford Coppola o Clint Eastwood (los de Cameron y Fincher fueron simplemente textos sobre sus películas), pero no va a ser así. Por la sencilla razón de que todavía no estoy preparado, me parece, para llevar a cabo esa empresa.

Pero ahí queda, en proyecto. Y ahora, a seguir con Coppola…

Además de mis colaboraciones en Cope Catalunya en el programa La alternativa, participio de vez en cuando en Punto radio en el programa presentado por Ana García Lozano, ‘Queremos hablar’. La semana pasada hablamos, en compañía de su habitual crítico de cine, Antonio Albert, sobre los biopics, un subgénero que siempre ha estado presente en cualquier época del cine. Los biopics, son como su mismo nombre indica (biographic picture) películas biográficas, casi siempre de alguien muy famoso en la historia.

En los últimos años tenemos films como ‘En la cuerda floja’, ‘Ray’, ‘Truman Capote o ‘El aviador’, que se han acercado a su figura central desde varias perspectivas, haciendo hincapié en el lado más oscuro de las mismas. Pero no hay que olvidar que el biopic lleva haciéndose en Hollywood desde que el cine es cine. Films como ‘El joven Lincoln’, de John Ford, entran de lleno en la acepción de biopics, en una época en la que quizá se subrayaba el tono idealista de las historias.

La foto de arriba pertenece al rodaje de ‘Bird’, biopic que Clint Eastwood realizó sobre ese genio de nombre Charlie Parker. A continuación, el audio del programa.

Queremos hablar (Los biopics, audio, mp3, 9´4 MB)

El mercado del maravilloso DVD es siempre una salida con esperanza por si el cine nos falla. Esta semana la oferta es amplia y en algunos casos, irresistible. Desde lo último de Wong Kar Wai hasta una serie de films de la mítica productora británica Hammer, pasando por varias reediciones de films recientes, son algunas de las ofertas que encontraremos a la venta estos días. Pero sin duda, el plato fuerte para cualquier cinéfilo que se precie es la edición de dos de las más grandes obras maestras que ha dado el cine en sus más de 100 años de existencia.

‘Y el mundo marcha’

Director: King Vidor

Intérpretes: Eleanor Bordman, James Murray, Bert Roach, Estelle Clark, Daniel G. Tomlinson, Dell Henderson, Lucy Beaumont, Freddie Burke Frederick

Indudablemente una de las mejores películas del gran King Vidor (que nos regaló otras joyas del calibre de ‘Duelo al sol’), y uno de los mejores films de toda la época muda. La historia por excelencia de los perdedores. A todos aquellos que les gustan las relaciones paternofiliales, mil veces retratadas en infinidad de películas, tendrían que ver ‘The Crowd’ (su título original), a ver si les quedan ganas de seguir viviendo. No es una exageración, el final de esta película es de los que dejan echo polvo a uno. Edita la Fnac en una operación inteligente, dado que este film carece de ediciones en el resto del mundo. DVD sin extras, y no importa.

‘La ruta del tabaco’

Director: John Ford

Intérpretes: Gene Tierney, Charley Grapewin, Marjorie Rambeau, William Tracy, Elizabeth Patterson, Dana Andrews, Ward Bond, Slim Summerville

Al año siguiente de la imprescindible ‘Las uvas de la ira’, John Ford dirigió esta película, injustamente menos conocida por el gran público, pero que nada tiene que envidiarle al film protagonizado por Henry Fonda. Con el mismo guionista, Ford narra la historia (con un sutil sentido del humor que no empaña el enorme drama narrado) de una familia que utiliza artimañas de todo tipo para salvar sus campos de algodón y su casa, antes de que el banco se quede con todo. Otro DVD exclusivo de la Fnac, y que viene también sin extras, algo que a mi me da igual porque con esa fotografía de la portada ya me llega.

‘My Blueberry Nights’

Director: Wong Kar Wai

Intérpretes: Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz, David Strathairn, Chad R. Davis, Cat Power, John Malloy, Adriane Lenox

Wong Kar Wai desata tantas pasiones como odios. Un servidor tardó en entrar en su cine, y ahora no me pierdo nada de este señor. Su primera experiencia en suelo norteamericano es otro producto fascinante, reflexivo y emotivo. La película cuenta con dos ediciones, una sencilla y otra especial, que contiene un segundo disco con clips y entrevistas al director y los actores.

Críticas en Blogdecine:

• ‘My Blueberry Nights’, seguimos deseando amar

• ‘My Blueberry Nights’, amores de barra

‘El lince perdido’

Directores: Raul García y Manuel Sicilia

Película de animación ganadora del Goya al mejor film animado en la última edición de los premios patrios. Servidor puede hablar del entusiasmo y cariño que uno de sus directores, García, siente hacia esta película y lo que les costó sacar adelante el proyecto, teniendo en cuenta que en el campo de animación 3D la Pixar es prácticamente imparable, y todos tendemos a comparar todos los demás productos con los de esa compañía. Salen dos ediciones, una simple y otra especial, con la única diferencia entre ambas de un disco que contiene un “cómo se hizo”.

‘La ola’

Director: Dennis Gansel

Intérpretes: Jürgen Vogel, Jennifer Ulrich, Frederick Lau, Max Riemelt, Maximilliam Vollmar, Cristina do Rego, Jacob Matschenz, Christiane Paul

Una de las películas más exitosas y polémicas del reciente cine alemán, aunque en este segundo aspecto el film podría haber metido más la carne en el asador de lo que lo hace. DVD con un disco de extras, entre los que se pueden encontrar tomas falsas, entrevistas, un final alternativo, escenas eliminadas y extendidas.

Críticas en Blogdecine:

• ‘La ola’: lunes, martes, miércoles…

• ‘La ola’, conciencia histórica

‘Huracán sobre la isla’

Director: John Ford

Intérpretes: Dorothy Lamour, Jon Hall, Mary Astor, C. Aubrey Smith, Thomas Mitchell, Raymond Massey, John Carradine, Jerome Cowan

Segunda película dirigida por John Ford (aunque parece ser que también realizó algunas secuencias Stuart Heisler) que se edita esta semana, y de nuevo es una exclusiva de la Fnac, que en estas semanas está apostando fuerte por la edición de grandes clásicos. Un drama romántico, con esa gran carga de lirismo que caracterizaba a Ford, ambientado en los Mares del Sur, y con un enorme huracán como trasfondo y metáfora de los fuertes sentimientos. DVD sin extras.

‘Las horas del verano’

Director: Olivier Assayas

Intérpretes: Juliette Binoche, Charles Berling, Jérémie Renier, Edith Scob, Dominique Reymond, Valérie Bonneton, Kyle Eastwood

A ver si recupero esta interesante película, que se me escapó en el momento de su estreno en cines, y eso que para críticos con estilo como Quim Casas y Adrián Massanet supone de lo mejor estrenado durante el 2008. Cine europeo parece ser que del bueno, con claras reminiscencias de la Nouvelle Vague. Como anécdota nombrar que Kyle Eastwood, hijo del gran Clint Eastwood, tiene un papel en la película. Una pena que no se marque un temazo de jazz. DVD con los típicos extras.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Las horas del verano’, la extinción de Europa

‘El doctor Jekyll y su hermana Hyde’

Director: Roy Ward Baker

Intérpretes: Ralph Bates, Lewis Fiander, Gerald Sim, Martine Beswick, Ivor Dean, Dorothy Alison, Susan Broderick, Neil Wilson

Una de las producciones de la Hammer de los 70, dirigida por uno de los directores más reconocidos de la productora (después de Terence Fisher, por supuesto), Roy Ward Baker, que lo mismo filmaba alguna película inquietante como rebajaba el nivel de forma considerable. Tal es el caso de esta película, con la divertida idea de convertir a Hyde en una mujer de armas tomar. Dicha idea no está exprimida al máximo, perdiéndose parte de su atractivo. DVD para la colección de películas de la Hammer. Además se editan los títulos ‘La monja poseída’ (Peter Sykes, 1974), ‘Los demonios de la noche’ (Peter Sykes, 1972), ‘Miedo en la noche’ (Jimmy Sangster, 1972), y ‘Sangre en la tumba de la momia’ (Seth Holt, 1971)

‘Outlander’

Director: James Caviezel, Sophia Myles, Jack Huston, John Hurt, Cliff Sounders, Patrick Stevenson, Aida Devine, Ron Perlman

Film de Sci-Fi con un argumento delirante: en el año 870, una nave espacial se estrella en nuestro planeta, portando con ella a un guerrero y a un alienígena que empieza a hacer de las suyas entre los vikingos del lugar. Ahora podré recuperarla, porque esto como mínimo tiene que ser simpático. DVD con mínimos extras.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Outlander’, para el que piensa que lo ha visto todo

‘Saw V’

Director: David Hackl

Intérpretes: Tobin Bell, Julie Benz, Betsy Russell, Costas Mandylor, Mark Rolston

Quinta entrega de una saga tan rentable como demasiado alargada. Servidor se quedó en la tercera entrega, la cual ya me pareció una solemne tomadura de pelo Únicamente el carisma de Tobin Bell podría lograr que retomase la saga, pero lo dudo. DVD con extras en los que se enseñan las trampas mortales de la película. ¿Querrán adiestrar a un futuro Jigsaw?

Más información | Zona DVD

Seguramente existen otras escenas en ‘Una historia de violencia’ que llamarán más la atención a los fetichistas y amantes de secuencias tórridas, pero la idea de esta entrada no va por ahí. Busca hablar más de los actores secundarios, de aquellos que sin ser los protagonistas de la historia, se apropian de la película, y llegan a discutir la autoría de la misma.

Entre los más jóvenes (aunque ahora que lo pienso, no tanto), por repetido en muchos programas de televisión y cursos de formación comercial, siempre sale a relucir Alec Baldwin con su interpretación en Glenngarry Glenn Ross con su monólogo sobre técnicas a emplear en la venta (el famoso ABC), lleno de abusos y crueldad hacia los empleados de la oficina que está bajo su supervisión. Es una aparición intensa y no muy extensa, pero se hace con la película. John Ford tenía bajo su mecenazgo la ‘Compañía Estable de John Ford’, los secundarios de sus películas, que casi siempre eran los mismos: su hermano Francis Ford, Ward Bond, Ken Curtis, Victor McLaglen, Mae Marsh, Woody Strode y alguno más… Les proporcionaba papeles que les iban siempre al pelo, con lo que era complicado que en la réplica a las estrellas de entonces no destacasen sobre ellos, en especial Ward Bond y Victor McLaglen. Así, en esta ley no escrita de roba pantallas, se elaboró por parte de A.V. Club, una lista “moderna” (no entra de lleno en la historia del cine), con los actores que con una sola aparición o cameo en una película habían hipnotizado a los espectadores y se habían hecho casi con la autoría de la película. Dentro de esa selección de cameos especiales, se encuentra la interpretación de William Hurt como el hermano mafioso de Viggo Mortensen al final de ‘Una historia de violencia’.

Se trata casi de un plano secuencia, el reencuentro de dos hermanos que hace mucho que no se sientan cara a cara para hablar. El gran final que estábamos esperando y que la película demandaba. A ello ayuda William Hurt (si su interpretación no hubiera sido redonda, el castillo de naipes sobre el que se había construído la historia que nos estaban contando, se hubiera derrumbado). Éste representa el pasado del que quiere huir el personaje de Mortensen. Hasta ese momento nos encontramos en un thriller, que se transforma en una comedia cuando Hurt empieza a reírse de sí mismo y de las cosas que han hecho. El descerebrado psicótico que saca a relucir, transpira tanto humor negro, que su maldad nos hace sacar una leve sonrisa de nuestra cara. Su voz, sus gestos, su uso de las manos, su posición en la mesa, todo cuenta.

Durante 10 minutos, se apodera de la película, la lleva a su terreno, sacando a la luz lo que en realidad es su hermano, el despiadado asesino que lleva dentro. La forma en la que va desgranando el pasado, lo que cuenta y como lo cuenta, hace que ‘Una historia de violencia’ acabe por ser una película redonda, superando el regalo que anteriormente ofrecía Ed Harris en otra secuencia, logrando que el recuerdo de la película en nosotros sea mucho mejor del que ya había conseguido.

Como decía antes, la gente piensa en Alec Baldwin, cuando de hablar de cameos especiales se trata, pero lo de William Hurt es poderoso. Ambos lo logran en dos películas excelentes, donde incluso es más difícil lograr destacar. Y ese es el mérito. Es una única aparición que impregna toda la película. Diferente a lo que lograban a lo largo de sus películas los secundarios de John Ford, pero de la misma estirpe. No hay papel grande, ni pequeño, sino personajes creíbles y defendibles. El resto es cuestión de magia, y de un actor en un estado de gracia. Píldoras que hacen que cualquier película tenga su punto de interés.

Más información | decine21.com
En blogdecine | Glengarry Glen Ross, del cine como enseñanza empresarial a versiones de su famosa secuencia

Mis secuencias mágicas en blogdecine:

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• El cuento de Navidad de Auggie Wren en ‘Smoke’
• La colección de fotos de Auggie en ‘Smoke’
• La canción Dreams en ‘Chungking Express’
• Magnolia
• La fábula de la cigarra y la hormiga de ‘Los lunes al sol’
• ‘Paris, Texas’, el diálogo en el Peep Show
• Richard Widmark será siempre Tommy Udo
• ‘Julio César’ y el arte de manipular a la plebe
• Sally fingiendo el orgasmo
• ‘Atlantic City’, el limón y Susan Sarandon
• ‘Manhattan’, secuencia inicial
• La pistola de Indiana Jones
• Sydney Pollack, ‘Tal como éramos’ y ‘Memorias de África’
• Hola, mi nombre es Iñigo Montoya…
• ‘Tiburón’ de Spielberg visto con el paso de los años
• El pelo rojo de Julianne Moore
• Lee Marvin y ‘Wandering Star’
• ‘Peter Pan’, You Can Fly! (¡Tú puedes volar!)
• Jessica Rabbit por encima de Roger Rabbit
• Paul Newman será siempre Eddie ‘Relámpago’ Felson

Hace unas semanas, el pasado 20 de mayo, se cumplieron 100 años del nacimiento de James Stewart, actor memorable donde los haya. Su rostro bondadoso (retorcido en algunas magistrales películas), su físico (esas largas piernas), su voz (tan característica, imprescindible para apreciar su trabajo) y, sobre todo, la intensidad de sus interpretaciones quedaron grabadas vivamente en la memoria de los aficionados al cine. Una leyenda, una razón para amar el séptimo arte, que dejó este mundo el 2 de julio de 1997. Como suele decirse, siempre nos quedará su obra, las películas en las que participó y que son, en su mayoría, títulos de gran valor y de ejemplar factura. Tras una dificilísima selección, aquí os dejo con las que considero que son las diez películas en las que James Stewart muestra con mayor claridad su excepcional talento para la interpretación.

• ‘Caballero sin espada’

‘Mr. Smith goes to Washington’ (1939), de Frank Capra. Primera y merecida nominación al Oscar para Stewart, que interpretaba a un personaje con el que aún hoy se le identifica plenamente, dejando a un lado (quizá por desconocimiento) su faceta más oscura. El actor se ponía en la piel de un idealista y honesto senador de Wisconsin que se encuentra, en Washington D.C., con un mundo político corrupto que le estalla en la cara. El momento: El discurso final, con un Stewart entregado al máximo, en una memorable escena que, por cierto, fue parodiada estupendamente por Los Simpson (colaboración especial de Mel Gibson).

• ‘Historias de Filadelfia’

‘The Philadelphia story’ (1940), de George Cukor. Primer y único Oscar “verdadero” para Stewart; el otro fue honorífico, por toda su carrera. El mejor actor de reparto de aquel año encarnaba a un sarcástico periodista (frustrado escritor) que se ve envuelto en el juego que se traen la fantástica pareja formada por Katherine Hepburn y Cary Grant. El momento: Hay muchos, muy divertidos, pero a mí me encanta el de Stewart paseando por la mansión, revisando la lujosa cubertería, hasta que se da cuenta que alguien no le quita la vista de encima.

• ‘¡Qué bello es vivir!’

‘It´s a Wonderful Life’ (1946), de Frank Capra. Tercera nominación al Oscar para Stewart, quien realiza en este film la que posiblemente sea su interpretación más conocida (la del George Bailey soñador, que parece encerrado en una triste existencia), aunque sólo sea por la cantidad de veces que se ha visto la película, convertida con el paso del tiempo en el título navideño por excelencia. El momento: Sin duda, el final, de una fuerza y emotividad impresionantes, liberación de todo el drama soportado hasta entonces, a ratos una auténtica pesadilla.

• ‘Winchester 73’

‘Winchester ‘73’ (1950), de Anthony Mann. Grandioso western, uno de los mejores de la Historia del Cine, que gira en torno al simbólico rifle del título, que va de mano en mano, de historia en historia, hasta terminar en el lugar justo. Podéis leer mi crítica haciendo click aquí. El momento: Stewart entra en un bar y se encuentran justo con quien estaba buscando; los dos se llevan rápidamente las manos a las pistolas… Pero Wyatt Earp ya se las había quitado previamente. Si las miradas matasen, Stewart habría despedazado a su oponente.

• ‘El invisible Harvey’

‘Harvey’ (1950), de Henry Koster. Stewart vuelve a ser candidato al Oscar gracias a su memorable trabajo en esta entrañable comedia dramática (que casi podría haber firmado Capra) sobre un hombre cuyo mejor amigo es un gigantesco, pero invisible, conejo rosa. El momento: El protagonista entrega a su particular amigo, del que se despide, pues otra persona le necesita más que él… ¿acaso el conejo es real? ¿Quién es el loco?

• ‘Colorado Jim’

‘The Naked Spur’ (1953), de Anthony Mann. Se trata de una selección y no puedo ponerlos todos, pero éste tenía que estar. Mann y Stewart vuelven a trabajar juntos en un poderoso western psicológico, protagonizado por un grupo de personajes que se presentan de una forma pero van desarrollándose de otra, enriqueciendo una sencilla trama que se retuerce y complica por momentos, hasta su brillante desenlace. El momento: Robert Ryan se revuelve como una serpiente venenosa y pone en duda la bondad de las intenciones del personaje de Stewart, a lo que éste reacciona enfurecido, cargado de violencia y provocando la duda en todos nosotros; su expresión da miedo…

• ‘La ventana indiscreta’

‘Rear Window’ (1954), de Alfred Hitchcock. Acompañado de una arrebatadora Grace Kelly, el actor interpreta a un forzado “voyeaur” (debido a un accidente, queda en silla de ruedas), con peligrosas consecuencias; Hitchcock explota el suspense de forma magistral en este thriller, donde, como de costumbre en la filmografía del mítico director, hay mucho más de lo que parece. El momento: El asesino tiene atrapado a Stewart, y éste recurre al único “arma” que tiene a mano…

• ‘Vértigo (De entre los muertos)’

‘Vertigo’ (1958), de Alfred Hitchcock. ¿La mejor película del maestro del suspense? Eso mantenemos muchos. Lo que está claro es que esta fascinante obra no sería la misma sin Stewart, cuya imagen de hombre bondadoso queda, definitivamente, rota en mil pedazos, en la que quizá sea una de las tres mejores interpretaciones de su carrera. El actor se pone en la piel (y en el alma) de un hombre atormentado que persigue el fantasma de la mujer que desea. El momento: El trepidante inicio es antológico, pero lo cierto es que el mejor momento de la película llega mucho después, con la “fantástica” tranformación a la que se somete Kim Novak.

• ‘Anatomía de un asesinato’

‘Anatomy of a Murder’ (1959), de Otto Preminger. Stewart vuelve a bordarlo (otra candidatura al Oscar), en esta ocasión encarnando a un particular abogado que debe afrontar un complejo caso de asesinato, en el que un hombre ha matado al violador de su esposa. Ejemplar y elegante realización, un guión extraordinario y más de una sorpresa en un título imprescindible, una de las mejores “películas de juicios” de la Historia. El momento: ¿Algún sinónimo de “bragas”?

• ‘El hombre que mató a Liberty Valance’

‘The Man who shot Liberty Valance’ (1962), de John Ford. Stewart vuelve a protagonizar un western, que resulta ser uno de los más memorables de la Historia. John Wayne y Lee Marvin completan un trío de lujo en una dramática historia que, entre otras cosas, es una reflexión sobre los mitos del lejano oeste americano. El momento: Creo que si hay que quedarse con uno, sólo puede ser el de la escena que da título a la película. La tensa situación con trampa en la que disparan y matan a Liberty Valance (hay quien duda aún sobre quién fue, realmente, el que hizo lo segundo).

Y diez. Eso es todo. Con alguien como Stewart, uno siempre se va a quedar corto haciendo una lista como ésta; se han quedado fuera títulos memorables como ‘El Bazar de las Sorpresas’, ‘La Soga’ o ‘Tierras Lejanas’... Pero bueno, había que elegir. ¿Qué opináis vosotros?

Hace poco os hablaba de John Ford, intentando elegir sus diez mejores películas, con lo difícil que eso resulta en un director de la talla de Ford. Dejaba fuera su etapa muda, por haber visto los films más famosos de la misma (más otros menos recordables), que de hecho son los únicos fáciles de encontrar. Poder ver la cantidad de mediometrajes que firmó como Jack Ford es tarea casi imposible, y el esperar que las editen en dvd, sobre todo en nuestro país, es soñar despierto. Afortunadamente, al otro lado del charco, empiezan a editarse a modo de packs algunas de las películas del maestro pertenecientes a su época menos conocida.

Como muchos sabrán, la mayoría de los films mudos de Ford no tuvieron la importancia capital de sus films sonoros, y tampoco el peso histórico que sí tuvieron otros directores coetáneos, como puede ser el caso de Fritz Lang (su etapa muda es simplemente deslumbrante) o King Vidor. Sólo algunos títulos desprenden esa sensibilidad de la que hizo gala el director en sus películas más conocidas. Después de haber dirigido un montón de westerns bastante olvidables, y que rodaba a la velocidad de la luz, y ya en la década de los 20, el director de origen irlandés empezó a hacer películas mucho más serias, por así llamarlas. ‘Legado Trágico’ es una de ellas.

La película narra dos historias entrelazadas. Por un lado, tenemos a un personaje ávido de venganza que viaja hasta Irlanda, en la que hay un precio puesto por su captura debido a ciertos errores del pasado, para hacer pagar a un hombre la muerte de su hermana. Precisamente, este hombre se casa con la hija de un severo juez, el cual vive sus últimos días agobiado por los fantasmas de todos a los que envió a la horca injustamente. Su último gran deseo es ver casada a su hija con alguien importante que le dé el futuro estable que su padre siempre quiso para ella, pero ésta está enamorada de otro hombre.

En ‘Legado Trágico’ (‘Hangman´s House’, 1928) están ya todos los típicos elementos del cine de Ford, y que en futuras películas desarrollaría. El film está ambientado en su amada Irlanda (Ford nació en los USA, pero siempre tenía admiración por el país de sus progenitores y se sentía de allí), con la típica galería de personajes tan característica de su cine. Tal vez se hayan cargado un poco las tintas con los malvados de la función, que en este caso son dos. El juez con una vida nada ejemplar, en lo que a repartir justicia se refiere, y que parece resignado a pagar sus males en el otro mundo, cosa que se deduce de esos interesantes instantes oníricos, en los que el juez mirando el fuego de su chimenea por el que se le aparecen, ansiosos de verdadera justicia, espíritus con rostros conocidos por el mismo. El actor, Hobart Bosworth, puede que esté algo exagerado en su composición, por otro lado, demasiado lineal. Lo mismo puede decirse de Earle Foxe, que da vida al rico marido con el que se casa la protagonista de la película, y que tiene fama de chivato. Curiosamente, la película se centra demasiado en estos dos personajes, y deja de lado al femenino, una chica que tiene que cargar con la etiqueta de haber sido la hija de un asesino, y ahora la mujer de un chivato. La actriz June Collyer es de lo más flojo de la cinta.

Menos mal que tenemos a Victor McLaglen, uno de los actores fetiche de Ford, dando vida a un simpático personaje (como era costumbre en él), que mezcla dureza con buen corazón. Uno de esos personajes rectos y justos que enseguida se ganan al espectador. Impresionante el plano final en el que se queda mirando a la pareja feliz que se va (fuera del plano) y su rostro parece entristecerse en el último momento. Un instante lleno de lirismo que cierra impecablemente la película. Ésta contiene otros instantes en los que Ford despliega su pasión poética, elevando el film a una altura considerable, aunque no alcanza la calidad de joyas como por ejemplo ‘Tres Hombres Malos’, uno de sus films mudos más famosos, realizado dos años antes.

‘Legado Trágico’ es una buena película, tal vez un poco irregular en alguno de sus tramos, no sabiendo por dónde tirar, pero es altamente disfrutable. Quizá una de las últimas realmente interesantes antes de que Ford se adentrase de lleno en una década (la de los 30) en la que ya empezaría a dejarnos algún que otro título inolvidable.

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En los meses de Mayo y Junio, la mejor revista de Cine publicada en español, Dirigido Por, hace uno de sus excelentes estudios a los que tan bien nos tienen acostumbrados. Esta vez le toca el turno a John Ford, aclamado por muchos como el mejor director de todos los tiempos. Con críticos tan expertos en el tema, como el excelente Quim Casas, autor del estupendo libro John Ford: el arte y la leyenda, hacen un viaje por toda la filmografía del director, separando, lógicamente su etapa muda de la sonora, y a su vez dividiéndolo por temas.

Así pues, llega hora de una de esas listas ya conocidas por todos vosotros, en las que he procurado resumir en diez películas lo grande que era Ford, uno de esos directores a los que recurrir cuando uno empieza a perder la fe en el cine debido a los pésimos estrenos que nos llegan (salvo excepciones, por supuesto). Aclarar que sólo me he centrado en las películas de su etapa sonora, ya que en la muda muchas de ellas no las he visto por ser difíciles de encontrar, aunque me gustaría citar films como ‘Tres Hombres Malos’ o ‘El Caballo de Hierro’ (de reciente edición en dvd en nuestro país), obras maestras de un director que curiosamente en su etapa muda no tuvo tanta repercusión como otros directores de la talla de Fritz Lang o King Vidor.

Las películas están en orden cronológico. Y cuidado, hay SPOILERS.

• ‘La Diligencia’

La película que lanzó a la fama a John Wayne, y también empezó a cimentar la condición de maestro de John Ford. Obra cumbre del western y un film casi claustrofóbico, algo impensable para la época, por poner a todos los personajes metidos en una diligencia. En todos ellos está representado el ser humano con sus distintos matices. Casi podríamos decir que es un film coral, de esos que tanto gustan ahora, pero en un espacio reducido. Curiosamente en el film hay saltos de eje, en la persecución de los indios a la diligencia. Ford se defendió de ello diciendo que quería enfrentarlos. En cualquier caso es uno de los trabajos más representativos de su autor, con unas interpretaciones prodigiosas, y aún hoy desprende una gran fascinación.

• ‘Las Uvas de la Ira’

La obra de John Steinbeck dio lugar a un buen puñado de grandes películas, y ésta es sin lugar a dudas una de ellas. El propio Steinbeck se declaró fan de la película, diciendo que la portentosa interpretación de Henry Fonda le hacía creerse sus propias palabras. Esta historia de unos campesinos que cultivan uvas y que buscan un lugar donde establecerse durante la represión de los años treinta, está narrada impecablemente, gracias a la total falta de maniqueísmo, con su típico gusto por el detalle y el lirismo. Por supuesto que la mencionada interpretación de Fonda, y la maravillosa fotografía de Gregg Toland hicieron mucho. Segundo Oscar como director para Ford (el primero fue por ‘El Delator’).

• ‘La Ruta del Tabaco’

Una de las primeras películas que un servidor vio de Ford,y con la que se quedó completamente embobado, aunque a lo mejor, la salvaje belleza que Gene Tierney desprende en el film, tuviese mucho que ver. Durante mucho tiempo sufrió el ser comparada con la anteriormente citada película, pues guarda mucho puntos en común con ella. Sin embargo, hoy día es bien visible que no tiene nada que envidiarle al film protagonizado por Henry Fonda. Ford acentúa su extrema sensibilidad para narrar, con esos toques nostálgicos tan típicos de él. Además, añadió un humor que hace que el film también sea muy divertido, cuando la historia que cuenta es de lo más triste. Imperdonable que aún no la tengamos editada en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’

Ford ganó su tercer Oscar por esta impresionante película costumbrista que refleja la vida minera en el Gales del siglo XIX. Dotada de una extrema sensibilidad, jamás cae en la sensiblería. Roddy McDowall en el papel más recordado de su niñez, excelentemente dirigido por Ford, sirve como nexo de unión a las distintas historias que se cuentan, protagonizadas por los distintos miembros de una familia. Un prodigio en todos los aspectos, tiene ese sello inconfundible que tiene muy pocas películas: cuando la vez por segunda vez, o tercera, o cuarta, o vigésimo sexta, es como si fuera la primera vez.

• ‘Pasión de los Fuertes’

Uno de los mejores westerns jamás hechos, relata el famoso duelo del O.K. Corral, en la que probablemente sea la mejor versión del mismo, pues Ford se basó en mucha documentación de la época, además de conocer en su juventud al famoso Wyatt Earp, quien le narró los hechos, y el director procuró ser fiel, añadiendo leves cambios. Una vez más, la fuerza lírica del relato es evidente, y Ford fue capaz de arrancar una interpretación sobresaliente de Victor Mature, actor muy mediocre. Eso sí, nunca volvió a trabajar con él. La desconocida Cathy Downs, preciosa como la Clementine de su título original, y Fonda como siempre, inmenso.

• ‘El Hombre Tranquilo’

Cuarto y último Oscar para Ford por uno de sus títulos más famosos entre el público de todas las generaciones. Mil veces imitado y homenajeado (el homenaje más famoso, el de Spielberg en ‘E.T.’). Un boxeador que mata a un rival en un combate se retira del deporte y se marcha a su Irlanda natal para intentar rehacer su vida. Una vez más, costumbrismo, serenidad, historia de amor, humor socarrón (genial Barry Fitzgerald) y todo mezclado de una forma que sólo Ford sabía hacer, dando la sensación de que hacer una película era algo fácil (aunque él siempre decía que sí). La química entre John Wayne y Maureen O´Hara pocas veces ha sido igualada.

• ‘Cuna de Héroes’

Muchos la tratan como una obra menor, y sin embargo en ella se encuentran todas las virtudes de su director, aunque tratadas de forma un poco más grandilocuente, lo cual no le resta calidad. Inspirada en hechos reales, sobre la vida de un hombre que fue toda una leyenda en la Academia de West Point, el film es también un tributo a la vida militar, tan del agrado de Ford. El muchas veces endeble Tyrone Power realizó una de las interpretaciones de su vida, aguantando muy bien las más de doras de metraje. Acaba de salir editada en dvd en nuestro país, así que es una buena ocasión para redescubrir este film, injustamente denostado en la filmografía del maestro.

• ‘Centauros del Desierto’

Para muchos, la mejor película de su director. Son varios los elementos que la engrandecen. Primero, el hecho de que Wayne realice un papel algo atípico en su carrera, con un desarrollo psicológico sobre el mismo de los que hacen escuela, y eso que el director no le quería para el personaje por considerarlo un poco mayor. Luego, Ford en su puesta en escena se aparta un poco de su estilo, componiendo un film, rico en matices pictóricos, y con un uso del color extraordinario. Una road movie con múltiples lecturas, y uno de los mejores finales de la historia.

• ‘El Sargento Negro’

Muy atacada por cierto sector de la crítica, debido entre otras cosas al uso de flashbacks que pueden dar lugar a confusiones en el argumento, hay que observarla detenidamente, para darse cuenta que dentro de su falsa sencillez se encuentra un film extraordinario, con una historia que engancha, la del falso culpable que las tiene todas contra él. Ford dirige a los actores impecablemente, y hasta Jeffrey Hunter está a la altura. Los escenas de exterior, rodadas en escenarios naturales, se emparejan con el provecho que Ford le saca a las escenas de interior, la mayor parte de ellas en una sala de justicia. Hace poco se editó en dvd en nuestro país.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’

Para mí la obra cumbre de Ford, la obra maestra entre sus obras maestras. La filmación pura y dura, sin lugar para las concesiones, del equilibrio entre realidad y leyenda, más toda una declaración a una época que se estaba acabando, en claro tono crepuscular. John Wayne y James Stewart, que con más de 50 años daba vida a un joven licenciado en derecho, se disputan a Vera Miles, y de paso representan el pasado y el futuro, la verdad que permanecerá oculta y la mentira que será mucho más bonita. Los tres encabezaban un enorme reparto, lleno de secundarios míticos, pertenecientes muchos de ellos al universo del director, y gloriosa fotografía de William H. Clothier. Indispensable.

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• ‘El Precio de la Gloria’, el precio de la locura

• ‘Indiana Jones: Las Aventuras’

El estreno de la cuarta entrega de la saga de Indiana Jones está a la vuelta de la esquina (¡¡que llegue ya el día 22!!) y nos vuelven a vender lo que hasta ahora era una trilogía cerrada compuesta por ‘En Busca del Arca Perdida’, ‘El Templo Maldito’ y ‘La Última Cruzada’. Se supone que incorporan material extra nuevo, para justificar los 45 euracos que vale todo. Decir que también se venden las tres películas por separado, por si no tienes pasta para el pack ahora mismo o por si alguna de las tres no te entusiasma (¡hereje!).

• ‘Soy Leyenda’

Will Smith cree que está solo en el mundo, pero hay Gollums cabreados que salen por la noche. El gran estreno de la semana. Por la edición del DVD, claro. La película, como ya dije en su momento, deja muchísimo que desear; increíble que la novela de Richard Matheson siga sin tener una adaptación que le haga justicia. Pero volvamos al DVD. Salen a la venta tres ediciones, una simple, una especial (2 discos) y otra con una versión alternativa del film (y los 2 discos). Ojito sobre esto último porque: 1) Sólo viene en versión original subtitulada (a algunos le llegarán ecos de mi risa diábolica); y 2) lo único que se incorpora es un final diferente, que, por cierto, ya pudimos ver aquí hace un tiempo.

• ‘Stardust’

Ya podemos comprar adaptación de la obra de Neil Gaiman y Charles Vess dirigida por Matthew Vaughn. Charlie Cox, Sienna Miller, Claire Danes, Robert De Niro y Michelle Pfeiffer en un cuento de hadas muy entretenido. La edición en DVD trae un cómo se hizo, escenas eliminadas y tomas falsas.

• ‘Leones por Corderos’

Robert Redford, Tom Cruise y Meryl Streep son los tres nombres más llamativos de este interesante film de gran carga crítica sobre la política, la juventud y los grandes medios de los Estados Unidos. Dirigida por Redford, la película no tuvo la repercusión que se esperaba y pasó muy rápido por las carteleras. El DVD trae el habitual cómo se hizo, el trailer y, lo más interesante, audiocomentarios de Redford.

• ‘Diario de una Niñera’

Salen a la venta dos ediciones de esta comedia para lucimiento de Scarlett Johansson, en su momento gran joya y ahora simplemente una actriz guapa más. De la edición especial, con dos discos, comentar que trae de todo, desde reportajes sobre cómo se hizo hasta tomas falsas o incluso final alternativo, por lo que no pierdas tiempo en comprarla si te divertiste con este film, en el que también aparecen Chris Evans y Laura Linney.

• ‘El Caso Wells’

Thriller para mayor gloria de Richard Gere, que comparte protagonismo con Claire Danes (a ver si vuelve a levantar el vuelo). Dirigida por Andrew Lau (uno de los dos responsables de la exitosa ‘Juego Sucio’), la película gira en torno al secuestro de una joven de 17 años. La edición en DVD es muy simple, sólo trae las típicas fichas y un trailer.

• ‘El Sargento Negro’

Desde esta semana ya podemos adquirir otro clásico del maestro John Ford, con Woody Strode, Constance Towers y Jeffrey Hunter. La película viene con los extras mínimos, las fichas. Por cierto, al parecer, sólo puede comprarse en tiendas de la Fnac; si no tienes una cerca, puedes acudir a la tienda virtual.

• ‘El Gran Combate’

Y para terminar, otro título del gran Ford que se pone a la venta en nuestro país. Richard Widmark, Carroll Baker, James Stewart, Karl Malden, Edward G. Robinson y Arthur Kennedy en un western que sólo podréis comprar en la Fnac.

Vía | ZonaDVD

Cuando antes de ayer me enteré de la muerte de Richard Widmark, me cogió tan de sorpresa que simplemente apuramos a dar la noticia sin más. Llevamos un mes de muertes de gente famosa, y querida por muchos, que apenas hay tiempo para asimilarlo. Muchas veces creo que ni se necesitaría hablar de ello, bastaría con ver, o revisar alguna de sus películas y punto. Una especie de homenaje en la misma sintonía en la que se hacía antaño en las televisiones: moría alguien conocido, y zas, película al canto. Ahora ya no se lleva eso. Y en este caso, ¿para qué? ¿quién era Richard Widmark? dirán sobre todo los más jóvenes, algunos cinéfilos, que sin haber llegado a los 30 años, creen saberlo todo de este difícil y maravilloso mundo del séptimo arte.

Para todo esos que tengan ganas de saber algo más que el cine de los últimos 20 años, y que éste no nació con Tarantino ni Lynch, o ni siquiera con los geniales James Cameron o David Fincher (por poner dos ejemplos de reciente supremacía cinematográfica admirada por muchos), les invito a un breve viaje por algunas de las películas que protagonizó un actor que supo hacer de malvado como nadie. Sus detalles personales no nos interesan. Era de Minessota, y vivió 33 años hasta hacer su debut en el Cine, un debut como pocos se recuerdan.

• ‘El Beso de la Muerte’

Sólo alguien como Widmark, con esa cara de loco y esa risa nerviosa y amenazante, podría tirar a una anciana desvalida en su silla de ruedas escaleras abajo. Dirigida por el casi siempre excelente Henry Hathaway, supone uno de los clásicos del cine negro, en el que Widmark le ganó por goleada a su partenaire masculino, Victor Mature, sin duda uno de los peores actores de todos los tiempos. A principios de los 90, el inútil de Nicolas Cage tuvo la osadía de querer revivir este papel en un remake que no estaba tan mal como prometía, pero lo de Cage resultó insufrible.

• ‘Noche en la Ciudad’ (Crítica en Blogdecine)

Después de hacer diversos papeles de malvado, para los que demostró una capacidad inusitada, Widmark sorprendió al otro extremo con uno de los personajes de perdedor más memorables que se recuerdan: Harry Fabian, en la magistral película de Jules Dassin, quien filmó la película en Inglaterra huido de la temible caza de brujas del senador McCarthy. Widmark resultó ser perfecto para tan patético personaje. Le acompañaba además, la mujer más guapa de la historia, Gene Tierney. Robert De Niro osó revivir el personaje en un remake de Irwin Winkler, que quedó bastante bien, pero no fue capaz de hacer olvidar a Widmark.

• ‘Pánico en las Calles’

El mismo año que ‘Noche en la Ciudad’, en la que Widmark acaparaba toda la atención, éste fue capaz de quedar en un segundo plano, en beneficio de otro de los míticos malvados del celuloide, Jack Palance, que precisamente debutó en la pantalla con esta película de Elia Kazan. A pesar de que la película está al servicio de Palance y su excelente personaje, Widmark llama la atención dando vida a alguien totalmente decente. Y es que también podía bordar personajes enmarcados dentro de la justicia y el orden, aunque el público prefería ver su lado más oscuro.

• ‘La Ley del Talión’

Salto al mejor género de la historia, el western. En esta maravilla del gran Delmer Daves, Widmark hizo del indio menos indio de todos, tal y como decía un lector en un post pasado. Un personaje de nuevo atormentado, en una historia con claras ramificaciones racistas, en la que se hacía un conciso y bien claro estudio sobre la venganza en su forma más simplificada: “a quien hierro mata, a hierro muere”. Sería imperdonable no mencionar sus intervenciones en clásicos del género como ‘El Hombre de las Pistolas de Oro’ o ‘Desafío en la Ciudad Muerta’, y por supuesto en…

• ‘Dos Cabalgan Juntos’

La película de John Ford que hizo que Jean-Luc Godard se tragase sus palabras y le pidiese perdón por unas acusaciones sin fundamento (la famosa anécdota del plano secuencia que hizo quedar al francés como un tonto de mucho cuidado). También es la única película en la que James Stewart hacía de “malo” y casi nadie se dio cuenta de ello. Por supuesto, el “bueno” era Richard Widmark, quien volvería a trabajar con el maestro en la impresionante ‘El Gran Combate’.

• ‘Brigada Homicida’

El gran Don Siegel dirigió a Widmark en una especie de precedente de ‘Harry el Sucio’, dando vida a un detective de policía con métodos de lo más curiosos. Un Widmark al lado bueno de la ley con las armas típicas del otro lado. Generó una serie de televisión en la que por supuesto Widmark repitió personaje en tal solo 6 episodios.

En los años 70 el veterano actor realizó lo que muchos otros: superproducciones, generalmente de catástrofes, y llenas de estrellas del pasado, por eso de la taquilla. Destacan sobremanera ‘Alerta: Misiles’, de un Robert Aldrich en plena forma, a pesar de la masacre que la censura española hizo con la película quitándole más de una hora de metraje, y también ‘Coma’, una de las películas más aceptables de Michael Crichton como director, en la que Widmark con su sola presencia ya era capaz de atemorizar al personal.

Sinceramente, cojáis la película que cojáis de este genial actor (muchos pensaréis que me olvido de ‘Manos Peligrosas’ de Fuller pero debo ser de los pocos que piensan que es un título algo sobrevalorado), su interpretación nunca os va a decepcionar, independientemente de la calidad de la película en cuestión. A mí sólo me defraudó una vez: ‘El Jardín del Diablo’, de Henry Hathaway, de lo más risible del director, una película casi en su totalidad ridícula.

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• ‘El Parador del Camino’, el poder de los celos
• ‘El Diablo de las Aguas Turbias’, el diablo en el fondo